🌌 Как перестать боятся не реализовать все идеи в одном треке.
Когда у юного аранжировщика появляется мало-мальский опыт и аппаратура для продакшна, то опьяненный свободой он начинает впихивать в свои треки все, что только можно.
12 слоев баса? Легко! Арпеджиаторные синты, которые перетекают один в другой, создавая причудливую звуковую картину и барабаны с таким количеством дополнительных звуков и перкуссии, что вживую это не сыграет и целый оркестр.
Но так ли необходимо вываливать на слушателя все, что лично ты считаешь крутым? Я думаю, что нет. И вот почему:
Для тебя, как для автора, музыка всегда слушается куда проще, потому что ты знаешь каждый ее элемент, она рождалась у тебя на глазах. Постепенно и шаг за шагом.
Слушатель же знакомиться с конечным вариантом сразу, а значит любая перегруженная аранжировка будет звучать утомительно и человек, скорее всего, этот трек переключит.
Плюс, даже если математически все верно и партии ритмически дополняют друг друга, то уже высотный диапазон может быть забит, делая постпродакшн очень сложным, а иногда и невозможным. Плюс, опять же, песне нужен "ритмический воздух".
Динамика хорошего трека достигается чередованием пиков и желобов звука, а значит не стоит вываливать все доступные инструменты на человека. И да, как ты покажешь ещё больший рост динамики, если изначально аранжировка перегружена звуками и новые звуки совсем не дают ей "панча"?
Да, сегодня любой DAW поддерживает бесконечное число дорожек, а количество инструментов ограничено только памятью твоего пк, но я предлагаю думать, как режиссер монтажа — всегда сидеть наготове с ножницами и отрезать все, что можно отрезать.
А все то, что осталось невостребованным, всегда можно запихнуть в новую музыку.
Так что желаю тебе идеального баланса, музыкант, будь скромнее ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Когда у юного аранжировщика появляется мало-мальский опыт и аппаратура для продакшна, то опьяненный свободой он начинает впихивать в свои треки все, что только можно.
12 слоев баса? Легко! Арпеджиаторные синты, которые перетекают один в другой, создавая причудливую звуковую картину и барабаны с таким количеством дополнительных звуков и перкуссии, что вживую это не сыграет и целый оркестр.
Но так ли необходимо вываливать на слушателя все, что лично ты считаешь крутым? Я думаю, что нет. И вот почему:
Для тебя, как для автора, музыка всегда слушается куда проще, потому что ты знаешь каждый ее элемент, она рождалась у тебя на глазах. Постепенно и шаг за шагом.
Слушатель же знакомиться с конечным вариантом сразу, а значит любая перегруженная аранжировка будет звучать утомительно и человек, скорее всего, этот трек переключит.
Плюс, даже если математически все верно и партии ритмически дополняют друг друга, то уже высотный диапазон может быть забит, делая постпродакшн очень сложным, а иногда и невозможным. Плюс, опять же, песне нужен "ритмический воздух".
Динамика хорошего трека достигается чередованием пиков и желобов звука, а значит не стоит вываливать все доступные инструменты на человека. И да, как ты покажешь ещё больший рост динамики, если изначально аранжировка перегружена звуками и новые звуки совсем не дают ей "панча"?
Да, сегодня любой DAW поддерживает бесконечное число дорожек, а количество инструментов ограничено только памятью твоего пк, но я предлагаю думать, как режиссер монтажа — всегда сидеть наготове с ножницами и отрезать все, что можно отрезать.
А все то, что осталось невостребованным, всегда можно запихнуть в новую музыку.
Так что желаю тебе идеального баланса, музыкант, будь скромнее ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎤 Как обрабатывать вокал
На прошлой неделе мой приятель, только начинающий осваивать азы звукорежиссуры, сказал: "Серега, вот у меня все более-менее хорошо с битами, синтами и обработкой этого дела. А вот вокал, хоть записан в шикарной студии на дорогой микрофон, звучит как из ведра. Что не так и как сделать вкусно?" Вот об этом сегодня и поговорим.
Если копнуть в базис, то обработок (по существу) всего 4 вида: частотные, динамические, искажающие и пространственные. А остальное лишь вариации на тему. И вот из грамотного сочетания этих четырех обработок возникает хороший результат (причем независимо от инструмента). Но раз сегодня говорим о вокале, то я расскажу о некоторых особенностях именно для него.
Итак частотка: это разные виды эквалайзеров, разумеется. Чем обычно руководствуюсь я? Вокал — самое главное в песне, а это значит, что его нужно резать как можно меньше. Вот почему на проблемных местах вокала (низ и нижняя середина, к примеру) я ставлю динамический эквалайзер. А если нужно, то и multiband компрессор (который, по сути — промежуточный вариант между эквалайзером и компрессором. Со своими плюсами и минусаим соответственно)
Динамические обработки, они же компрессоры всех мастей. Я, как адепт компрессии нью-йоркской, использую два плагина одновременно. Первый — медленный (со средними значениями attack-release) для мягкости звучания, а второй — жесткий (минимальный atack-release), сидящий во вкладке "Send". Так голос приобретет мощь, а изменения вокалистом расстояния от микрофона до рта во время пения будут нивелированы.
Искажения, что в данном случае равно сатурации. Эмуляторы лампы, ленты, старых и новых микрофонов — это все сюда. А иногда и настоящие искажения, в виде "amp simulator" или "distortion", тоже вполне применимы. Вот их уже не стоит врубать на всю мощь, добавляя процентов 5-10 перегруза.
И пространство, которое я тоже завожу в "Send" канал, выводя громкость этого канала от -10дб и ниже. Стандартный набор — это "Reverb"+"Delay", размытые до нужной кондиции. С пространством вообще надо быть аккуратным, чтобы не получить звук приморского кафе в Геленджике. Но именно грамотная пространственая обработка даст голосу яркость и жизнь, которую мы все слышим на качественно сведенном материале.
Так что я предлагаю взять уже готовый минус, записать черновой голос и попробовать поэкспериментировать с этими четырьмя видами обработок. И практика приведет вас к звуковому дзену.
Так что дерзай, музыкант, все возможно✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
На прошлой неделе мой приятель, только начинающий осваивать азы звукорежиссуры, сказал: "Серега, вот у меня все более-менее хорошо с битами, синтами и обработкой этого дела. А вот вокал, хоть записан в шикарной студии на дорогой микрофон, звучит как из ведра. Что не так и как сделать вкусно?" Вот об этом сегодня и поговорим.
Если копнуть в базис, то обработок (по существу) всего 4 вида: частотные, динамические, искажающие и пространственные. А остальное лишь вариации на тему. И вот из грамотного сочетания этих четырех обработок возникает хороший результат (причем независимо от инструмента). Но раз сегодня говорим о вокале, то я расскажу о некоторых особенностях именно для него.
Итак частотка: это разные виды эквалайзеров, разумеется. Чем обычно руководствуюсь я? Вокал — самое главное в песне, а это значит, что его нужно резать как можно меньше. Вот почему на проблемных местах вокала (низ и нижняя середина, к примеру) я ставлю динамический эквалайзер. А если нужно, то и multiband компрессор (который, по сути — промежуточный вариант между эквалайзером и компрессором. Со своими плюсами и минусаим соответственно)
Динамические обработки, они же компрессоры всех мастей. Я, как адепт компрессии нью-йоркской, использую два плагина одновременно. Первый — медленный (со средними значениями attack-release) для мягкости звучания, а второй — жесткий (минимальный atack-release), сидящий во вкладке "Send". Так голос приобретет мощь, а изменения вокалистом расстояния от микрофона до рта во время пения будут нивелированы.
Искажения, что в данном случае равно сатурации. Эмуляторы лампы, ленты, старых и новых микрофонов — это все сюда. А иногда и настоящие искажения, в виде "amp simulator" или "distortion", тоже вполне применимы. Вот их уже не стоит врубать на всю мощь, добавляя процентов 5-10 перегруза.
И пространство, которое я тоже завожу в "Send" канал, выводя громкость этого канала от -10дб и ниже. Стандартный набор — это "Reverb"+"Delay", размытые до нужной кондиции. С пространством вообще надо быть аккуратным, чтобы не получить звук приморского кафе в Геленджике. Но именно грамотная пространственая обработка даст голосу яркость и жизнь, которую мы все слышим на качественно сведенном материале.
Так что я предлагаю взять уже готовый минус, записать черновой голос и попробовать поэкспериментировать с этими четырьмя видами обработок. И практика приведет вас к звуковому дзену.
Так что дерзай, музыкант, все возможно✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎸 Так ли важно качество гитары?
И это не совсем о финальном звуке, а именно что о деревяшке с шестью струнами и парой звукоснимателей.
Рискну предположить, что вы смотрели фильм "Приготовьтесь, будет громко" о трех гитаристах (Джимми Пейдж, Джек Уайт и Эдж), рассказывающих о том, как формировались стили их игры. И видео начинается с того, как Джек Уайт собирает гитару из доски и стеклянной бутылки. Получая в итоге полне себе слушабельный звук.
Ну ладно — у этого парня всегда был свой особенный стиль. Что же до нас, обычных тружеников струны и медиатора? Настолько ли важно покупать себе дорогой инструмент или, как пишут на форумах, любая деревяшка в руках профи заиграет и вообще зачем разоряться? Вот об этом сегодня и речь.
Начну с маленькой истории: моей первой электрогитарой был дешевенький "Fender Squire Stratocaster", которую купил мне отец еще в школе. Вместе с простеньким усилителем от Marshall, шнурами, медиатором и чехлом вышло что-то около 200 долларов еще тех денег.
Гитара звучала немного блекло, часто фонила, но в целом была неплохим инструментом за свою цену. И по прошествии лет я, как парень сентиментальный, решил не продавать ее по дешевке, а как-то улучшить.
В итоге от гитары осталось только "Body" и первичная фурнитура (машинка). Остальное пошло под замену: новый гриф, датчики "Lace sensors", внутренняя коммутация, графитовая экранировка и даже потенциометры громкости и тона. Это было свежим. (Конечно к этой конфигурации я пришел не сразу, постепенно дополняя и переделывая инструмент. Плюс пару раз менял датчики из-за желания другого звука). Как итог — это мой основной рабочий инструмент, на котором я записываю 99% всей гитарной музыки.
Что же я выяснил за все эти годы экспериментов? Если твоя деревяшка не из клееного дсп, а из настоящего куска дерева (пусть даже самого дешевого) — этого достаточно. А вот дальше начинаются траты. Уникальный звук твоего инструмента формируют: датчики, гриф, обработка и предусилитель с усилителем на пару.
И вот на эти штуки я бы не скупился. Про гитарный звук я могу написать отдельно более развернуто, а пока завершу про сам инструмент — если есть деньги, то конечно стоит покупать хорошую гитару. Не только в плане звука, но и из-за удобства игры и обслуживания.
Но если денег не так много, а играть хочется, то попробуй собрать своей собственный инструмент. Б/у "Body" (Я не знаю приличных русских аналогов, а сказать "тело гитары" звучит грубовато на нашем языке. Если вы знаете как сказать правильно, то пишите в комментах📖), такие же датчики или недорогой русский аналог (благо на рынке есть мастера, которые делают датчики за относительные копейки). Фурнитура стоит дешево, а коммутацию можно сделать своими руками или руками друзей, которые шарят в схемотехнике.
И как итог — можно получить очень классный инструмент за относительно небольшую сумму. И потом играть на нем очень и очень долго.
Так что развивай скиллы, музыкант, и думай шире✌️
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
И это не совсем о финальном звуке, а именно что о деревяшке с шестью струнами и парой звукоснимателей.
Рискну предположить, что вы смотрели фильм "Приготовьтесь, будет громко" о трех гитаристах (Джимми Пейдж, Джек Уайт и Эдж), рассказывающих о том, как формировались стили их игры. И видео начинается с того, как Джек Уайт собирает гитару из доски и стеклянной бутылки. Получая в итоге полне себе слушабельный звук.
Ну ладно — у этого парня всегда был свой особенный стиль. Что же до нас, обычных тружеников струны и медиатора? Настолько ли важно покупать себе дорогой инструмент или, как пишут на форумах, любая деревяшка в руках профи заиграет и вообще зачем разоряться? Вот об этом сегодня и речь.
Начну с маленькой истории: моей первой электрогитарой был дешевенький "Fender Squire Stratocaster", которую купил мне отец еще в школе. Вместе с простеньким усилителем от Marshall, шнурами, медиатором и чехлом вышло что-то около 200 долларов еще тех денег.
Гитара звучала немного блекло, часто фонила, но в целом была неплохим инструментом за свою цену. И по прошествии лет я, как парень сентиментальный, решил не продавать ее по дешевке, а как-то улучшить.
В итоге от гитары осталось только "Body" и первичная фурнитура (машинка). Остальное пошло под замену: новый гриф, датчики "Lace sensors", внутренняя коммутация, графитовая экранировка и даже потенциометры громкости и тона. Это было свежим. (Конечно к этой конфигурации я пришел не сразу, постепенно дополняя и переделывая инструмент. Плюс пару раз менял датчики из-за желания другого звука). Как итог — это мой основной рабочий инструмент, на котором я записываю 99% всей гитарной музыки.
Что же я выяснил за все эти годы экспериментов? Если твоя деревяшка не из клееного дсп, а из настоящего куска дерева (пусть даже самого дешевого) — этого достаточно. А вот дальше начинаются траты. Уникальный звук твоего инструмента формируют: датчики, гриф, обработка и предусилитель с усилителем на пару.
И вот на эти штуки я бы не скупился. Про гитарный звук я могу написать отдельно более развернуто, а пока завершу про сам инструмент — если есть деньги, то конечно стоит покупать хорошую гитару. Не только в плане звука, но и из-за удобства игры и обслуживания.
Но если денег не так много, а играть хочется, то попробуй собрать своей собственный инструмент. Б/у "Body" (Я не знаю приличных русских аналогов, а сказать "тело гитары" звучит грубовато на нашем языке. Если вы знаете как сказать правильно, то пишите в комментах📖), такие же датчики или недорогой русский аналог (благо на рынке есть мастера, которые делают датчики за относительные копейки). Фурнитура стоит дешево, а коммутацию можно сделать своими руками или руками друзей, которые шарят в схемотехнике.
И как итог — можно получить очень классный инструмент за относительно небольшую сумму. И потом играть на нем очень и очень долго.
Так что развивай скиллы, музыкант, и думай шире✌️
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎹 Как писать фортепианные партии, когда ты не умеешь играть
Еще со времен колледжа я понял, что композитор — это парень (или девушка, черт бы побрал этих феминисток. Шутка), который умеет играть чуть ли не на всем или хотя бы представляет, как на этом всем играется. Звукоизвлечение, количество октав и расположение нот — это важно знать, чтобы создать плюс-минус реалистичную партию, если есть запрос на реализм.
Я не знаю композиторов, которые бы не умели в фортепиано хоть немного. Не зря же еще с музыкалки общее ф-но — это альфа и омега любого музыканта. Но что делать, если ты самоучка или вот не нравится тебе этот инструмент и сердце не замирает от одного его вида (Хотя откуда на моем канале такие еретики, ума не приложу)? Давайте разбираться, как писать пианино, если ты в нем не шаришь.
Небольшое отступление — этой теме я думаю посвятить следующий выпуск подкаста, потому что она довольно благодатная и большая, а сейчас просто пробежимся по главному.
Пианист — существо двурукое, а значит каждую руку мы должны прописать в нашей аранжировке, чтобы она не звучала как наивный школьный металл или не менее наивный (и не менее школьный) рэпчик. Простите за дискриминацю, правши, но начнем мы с левой.
Самый простой и всегда работающий вариант — низко расположенные октавы, звучащие целый такт или половину такта. Лучше всего они звучат в качестве тоники аккорда, в районе большой-малой октав. Но можно и контр-октаву использовать иногда.
Чуть сложнее — октава+квинта от нижнего звука. Это даст более уверенный аккорд, но и существенно прибавит грязи, так что стоит использовать очень аккуратно.
Перейдем к правой руке. Если представить, что джаза не существует, то остается буквально пара вариантов аккордов: трезвучие и полный аккорд. Ну и самые смелые могут использовать септы, если голова с ушами позволяют вставить их в нужное место.
Трезвучие — стандартный аккорд из трех клавиш. Проще всего загуглить сразу таблицу этих аккордов и потихоньку учить. Полный аккорд — то же самое трезвучие, но с тоническим звуком сверху. Короче трезвучие+октава. И вот здесь уже начинаются ритмические эксперименты. Можно просто тянуть аккорд весь такт, можно обыгрывать его через арпеджио (перебор), можно даже в начале давать арпеджиато (бр-р-рынь) для определенного ритмического тяготения. Или тыкать аккордом каждую четверть, как в песне Lilly Allen "Fuck You".
Конечно лучше всего научиться немного играть на фортепиано, чтобы понимать базисы и делать гораздо более сложные и насыщенные аранжировки, но даже с таким подходом вполне можно делать неплохие поп или рэп биты. В современной музыке очень важен ритм, гораздо важнее мелодии. Так что ритмически круто и вовремя сыгранное ф-но, пусть даже очень просто сыгранное, всегда выиграет у правильного мелодически, но ритмически сложного и нелогичного набора нот.
Так что, музыканты, оставляйте комменты и лайки, пишите то, о чем бы вы хотели почитать или услышать, и будем на связи. Не болейте ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Еще со времен колледжа я понял, что композитор — это парень (или девушка, черт бы побрал этих феминисток. Шутка), который умеет играть чуть ли не на всем или хотя бы представляет, как на этом всем играется. Звукоизвлечение, количество октав и расположение нот — это важно знать, чтобы создать плюс-минус реалистичную партию, если есть запрос на реализм.
Я не знаю композиторов, которые бы не умели в фортепиано хоть немного. Не зря же еще с музыкалки общее ф-но — это альфа и омега любого музыканта. Но что делать, если ты самоучка или вот не нравится тебе этот инструмент и сердце не замирает от одного его вида (Хотя откуда на моем канале такие еретики, ума не приложу)? Давайте разбираться, как писать пианино, если ты в нем не шаришь.
Небольшое отступление — этой теме я думаю посвятить следующий выпуск подкаста, потому что она довольно благодатная и большая, а сейчас просто пробежимся по главному.
Пианист — существо двурукое, а значит каждую руку мы должны прописать в нашей аранжировке, чтобы она не звучала как наивный школьный металл или не менее наивный (и не менее школьный) рэпчик. Простите за дискриминацю, правши, но начнем мы с левой.
Самый простой и всегда работающий вариант — низко расположенные октавы, звучащие целый такт или половину такта. Лучше всего они звучат в качестве тоники аккорда, в районе большой-малой октав. Но можно и контр-октаву использовать иногда.
Чуть сложнее — октава+квинта от нижнего звука. Это даст более уверенный аккорд, но и существенно прибавит грязи, так что стоит использовать очень аккуратно.
Перейдем к правой руке. Если представить, что джаза не существует, то остается буквально пара вариантов аккордов: трезвучие и полный аккорд. Ну и самые смелые могут использовать септы, если голова с ушами позволяют вставить их в нужное место.
Трезвучие — стандартный аккорд из трех клавиш. Проще всего загуглить сразу таблицу этих аккордов и потихоньку учить. Полный аккорд — то же самое трезвучие, но с тоническим звуком сверху. Короче трезвучие+октава. И вот здесь уже начинаются ритмические эксперименты. Можно просто тянуть аккорд весь такт, можно обыгрывать его через арпеджио (перебор), можно даже в начале давать арпеджиато (бр-р-рынь) для определенного ритмического тяготения. Или тыкать аккордом каждую четверть, как в песне Lilly Allen "Fuck You".
Конечно лучше всего научиться немного играть на фортепиано, чтобы понимать базисы и делать гораздо более сложные и насыщенные аранжировки, но даже с таким подходом вполне можно делать неплохие поп или рэп биты. В современной музыке очень важен ритм, гораздо важнее мелодии. Так что ритмически круто и вовремя сыгранное ф-но, пусть даже очень просто сыгранное, всегда выиграет у правильного мелодически, но ритмически сложного и нелогичного набора нот.
Так что, музыканты, оставляйте комменты и лайки, пишите то, о чем бы вы хотели почитать или услышать, и будем на связи. Не болейте ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
👯♂️ Насколько я люблю подражателей или исполнителей каверов?
2020 год. Интернет уже давно и плотно захватил планету, а технологии скачут так лихо, что записать в своей спальне альбом, который получит "Гремми", может даже 18летняя девушка по имени Билли.
И в этом потоке крайне сложно найти свое течение и очень хочется вернуться к чему-то знакомому и родному. Что артисту, что слушателю. Вот почему наше время — еще и расцвет кавер бэндов или отдельных артистов-подражателей.
Например Марк Мартелл, который подарил свой голос некоторым песням в фильме "Богемская Рапсодия".
Парень действительно поет (а временами и выглядит) как Фредди Меркьюри в свои лучшие годы. И если покопаться, то таких артистов найдется не один и не два. И чтобы не разводить воды, скажу — я не люблю такой тип музыкантов, хотя иногда они выдают вещи, которые оседают у меня в плейлисте.
Мне больше нравится новое. Как минимум потому, что придумать его гораздо сложнее и требует отдельной предрасположенности с тренировкой. Ну и плюс у музыканта, который копирует, теряется его самобытность (хотя это тоже весьма спорный вопрос).
Но против ли я такого вида искусства? Конечно нет, обеими руками за. Пусть им не нужно трудиться, чтобы создавать свое, но это окупается титаническим трудом в перфомансе. Подражатель должен не просто звучать характерно — он должен звучать так, как оригинал звучит в головах слушателя. А значит — намного лучше. Не просто копировать черты и фишки, но отточить их исполнение до такого уровня, на котором оригинал никогда (скорее всего) даже не звучал.
Это что-то вроде академических музыкантов нового времени — есть золотой стандарт исполнения, на который люди готовы смотреть и за что готовы платить, а ты должен усиленными репетициями прийти к нему, чтобы нота в ноту спеть или сыграть вживую. Точно так, как от тебя ожидается.
P.S.
Сегодняшний пост немного экспериментального формата, потому что не относится ни к одной категории. Формально это будут "Размышления", но совсем пространного характера. Не столько о том, как писать и что делать, а о музыке вообще. Мое личное видение происходящего и мысли обо всем, что придет в голову. Но неизменно околомузыкальном.
Так что ставьте лайки-дизлайки, оставляйте комментарии и давайте мне понять, насколько то, что я делаю, вам интересно.
P.P.S.
Я вскоре хочу прикрутить к этому паблику закрытый чат, где можно будет знакомиться, обсуждать и придумывать совместные проекты и просто чувствовать себя в маленьком и уютном музыкальном комьюнити, где всегда поддержат и помогут советом. Остаемся на связи✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
2020 год. Интернет уже давно и плотно захватил планету, а технологии скачут так лихо, что записать в своей спальне альбом, который получит "Гремми", может даже 18летняя девушка по имени Билли.
И в этом потоке крайне сложно найти свое течение и очень хочется вернуться к чему-то знакомому и родному. Что артисту, что слушателю. Вот почему наше время — еще и расцвет кавер бэндов или отдельных артистов-подражателей.
Например Марк Мартелл, который подарил свой голос некоторым песням в фильме "Богемская Рапсодия".
Парень действительно поет (а временами и выглядит) как Фредди Меркьюри в свои лучшие годы. И если покопаться, то таких артистов найдется не один и не два. И чтобы не разводить воды, скажу — я не люблю такой тип музыкантов, хотя иногда они выдают вещи, которые оседают у меня в плейлисте.
Мне больше нравится новое. Как минимум потому, что придумать его гораздо сложнее и требует отдельной предрасположенности с тренировкой. Ну и плюс у музыканта, который копирует, теряется его самобытность (хотя это тоже весьма спорный вопрос).
Но против ли я такого вида искусства? Конечно нет, обеими руками за. Пусть им не нужно трудиться, чтобы создавать свое, но это окупается титаническим трудом в перфомансе. Подражатель должен не просто звучать характерно — он должен звучать так, как оригинал звучит в головах слушателя. А значит — намного лучше. Не просто копировать черты и фишки, но отточить их исполнение до такого уровня, на котором оригинал никогда (скорее всего) даже не звучал.
Это что-то вроде академических музыкантов нового времени — есть золотой стандарт исполнения, на который люди готовы смотреть и за что готовы платить, а ты должен усиленными репетициями прийти к нему, чтобы нота в ноту спеть или сыграть вживую. Точно так, как от тебя ожидается.
P.S.
Сегодняшний пост немного экспериментального формата, потому что не относится ни к одной категории. Формально это будут "Размышления", но совсем пространного характера. Не столько о том, как писать и что делать, а о музыке вообще. Мое личное видение происходящего и мысли обо всем, что придет в голову. Но неизменно околомузыкальном.
Так что ставьте лайки-дизлайки, оставляйте комментарии и давайте мне понять, насколько то, что я делаю, вам интересно.
P.P.S.
Я вскоре хочу прикрутить к этому паблику закрытый чат, где можно будет знакомиться, обсуждать и придумывать совместные проекты и просто чувствовать себя в маленьком и уютном музыкальном комьюнити, где всегда поддержат и помогут советом. Остаемся на связи✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
💻 Заменяют ли синтезаторы умение играть на пианино?
Вы не поверите, но отчасти да. Только у синтезаторов тоже есть свои приколы, с которыми нужно уметь обращаться. Погнали разбираться.
Что такое синтезатор вообще? По сути это — эмулятор либо звука существующего в природе, либо прибор для создания звуков неведомых. А поскольку мы говорим о современности, то в него изнутри зашита и дополнительная обработка, вроде арпеджиатора, питч шифтера и пространства с искажениями.
Соответственно каждый тип синтезатора по своему используется в музыкальном продакшне. И если вы только встали на путь аранжировщика, то ни о каком аналоговом синтезе и эмуляции с нуля мы не говорим. Только использование уже готовых прессетов из коробки.
По виду я синты делю на 5 подтипов. Это не научно, не академично и вообще мне так удобнее (это чтобы не было вопросов). Итак мы имеем: Лиды, Пэды, Гармонические, Арпеджиаторы и Шумы.
1) Лиды звучат очень остро, как соло гитара с перегрузом, а потому используются для игры мелодий или тех же соло. Весьма грязно звучат, если пытаться строить ими аккорд. Зато сочны настолько, что даже простейшая мелодия из двух нот раскачает ваш припев.
2) Пэды. Здесь все просто — спокойный и тихий подклад под музыку, чтобы заполнить пустоты. Можно играть аккордами, можно одиночной нотой аккорда (прима, терция, квинта). По длительностям звучат долго, ровно по длинне аккорда песни. Если у вас есть квадрат из 4х аккордов, каждый из которых звучит 1 такт, то и подклад под аккорд будет звучать так же. Разве что хочется дать немного скрипичного академизма. Тогда длительность пэда можно в два раза и сократить, заставив его играть уже не такт, а половину такта.
3) Гармонические синты названы так очень условно (как, впрочем, все остальные подвиды). Потому что часто это эмуляторы пианино, маримбы или человеческих голосов. Ими можно играть как аккорды, так и одиночную мелодию. Да и все вместе не возбраняется.
4) Арпеджиаторы бывают двух видов: мелодические и ритмические. И каждый из них себя прекрасно показывает, если не хочется излишних заморочек с заполнением. Одна нажатая клавиша, и у тебя уже готов классный музыкальный паттерн. А научившись арпеджиатор программировать (что весьма не сложно) ты будешь получать свой уникальный результат каждый раз. Программирование арпеджиатора даже может заменить умение играть мелодию, если добавить туда нотку рандомности. Послушайте интро из песни "Kangaroo Court" и поймете о чем я.
5) А шумы просто добавят атмосферы в отдельные моменты трека. Такой, базовый саунд-дизайн. Море, дождь, ветряные колокольчики и все остальное, что удастся найти в коробке вашего синта. Не очень заметны, зато могут легко дать перца, если умело расставлять по треку.
Так что включайте ваши любимые цифровые аудиостанции, загружайте синт, накидывайте паттерн битов и начнинайте эксперимент. Это гораздо круче, чем читать✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Вы не поверите, но отчасти да. Только у синтезаторов тоже есть свои приколы, с которыми нужно уметь обращаться. Погнали разбираться.
Что такое синтезатор вообще? По сути это — эмулятор либо звука существующего в природе, либо прибор для создания звуков неведомых. А поскольку мы говорим о современности, то в него изнутри зашита и дополнительная обработка, вроде арпеджиатора, питч шифтера и пространства с искажениями.
Соответственно каждый тип синтезатора по своему используется в музыкальном продакшне. И если вы только встали на путь аранжировщика, то ни о каком аналоговом синтезе и эмуляции с нуля мы не говорим. Только использование уже готовых прессетов из коробки.
По виду я синты делю на 5 подтипов. Это не научно, не академично и вообще мне так удобнее (это чтобы не было вопросов). Итак мы имеем: Лиды, Пэды, Гармонические, Арпеджиаторы и Шумы.
1) Лиды звучат очень остро, как соло гитара с перегрузом, а потому используются для игры мелодий или тех же соло. Весьма грязно звучат, если пытаться строить ими аккорд. Зато сочны настолько, что даже простейшая мелодия из двух нот раскачает ваш припев.
2) Пэды. Здесь все просто — спокойный и тихий подклад под музыку, чтобы заполнить пустоты. Можно играть аккордами, можно одиночной нотой аккорда (прима, терция, квинта). По длительностям звучат долго, ровно по длинне аккорда песни. Если у вас есть квадрат из 4х аккордов, каждый из которых звучит 1 такт, то и подклад под аккорд будет звучать так же. Разве что хочется дать немного скрипичного академизма. Тогда длительность пэда можно в два раза и сократить, заставив его играть уже не такт, а половину такта.
3) Гармонические синты названы так очень условно (как, впрочем, все остальные подвиды). Потому что часто это эмуляторы пианино, маримбы или человеческих голосов. Ими можно играть как аккорды, так и одиночную мелодию. Да и все вместе не возбраняется.
4) Арпеджиаторы бывают двух видов: мелодические и ритмические. И каждый из них себя прекрасно показывает, если не хочется излишних заморочек с заполнением. Одна нажатая клавиша, и у тебя уже готов классный музыкальный паттерн. А научившись арпеджиатор программировать (что весьма не сложно) ты будешь получать свой уникальный результат каждый раз. Программирование арпеджиатора даже может заменить умение играть мелодию, если добавить туда нотку рандомности. Послушайте интро из песни "Kangaroo Court" и поймете о чем я.
5) А шумы просто добавят атмосферы в отдельные моменты трека. Такой, базовый саунд-дизайн. Море, дождь, ветряные колокольчики и все остальное, что удастся найти в коробке вашего синта. Не очень заметны, зато могут легко дать перца, если умело расставлять по треку.
Так что включайте ваши любимые цифровые аудиостанции, загружайте синт, накидывайте паттерн битов и начнинайте эксперимент. Это гораздо круче, чем читать✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Думаешь, что в этом месяце я лишу тебя подкаста? Как бы не так! Этот выпуск будет более прикладным, чем обычно — как приступить к записи аранжировки, когда на руках только мелодия и аккорды. С чего начать, как не бросить и где брать идеи, когда застопоришься — все это в подкасте "Слышь!" за номером 4.
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky #Аранжировка
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky #Аранжировка
Audio
Четвертый выпуск подкаста "Слышь!", где я рассказываю о подготовке к написанию аранжировок и структуре работы с ней.
📖 Предподготовка. Определение темпа, стиля и формы
🥁 Ритмическая основа (барабаны и бас)
🎸 Гармония и аккорды
🎤 Вокал и не только он
🎷 Украшения
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
📖 Предподготовка. Определение темпа, стиля и формы
🥁 Ритмическая основа (барабаны и бас)
🎸 Гармония и аккорды
🎤 Вокал и не только он
🎷 Украшения
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎼 Что делает искусство искусством?
Мы все много говорим о творчестве, важности работы над собой, учебе и даже одаренности. Сравниваем исполнителей, говорим о каком-то жанре, что "это не музыка, там нет души" и наоборот возвышаем других.
Но что на самом деле является искусством и как отличить подделку и квазитворчество от настоящих бриллиантов, которые обязаны остаться в кладовке мировой истории? Сегодня об этом и поговорим.
Как настоящие исследователи обратимся к определениям, коих два:
1) Отображение реальности посредством творческих инструментов
2) Мастерство владения чем-либо
И если со вторым все ясно (никто не будет спорить, что профессиональный хирург с 30летним опытом владеет своим ремеслом уже как искусством), то к первому есть вопросы.
Значит ли это, что мы можем сравнить игру новичка, который решил написать песню (и она вышла весьма третьесортной) с тем же профи, сказав что и то, и другое — искусство, потому что является отражением видения того человека, который это искусство создает?
Можем ли мы считать искусством абсолютно коммерческий продукт, который не пытается экспериментировать и делать что-то новое, а паразитирует на уже популярных образах и смыслах? И даже копнем глубже, спросив: "А что считается большим искусством? Сделанная вручную фарфоровая кружка или промышленная, над которой старался дизайнер, но сделанная в гораздо большем количестве копий?"
В своих поисках ответа я нашел видео американского музыканта Марка Эплбаума "The mad scientist of music". Там он последовательно разбирает разные виды музыки или интерпретации одной и той же композиции. А в конце выдает ответ, который для меня если не идеальный, то уж точно близкий к верному: "Нет музыки плохой или хорошей. Есть музыка интересная и не интересная тебе лично". И здесь, как мне кажется, есть та универсальность, которую мы ждем от отета на такой непростой вопрос.
От себя хочу добавить, что любое творчество должно быть сделано с какой-то целью. И если у него есть задача (пусть даже задача по копированию оригинала) и эта задача выполнена не на отъебись, а с прикладыванием усилий рук и головы, то у такой работы есть очень большой шанс стать искусством. Тем, которым люди восхищаются и которое
помогает почувствовать себя живым.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Мы все много говорим о творчестве, важности работы над собой, учебе и даже одаренности. Сравниваем исполнителей, говорим о каком-то жанре, что "это не музыка, там нет души" и наоборот возвышаем других.
Но что на самом деле является искусством и как отличить подделку и квазитворчество от настоящих бриллиантов, которые обязаны остаться в кладовке мировой истории? Сегодня об этом и поговорим.
Как настоящие исследователи обратимся к определениям, коих два:
1) Отображение реальности посредством творческих инструментов
2) Мастерство владения чем-либо
И если со вторым все ясно (никто не будет спорить, что профессиональный хирург с 30летним опытом владеет своим ремеслом уже как искусством), то к первому есть вопросы.
Значит ли это, что мы можем сравнить игру новичка, который решил написать песню (и она вышла весьма третьесортной) с тем же профи, сказав что и то, и другое — искусство, потому что является отражением видения того человека, который это искусство создает?
Можем ли мы считать искусством абсолютно коммерческий продукт, который не пытается экспериментировать и делать что-то новое, а паразитирует на уже популярных образах и смыслах? И даже копнем глубже, спросив: "А что считается большим искусством? Сделанная вручную фарфоровая кружка или промышленная, над которой старался дизайнер, но сделанная в гораздо большем количестве копий?"
В своих поисках ответа я нашел видео американского музыканта Марка Эплбаума "The mad scientist of music". Там он последовательно разбирает разные виды музыки или интерпретации одной и той же композиции. А в конце выдает ответ, который для меня если не идеальный, то уж точно близкий к верному: "Нет музыки плохой или хорошей. Есть музыка интересная и не интересная тебе лично". И здесь, как мне кажется, есть та универсальность, которую мы ждем от отета на такой непростой вопрос.
От себя хочу добавить, что любое творчество должно быть сделано с какой-то целью. И если у него есть задача (пусть даже задача по копированию оригинала) и эта задача выполнена не на отъебись, а с прикладыванием усилий рук и головы, то у такой работы есть очень большой шанс стать искусством. Тем, которым люди восхищаются и которое
помогает почувствовать себя живым.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🧠 Интеллектуальные преимущества от занятий музыкой.
Раз уж мы пишем музыку, чтобы она нравилась и "помогала" людям, то давайте поговорим о преимуществах, которые она дает самим музыкантам (ну кроме чувства собственной важности, конечно).
Самое банальное — это развитие мелкой моторики и связанной с ней части коры головного мозга (это для инструменталистов). А вместе с ней развивается координация в целом.
Конечно у музыкантов мозг более пластичен, меньше подвержен деменции и открыт для изучения нового. Особенно языков. А что, вы забыли, что нотное письмо — это тоже язык со своими правилами и структурой?
Вокалисты, к слову, учат языки чуть лучше, потому что они не только запоминают звучание языка, но у могут его воспроизвести без акцента.
Прокачивается концентрация, умение работать над одной задачей долго (тут музыка очень похожа на спорт, который прививает те же навыки). Ты начинаешь обращать внимание на детали, держать в голове несколько задач одновременно, а значит — делать качественно более комплексные вещи.
Коммуникативные навыки тоже растут, если ты играешь в бенде и особенно — если играешь для аудитории. Потому что музыка — язык универсальный и чтобы тебя поняли правильно его тоже нужно шлифовать.
Я еще не говорил про воображение? Так вот — оно тоже качается. Независимо от того, как интенсивно ты занимаешься и какой сложности музыку делаешь. Я вообще не понимаю, почему вы до сих пор не бежите учиться.
И не важно — стремишься ли ты стать звездой или просто играешь для себя, от музыки идут одни только плюсы. С одним незначительным минусом — если тебя затянет, то отказаться уже будет невозможно и много свободных часов будет уходить в инструмент. Хотя кто из нас считает это минусом? 😉
Так что учитесь музыке, друзья, это одно из лучших вложений в вашу личность ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Раз уж мы пишем музыку, чтобы она нравилась и "помогала" людям, то давайте поговорим о преимуществах, которые она дает самим музыкантам (ну кроме чувства собственной важности, конечно).
Самое банальное — это развитие мелкой моторики и связанной с ней части коры головного мозга (это для инструменталистов). А вместе с ней развивается координация в целом.
Конечно у музыкантов мозг более пластичен, меньше подвержен деменции и открыт для изучения нового. Особенно языков. А что, вы забыли, что нотное письмо — это тоже язык со своими правилами и структурой?
Вокалисты, к слову, учат языки чуть лучше, потому что они не только запоминают звучание языка, но у могут его воспроизвести без акцента.
Прокачивается концентрация, умение работать над одной задачей долго (тут музыка очень похожа на спорт, который прививает те же навыки). Ты начинаешь обращать внимание на детали, держать в голове несколько задач одновременно, а значит — делать качественно более комплексные вещи.
Коммуникативные навыки тоже растут, если ты играешь в бенде и особенно — если играешь для аудитории. Потому что музыка — язык универсальный и чтобы тебя поняли правильно его тоже нужно шлифовать.
Я еще не говорил про воображение? Так вот — оно тоже качается. Независимо от того, как интенсивно ты занимаешься и какой сложности музыку делаешь. Я вообще не понимаю, почему вы до сих пор не бежите учиться.
И не важно — стремишься ли ты стать звездой или просто играешь для себя, от музыки идут одни только плюсы. С одним незначительным минусом — если тебя затянет, то отказаться уже будет невозможно и много свободных часов будет уходить в инструмент. Хотя кто из нас считает это минусом? 😉
Так что учитесь музыке, друзья, это одно из лучших вложений в вашу личность ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎸 Аккордовые последовательности
Кажется, что все песни уже написаны и новые сочетания аккордов придумать трудно? Да, пожалуй так и есть. Но, к счастью, удивлять сочетаниями аккордов искушенного слушателя нет необходимости, а значит — без зазрения совести используем аккордовые последовательности (они же "chords progressions").
Если погуглить, то можно без проблем найти нужное сочетание (или даже понять принцип самому, анализируя любимые песни), но я рекомендую перед этим понять принцип построения аккордов по ступеням гаммы (книжки по элементарной теории музыки вам в помощь).
Рассмотрим гамму "До мажор". Каждая нота в этой гамме ("До-Ре-Ми-Фа-Соль-Ля-Си", если кто забыл) является первой нотой аккорда определенной ступени гаммы. Спокойно!
Ступени обозначаются римскими цифрами, от I до VII. А каждый аккорд — это трезвучие. Все еще не понятно? На клавиатуре строим аккорды по принципу три клавиши, зажатые через одну. Например аккорд "До мажор" — это ноты До-Ми-Соль. И это аккорд I ступени. От ноты "Ре" строится аккорд "Ре минор" (ноты "Ре-Фа-Ля") и ступень аккорда II.
Надеюсь стало чуть понятней. И вот последовательностей, состоящей из таких "ступенных" аккордов очень и очень много. Хотите джаз? Сыграйте II-V-I. Балладу? I-VI-II-V.
Самое классное, что ступени не привязаны к одной гамме и вы можете эту последовательность транспонировать в ту тональность, которая вам нужна, не теряя созвучия.
Конечно стоит шевелить мозгами и периодически придумывать что-то свое. Но если тебе надо максимально просто гармонизировать мелодию, создать определенное настроение или даже сделать аранжировку, не сильно запариваясь, то аккордовые прогресси сильно облегчают работу.
Учите матчасть, музыканты, она не убивает креативность, кто бы что ни говорил, а просто дает тебе больше инструментов для использования. А значит — преимущества перед теми, кто не учился✌️
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Кажется, что все песни уже написаны и новые сочетания аккордов придумать трудно? Да, пожалуй так и есть. Но, к счастью, удивлять сочетаниями аккордов искушенного слушателя нет необходимости, а значит — без зазрения совести используем аккордовые последовательности (они же "chords progressions").
Если погуглить, то можно без проблем найти нужное сочетание (или даже понять принцип самому, анализируя любимые песни), но я рекомендую перед этим понять принцип построения аккордов по ступеням гаммы (книжки по элементарной теории музыки вам в помощь).
Рассмотрим гамму "До мажор". Каждая нота в этой гамме ("До-Ре-Ми-Фа-Соль-Ля-Си", если кто забыл) является первой нотой аккорда определенной ступени гаммы. Спокойно!
Ступени обозначаются римскими цифрами, от I до VII. А каждый аккорд — это трезвучие. Все еще не понятно? На клавиатуре строим аккорды по принципу три клавиши, зажатые через одну. Например аккорд "До мажор" — это ноты До-Ми-Соль. И это аккорд I ступени. От ноты "Ре" строится аккорд "Ре минор" (ноты "Ре-Фа-Ля") и ступень аккорда II.
Надеюсь стало чуть понятней. И вот последовательностей, состоящей из таких "ступенных" аккордов очень и очень много. Хотите джаз? Сыграйте II-V-I. Балладу? I-VI-II-V.
Самое классное, что ступени не привязаны к одной гамме и вы можете эту последовательность транспонировать в ту тональность, которая вам нужна, не теряя созвучия.
Конечно стоит шевелить мозгами и периодически придумывать что-то свое. Но если тебе надо максимально просто гармонизировать мелодию, создать определенное настроение или даже сделать аранжировку, не сильно запариваясь, то аккордовые прогресси сильно облегчают работу.
Учите матчасть, музыканты, она не убивает креативность, кто бы что ни говорил, а просто дает тебе больше инструментов для использования. А значит — преимущества перед теми, кто не учился✌️
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Вот я и добрался, как обещал, до создания чата (заодно сменил лого и подстроил все под какой-никакой, но общий стиль).
В чате мы можем знакомиться, обсуждать насущные идеи, коллаборироваться и просто делиться всякими веселыми штуками, найденными на просторах интернета.
Добавляйтесь по ссылке https://news.1rj.ru/str/joinchat/DxAmzlaOl0DOm6IAWhv3YA
В чате мы можем знакомиться, обсуждать насущные идеи, коллаборироваться и просто делиться всякими веселыми штуками, найденными на просторах интернета.
Добавляйтесь по ссылке https://news.1rj.ru/str/joinchat/DxAmzlaOl0DOm6IAWhv3YA
🔊 Покупать ли в домашнюю студию большие мониторы?
Для любителей быстрых ответов — нет, ребята, в вашу комнатку стоит ставить мониторы не больше, чем 5-6 дюймов, а иначе вы будете долго бороться с искажениями баса.
Со всеми же остальными нас ждет долгий и обстоятельный диалог.
Я, как человек, повидавший и послушавший разную технику, а так же работавший в комнатах разной степени подготовки, смело могу сказать — какие бы дорогие мониторы ты не купил, как бы круто комнату не заглушил, а проблема стоячих волн никуда не девается. В основном в небольших помещениях, потому что длина басовой волны куда больше, чем высокочастотной, а громкость динамиков, чтобы эту басовую волну услышать, нужна недетская.
Что такое стоячие волны? Проще всего объяснить по аналогии с чашкой чая, куда вы кидаете ломтик сахара. Волны, исходящие от места падения, отражаются от стенок чашки и начинают либо усиливаться (фазы совпадают), либо ослабевать (фазы различны) в разных точках. А что в результате для нас, звуковиков? Недостоверная звуковая картина.
Если бы мы жили в идеальном мире, то у каждого могло быть в наличии два помещения: одно для записи и второе, огромное, для сведения музыки. Если следовать самым современным трендам построения таких комнат, то стол звукорежиссера должен находиться в центре, на некотором расстоянии от него — деревянные звуковые панели, покрытые звукоотражающим материалом (для экранировки баса и нижней середины) и только потом стены.
Но увы, мы живем где живем и в нашем распоряжении есть, дай боже, если средних размеров комната. Где 8" мониторы будут давать излишний "Low End", с которым совершенно невозможно работать. Да, можно (и нужно!) купить специальный микрофон и софт, подстроить мониторы под помещение и прибрать нижние частоты на эквалайзере, но тогда вопрос — зачем тратить деньги на такие моники? Мы должны подходить к бюджету с умом.
Только недавно я приобрел себе в комнату недорогие мониторы с динамиком 5,25 и был рад тому, насколько четким является низ, что я на высоких громкостях не слышу совпадения фаз и "заводящихся" басов. И помимо легкости настройки такие мониторы еще и не дают ушам устать, когда мы пытаемся пробраться чрез постоянные фазовые конфликты.
Просто смиритесь с тем фактом, что в домашних условиях вы не сможете сводить музыку, предназначенную для клубов или больших площадок (где ультра низы как раз необходимы). В остальном вам просто нужен контроль низких частот до 50-80 Гц. И этого вполне хватит для музыки, которую потом будут слушать в телефонах, наушниках или на домашних вечеринках.
А ультра низы просто срезайте мультибенд компрессией. И не гонитесь за размерами — тут, как и во всеми любимом занятии, важно умение пользоваться✌️
P.S. А для отличников я кину в чат статью о том, как развивалась со временем конструкция контрольных комнат.
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Для любителей быстрых ответов — нет, ребята, в вашу комнатку стоит ставить мониторы не больше, чем 5-6 дюймов, а иначе вы будете долго бороться с искажениями баса.
Со всеми же остальными нас ждет долгий и обстоятельный диалог.
Я, как человек, повидавший и послушавший разную технику, а так же работавший в комнатах разной степени подготовки, смело могу сказать — какие бы дорогие мониторы ты не купил, как бы круто комнату не заглушил, а проблема стоячих волн никуда не девается. В основном в небольших помещениях, потому что длина басовой волны куда больше, чем высокочастотной, а громкость динамиков, чтобы эту басовую волну услышать, нужна недетская.
Что такое стоячие волны? Проще всего объяснить по аналогии с чашкой чая, куда вы кидаете ломтик сахара. Волны, исходящие от места падения, отражаются от стенок чашки и начинают либо усиливаться (фазы совпадают), либо ослабевать (фазы различны) в разных точках. А что в результате для нас, звуковиков? Недостоверная звуковая картина.
Если бы мы жили в идеальном мире, то у каждого могло быть в наличии два помещения: одно для записи и второе, огромное, для сведения музыки. Если следовать самым современным трендам построения таких комнат, то стол звукорежиссера должен находиться в центре, на некотором расстоянии от него — деревянные звуковые панели, покрытые звукоотражающим материалом (для экранировки баса и нижней середины) и только потом стены.
Но увы, мы живем где живем и в нашем распоряжении есть, дай боже, если средних размеров комната. Где 8" мониторы будут давать излишний "Low End", с которым совершенно невозможно работать. Да, можно (и нужно!) купить специальный микрофон и софт, подстроить мониторы под помещение и прибрать нижние частоты на эквалайзере, но тогда вопрос — зачем тратить деньги на такие моники? Мы должны подходить к бюджету с умом.
Только недавно я приобрел себе в комнату недорогие мониторы с динамиком 5,25 и был рад тому, насколько четким является низ, что я на высоких громкостях не слышу совпадения фаз и "заводящихся" басов. И помимо легкости настройки такие мониторы еще и не дают ушам устать, когда мы пытаемся пробраться чрез постоянные фазовые конфликты.
Просто смиритесь с тем фактом, что в домашних условиях вы не сможете сводить музыку, предназначенную для клубов или больших площадок (где ультра низы как раз необходимы). В остальном вам просто нужен контроль низких частот до 50-80 Гц. И этого вполне хватит для музыки, которую потом будут слушать в телефонах, наушниках или на домашних вечеринках.
А ультра низы просто срезайте мультибенд компрессией. И не гонитесь за размерами — тут, как и во всеми любимом занятии, важно умение пользоваться✌️
P.S. А для отличников я кину в чат статью о том, как развивалась со временем конструкция контрольных комнат.
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Пока я готовлю новый контент, предлагаю вам окунуться в коллаборацию, которую ребята из чата нашего паблика https://news.1rj.ru/str/joinchat/DxAmzlaOl0DOm6IAWhv3YA решили сделать.
Если вкратце — это будет запись детской песни в нескольких разных стиля (в качестве примера взят "Кузнечик", сыгранный в 11 жанрах).
Если подробней, то добавляйтесь в чат и пишите @h4rdw1r3d (он же "Влад, конфетам рад"). Инициатива была его, а мне интересно будет посмотреть, что получится в итоге. И конечно смогу помочь, подсказав как лучше сводить,аранжировать и какие плагины юзать.
Если вкратце — это будет запись детской песни в нескольких разных стиля (в качестве примера взят "Кузнечик", сыгранный в 11 жанрах).
Если подробней, то добавляйтесь в чат и пишите @h4rdw1r3d (он же "Влад, конфетам рад"). Инициатива была его, а мне интересно будет посмотреть, что получится в итоге. И конечно смогу помочь, подсказав как лучше сводить,аранжировать и какие плагины юзать.
Вот и он — анонс пятого по счету подкаста о музыке, вселенной и всем таком. И в этот раз будет очень вкусная и, пожалуй, одна из самых частых тем в музыкальном комьюнити — что же такое хит? Из чего он состоит? И как мне лично его написать?
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Audio
Пятый выпуск подкаста "Слышь!", где я рассказываю о том, что такое хит, из чего он состоит и как его можешь создать лично ты.
📖 Что такое хит и когда он появился? — 0.46
📓 Хитовая песня и ее элементы — 3.05
🎸 Аранжировка — 6.22
🎛 Звук — 10.08
📊 Больше, чем просто песня — 13.14
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
📖 Что такое хит и когда он появился? — 0.46
📓 Хитовая песня и ее элементы — 3.05
🎸 Аранжировка — 6.22
🎛 Звук — 10.08
📊 Больше, чем просто песня — 13.14
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎸 Аранжировка гитары
Вроде бы несложное занятие, если ты знаешь азы, но мы-то получаем огромное количество музыкантов, пытающихся напихать все свои умения в одну песню, либо играют неоправданно примитивно, зато "так видят" и "главное — душевно".
Современная гитара риффовая. И если ты думаешь, что это сразу рок, то просто погугли, что такое "Остинато". И вернись с мыслью, что "риффовать" можно везде. Из ярких примеров в поп-музыке я бы взял:
Maroon 5 - Harder to Breathe
Charlie Puth - Attention
Foster the People - Pumped up Kicks
Потому что эти риффы построены на мелодии, а не на гармонии, как риффы рока 80-90х. И если вы захотите вдохнуть в свой бит поп-драйва, то именно такая гитара зайдет. Заметье, кстати, насколько эти партии лаконичны и не пытаются выдавать миллиард нот в минуту. Минимализм — важное отличие именно современной гитарной партии.
Сюда же можно включить гитары вроде:
Dua Lipa - IDGAF
John Mayer - Neon
Они построены на обыгрывании аккордов, но звучат достаточно остинатно. Просто. И круто.
Еще сейчас очень любят акустический фолк, а значит, что всякие "strum and roll" или по нашему " Бои с переборами" будут очень даже ко двору.
Если послушать практически любую песню Эда Ширана, Джона Майера или Бруно Марса, то там должны быть эти элементы, но для примера:
Bruno Mars - Lazy Song
John Mayer - Daughters
Ed Sheeran - Perfect
Вроде бы ничего особенного, так играет каждый парень во дворе. Есть маленькое отличие — паузы. Эти парни профи и знают, что хорошая пауза звучит мощнее, чем постоянный гитарный чес. Да и саму партию это делает лаконичнее и проще для восприятия.
И да, я совсем забыл о вечном тренде мексиканской гитары, как в том же приснопамятном "Despacito". Если хочется колорита латины, то очень рекомендую обратить внимание на такие гитарные партии, потому что фишка пока незаезжена.
А что еще трендах? Правильно — диско-фанк. Кажется, что это смесь предыдущих двух пунктов. Кажется, но не является. Потому что фанк гитара не такая воздушная и заполняет собой довольно много звукового пространства. А значит и аранжировку нужно выстраивать вокруг нее, добавляя элементы весьма дозированно.
И конечно примеры:
Maroon 5 - Moves Like Jagger
Katy Perry - Birthday (опять же фанк, но с большими паузами, что дает больше акцентировки)
Alice Merton - No Roots (а вот тут уже не самый правильный пример, потому что аранжировка выстроена вокруг баса. Но как же все меняется, когда вступает гитара. Она буквально перетягивает на себя внимание и кажется, что вся аранжировка писалась, подводя именно к этому моменту песни)
А в послесловии я, как всегда, все переверну с ног на голову и скажу, что тренды постоянно меняются и следить за ними, безусловно, нужно. Но помимо этого нужно следить за тем, что ты сам хочешь создать и пытаться нащупать тот звук, который не нащупали другие. Безумству храбрых поем мы песню, ведь без них не будет прогресса. Так что ищи свой звук, покоряй вершины чартов и люби гитару, мой юный друг. Она, как дорогой черный костюм — всегда актуальна.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Вроде бы несложное занятие, если ты знаешь азы, но мы-то получаем огромное количество музыкантов, пытающихся напихать все свои умения в одну песню, либо играют неоправданно примитивно, зато "так видят" и "главное — душевно".
Современная гитара риффовая. И если ты думаешь, что это сразу рок, то просто погугли, что такое "Остинато". И вернись с мыслью, что "риффовать" можно везде. Из ярких примеров в поп-музыке я бы взял:
Maroon 5 - Harder to Breathe
Charlie Puth - Attention
Foster the People - Pumped up Kicks
Потому что эти риффы построены на мелодии, а не на гармонии, как риффы рока 80-90х. И если вы захотите вдохнуть в свой бит поп-драйва, то именно такая гитара зайдет. Заметье, кстати, насколько эти партии лаконичны и не пытаются выдавать миллиард нот в минуту. Минимализм — важное отличие именно современной гитарной партии.
Сюда же можно включить гитары вроде:
Dua Lipa - IDGAF
John Mayer - Neon
Они построены на обыгрывании аккордов, но звучат достаточно остинатно. Просто. И круто.
Еще сейчас очень любят акустический фолк, а значит, что всякие "strum and roll" или по нашему " Бои с переборами" будут очень даже ко двору.
Если послушать практически любую песню Эда Ширана, Джона Майера или Бруно Марса, то там должны быть эти элементы, но для примера:
Bruno Mars - Lazy Song
John Mayer - Daughters
Ed Sheeran - Perfect
Вроде бы ничего особенного, так играет каждый парень во дворе. Есть маленькое отличие — паузы. Эти парни профи и знают, что хорошая пауза звучит мощнее, чем постоянный гитарный чес. Да и саму партию это делает лаконичнее и проще для восприятия.
И да, я совсем забыл о вечном тренде мексиканской гитары, как в том же приснопамятном "Despacito". Если хочется колорита латины, то очень рекомендую обратить внимание на такие гитарные партии, потому что фишка пока незаезжена.
А что еще трендах? Правильно — диско-фанк. Кажется, что это смесь предыдущих двух пунктов. Кажется, но не является. Потому что фанк гитара не такая воздушная и заполняет собой довольно много звукового пространства. А значит и аранжировку нужно выстраивать вокруг нее, добавляя элементы весьма дозированно.
И конечно примеры:
Maroon 5 - Moves Like Jagger
Katy Perry - Birthday (опять же фанк, но с большими паузами, что дает больше акцентировки)
Alice Merton - No Roots (а вот тут уже не самый правильный пример, потому что аранжировка выстроена вокруг баса. Но как же все меняется, когда вступает гитара. Она буквально перетягивает на себя внимание и кажется, что вся аранжировка писалась, подводя именно к этому моменту песни)
А в послесловии я, как всегда, все переверну с ног на голову и скажу, что тренды постоянно меняются и следить за ними, безусловно, нужно. Но помимо этого нужно следить за тем, что ты сам хочешь создать и пытаться нащупать тот звук, который не нащупали другие. Безумству храбрых поем мы песню, ведь без них не будет прогресса. Так что ищи свой звук, покоряй вершины чартов и люби гитару, мой юный друг. Она, как дорогой черный костюм — всегда актуальна.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🔊 Мастеринг: мифы и легенды.
Сколько я болтаюсь в тусовке, столько же слышу противоречивые вещи насчет мастеринга. То он нужен, то не нужен, то можно его делать сразу в проекте, а иногда он вообще мешает и "плющит" звук. Ну и насчет того, где именно его можно делать (дома на коленке или только в проф. студии) тоже ходит немало споров.
Чтобы все это понять — нужно многое узнать. Например, подойти к отцу и спросить его, а что такое мастеринг на самом деле? А вот и место, чтобы ввернуть мое любимое определение: "Запись — это чистая кожа, сведение — уход за ней, а мастеринг — макияж".
Конечно же по науке нужно делать мастеринг не просто в подготовленном помещении. Студия должна быть изолирована от внешних источников звука настолько, что даже блок компьютера лучше вывести отдельно, чтобы вентилятор не шумел. Ну и коммутация так же фонить не должна, так что требования к действительно крутой студии мастеринга высочайшие.
А теперь спустимся с небес на землю. Мастеринг — это клей, который сделает уже готовый микс громче, ярче, "панчевей" и "грувовей". А значит — делать его стоит даже с минимумом аппаратуры. Но в этот минимум входят 2-3 источника звука разной степени качества. Основные рабочие моники, моники для шит контроля и что-то Mid-Range'вое (Auratone и аналоги). Но даже если есть только динамики телефона и ноутбука (или в лучшем случае — бытовое стерео), то юзайте их нещадно. Свой микс нужно проверять на максимальном количестве спикеров, чтобы убедиться, что даже на самом убитом китайском дерьме он (микс) будет звучать достойно.
В чате канала я уже писал, что использую следующую цепь эффектов на мастер канале: понижающий эквалайзер, мультибенд компрессор, повышающий эквалайзер, ленточный сатуратор, максимайзер и лимитер (именно в таком порядке). Из этого набора одновременно включены не все эффекты, а по необходимости (зависит от микса). Ну и в send мастер канала так же висит 1176-ой компрессор, который всегда включен.
Не буду писать много про настройки, потому что довольно индивидуальная штука. Отмечу только, что даже делая микс громче все равно стоит оставлять приличный хедрум в запасе. Проще говоря — старайся не делать микс громче -17 (-15) дБ. Современные алгоритмы потоковых сервисов сами за тебя все сделают. Зато так ты избежишь лишних искажений и сохранишь "воздух" в музыке. По этой же причине сатуратор нужен далеко не всегда, а если все-таки он в цепи, то уровень сатурации не должен превышать 20%. А на мультибенд компрессоре пусть по умолчанию стоит обработка нижней частоты от 0 до 80 гЦ. Если у тебя нет действительно крутых моников и сабвуфера, то лучше саб-бас подобрезать. Или, как в нашем случае, с умом контроллировать.
На лимитере стоит установить двухкратный oversampling и dithering, совпадающий с тем уровнем битности, в котором трек будет экспортироваться (обычно 16 или 24 bit).
Что такое дизеринг? Это подмешивание шума для уменьшения нелинейных искажений при Цифро-Аналоговом Преобразовании (единственный раз, когда я могу козырнуть своим инженерным дипломом). Dithering, кстати, иногда делает микс менее разборчивым, так что тут тоже нужно проверять каждый раз, а нужен ли он вообще.
Ну и конечно слушай, ведь мастеринг требует невероятной концентрации внимания, чтобы сгладить малейшие шероховатости микса и улучшить то, что уже и так работает хорошо. Так что крепись, музыкант, ты делаешь нужное дело✌️
P.S.
Еще существуют сервисы онлайн мастеринга, но я сам не пользовался, так что сказать ничего не могу. Если кто-то из вас имел опыт — делитесь в комментариях.
P.P.S.
А вот референсами чужих миксов, как советуют на просторах, я пользоваться не советую. Такой аппаратуры, на которой делали трек, у вас точно нет, так что сделать так же не выйдет. Зато легко можно намудрить в частотном балансе и получить кристальный верх, зато ухающую бочку и скомканную середину. Просто тренируйте вкус и делайте свой звук максимально крутым уже исходя из него.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Сколько я болтаюсь в тусовке, столько же слышу противоречивые вещи насчет мастеринга. То он нужен, то не нужен, то можно его делать сразу в проекте, а иногда он вообще мешает и "плющит" звук. Ну и насчет того, где именно его можно делать (дома на коленке или только в проф. студии) тоже ходит немало споров.
Чтобы все это понять — нужно многое узнать. Например, подойти к отцу и спросить его, а что такое мастеринг на самом деле? А вот и место, чтобы ввернуть мое любимое определение: "Запись — это чистая кожа, сведение — уход за ней, а мастеринг — макияж".
Конечно же по науке нужно делать мастеринг не просто в подготовленном помещении. Студия должна быть изолирована от внешних источников звука настолько, что даже блок компьютера лучше вывести отдельно, чтобы вентилятор не шумел. Ну и коммутация так же фонить не должна, так что требования к действительно крутой студии мастеринга высочайшие.
А теперь спустимся с небес на землю. Мастеринг — это клей, который сделает уже готовый микс громче, ярче, "панчевей" и "грувовей". А значит — делать его стоит даже с минимумом аппаратуры. Но в этот минимум входят 2-3 источника звука разной степени качества. Основные рабочие моники, моники для шит контроля и что-то Mid-Range'вое (Auratone и аналоги). Но даже если есть только динамики телефона и ноутбука (или в лучшем случае — бытовое стерео), то юзайте их нещадно. Свой микс нужно проверять на максимальном количестве спикеров, чтобы убедиться, что даже на самом убитом китайском дерьме он (микс) будет звучать достойно.
В чате канала я уже писал, что использую следующую цепь эффектов на мастер канале: понижающий эквалайзер, мультибенд компрессор, повышающий эквалайзер, ленточный сатуратор, максимайзер и лимитер (именно в таком порядке). Из этого набора одновременно включены не все эффекты, а по необходимости (зависит от микса). Ну и в send мастер канала так же висит 1176-ой компрессор, который всегда включен.
Не буду писать много про настройки, потому что довольно индивидуальная штука. Отмечу только, что даже делая микс громче все равно стоит оставлять приличный хедрум в запасе. Проще говоря — старайся не делать микс громче -17 (-15) дБ. Современные алгоритмы потоковых сервисов сами за тебя все сделают. Зато так ты избежишь лишних искажений и сохранишь "воздух" в музыке. По этой же причине сатуратор нужен далеко не всегда, а если все-таки он в цепи, то уровень сатурации не должен превышать 20%. А на мультибенд компрессоре пусть по умолчанию стоит обработка нижней частоты от 0 до 80 гЦ. Если у тебя нет действительно крутых моников и сабвуфера, то лучше саб-бас подобрезать. Или, как в нашем случае, с умом контроллировать.
На лимитере стоит установить двухкратный oversampling и dithering, совпадающий с тем уровнем битности, в котором трек будет экспортироваться (обычно 16 или 24 bit).
Что такое дизеринг? Это подмешивание шума для уменьшения нелинейных искажений при Цифро-Аналоговом Преобразовании (единственный раз, когда я могу козырнуть своим инженерным дипломом). Dithering, кстати, иногда делает микс менее разборчивым, так что тут тоже нужно проверять каждый раз, а нужен ли он вообще.
Ну и конечно слушай, ведь мастеринг требует невероятной концентрации внимания, чтобы сгладить малейшие шероховатости микса и улучшить то, что уже и так работает хорошо. Так что крепись, музыкант, ты делаешь нужное дело✌️
P.S.
Еще существуют сервисы онлайн мастеринга, но я сам не пользовался, так что сказать ничего не могу. Если кто-то из вас имел опыт — делитесь в комментариях.
P.P.S.
А вот референсами чужих миксов, как советуют на просторах, я пользоваться не советую. Такой аппаратуры, на которой делали трек, у вас точно нет, так что сделать так же не выйдет. Зато легко можно намудрить в частотном балансе и получить кристальный верх, зато ухающую бочку и скомканную середину. Просто тренируйте вкус и делайте свой звук максимально крутым уже исходя из него.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Что вы больше ждете?
Anonymous Poll
27%
Запись электрогитары дома
38%
Запись и обработка вокала
35%
Подкаст об аранжировке фортепиано
Ну что, ребята, думаю все кто хотел, проголосовали, а значит выбор сделан — я начну готовить подкаст о том, как аранжировывать фортепиано для разнообразных стилей и жанров (прежде всего поп и рок, конечно). А попутно разберемся в том, как нарулить хороший саунд и какие плагины вообще есть. А если вы ретро и пишете звук с цифрового пианино в линию или даже записываете старый бабушкин рояль на 4 микрофона, то об этом я тоже расскажу.
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky