"Важность ошибок при создании музыки"
Отталкиваясь от конца прошлого поста, но немного его переосмыслив, я решил поговорить об ошибках впринципе в музыке.
Когда пишешь новый трек, часто бывает так, что взял не тот аккорд или чуть с ритмом ошибся и чувствуешь: "Вот оно... Пошла гениальность". А вот откуда это происходит и как можно (и нужно ли) контролировать такие моменты я постараюсь написать, поскольку тема почти академическая.
Если здесь есть люди, хоть немного знакомые с биологией (или с книгой Ричарда Докинза "Эгоистичный Ген"), то вы прекрасно понимаете, что любой организм строится по схеме, которая зашита в ДНК. Но даже там случаются ошибки и на выходе мы получаем что? Правильно дети - организмы со "сломанными" клетками, да простят меня генетики за подобную ересь. Но именно благодаря таким ошибкам и происходит эволюция в целом.
Вернемся к музыке. Как ты не кричи всем вокруг, что создаёшь свое, новое и необычное, но по факту ты просто делаешь собирательную копию того, что услышал до этого. Искусство вообще штука такая, погрязшая в самоповторах.
Но именно благодаря "ошибкам" ты получаешь не новую песню Киркорова, а очень даже новый и классный трек. Или не получаешь, тут уж как пойдет.
Но разве не это самое крутое, что есть в творчестве вообще? Эксперимент. Когда ты ищешь, пробуешь, выкидываешь и добавляешь. И наслаждаешься результатом.
Так что в следущий раз, когда мыслей в голове не будет, сядь за новую песню или начни делать аранжировку, а потом попробуй разные аккорды, смести ритм, поиграйся с громкостью. И увидишь, как выйдет круто, если иногда отпустить "рацио".
Ну что, в следующий раз о ритм секции?
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Отталкиваясь от конца прошлого поста, но немного его переосмыслив, я решил поговорить об ошибках впринципе в музыке.
Когда пишешь новый трек, часто бывает так, что взял не тот аккорд или чуть с ритмом ошибся и чувствуешь: "Вот оно... Пошла гениальность". А вот откуда это происходит и как можно (и нужно ли) контролировать такие моменты я постараюсь написать, поскольку тема почти академическая.
Если здесь есть люди, хоть немного знакомые с биологией (или с книгой Ричарда Докинза "Эгоистичный Ген"), то вы прекрасно понимаете, что любой организм строится по схеме, которая зашита в ДНК. Но даже там случаются ошибки и на выходе мы получаем что? Правильно дети - организмы со "сломанными" клетками, да простят меня генетики за подобную ересь. Но именно благодаря таким ошибкам и происходит эволюция в целом.
Вернемся к музыке. Как ты не кричи всем вокруг, что создаёшь свое, новое и необычное, но по факту ты просто делаешь собирательную копию того, что услышал до этого. Искусство вообще штука такая, погрязшая в самоповторах.
Но именно благодаря "ошибкам" ты получаешь не новую песню Киркорова, а очень даже новый и классный трек. Или не получаешь, тут уж как пойдет.
Но разве не это самое крутое, что есть в творчестве вообще? Эксперимент. Когда ты ищешь, пробуешь, выкидываешь и добавляешь. И наслаждаешься результатом.
Так что в следущий раз, когда мыслей в голове не будет, сядь за новую песню или начни делать аранжировку, а потом попробуй разные аккорды, смести ритм, поиграйся с громкостью. И увидишь, как выйдет круто, если иногда отпустить "рацио".
Ну что, в следующий раз о ритм секции?
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
А для вас, мои дорогие любители музыки, у меня отдельное поздравление.
Отдельное от того, что я написал в других социалках (хоть фотка будет той же самой).
Что самое главное нам, музыкантам? Чтобы слушатель был доволен.
А когда это возможно? Только если ты сам кайфуешь от того, что делаешь.
Можно очень долго говорить о важности учебы, математического подхода, сосредоточенности и продуманности, но в конечном счете влияет лишь то, нравится ли нам самим результат.
Невозожно, уж простите, наебать самого себя, невозможно заставить получать удовольствие. И вот именно этого я хочу пожелать всем вам - никогда не теряйте эту любовь к своему делу, не врите себе, честно и искренне говорите в своих песнях и аранжировках о своих радостях и болях.
И тогда мир правда будет меняться к лучшему. Искусство -- это всегда тихая революция, прежде всего в мышлении. А если поменять мысли, то уже мир поменяется сам собой.
С новым годом, музыканты всех полов, возрастов и религий, творите больше доброты!
Отдельное от того, что я написал в других социалках (хоть фотка будет той же самой).
Что самое главное нам, музыкантам? Чтобы слушатель был доволен.
А когда это возможно? Только если ты сам кайфуешь от того, что делаешь.
Можно очень долго говорить о важности учебы, математического подхода, сосредоточенности и продуманности, но в конечном счете влияет лишь то, нравится ли нам самим результат.
Невозожно, уж простите, наебать самого себя, невозможно заставить получать удовольствие. И вот именно этого я хочу пожелать всем вам - никогда не теряйте эту любовь к своему делу, не врите себе, честно и искренне говорите в своих песнях и аранжировках о своих радостях и болях.
И тогда мир правда будет меняться к лучшему. Искусство -- это всегда тихая революция, прежде всего в мышлении. А если поменять мысли, то уже мир поменяется сам собой.
С новым годом, музыканты всех полов, возрастов и религий, творите больше доброты!
В новый год с новыми силами, итак: «Ритм секция в аранжировке».
Все мы люди взрослые и знаем, что без ритма ничего не получится, а поскольку мы только учимся, то обойдемся без экспериментов и возьмем в качестве ритм секции банальные барабаны и бас. Конечно можно туда приплюсовать и ритм гитару или ритм фортепиано с синтезатором, но так я бы поступал от случая к случаю, а drum’n’bass тащит везде.
В классической музыкальной теории принято делить базовую метрику на простейшие 2/4 и 3/4, в джазе приняты 4/4 и 6/8, а я предлагаю упростить еще больше - оставьте 4/4 и, если совсем невмоготу, добавляйте триоли. В современной поп-музыке как-то устаканился размер 4/4 и он же наиболее приятен для нас, гуманоидов. Сердце же не стучит в трех четвертях, правда?
Простейшие сочетания «бочка-снейр-хайхет» думаю вы тоже легко набьете, поделюсь только тремя хитростями:
Первая - в 2018 благодаря засилью трэпа стало модно экспериментировать с размерностью хайхета, так что не бойся ставить 32 или 64 в нем, даже если песня живая по задумке.
Вторая - начиная с прошлого века мы (люди) стали фанатами синкоп. Настолько, что без них музыка начала казаться слишком примитивной. Не хочешь дворовый арранж - юзай синкопы.
И третья (хотя, по сути, это продолжение второй) - подумай над тем, что сильная доля в музыке всегда присутствует, просто по своей природе. Так может стоит делать больше акцента на слабой, вплоть до того, что сильная вообще убирается? Но это уже больше из разряда экспериментов.
Так получилось, что я почти всегда начинаю аранжировку с ударных, потом наслаивая остальное. Потому что стоптайм или синкопу всегда можно вставить, не нарушив общее полотно. И дальше идет бас.
Как делают все? Ставят бас под бочку. Как сделаем мы? Точно так же, но не везде. Чередование бочки с басом может дать очень стильную пульсацию, «Maroon 5» так постоянно делают и вообще модно.
Насчет самой партии баса скажу то же самое, что про барабаны - учись немного на нем играть. И сразу поймешь, что прыжки больше октавы часто не нужны, а терцовый, квартовый или квинтовых ходы хоть и стары как мир, зато работают как часы.
И как-то плавно мы перешли к леерингу, но об этом в следующий раз.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Все мы люди взрослые и знаем, что без ритма ничего не получится, а поскольку мы только учимся, то обойдемся без экспериментов и возьмем в качестве ритм секции банальные барабаны и бас. Конечно можно туда приплюсовать и ритм гитару или ритм фортепиано с синтезатором, но так я бы поступал от случая к случаю, а drum’n’bass тащит везде.
В классической музыкальной теории принято делить базовую метрику на простейшие 2/4 и 3/4, в джазе приняты 4/4 и 6/8, а я предлагаю упростить еще больше - оставьте 4/4 и, если совсем невмоготу, добавляйте триоли. В современной поп-музыке как-то устаканился размер 4/4 и он же наиболее приятен для нас, гуманоидов. Сердце же не стучит в трех четвертях, правда?
Простейшие сочетания «бочка-снейр-хайхет» думаю вы тоже легко набьете, поделюсь только тремя хитростями:
Первая - в 2018 благодаря засилью трэпа стало модно экспериментировать с размерностью хайхета, так что не бойся ставить 32 или 64 в нем, даже если песня живая по задумке.
Вторая - начиная с прошлого века мы (люди) стали фанатами синкоп. Настолько, что без них музыка начала казаться слишком примитивной. Не хочешь дворовый арранж - юзай синкопы.
И третья (хотя, по сути, это продолжение второй) - подумай над тем, что сильная доля в музыке всегда присутствует, просто по своей природе. Так может стоит делать больше акцента на слабой, вплоть до того, что сильная вообще убирается? Но это уже больше из разряда экспериментов.
Так получилось, что я почти всегда начинаю аранжировку с ударных, потом наслаивая остальное. Потому что стоптайм или синкопу всегда можно вставить, не нарушив общее полотно. И дальше идет бас.
Как делают все? Ставят бас под бочку. Как сделаем мы? Точно так же, но не везде. Чередование бочки с басом может дать очень стильную пульсацию, «Maroon 5» так постоянно делают и вообще модно.
Насчет самой партии баса скажу то же самое, что про барабаны - учись немного на нем играть. И сразу поймешь, что прыжки больше октавы часто не нужны, а терцовый, квартовый или квинтовых ходы хоть и стары как мир, зато работают как часы.
И как-то плавно мы перешли к леерингу, но об этом в следующий раз.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
«Лееринг электронный и живой»
И опять английское слово, и опять важная часть саунд-продьюсмента.
Обычно лееринг представляют как наслоение нескольких синтезаторов на одну ноту (или аккорд, например). В узком смысле да - ты накидываешь разных тембров на бас, снейр или пэд, разделяешь их по громкости, высоте и панораме (если надо), немного компрессируешь и есть звук! Но мало кто задумывается, что в живых инструментах лееринг возможен, более того - все мы его хоть раз да использовали.
Писали бэки хотя бы в октаву? Лееринг. Квадрофоническую гитару? И это тоже лееринг. А ведь можно делать еще круче - смешивать жизнь и цифру. К аналоговому басу подмешать электронный, к акустической гитаре подмешать легкий пэд на задний план, а к вокалу добавить ту же мелодию, но сыгранную синтезатором. Уже лет 30, если не больше, именно звук определяет качество песни. Не сложность аранжировки, не навороченность мелодии, а именно качество тембров, качество микса. И лееринг может сильно помочь в формировании своего характера, коммерческого и стильного
Следующий пост хочу посвятить тому, как важно раскидывать звуки в аранжировке по высоте в зависимости от функции. И хочу в этот раз сопроводить аудио для удобства оценки, вот почему нужен ваш совет - стоит ли делать вообще, а если да, то стоит делать одним большим файлом или маленькими на несколько секунд, чтобы переключаться между примерами?
С любовью и пониманием ваш я.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
И опять английское слово, и опять важная часть саунд-продьюсмента.
Обычно лееринг представляют как наслоение нескольких синтезаторов на одну ноту (или аккорд, например). В узком смысле да - ты накидываешь разных тембров на бас, снейр или пэд, разделяешь их по громкости, высоте и панораме (если надо), немного компрессируешь и есть звук! Но мало кто задумывается, что в живых инструментах лееринг возможен, более того - все мы его хоть раз да использовали.
Писали бэки хотя бы в октаву? Лееринг. Квадрофоническую гитару? И это тоже лееринг. А ведь можно делать еще круче - смешивать жизнь и цифру. К аналоговому басу подмешать электронный, к акустической гитаре подмешать легкий пэд на задний план, а к вокалу добавить ту же мелодию, но сыгранную синтезатором. Уже лет 30, если не больше, именно звук определяет качество песни. Не сложность аранжировки, не навороченность мелодии, а именно качество тембров, качество микса. И лееринг может сильно помочь в формировании своего характера, коммерческого и стильного
Следующий пост хочу посвятить тому, как важно раскидывать звуки в аранжировке по высоте в зависимости от функции. И хочу в этот раз сопроводить аудио для удобства оценки, вот почему нужен ваш совет - стоит ли делать вообще, а если да, то стоит делать одним большим файлом или маленькими на несколько секунд, чтобы переключаться между примерами?
С любовью и пониманием ваш я.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
«Звуковысотность элементов аранжировки»
Хей, народ! Давно не виделись. Учебы с работой было много, так что я немного выпал из строя. Но вот на исходе недели решил-таки порадовать вас свежим материалом.
У каждого инструмента есть своя самая важная, фундаментальная частота, которая определяет регистр. И понятное дело, что все инструменты играют в более-менее разных регистрах. Но вот в чем штука: в аранжировке новички очень часто делают большую ошибку, когда инструментов много - пихают все в средний регистр, потому что он самый мощный для человеческого уха. А в результате из динамиков льется только каша, хоть половником черпай.
Но это не значит, что середину нужно оставлять пустой, вовсе нет. Напротив - при грамотном соединении инструментов мы получаем мощь и энергию, которые раскачают любой танцпол. Я заготовил три примера, сделав их максимально наглядными, чтобы сразу было понятно, как и на что влияет высота. А в качестве бонуса покажу на что влияет и панорама.
Итак у нас три примера одинакового квадрата из четырех инструментов: гитара, бас, бит и синтезатор. Вместе получился такой миленький фанк биток.
Пример а:
В нем никакого панорамирования нет, только стандартные звуки, гейн у каждой дорожки тоже одинаков. Но поскольку инструментов 4, то вместо того, чтобы делать жирную середину и показывать, как она может грязнить, я опустил партию гитары и синта на октаву, так что они стали играть в басовом регистре, по факту давая середину нижнюю.
Если у вас хорошие наушники или мониторы, то сразу вылезет весь гул, который есть в миксе и понятно - такое слушать долго нельзя и вокал с такой записью тоже будет выглядеть странно, хотя аранжировка неплохая и бит заводной.
Пример b:
Вот здесь уже каждый инструмент играет в своем регистре, синт с гитарой дают середины и верхов, но я так же не менял гейн и панораму (по секрету скажу, что гейн я, для наглядности, не менял нигде). Сразу появилась мощь, пропал гул и вот это уже можно назвать хорошим звуком. Но при всем при этом в такую запись уже не вставишь вокал, потому что его место занято гитарой и синтом. Женский еще можно попытаться, но лучше обратить внимание на
Пример c:
Сразу слышно, что микс звучит как-будто менее мощно, чем предыдущий. В чем фишка? В том, что моно сигнал всегда в два раза мощнее, чем стерео. Зато, инструменты приятно разбросаны по панораме, переключая внимание с левого на правое ухо и не так дают заскучать при анализе этой фразы. И самое главное - сколько появилось воздуха для вокала и дополнительных инструментов, которые так же можно раскидать по ушам. А если еще и с громкостью поиграться, да эквалайзер подкрутить, то добавлять инструменты можно чуть ли не бесконечно, пока сами не устанете.
Ну что, как вам такой формат подачи информации, заходит больше? Пишите комментарии, ставьте пальчики и конечно - приглашайте больше друзей и знакомых, которые пишут музыку. Вместе будем делать ее еще лучше.
P.S. Мне лично такой формат понравился гораздо больше, чем просто текст с картинкой, так что ближайшее время буду работать в нем. Если вдруг заходите спросить, как определенный эффект сделан в определенной песне или как называется звук, то я всегда буду рад ответить. А если, так выйдет, что ответа не знаю, то будет повод узнать и разобраться. Так что правда пишите комменты, мне без них грустно и одиноко.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Хей, народ! Давно не виделись. Учебы с работой было много, так что я немного выпал из строя. Но вот на исходе недели решил-таки порадовать вас свежим материалом.
У каждого инструмента есть своя самая важная, фундаментальная частота, которая определяет регистр. И понятное дело, что все инструменты играют в более-менее разных регистрах. Но вот в чем штука: в аранжировке новички очень часто делают большую ошибку, когда инструментов много - пихают все в средний регистр, потому что он самый мощный для человеческого уха. А в результате из динамиков льется только каша, хоть половником черпай.
Но это не значит, что середину нужно оставлять пустой, вовсе нет. Напротив - при грамотном соединении инструментов мы получаем мощь и энергию, которые раскачают любой танцпол. Я заготовил три примера, сделав их максимально наглядными, чтобы сразу было понятно, как и на что влияет высота. А в качестве бонуса покажу на что влияет и панорама.
Итак у нас три примера одинакового квадрата из четырех инструментов: гитара, бас, бит и синтезатор. Вместе получился такой миленький фанк биток.
Пример а:
В нем никакого панорамирования нет, только стандартные звуки, гейн у каждой дорожки тоже одинаков. Но поскольку инструментов 4, то вместо того, чтобы делать жирную середину и показывать, как она может грязнить, я опустил партию гитары и синта на октаву, так что они стали играть в басовом регистре, по факту давая середину нижнюю.
Если у вас хорошие наушники или мониторы, то сразу вылезет весь гул, который есть в миксе и понятно - такое слушать долго нельзя и вокал с такой записью тоже будет выглядеть странно, хотя аранжировка неплохая и бит заводной.
Пример b:
Вот здесь уже каждый инструмент играет в своем регистре, синт с гитарой дают середины и верхов, но я так же не менял гейн и панораму (по секрету скажу, что гейн я, для наглядности, не менял нигде). Сразу появилась мощь, пропал гул и вот это уже можно назвать хорошим звуком. Но при всем при этом в такую запись уже не вставишь вокал, потому что его место занято гитарой и синтом. Женский еще можно попытаться, но лучше обратить внимание на
Пример c:
Сразу слышно, что микс звучит как-будто менее мощно, чем предыдущий. В чем фишка? В том, что моно сигнал всегда в два раза мощнее, чем стерео. Зато, инструменты приятно разбросаны по панораме, переключая внимание с левого на правое ухо и не так дают заскучать при анализе этой фразы. И самое главное - сколько появилось воздуха для вокала и дополнительных инструментов, которые так же можно раскидать по ушам. А если еще и с громкостью поиграться, да эквалайзер подкрутить, то добавлять инструменты можно чуть ли не бесконечно, пока сами не устанете.
Ну что, как вам такой формат подачи информации, заходит больше? Пишите комментарии, ставьте пальчики и конечно - приглашайте больше друзей и знакомых, которые пишут музыку. Вместе будем делать ее еще лучше.
P.S. Мне лично такой формат понравился гораздо больше, чем просто текст с картинкой, так что ближайшее время буду работать в нем. Если вдруг заходите спросить, как определенный эффект сделан в определенной песне или как называется звук, то я всегда буду рад ответить. А если, так выйдет, что ответа не знаю, то будет повод узнать и разобраться. Так что правда пишите комменты, мне без них грустно и одиноко.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
«Бас и метрика»
Решил вернуться к теме о ритм секции, чтобы наглядно показать, как что меняется и насколько это важно. Предупрежу сразу - пример школьный, но вдруг кто-то не разбирал?
Я взял самый просто барабанный бит (с чередованием сильной бочки и слабого снейра) и добавил к нему 4 варианта баса со смещением на 16ю каждый раз. Каждый вариант длится два такта.
Первый и третий вариант очевидны - бас играет в сильную или в слабую долю соответственно. Первый дает прямое и напористое рок звучание, а третий - прыгучесть и танцевальность фанка, диско и всего такого. А вот остальные два варианта куда интереснее.
Да, когда бас играет на вторую или четвертую 16ю постоянно, то конечно же это звучит, словно басист проебался. Но это же просто базисный пример, обозначающий основы, не воспринимайте его всерьез. Чем хороши шестнадцатые? Через них ритмически можно красиво перейти к следующему аккорду или обыграть один единственный. Естественно ритм стоит сочетать с мелодической заменой. Ну и конечно они редко идут сами по себе, их ритмически поддерживает сильная первая или слабая третья 16е. Надеюсь я никого не запутал, но тем больше будет резона освежить это в своей памяти.
Например в джазе нередко юзают красивый переход через полутон. У нас есть нота «До» и нужна нота «Ми». Так мы спокойно можем, с помощью ноты «Ми бемоль», сыгранной как раз как в примере 4 «четвертая 16я» очень красиво и связно перейти к нужной нам ноте. Я же заготовил фанковый бит с подобным переходом (в отдельном файле)
Ну а пример 2 «вторая 16» можно услышать в фанке и диско, пожалуй самый характерный пример я записал (файл 3), но думаю вы без труда найдете песню, где есть подобный басовый ход.
Доброй ночи, музыканты.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Решил вернуться к теме о ритм секции, чтобы наглядно показать, как что меняется и насколько это важно. Предупрежу сразу - пример школьный, но вдруг кто-то не разбирал?
Я взял самый просто барабанный бит (с чередованием сильной бочки и слабого снейра) и добавил к нему 4 варианта баса со смещением на 16ю каждый раз. Каждый вариант длится два такта.
Первый и третий вариант очевидны - бас играет в сильную или в слабую долю соответственно. Первый дает прямое и напористое рок звучание, а третий - прыгучесть и танцевальность фанка, диско и всего такого. А вот остальные два варианта куда интереснее.
Да, когда бас играет на вторую или четвертую 16ю постоянно, то конечно же это звучит, словно басист проебался. Но это же просто базисный пример, обозначающий основы, не воспринимайте его всерьез. Чем хороши шестнадцатые? Через них ритмически можно красиво перейти к следующему аккорду или обыграть один единственный. Естественно ритм стоит сочетать с мелодической заменой. Ну и конечно они редко идут сами по себе, их ритмически поддерживает сильная первая или слабая третья 16е. Надеюсь я никого не запутал, но тем больше будет резона освежить это в своей памяти.
Например в джазе нередко юзают красивый переход через полутон. У нас есть нота «До» и нужна нота «Ми». Так мы спокойно можем, с помощью ноты «Ми бемоль», сыгранной как раз как в примере 4 «четвертая 16я» очень красиво и связно перейти к нужной нам ноте. Я же заготовил фанковый бит с подобным переходом (в отдельном файле)
Ну а пример 2 «вторая 16» можно услышать в фанке и диско, пожалуй самый характерный пример я записал (файл 3), но думаю вы без труда найдете песню, где есть подобный басовый ход.
Доброй ночи, музыканты.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
«Оглохнуть или свести?»
Сегодня, когда я поработал в чужом зале с чужой акустикой, очень захотелось написать такой пост.
Как обычно мы слушаем музыку? Ну уж точно не на минималках. А часто так, чтобы уши взрывались. Причем уши соседей. И при сведении многие музыканты врубают тот же принцип, «лишь бы ебашило».
И ведь в чем то они правы - на больших громкостях сразу вылезает муть середины, яркие звуки становятся еще ярче, а тихие - тише. Но ведь похожий принцип есть и на тихом звуке, а значит - давайте понимать, как сберечь свои уши и при этом сделать крутой микс.
Для начала - рекомендую найти среднюю громкость, на которой комфортно работать и периодически, раз так в полчаса ее менять. Почему? Уши привыкают и мозг начинает сам сглаживать косяки, а если его «будить» таким образом, то четкость восприятия ошибок сохранится.
Во-вторых: тихий звук - наш лучший друг. Как показала практика, если твой микс качает в тишине и голос тоже разборчив, то на больших громкостях качать и разбираться будет еще больше. Плюс когда громкость чуть ниже средней, то мы слышим микс таким, каким он должен звучать в идеале: без перегрузов. Так что иногда своди громкость на возможный для слуха минимум для проверки.
А что до громких режимов - да, по необходимости и ненадолго давай жару, но только чтобы увидеть, где муть. И вообще громко лучше слушать из соседнего помещения, так многие топовые звукари делают.
И просто добрый совет от себя - для удовольствия лучше музыку слушать разборчиво, не очень тихо и не очень громко. Так не сажаются уши, потому что на тихом звуке они тоже излишне напрягаются, чтобы расслышать хоть какую-то информацию. Но иногда стоит включать потише для тренировки. И со временем нюансы на больших “volume” станут куда более явными.
Сайонара, гайз.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Сегодня, когда я поработал в чужом зале с чужой акустикой, очень захотелось написать такой пост.
Как обычно мы слушаем музыку? Ну уж точно не на минималках. А часто так, чтобы уши взрывались. Причем уши соседей. И при сведении многие музыканты врубают тот же принцип, «лишь бы ебашило».
И ведь в чем то они правы - на больших громкостях сразу вылезает муть середины, яркие звуки становятся еще ярче, а тихие - тише. Но ведь похожий принцип есть и на тихом звуке, а значит - давайте понимать, как сберечь свои уши и при этом сделать крутой микс.
Для начала - рекомендую найти среднюю громкость, на которой комфортно работать и периодически, раз так в полчаса ее менять. Почему? Уши привыкают и мозг начинает сам сглаживать косяки, а если его «будить» таким образом, то четкость восприятия ошибок сохранится.
Во-вторых: тихий звук - наш лучший друг. Как показала практика, если твой микс качает в тишине и голос тоже разборчив, то на больших громкостях качать и разбираться будет еще больше. Плюс когда громкость чуть ниже средней, то мы слышим микс таким, каким он должен звучать в идеале: без перегрузов. Так что иногда своди громкость на возможный для слуха минимум для проверки.
А что до громких режимов - да, по необходимости и ненадолго давай жару, но только чтобы увидеть, где муть. И вообще громко лучше слушать из соседнего помещения, так многие топовые звукари делают.
И просто добрый совет от себя - для удовольствия лучше музыку слушать разборчиво, не очень тихо и не очень громко. Так не сажаются уши, потому что на тихом звуке они тоже излишне напрягаются, чтобы расслышать хоть какую-то информацию. Но иногда стоит включать потише для тренировки. И со временем нюансы на больших “volume” станут куда более явными.
Сайонара, гайз.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
«Мастеринг»
Сколько же копий разбито в рунете об определение этого слова. И уж тем более про позицию «делать-не делать». Лично мне нравится такое определение: «Представьте, что песня - это девушка. Когда она только проснулась и выглядит слегка помято - это запись песни. Когда девушка умылась и причесалась - это сведение. А духи, одежда и макияж - это мастеринг».
Зачем его делать и почему - каждый решает сам. Для демки - совершенно бесполезная трата времени, лучше хорошо свести. Для отдельной песни - уже да, делать надо, но я делаю это несколько небрежно (опять же лучше все проблемы уничтожить на этапе сведения).
А вот с альбомом история такая, что без мастеринга он будет звучать, как набор разношерстных песен без единого контекста. Ведь песни пишутся разными, с разным набором инструментов и аппаратуры, даже состояние здоровья или сна играет роль. И вот умелым мастерингом можно это все нивелировать.
Конечно для него нужны охренительные мониторы и желательно не одни, плюс тихая комната и конечно идеальный слух, отдохнувшие уши и огромный опыт тонкой работы в первую очередь с эквалайзером (именно им и можно все привести к целому звуку). Да и сам эквалайзер (и компрессор тоже) должны быть аналоговыми железками, а не цифровыми эмуляторами. Но это в идеале.
Вот почему я рекомендую выбрать что-то одно, когда работаете с другими: аранжируйте, пишите, сводите или мастерите. И тогда звук будет что-надо, иначе слишком много сил уйдет и ваши замыленные уши не скажут спасибо. Плюс клиент может быть не так доволен.
Но если особых требований к материалу нет, то конечно тренируйтесь делать все - это даст более глубокое понимание того, как формируется дорогой и вкусный звук.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Сколько же копий разбито в рунете об определение этого слова. И уж тем более про позицию «делать-не делать». Лично мне нравится такое определение: «Представьте, что песня - это девушка. Когда она только проснулась и выглядит слегка помято - это запись песни. Когда девушка умылась и причесалась - это сведение. А духи, одежда и макияж - это мастеринг».
Зачем его делать и почему - каждый решает сам. Для демки - совершенно бесполезная трата времени, лучше хорошо свести. Для отдельной песни - уже да, делать надо, но я делаю это несколько небрежно (опять же лучше все проблемы уничтожить на этапе сведения).
А вот с альбомом история такая, что без мастеринга он будет звучать, как набор разношерстных песен без единого контекста. Ведь песни пишутся разными, с разным набором инструментов и аппаратуры, даже состояние здоровья или сна играет роль. И вот умелым мастерингом можно это все нивелировать.
Конечно для него нужны охренительные мониторы и желательно не одни, плюс тихая комната и конечно идеальный слух, отдохнувшие уши и огромный опыт тонкой работы в первую очередь с эквалайзером (именно им и можно все привести к целому звуку). Да и сам эквалайзер (и компрессор тоже) должны быть аналоговыми железками, а не цифровыми эмуляторами. Но это в идеале.
Вот почему я рекомендую выбрать что-то одно, когда работаете с другими: аранжируйте, пишите, сводите или мастерите. И тогда звук будет что-надо, иначе слишком много сил уйдет и ваши замыленные уши не скажут спасибо. Плюс клиент может быть не так доволен.
Но если особых требований к материалу нет, то конечно тренируйтесь делать все - это даст более глубокое понимание того, как формируется дорогой и вкусный звук.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
«midi-клавиши и зачем быть пианистом?»
Каждый раз, спрашивают меня или нет, я говорю, что современный музыкант должен уметь, как минимум: петь, барабанить и играть на ф-но.
Про пение и барабаны все ясно - напеть мелодию или настучать ритм полезно в любой ситуации. А с пианизмом что? Зачем он нужен, если я умею на гитаре бренчать? Вот здесь, под общие аплодисменты и грохот фанфар, на сцену грациозно выходят midi клавиатуры (вроде той, что на картинке).
Многие даже не представляют, насколько это универсальный инструмент. Ясно, что можно с помощью нее прописывать партии почти любого инструмента, пользуясь семплерами или vst. Но помимо этого у midi клавиш, снабженных доп. фейдерами, энкодерами и кнопками, есть еще две функции, здорово ускоряющие работу.
Первая - возможность запуска записи и пролистывания песни. Вроде бы ничего такого, но как же сильно мне экономили время кнопки «rec, play и back-forward”, особенно если пишешь живые инструменты. В принципе и на клавиатуре компа можно все это настроить, но тут-то уже все работает.
А с энкодерами и фейдерами вообще красота, если хочется сделать автоматизацию. Панорамирование, затухание, изменение динамики и акцентировки - все это можно перестать рисовать в своем daw и начать двигать аналоговые ручки, что всегда приятней, чем мышкой делать.
Да и сама по себе midi клавиатура в связке с ноутбуком может стать хорошим помощником на концертах или лайв записях. Так что открывайте «хорошо темперированый клавир» и в бой!
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Каждый раз, спрашивают меня или нет, я говорю, что современный музыкант должен уметь, как минимум: петь, барабанить и играть на ф-но.
Про пение и барабаны все ясно - напеть мелодию или настучать ритм полезно в любой ситуации. А с пианизмом что? Зачем он нужен, если я умею на гитаре бренчать? Вот здесь, под общие аплодисменты и грохот фанфар, на сцену грациозно выходят midi клавиатуры (вроде той, что на картинке).
Многие даже не представляют, насколько это универсальный инструмент. Ясно, что можно с помощью нее прописывать партии почти любого инструмента, пользуясь семплерами или vst. Но помимо этого у midi клавиш, снабженных доп. фейдерами, энкодерами и кнопками, есть еще две функции, здорово ускоряющие работу.
Первая - возможность запуска записи и пролистывания песни. Вроде бы ничего такого, но как же сильно мне экономили время кнопки «rec, play и back-forward”, особенно если пишешь живые инструменты. В принципе и на клавиатуре компа можно все это настроить, но тут-то уже все работает.
А с энкодерами и фейдерами вообще красота, если хочется сделать автоматизацию. Панорамирование, затухание, изменение динамики и акцентировки - все это можно перестать рисовать в своем daw и начать двигать аналоговые ручки, что всегда приятней, чем мышкой делать.
Да и сама по себе midi клавиатура в связке с ноутбуком может стать хорошим помощником на концертах или лайв записях. Так что открывайте «хорошо темперированый клавир» и в бой!
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
"Чем пользуюсь я?"
Решил пильнуть такой пост, потому что попробовал много всякого и остановился на том, что точно удобно, качественно и просто. Так что и вам советую как-минимум попробовать.
Как-то так получилось, что я уже больше года сижу на яблочном ноутбуке (mac pro 13 года с 8gb памяти) и половину это срока - с аудио интерфейсом на thunderbolt (zoom tac-2).
Сейчас мне, честно, очень не хватает моего большого компа на windows с 32gb памяти и аудиокартой на 8 входов (фирмы focusrite, которую я нежно люблю), но вот чем хорош мак - стабильностью. Даже такой скромной конфигурации мне хватает для проекта в 44.1 kHz и 24bit с полностью подгруженными vst инструментами и мешками обработок на разных каналах.
Конечно же midi клавиатура. Сейчас это мобильная akai lpk25, которую я скоро сменю Samson graphite m25 из-за кучи крутилок и кнопок.
Наушники - нестареющая классика Audio-Technica M50 (конечно же красного цвета, потому что они звучат качественней шутка), а в качестве мониторов я взял трехдюймовые samson mediaone m30.
Купил я их, честно признаюсь, т.к. были деньги только на них, но после распаковки я понял, что оставлю из даже когда вся моя "взрослая аппаратура" снова будет со мной. Из-за хорошего усилителя эти мониторы дают очень кристальный звук, который поможет перепроверить ваше сведение на больших мониках.
По этой же причине я пользовался мониками типа auratone и, как ни странно, hifi системой harman/kardon soundsticks. Шит контроля нужно много, если хотите сделать себе в том числе мастеринг студию.
И конечно для работы нужно максимально много микрофонов. По ним я напишу отдельный пост, а пока просто запишите себе одно название: "Октава". Мой рабочий микрофон уже давно мк-105 и вряд ли это изменится в ближайшее время. Ему просто нет равных за такую цену.
А так, конечно, нужны стереопары, динамические, разнонаправленные и с разными ачх микрофоны для разных нужд - от записи вокал до барабанов и дисторшн гитар. Или струнных и медных (саксофон я пишу в 3 микрофона, а акустику на последнем своем сингле писал аж в 4 и она звучит богично почти без обработок)
Кстати вот и он:
https://m.soundcloud.com/adamsky_music/in-the-shadows-master?utm_source=soundcloud&utm_campaign=share&utm_medium=facebook
Ну а про то, что находится внутри моего компа (vst и обработки) я напишу во второй части.
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Решил пильнуть такой пост, потому что попробовал много всякого и остановился на том, что точно удобно, качественно и просто. Так что и вам советую как-минимум попробовать.
Как-то так получилось, что я уже больше года сижу на яблочном ноутбуке (mac pro 13 года с 8gb памяти) и половину это срока - с аудио интерфейсом на thunderbolt (zoom tac-2).
Сейчас мне, честно, очень не хватает моего большого компа на windows с 32gb памяти и аудиокартой на 8 входов (фирмы focusrite, которую я нежно люблю), но вот чем хорош мак - стабильностью. Даже такой скромной конфигурации мне хватает для проекта в 44.1 kHz и 24bit с полностью подгруженными vst инструментами и мешками обработок на разных каналах.
Конечно же midi клавиатура. Сейчас это мобильная akai lpk25, которую я скоро сменю Samson graphite m25 из-за кучи крутилок и кнопок.
Наушники - нестареющая классика Audio-Technica M50 (конечно же красного цвета, потому что они звучат качественней шутка), а в качестве мониторов я взял трехдюймовые samson mediaone m30.
Купил я их, честно признаюсь, т.к. были деньги только на них, но после распаковки я понял, что оставлю из даже когда вся моя "взрослая аппаратура" снова будет со мной. Из-за хорошего усилителя эти мониторы дают очень кристальный звук, который поможет перепроверить ваше сведение на больших мониках.
По этой же причине я пользовался мониками типа auratone и, как ни странно, hifi системой harman/kardon soundsticks. Шит контроля нужно много, если хотите сделать себе в том числе мастеринг студию.
И конечно для работы нужно максимально много микрофонов. По ним я напишу отдельный пост, а пока просто запишите себе одно название: "Октава". Мой рабочий микрофон уже давно мк-105 и вряд ли это изменится в ближайшее время. Ему просто нет равных за такую цену.
А так, конечно, нужны стереопары, динамические, разнонаправленные и с разными ачх микрофоны для разных нужд - от записи вокал до барабанов и дисторшн гитар. Или струнных и медных (саксофон я пишу в 3 микрофона, а акустику на последнем своем сингле писал аж в 4 и она звучит богично почти без обработок)
Кстати вот и он:
https://m.soundcloud.com/adamsky_music/in-the-shadows-master?utm_source=soundcloud&utm_campaign=share&utm_medium=facebook
Ну а про то, что находится внутри моего компа (vst и обработки) я напишу во второй части.
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
"Лучшие семплеры и vst"
Привет, давно не виделись! И сразу оговорюсь -- все эти вещи, конечно же, не лучшие на свете. Просто мне именно они показались наиболее удобными в работе. Ну и звук, конечно.
Давай предположим, что ты только что купил компьютер, установил DAW и не знаешь, с чего начать. Я бы начал с барабанного семплера. Во-первых, чаще всего их в станциях нет, а если есть, то очень посредственные или за доп. деньги.
Не лучше ли сразу взять что-то хорошее? И первым на сцене идет "EZdrummer". Конечно кто-то скажет, что есть у него старший брат, "Superior Drummer". С теми же банками звуков и возможностью комбинации.
По факту таким разнообразием функций ты пользоваться не будешь, да и сам "EZ" не так прост, как кажется. Тем более, что наборов установок хватит всем: репперам, рокерам, джазистам и электронщикам.
Все таки хочешь посложнее?
Конечно: семплеры серии "BFD", коих существует уже три штуки (плюс доп. паки). Вот где можно развернуться. Тонкая настройка расположения микрофонов в виртуальной комнате, высота каждого барабана, плюс масса других удобных вещей, которые сделают твою установку действительно живой.
Синтезаторов всего два, даже полтора: "Omnisphere" и "FM8". Первый просто крут и объемен, а второй мало весит, память не есть и тоже встречаются приятные предустановки звуков. Плюс есть встроенный довольно удобный арпеджиатор.
С эмулятором баса -- бери мультиплатформенный "Trillian" от тех же парней, что и "Omnisphere". А вот если ты на винде, то порыскай "Broomstick bass". Очень маленький, дешевый, но невероятно крутой семплер. Я с ним очень долго возился, пока окончательно не перешел на макось.
В принципе осталось не так много: "Miroslav philharmonik" для оркестра (наверняка есть лучше, просто у меня нет таких претензий к звуку скрипок и виолончелей) и "Addictive keys" отдельно для фортепиано (потому что тут претензии к звуку как раз есть).
В общем-то все, этого набора хватит для того, чтобы создавать самую разную музыку, потому что главное, как всегда, - это твои голова и уши.
В следующий раз про микрофоны ;-)
#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Привет, давно не виделись! И сразу оговорюсь -- все эти вещи, конечно же, не лучшие на свете. Просто мне именно они показались наиболее удобными в работе. Ну и звук, конечно.
Давай предположим, что ты только что купил компьютер, установил DAW и не знаешь, с чего начать. Я бы начал с барабанного семплера. Во-первых, чаще всего их в станциях нет, а если есть, то очень посредственные или за доп. деньги.
Не лучше ли сразу взять что-то хорошее? И первым на сцене идет "EZdrummer". Конечно кто-то скажет, что есть у него старший брат, "Superior Drummer". С теми же банками звуков и возможностью комбинации.
По факту таким разнообразием функций ты пользоваться не будешь, да и сам "EZ" не так прост, как кажется. Тем более, что наборов установок хватит всем: репперам, рокерам, джазистам и электронщикам.
Все таки хочешь посложнее?
Конечно: семплеры серии "BFD", коих существует уже три штуки (плюс доп. паки). Вот где можно развернуться. Тонкая настройка расположения микрофонов в виртуальной комнате, высота каждого барабана, плюс масса других удобных вещей, которые сделают твою установку действительно живой.
Синтезаторов всего два, даже полтора: "Omnisphere" и "FM8". Первый просто крут и объемен, а второй мало весит, память не есть и тоже встречаются приятные предустановки звуков. Плюс есть встроенный довольно удобный арпеджиатор.
С эмулятором баса -- бери мультиплатформенный "Trillian" от тех же парней, что и "Omnisphere". А вот если ты на винде, то порыскай "Broomstick bass". Очень маленький, дешевый, но невероятно крутой семплер. Я с ним очень долго возился, пока окончательно не перешел на макось.
В принципе осталось не так много: "Miroslav philharmonik" для оркестра (наверняка есть лучше, просто у меня нет таких претензий к звуку скрипок и виолончелей) и "Addictive keys" отдельно для фортепиано (потому что тут претензии к звуку как раз есть).
В общем-то все, этого набора хватит для того, чтобы создавать самую разную музыку, потому что главное, как всегда, - это твои голова и уши.
В следующий раз про микрофоны ;-)
#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
«Виды микрофонов, как их выбирать и для чего использовать»
Про диаграммы направленности и отличие ленточного микрофона от конденсаторного вы прочитаете и без меня на википедии, а здесь -только конкретные примеры того, что работает прямо сейчас.
Давайте-ка я стартану с наиболее дешевых решений, а дальше по нарастающей. И вот начать хочу со старой-доброй конденсаторной «петлички». Вот только не надо кривить лицо, как от запаха несвежей шавермы, петличка тоже весьма «useful» (не путай с дешевыми микро от фирмы “Genius”, мы здесь, все-таки, не летсплеи делаем). Я пользуюсь Boya BY m-1, которую купил на ebay, но можешь глянуть и другие фирмы.
Если бюджет ограничен, то неплохая петличка может решить много вопросов: она подключается к телефону и делает лучше звук при съёмке видео, на них неплохо звучит голос и губная гармошка (особенно если дать чуть дисторшна на постпродакшене), да и акустические инструменты, в целом, неплохо. Магии не ждите, но хорошую демку сделать силами только ноутбука и «петли» реально и даже очень.
Что идет дальше? Динамические микро! И тут выбор, воистину, огромен. Причем для отдельных инструментов (вроде дисторшн гитары или бас-бочки) это часто необходимо, потому что уровень звукового давления очень высокий и мембрана конденсаторного вполне может повредиться. Плюс есть «Audix Fireball», который я нежно люблю для губной гармошки и для (внезапно) скрипок, виолончелей и саксофонов. И голос, кстати, весьма сносный выходит. Да, он дорогой, зато «вечный» - один раз купишь и на всю жизнь, будь ты хоть трижды звездой уровня «Muse».
Рано или поздно любой музыкант задумывается о покупке конденсаторного микрофона (или же, как их ловко прозвали маркетологи, «студийного»). Плюсов масса: и звучит ярко, и выглядит дорого, и слух прокачает при длительном использовании (из-за того, что все нюансы будут теперь слышны, включая звук самой комнаты). Проблема в том, что у таких микрофонов «характер» звука еще более явный, чем у динамических братьев. А значит — предстоит долгая дорога в чтении мануалов, изучения характеристик и пробы записи на разные модели разных источников звука, чтобы понять: «А чего, собственно, хочется?».
Да и разные преампы только добавляют характера в звук, так что мой совет всем вам: слушать и не вестись на маркетинговые уловки. И потратить на первый микрофон столько, чтобы купить известный бренд. Мои рекомендации: Октава, Rode, Audio-technica, AKG или китайцы SE Electronics. Все равно после звука на реп. базе разница будет очевидна, а тонко выбирать микрофон под конкретные задачи со временем научитесь.
И, напоследок, если найдется вариант купить себе рекордер фирмы zoom (H4 или H6), то нужно брать и не думать! Zoom - не просто «дорогой диктофон», а целая портастудия с кучей настроек внутри. Пригодится и для блогов, и для видеокаверов и для студии тоже. До сих пор считаю, что покупка моего «H6» была лучшим вложением денег в аппаратуру и в ближайшие лет -дцать я его продавать не буду точно. Обожаю «вечные вещи», знаете ли.
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Про диаграммы направленности и отличие ленточного микрофона от конденсаторного вы прочитаете и без меня на википедии, а здесь -только конкретные примеры того, что работает прямо сейчас.
Давайте-ка я стартану с наиболее дешевых решений, а дальше по нарастающей. И вот начать хочу со старой-доброй конденсаторной «петлички». Вот только не надо кривить лицо, как от запаха несвежей шавермы, петличка тоже весьма «useful» (не путай с дешевыми микро от фирмы “Genius”, мы здесь, все-таки, не летсплеи делаем). Я пользуюсь Boya BY m-1, которую купил на ebay, но можешь глянуть и другие фирмы.
Если бюджет ограничен, то неплохая петличка может решить много вопросов: она подключается к телефону и делает лучше звук при съёмке видео, на них неплохо звучит голос и губная гармошка (особенно если дать чуть дисторшна на постпродакшене), да и акустические инструменты, в целом, неплохо. Магии не ждите, но хорошую демку сделать силами только ноутбука и «петли» реально и даже очень.
Что идет дальше? Динамические микро! И тут выбор, воистину, огромен. Причем для отдельных инструментов (вроде дисторшн гитары или бас-бочки) это часто необходимо, потому что уровень звукового давления очень высокий и мембрана конденсаторного вполне может повредиться. Плюс есть «Audix Fireball», который я нежно люблю для губной гармошки и для (внезапно) скрипок, виолончелей и саксофонов. И голос, кстати, весьма сносный выходит. Да, он дорогой, зато «вечный» - один раз купишь и на всю жизнь, будь ты хоть трижды звездой уровня «Muse».
Рано или поздно любой музыкант задумывается о покупке конденсаторного микрофона (или же, как их ловко прозвали маркетологи, «студийного»). Плюсов масса: и звучит ярко, и выглядит дорого, и слух прокачает при длительном использовании (из-за того, что все нюансы будут теперь слышны, включая звук самой комнаты). Проблема в том, что у таких микрофонов «характер» звука еще более явный, чем у динамических братьев. А значит — предстоит долгая дорога в чтении мануалов, изучения характеристик и пробы записи на разные модели разных источников звука, чтобы понять: «А чего, собственно, хочется?».
Да и разные преампы только добавляют характера в звук, так что мой совет всем вам: слушать и не вестись на маркетинговые уловки. И потратить на первый микрофон столько, чтобы купить известный бренд. Мои рекомендации: Октава, Rode, Audio-technica, AKG или китайцы SE Electronics. Все равно после звука на реп. базе разница будет очевидна, а тонко выбирать микрофон под конкретные задачи со временем научитесь.
И, напоследок, если найдется вариант купить себе рекордер фирмы zoom (H4 или H6), то нужно брать и не думать! Zoom - не просто «дорогой диктофон», а целая портастудия с кучей настроек внутри. Пригодится и для блогов, и для видеокаверов и для студии тоже. До сих пор считаю, что покупка моего «H6» была лучшим вложением денег в аппаратуру и в ближайшие лет -дцать я его продавать не буду точно. Обожаю «вечные вещи», знаете ли.
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Привет, давно не виделись!
Дел, конечно, было навалом, да и сейчас их не сильно меньше, так что поговорим об отвлеченном. А именно — почему так важно уметь представить аранжировку в голове и как работать с несколькими проектами сразу.
Вот скажите честно (хотя бы самим себе) — как часто рождается классная идея, когда ты ложишься спать, едешь в автобусе или варишь послеобеденный кофе? И даже если есть возможность добраться до компьютера или инструмента, как часто эта идея эволюционировала во что-то действительно стоящее? И у меня точно так же.
Хороший музыкант (аранжировщик, композитор, режиссер — подставьте сюда любую профессию и не сильно покривите душой) должен быть хорошим стратегом. И человеком недюжинной фантазии. Можно долго говорить, что мол я за настоящий рок-н-ролл, трэп или тропикал хаус, но если ты работаешь по лекалам, которые уже давно разобраны до тебя и не позволяешь себе эксперимент, то грош — цена твоей музыке.
Я не психолог и ни разу не нейробиолог, но богатая фантазия часто идет рука об руку с хорошей памятью. Потому что в придумки интересно играть, а потом их интересно воспроизводить. И если вы будете хотя бы по 5-10 минут в день «рисовать» в голове свою идеальную аранжировку, то ее гораздо проще будет перенести в комп. Вообще, если уж берешься за трек, то работай над ним постоянно, не важно в студии ты, в туалете или пять минут, как проснулся.
И точно так же тренируется работа с несколькими треками. Советую как можно раньше брать в работу две-три песни сразу, думая над ними попеременно. Конечно никто не запрещает (и даже рекомендуют) делать себе заметки, записки и раскладывать аранжировку по кубикам на бумаге в своей рабочей тетради. Я сам так работаю, но бумага — это просто возможность вспомнить нюансы. Но «скелет» всегда должен быть в голове и должен тебя заводить. Кому нужен трек от которого ты сам не прешься?
А еще есть очень крутой способ быстрого развития - берешь несколько треков и работаешь по сорок минут над каждым поочередно, прыгая из проекта в проект. Да, не стоит проходить больше двух кругов (я вообще делаю один). Зато ты учишься переключаться, оставляя в голове все треки. Плюс идеи из одного могут помочь в другом, делая общее звучание более цельным и более для тебя характерным.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Дел, конечно, было навалом, да и сейчас их не сильно меньше, так что поговорим об отвлеченном. А именно — почему так важно уметь представить аранжировку в голове и как работать с несколькими проектами сразу.
Вот скажите честно (хотя бы самим себе) — как часто рождается классная идея, когда ты ложишься спать, едешь в автобусе или варишь послеобеденный кофе? И даже если есть возможность добраться до компьютера или инструмента, как часто эта идея эволюционировала во что-то действительно стоящее? И у меня точно так же.
Хороший музыкант (аранжировщик, композитор, режиссер — подставьте сюда любую профессию и не сильно покривите душой) должен быть хорошим стратегом. И человеком недюжинной фантазии. Можно долго говорить, что мол я за настоящий рок-н-ролл, трэп или тропикал хаус, но если ты работаешь по лекалам, которые уже давно разобраны до тебя и не позволяешь себе эксперимент, то грош — цена твоей музыке.
Я не психолог и ни разу не нейробиолог, но богатая фантазия часто идет рука об руку с хорошей памятью. Потому что в придумки интересно играть, а потом их интересно воспроизводить. И если вы будете хотя бы по 5-10 минут в день «рисовать» в голове свою идеальную аранжировку, то ее гораздо проще будет перенести в комп. Вообще, если уж берешься за трек, то работай над ним постоянно, не важно в студии ты, в туалете или пять минут, как проснулся.
И точно так же тренируется работа с несколькими треками. Советую как можно раньше брать в работу две-три песни сразу, думая над ними попеременно. Конечно никто не запрещает (и даже рекомендуют) делать себе заметки, записки и раскладывать аранжировку по кубикам на бумаге в своей рабочей тетради. Я сам так работаю, но бумага — это просто возможность вспомнить нюансы. Но «скелет» всегда должен быть в голове и должен тебя заводить. Кому нужен трек от которого ты сам не прешься?
А еще есть очень крутой способ быстрого развития - берешь несколько треков и работаешь по сорок минут над каждым поочередно, прыгая из проекта в проект. Да, не стоит проходить больше двух кругов (я вообще делаю один). Зато ты учишься переключаться, оставляя в голове все треки. Плюс идеи из одного могут помочь в другом, делая общее звучание более цельным и более для тебя характерным.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Последние несколько дней (около четырех) я бьюсь над аранжировкой песни,которая сама по себе нравится, но вот аранжировка никак не идет.
Вроде бы и гармония правильная, и ритм качает, и динамика (по крайней мере в начале) есть, а все равно что-то не то.
Знакомо?
Раньше с такими творческими затыками я совершенно не знал, как бороться. И часто просто откладывал трек до лучших времен.
Еще в начале альбома я попробовал технику «30 минут», когда ты работаешь ежедневно над каждым треком подряд, но не более получаса. Мол так идеи генерятся лучше и вообще работа идет.
Ну в самом начале работы так и было. А потом начались затыки.
И вот что я понял совсем недавно (буквально сутки назад): хочешь работать над треком, который не идет? Бери и работай.
Сиди по несколько часов, засыпай и просыпайся с ним, крути аранжировку в голове в течение дня, особенно проблемные моменты.
И каким-то магическим образом все необходимое нарисуется, как-будто само по себе. Конечно математику включать придется, особенно там, где не совпадают надстройки аккордов или доли ритма. Но такой созерцательно-рутинный процесс даст плоды.
Я, например, аранжировку уже почти закончил и очень ей доволен, так что бросай телефон и иди уже пилить свою.
Добра тебе, музыкант ✌🏻
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Вроде бы и гармония правильная, и ритм качает, и динамика (по крайней мере в начале) есть, а все равно что-то не то.
Знакомо?
Раньше с такими творческими затыками я совершенно не знал, как бороться. И часто просто откладывал трек до лучших времен.
Еще в начале альбома я попробовал технику «30 минут», когда ты работаешь ежедневно над каждым треком подряд, но не более получаса. Мол так идеи генерятся лучше и вообще работа идет.
Ну в самом начале работы так и было. А потом начались затыки.
И вот что я понял совсем недавно (буквально сутки назад): хочешь работать над треком, который не идет? Бери и работай.
Сиди по несколько часов, засыпай и просыпайся с ним, крути аранжировку в голове в течение дня, особенно проблемные моменты.
И каким-то магическим образом все необходимое нарисуется, как-будто само по себе. Конечно математику включать придется, особенно там, где не совпадают надстройки аккордов или доли ритма. Но такой созерцательно-рутинный процесс даст плоды.
Я, например, аранжировку уже почти закончил и очень ей доволен, так что бросай телефон и иди уже пилить свою.
Добра тебе, музыкант ✌🏻
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Самый гадкий (и подлый) момент в аранжировке - когда ты понимаешь, что она уже почти готова, но есть проблема. Проблема в том, что нужно менять темп или тональность по какой-то причине.
И если у тебя бывало такое, то ты понимаешь, какой геморрой происходит с живыми инструментами. Их нужно полностью переписывать заново.
И вот на этом моменте действительно хочется все бросить и уйти в офис-менеджеры. Но есть причина, почему переписать намного лучше, чем подстроить переписанное по темпу програмно. Даже две причины:
А) изменения скорости искажают звук. При ускорении чуть менее заметно, при замедлении чуть более, но любой прокачанный слух сразу это услышит. С высотой та же история.
Б) во время переделки обязательно возникнут новые идеи или переосмысление старых партий.
Но я решил сделать этот пост даже не ради успокоения, а скорее для того, чтобы донести: часто микро изменения темпа или полутоновые (высоты) сильно меняют характер песни. Для примера я прикладываю два интро, с разницей темпа в 5 единиц. И насколько же разный грув приобретает трек из-за этого.
Примеров изменения высоты нет, но каждый из вас может легко потренироваться сам и отметить, как меняется характер.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
И если у тебя бывало такое, то ты понимаешь, какой геморрой происходит с живыми инструментами. Их нужно полностью переписывать заново.
И вот на этом моменте действительно хочется все бросить и уйти в офис-менеджеры. Но есть причина, почему переписать намного лучше, чем подстроить переписанное по темпу програмно. Даже две причины:
А) изменения скорости искажают звук. При ускорении чуть менее заметно, при замедлении чуть более, но любой прокачанный слух сразу это услышит. С высотой та же история.
Б) во время переделки обязательно возникнут новые идеи или переосмысление старых партий.
Но я решил сделать этот пост даже не ради успокоения, а скорее для того, чтобы донести: часто микро изменения темпа или полутоновые (высоты) сильно меняют характер песни. Для примера я прикладываю два интро, с разницей темпа в 5 единиц. И насколько же разный грув приобретает трек из-за этого.
Примеров изменения высоты нет, но каждый из вас может легко потренироваться сам и отметить, как меняется характер.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky