#Chopin: Nocturne Op. 9, No. 2 in E flat
#肖邦：夜曲Op.9，其二
这首曲子也许是肖邦最有代表性的，最著名的，也是最出色的作品之一。也正因为如此，这首曲子被广泛地运用在了各种艺术作品中，以至于这首曲子甚至脱离了阳春白雪的范畴，在各式各样的大街小巷街角旮旯里重复地，经久不衰地播放——也就是说，这首曲子的知名度，甚至已经超过了它的作者。也许若干年后，人们会问，“肖邦是谁？”但是听到这首曲子，他们却会了然地说，“这就是那首著名的夜曲。”
这首曲子的结构是二部曲，即ABABA格式。A段的柔和宁缓由B段的变调加以挑动，而B段的略带兴奋的感情外溢又被A段的静谧优雅所安抚。每段的演绎都各具风味，这是通过附带了丰富的装饰音所完成的。在乐曲的结尾，强大的八度音占据了旋律，而在此之后的三连音则以舒缓而回味无穷的方式结束了这首曲子。
这首曲子是肖邦在二十岁时所作的。将如此精妙的浪漫主义风格以如此饱含诗意的方式展现出来的他，无愧于“钢琴诗人”的称号。在这首曲子中，华彩的辉煌与行板的沉稳都能毫无保留地展现出来，这无疑是钢琴作为一个乐器的潜力。然而将无边的幻想风格与戏谑的即兴之意同时暗藏在该曲当中，则不是平庸的作曲家力所能及的。
鲁宾斯坦生前接受采访时被问道，“音乐演绎对你来说意味着什么？（what does music interpretation mean to you?）”时回答：
“When I play something, even the ritual fire dance, I am convinced that there is no other music in the world. Otherwise, I wouldn’t be an authentic pianist. An interpreter has to forget during his play that there exists other music. When I play a piece of Schumann, I believe for myself that he is the only composer in the world, and I don’t think of Chopin. Sitting at the discussion table where people talk about musical history, I will feel things differently. Then I will say to you that Bach is much more important for the music history in comparison even to Beethoven, and even more so that Chopin. But judging the importance of piano music, Chopin embodies the first class – nobody has ever written so beautifully for the piano as him. He totally devoted himself to the piano and couldn’t compose for any other instruments.”
“当我在演奏时，即使说是演奏火祭之舞（法雅的乐曲），此时的我坚信世上再无其他音乐，否则的话我就不会是一个真正的钢琴家。一位演奏者必须要忘却世界上的其他音乐作品——除了他正在演绎的这一首。当我演奏舒曼的乐曲时，我深信他就是世上唯一一名作曲家，并且我会忘了肖邦。然而，在圆桌上和他人讨论音乐史的时候，我的看法会和演奏时不一样。我会对你说，‘巴赫在音乐史上的地位比贝多芬，甚至肖邦的重要性更甚。’但是真正评论起钢琴音乐时，肖邦的音乐呈示是一流的——除他以外，再没有一个人能够写出如此动人的乐章。他完全地为钢琴献出了他的一切，以至于他无法再为其他乐器尽一点点力。”
https://www.youtube.com/watch?v=Nu48Z45ibxQ

↑不必紧张，绝无恶意。
原因是昨天晚上写下面这篇的时候突然想到有多少人了解小提琴的基本构造，于是问了问我弹吉他的室友，然后他回答我六根……
于是我就兴趣盎然地post在了频道里。
与此相似的其他老掉牙问题有，一个八度一般是被多少等分，以及一台钢琴一般来说有多少个白键……
可以拿去问问身边的朋友，看看他们是否能答对。（笑）

Bach: Air on the G string
巴赫：G弦上的咏叹调
那么，小提琴一共有多少根弦？
一般来说，普通的小提琴一共有四根线，从低到高分别为G,D,A,E。实际上，GDAE这四个音两两都相差纯五度。有些特制的提琴确实会要求多加弦——不过如果说到六根弦，那么你大概率指的是吉他。吉他一共有六根弦——空弦情况下，从低到高，音高分别为EADGBE。可以发现，各弦之间的音差不再像小提琴那样是一致的。由于吉他有六根弦，因此在采取这个“guitar”的音译之前，它也被称作六弦琴。
回归正题。小提琴的G弦是它的最低弦，因此它的声音最浑圆醇厚，耐得住挑剔听众的耳朵。而这首C调曲子便可以只用小提琴的G弦完成。
实际上，这首曲子的原曲是巴赫的“D大调第三管弦组曲”的第二乐章。在巴赫的那个即将为人遗忘的巴洛克年代，发行于1723年上下的这首曲子并没有受到大众的青睐，因此埋没了将近一百五十年。直到1883年前后，德国的小提琴家奥古斯特·威廉姆重新发现了这首神圣而又优美的作品，把它移调到了C调，在封面上写上了auf der G-Saite (在G弦上)，并最终把这首曲子变成了脍炙人口的名作。
由于它的动听婉转，这首曲子也被称为“咏叹调”。这就是这个曲名的最终来历，是又一个讲述“是金子总会发光”的鸡汤励志故事，也是音乐史上的一段佳话。
实际上，在它完全转型为小提琴曲之前，1830年，门德尔松在钢琴上把这首曲子弹奏给了歌德听。歌德仅仅听了开头，便说“如此壮丽的乐曲。就好像有一大群衣着华丽的人们正沿着富丽堂皇的台阶庄严地迈步走下。”的确，这首曲子从头到尾都散发着浓郁的神圣庄严气息。延续不断的琴音就像清晨山涧里源源不断的溪水，草原上持续吹拂的西风，以及大教堂里肃穆的唱诗班。必须承认，悠扬的旋律性是小提琴这个乐器独有的最珍贵的特质，在这一点上钢琴也只能望洋兴叹。
尽管“G弦上的咏叹调”这个名字是后来起的，热爱幻想的人们却也编造了一个并不存在的故事来歌颂巴赫的伟大。他们说，巴赫当年进宫演出的时候，大提琴被做了手脚，以至于只剩下G弦。巴赫便即兴只用这一根弦完成了这首旷世杰作。
不过我的看法是，音乐家也许固然伟大，但是神化他们也许并非好事。他们也有自己的真情实感，以及局限性，这点在欣赏与评论音乐时极其重要。但是在对于他们的音乐妄下谵语之前，先静下心来，花点时间，赞叹一下他为世间留下的的这些传世名作吧。
https://www.youtube.com/watch?v=CLk8OILr72U

彩蛋：这首著名的乐曲被大量引用在各种艺术作品中。在anime里，妖精的尾巴，冰菓，EVA，哆啦A梦，罪恶王冠等等都曾引用过这首曲子。同样，在广告领域，可口可乐也曾引用过这首曲子
值得一提的是，广受好评的galgame“G弦上的魔王”本身就是对这首曲子的最好引用。（逃

#随想
“It has been said of Beethoven that he toppled the rules and freed music from the stifling confines of convention. But a close study of his compositions reveals that Beethoven overturned no fundamental rules. Rather, he was an incomparable strategist who exploited limits— the rules, forms, and conventions that he inherited from predecessors such as Haydn and Mozart, Handel and Bach— in strikingly original ways.”

Tchaikovsky：1812 Overture
柴可夫斯基：1812序曲
这首曲子也许是柴可夫斯基所创造的最受欢迎的管弦乐作品之一，甚至与天鹅湖，睡美人，以及胡桃夹子齐名：即使按照他自己的话来说，这部作品似乎“过于嘈杂”。
顾名思义，这部作品的创作是为了纪念1812年米哈伊尔·库图佐夫率领俄国军队击败了当时不可战胜的法军，迫使军事天才拿破仑铩羽而归，并赢得了卫国战争的胜利。因此，这部序曲在俄国人心目中的地位之崇高，甚至可以与国歌相比肩。
而这部作品在全世界范围内受到欢迎的另一个原因，则是这首曲子中用到了一种别的音乐家无法想象的乐曲：大炮，因此这首曲子也被称为“大炮序曲”。尽管音乐厅中的大炮难以想象，但是在诸多室外的演奏场所，为了纪念这首曲子的伟大，礼炮的出现并不罕见。
这首曲子的开头段呈现一副十分怡人辽阔的画面，这是在暗示俄罗斯的广袤田园景色。紧接着响起的马赛曲旋律，则是昭示法国侵略者的到来。扭曲的旋律与不和谐的和弦的交织是暗示战争的残酷与猛烈，而结尾段的天佑沙皇携带者猛烈的炮火声，将法兰西的旋律轰下了演奏台。
https://www.youtube.com/watch?v=VbxgYlcNxE8

由于这周曲子的炮火元素和它的饱满激情，这首曲子快速地点燃了人们对它的兴趣，并成为了流行文化的一部分。其中最出名的应用莫过于《V字仇杀队》中的片段。在夜幕中，V的遗体，艾薇·哈蒙德与千万个戴着V字面具的革命者在1812序曲的高潮中，目睹着寄托极强象征意义的伦敦议会大楼——在炸弹中被炸成了碎片。
https://www.youtube.com/watch?v=D9gYhnUKehU

Schubert:Impromptu op. 142 No.3 in B flat major
舒伯特：降B大调即兴曲(op.142,no.3)
急躁的时候听巴赫，忧郁的时候听贝多芬，失意的时候听德彪西。
这首即兴曲的主旋律来自舒伯特为剧作《罗莎蒙德》所作的插曲中的主题，并且也同样出现在他的第十三弦乐四重奏中。实际上，与其称这首曲子为即兴曲，不如更贴切地称为变奏曲，因为乐曲的主题实际上在不断重复，只是因为不同的演绎方式使得乐曲的表现方式更加多样。
乐曲的主题活泼而精细，沉稳又富有生气。乐曲的装饰音使用以及旋律行进沿袭了贝多芬时期的浪漫主义风格，而曲中的转调则可以在他的其他作品中窥见，比如说鳟鱼五重奏。
不安的时候就听舒伯特。
https://www.youtube.com/watch?v=8YFX-XQLToE

Beethoven: Piano Sonata No. 14 in C♯ minor, “moonlight”
贝多芬：升C小调第十四奏鸣曲，“月光”
说到贝多芬就会想到的作品是什么？即使是一个外行人也大概能说出一两个，比如说，“悲怆”，“命运”，以及“月光”。
很难想象这首创作于1801年的，题献给贝多芬的学生圭齐亚蒂的奏鸣曲会拥有如此大的影响力。贝多芬——至少他本人——并没有给这首曲子赋予“月光”的名字。这个别号来自于评论家路德维希·莱尔斯塔勃在1832年的一篇评论：他称第一乐章的气氛犹如月光下的四森林湖。而在此后，这个别号犹如野火一样烧遍各种出版物，以至于没有人还记得这首曲子的原标题是“如幻想般的奏鸣曲”。
因此，在很多人（包括我）看来，把这首曲子笼统地称作“月光奏鸣曲”是十分不恰当的；这不仅是因为这只照顾到了第一乐章的朦胧意向，更因为它只是因为一种音乐分析看似合理而曲解了贝多芬的原意。
第一乐章（持续的慢板）上，贝多芬特意标注了“全乐章都应该踩踏板”。这个乐章——作为最著名的作品中的最具代表性旋律——散发出一种忧伤庄重的追思感。在贝多芬还在世的时候，这个乐章就已经如此著名甚至有些人认为是贝多芬最杰出的作品，以至于他对车尔尼（对没错就是那个车尔尼，他是贝多芬的学生）说，“我绝对写过比这更好的”。
第二乐章（小快板）则更像舞曲。轻快的旋律担任的是承接第一乐章的沉重以及引入第三乐章的华彩。
紧接着的是不怎么为大众知晓的第三乐章（激烈的急板），然而这却是本奏鸣曲的核心乐章。在这个乐章里面，贝多芬大胆地加入了大量琶音，震音，断奏以容许蓬勃的情感在旋律中奔流。查尔斯罗森曾经就该乐章发表评论："it is the most unbridled in its representation of emotion. Even today, two hundred years later, its ferocity is astonishing."
但是令我不解的是，即使是如此强烈的情感对比在十五分钟内完全展现，这首曲子却给人一种镇定感。也许“月光”的称呼在某种程度上是确切的吧，也许。
https://www.youtube.com/watch?v=OsOUcikyGRk

#不务正业
Lukasz Kapuscinski:The Witcher 3 - Tribute Guitar Medley
我觉得巫师系列的音乐作品是非常有水准的，把从百年前沿袭下来的西亚东欧马刀民族上的那种沧桑，追思，豪迈以及幻想情怀展现的非常完美。
而用吉他去演奏这样的作品也是很合适的，毕竟游牧民族的乐器多为弹拨类的弦乐器，而且用吉他弹奏不仅有一种熟悉感，还有一种改编后的创新感。
https://www.youtube.com/watch?v=6UUOlrsE9vI

#Chopin: Polonaise in g sharp minor(Posthumous)
#肖邦：升g小调波兰舞曲（遗作）
这些被称作“遗作”的曲子在肖邦生前并没有公开出版，而是在他死后由他的父亲以他的名义发表的。
值得一提的是，这些作品足以说明肖邦是一位音乐天才。比如说其中的降B大调波兰舞曲，虽然曲风并没有他后来那么充满激情，甚至有些车尔尼时代的练习曲感——但是这首曲子充满着蓬勃的活力，欢快的节奏感，并且最重要的是，这首曲子是他在1817年创作的，当时的他只有七岁。
而今天要聊的这首曲子已经可以反映出他渐趋成熟的曲风——伴随着幻想风格的忧伤，以及隐忍在华彩中的喷薄激情了。
曲子的引子和第一主题的华彩便构造了轻重强度的强烈对比，以及恰到好处的装饰音足以点缀旋律的走向。第二主题相比第一主题更添欢快，三度音，分解琶音以及充满激情的九连音，这些音符的嵌入让乐曲的律动更加富有节奏感。变奏。穿插在高音区和低音区的右手主旋律相比中规中矩的左手和弦来说更加轻盈优雅。此后回到第一主题，用坚定的和弦结束这首曲子。
这首曲子的结构看似固定，但是难度却已经是业余钢琴爱好者中公认的上层。然而令人震惊的是，创作这首曲子的肖邦时年只有十二岁。十二岁的琴童尚且还挣扎在考级的音阶琶音苦海中，殊不知两百年前的同龄肖邦已经能在完全精通演奏技艺的同时，将无数精妙旋律信手拈来。
https://www.youtube.com/watch?v=mHCjAHr4JrE

Bach: English Suites no.2, BWV807, Prelude in a minor
巴赫：英国组曲二号，a小调前奏曲
巴赫一共写过十九首组曲，都是以钢琴作为演奏乐器，而英国组曲指的是其中的六首。这一般认为是他19首组曲中最早写于键盘乐器上的。这些作品都是钢琴这个乐器刚刚创造出来时候的作品，可以算得上是极具先驱性。一般认为这些作品是在1713年到1714年间作的。
奇怪的是，这些作品的风格实际上更类似于法国当时的巴洛克风格，而非英国的。事实上，一种广为接受的说法是，巴赫从当时英国有名的作曲家查尔斯·迪尤帕的组曲中获得灵感，因此写完后称为英国组曲。
这首前奏曲体现了巴洛克时代的钢琴作品缺陷，包括了单一的节奏型，回转的曲调以及缺乏装饰音的旋律。但是换种角度看，与其称这些为缺陷，不如称它为一种音乐特色，或是一种古典的美感。实际上，巴赫的前奏曲无不是这样的作品；但是在千篇一律的节奏型中，作品与作品间的区别往往清晰可见。
p.s.在英语中，巴洛克这个词(baroque)乃至拜占庭这个词(byzantine)除了它的本意以外，引申义就是繁复冗杂。前者源自巴洛克时代的音乐风格，后者源自拜占庭时期繁琐的官僚组织和宫廷礼节。但是前者有时候也用这个词来形容复杂且精致的作品。
https://www.youtube.com/watch?v=PlGrCRyztR8

#读者来稿
Camille #Saint·Saëns : Danse Macabre, op 40
#圣桑：骷髅之舞
“《骷髅之舞》又名《死之舞》，是法国作曲家圣桑的管弦乐作品。圣桑根据昂利·卡萨利斯的诗作创作此首交响诗，诗中描写中世纪一个广泛流传的传说：在每年的万圣节午夜，死神现身并演奏小提琴，从坟墓中召唤逝去的死者为它舞蹈，这场骷髅之舞将一直持续到破晓，已亡者才会再度回到它们的坟墓。此曲本源自1872年的一首艺术歌曲，1874年将原曲改成为管弦乐作品，并于1875年1月24日于巴黎由指挥爱德华·科隆作首演。可惜当时并未受到观众的欣赏，尤其是对于他运用了木琴那种刺耳的效果，认为是低俗的趣味。不过，现今《骷髅之舞》已经成为了其中一首受一般人所认识的正统音乐曲目之一。这首曲子特别利用木琴来模仿嘎嘎作响的骨头的声音。圣桑在《动物狂欢节》的《化石》乐章中也使用了类似的主题。”
引子的极小声的十二声D，这直接说明了午夜十二点的到来。这首曲子采用了典型的三段式的作曲结构，由开头的G小调主题转入后来的大调中段。值得注意的是，在旋律行进中，小提琴与其他乐器的互相应和，这是反映了死神（小提琴）与逝者之间的对话。在不断的旋律推进中，乐曲的气氛推进到最高潮，主题重现。全曲散发着一种浓浓的魔幻意味（读者评价：“个人听起来有种宏大且魔幻现实的感觉。“），由极其明显的乐曲行进对比，从管弦（连续重音）到打击乐器（定音鼓连续打击）再到最后的旋律逐渐加速，甚至有点呼之欲出之感。
这首曲子的意境与格里格的著名作品《培尔金特组曲》的最后一首“山魔王的大厅“（Peer Gynt Suite, "In the Hall of the Mountain King"）有异曲同工之妙，同样是描述超自然、惊悚且引人入胜的故事。
https://www.youtube.com/watch?v=YyknBTm_YyM

Ticket sales to be announced..

不知不觉本频道已经一周年了。原本只是想记录一下自己听音乐的时候的想法，没有想到会有这么多的同好。感谢大家。
最近忙透了= = 但是有空还是会听听音乐，并做点记录。谢谢。

Ravel: Alborada del gracioso(from suite Miroirs)
拉威尔：丑角的晨歌（来自组曲《镜子》）
本频道先前曾经推送过拉威尔的另外两首曲子，其中一首《海上孤舟》（” Une barque sur l'océan”）与今天的这首曲子实际上都源自他的钢琴组曲《镜子》“Miroirs”。这个组曲中一共有五首曲子，其中的第三首便是《海上孤舟》，而本曲《丑角的晨歌》是其中的第四首。值得注意的是，在这个组曲中，只有这两首曲子被改成了管弦版本。
此组曲的创作时间是1905年，相当近代了。因此曲风不仅包含了批评家所称的印象主义风格，还包含了拉威尔本人的近现代音乐品味。这首曲子的起源实际上追溯起来更有趣味。在1905年，拉威尔和另外一些创新主义的音乐家组成了一个小小的音乐团体“Les Apaches”。这个法语词汇的原意是“小混混”，而在当时的法国，这个词——专门被批评家——称为是“街头的”“喜欢欣赏大众媒体”的“外行人”。（足见批评家眼中的心高气傲：当年古典浪漫音乐与现代音乐流派交锋的激烈可见一斑。）在德彪西发表了他的歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》后，对此歌剧狂热喜爱的艺术家们，包括拉威尔，组成了这个团体并自称为“Les Apaches”。
这首曲子便是拉威尔献给这个团体中的其他志同道合的艺术家们的。因此，曲中的音乐表现形式并不传统，但是这不影响这首曲子成为他的代表作之一。
https://www.youtube.com/watch?v=_Ogz7DOEFak

Debussy: La Romance d’Ariel
Solo voice with piano. 德彪西一生写过近100首钢琴独唱曲，而这些曲子都不甚出名，相比他的其他套曲以及管弦乐作品。
这首曲子的资料甚少，甚至没有标准的译名。直译为中文应该为“阿瑞尔的罗曼史”
//没有学过法语，而且翻译水平也很烂的我，见谅见谅
这首曲子的钢琴部分重现了阿拉伯风富于装饰的风格，而人声的音程变化又带有一些东方音乐特有的色彩。女高音Soprano可以说是非常惊艳，声音饱满而强大，准确而连贯。
https://youtu.be/vunSuRyuNwA

cancelled

Rachmaninov: Prelude in g minor, op23no5
拉赫玛尼诺夫：g小调前奏曲
我校琴房在社团中心，而社团中心在学校地理中心(离教学区很远)的山顶上。这就意味着如果要去琴房，就要先走好一会到山脚，然后爬山。因为懒，所以平常很少去学校琴房。
上周三中午心血来潮去爬山锻炼身体，发现琴房里有人在弹这首曲子，炫技的那种，叹为观止，体验是山没白爬。今天和朋友聊起拉赫的作品，于是就想起这件轶事。

这首前奏曲的结构是典型的三段式，前后段强主旋律加上柔和的中段。前段本身实际上也是三段式的，体现为大小调的交替出现。主旋律的亮点开头便给出：强大有力的二重/三重震音，因此弹奏这首曲子需要极强的手腕发力。
中段偏柔和，左手的分解琶音是另一个亮点。另外，中段的强弱变化比起前段更加鲜明，并且半音旋律行进带有非常强烈的拉赫玛尼诺夫本人的风格，酣畅淋漓而恰到好处，不拖泥带水。
这首曲子的演奏难度很高，演奏者是王羽佳。我很喜欢她对拉赫玛尼诺夫曲目的演绎，细腻而有活力。
https://youtu.be/GhBXx-2PadM

Debussy: Danse sacrée et profane
德彪西：神圣与世俗之舞
1894年，法国音乐家兼钢琴制造商普莱耶尔(Pleyel)发明了一种新型的竖琴。这种竖琴拥有比起普通竖琴更多的弦，使得用这种竖琴演奏不需要使用踏板。为了展现新型竖琴的功效，普莱耶尔找到了德彪西，想借这个名义让德彪西创作一首曲子。
德彪西本可以以“只是展现功能”的名义对作曲敷衍了事，但是若是如此，我们将无法再听到这首被认为是他最出色的作品之一的曲子。万幸！
然而，德彪西对于这种新型竖琴的商业推广保留了怀疑的态度，而事实正如他所料，钢琴制造商最终在1930年放弃了这个乐器的制造。所幸，这首佳作依然可以在竖琴上，甚至在钢琴上演奏。
曲名中的sacred和profane本意取“成神”和“渎神”之意，但是在这首曲子里应该被理解为“神圣”与“尘世”。
在神圣之舞里，德彪西调用了中世纪的教会旋律，在竖琴的拨奏中古老的宗教虔诚依希可辨。而相反，在世俗之舞里，德彪西调用了地中海沿岸，尤其是伊比利亚的民间舞蹈旋律，来表现世俗的，感官的，稍纵即逝的极乐。
https://youtu.be/KjsQTQu7J_Q

#读者来稿
Lizst: Grandes Études de Paganini, Étude No. 3 in G♯ minor: "La campanella"
李斯特:"钟"(帕格尼尼大变奏曲，第三首升g小调练习曲)
“该曲改编自帕格尼尼的“钟”，在网上看到对此曲的评价都是难度过高，的确该曲运用了不少高难度的演奏技巧，包括了远距离音程的敏捷跳跃、八度的快速重复音、单手同时旋律和颤音、快速的跑动音群等，这也是李斯特曲子的一大特点，像是“爱之梦”、“大海”等。
但我更让我印象深刻的是曲中所描述的情景真的就像是秒针追赶时针的那种紧迫，第一次听这首曲子正是我在中学最为紧张的阶段，多年后再听仍能回想起那时的压迫感。
我选取的是Jorge Bolet的演奏版本，这也是我最早听到的演奏版本。每个人的喜好不同，对于不同款式的表各有热爱。但也有与众不同的版本：Cziffra György所演奏的版本在我看来就好像是打点计时器。”

伟大音乐家之间的友谊是可遇而不可求的：有趣的灵魂往往可以产生非常强大的共鸣。一条广为人知的师生链是从巴洛克时代就开始的：海顿曾为莫扎特的老师，而莫扎特和海顿都为贝多芬的老师。车尔尼是贝多芬的学生，而李斯特是车尔尼的弟子。从某种意义上来说，李斯特继承了贝多芬的衣钵。帕格尼尼是李斯特的朋友，肖邦则是帕格尼尼的另一个好友。
李斯特非常敬佩帕格尼尼的作曲能力，并把他很多的小提琴曲目都改编成了钢琴版本。这首《钟》便是出自于帕格尼尼大变奏曲的第三首。
听李斯特的钢琴曲是一件非常奇妙的体验。这是因为，（在我看来）李斯特在创作的时候并没有想着自己在创作钢琴曲：换句话说，他只是在写下自己脑海里宏大的旋律，而挑选了钢琴作为载体而已。这也许就是为什么他的钢琴曲目可以发挥出超脱钢琴的表现能力，甚至一台琴的演奏效果就可以比肩一支管弦乐队，这是非常令人惊讶的一件事。而钟“La campanella”便是其中的典范作品，也成为了李斯特的标志性作品。这首曲子把钢琴的颗粒型与连贯性都发挥到了极致。
这首曲子作为encore的出场率非常高。上一次在esplanade听拉赫马尼诺夫的第二钢琴协奏曲，结尾的encore就是这首。在场的所有人，包括台上的管弦乐手，都把目光投在了场上唯一一台钢琴上。
https://www.youtube.com/watch?v=5NFjnRp6KGw