О том, что на рубеже 1910-х годов Казимир Малевич сотрудничал с «Товариществом “Брокар и Ко”», стало известно 90 лет спустя совершенно случайно, благодаря стараниям известной исследовательницы русского авангарда Александры Шатских. Достигшие известности художники, как правило, не любят вспоминать о том, как в пору юности (а порой и зрелости) не гнушались никакими заработками, чтобы свести концы с концами. Казимир Малевич в этом смысле не исключение. О работе на «Брокара» художник предпочитал не распространяться. Кому охота признаваться, что в сорок лет для того чтобы явиться к заказчику в роскошную контору на Никольской улице, приходится одалживать пальто у куда более состоятельного приятеля.
А заказчик был солиден донельзя — к этому времени парфюмерно-косметическая фабрика, основанная Анри Брокаром в 1864 году, уже была поставщиком императорского двора. Успех предприятия стоял на двух китах: широкой линейке товаров, от эксклюзивных до самых что ни на есть народных (самый востребованный сорт мыла именно так и назывался), и продуманной целевой рекламе — в «Брокаре» хорошо изучили вкусы своей публики. Заря ХХ века стала эпохой покорителей Северного полюса. Только вернулся из своего похода Фритьоф Нансен, как по его следам отправились сначала Фредерик Кук, затем Роберт Пири и, наконец, Георгий Седов. Север был у всех на устах. И то, что ледяная вершина мира так и не сдалась смельчакам, только подстегивало всеобщий ажиотаж. И «Брокар», возглавляемый сыновьями удачливого мсье Анри — Александром и Эмилем, решил оседлать эту волну, выпустив «Северный одеколон» — «крепкий и освежающий», с нотами цитруса, пряных трав и хвойной древесины.
Как получилось, что никому неизвестный художник-самоучка получил от весьма респектабельной фирмы не только заказ, но и полную свободу действий? Ответа пока нет, ведь на эскизах товаров для «пошлого быта», как правило, авторские подписи не ставились, а сами эскизы переходили в собственность заказчика. Не исключено, что Малевич и раньше выполнял для «Брокара» какую-то работу и неплохо себя зарекомендовал. Во всяком случае, на этот раз художник сам разработал не только этикетку для упаковки и рекламный плакат, но и сам флакон.
Он стал настоящим произведением искусства, поскольку автор одним махом нарушил все негласные правила, регламентирующие изготовление «одежды» для парфюмерии. Традиционные флаконы имели симметричную форму и выполнялись из гладкого стекла. Малевич же нарисовал причудливый айсберг с рублеными матовыми гранями, покрытыми сеткой «трещин». На вершине ледяной скалы громоздилась глыба поменьше, увенчанная фигуркой белого медведя, глядящего с этой высоты в бездну. Композиция представляла собой декоративное навершие на традиционную притёртую пробку, которую впоследствии заменили навинчивающейся пластиковой крышкой .
Флаконы для «Брокара» изготовлял Бахметьевский стекольный завод под Пензой, где над ними колдовала художница Адель Якобсон. Эскизы Малевича, вероятней всего безымянные, представляли собой архисложную техническую задачу. Адель Яковлевна блестяще с ней справилась, воспользовавшись для гравировки флаконов техникой кракле, позволяющей имитировать трещины на гладких поверхностях. Вот почему автором флакона долгое время считалась именно она.
В 1917 году «Товарищество “Брокар и Ко”» было упразднено, на его обломках открылся Государственный мыловаренный завод № 5, работавший даже в годы Гражданской войны. С началом НЭПа он получил более романтичное название — «Новая заря». Полярников в Советском Союзе чтили не меньше, чем в царской России, а потому одеколон «Северный» был весьма популярен, хоть и выпускался в упрощённой версии малевичевского флакона. Пережил он и крушение СССР, пусть и ненадолго, — дожил до 1996 года. Флакон после установления авторства был внесён в каталог Третьяковской галереи наряду с полотнами Малевича и стал заветной мечтой коллекционеров.
Изображение создано с помощью Midjourney.
#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
А заказчик был солиден донельзя — к этому времени парфюмерно-косметическая фабрика, основанная Анри Брокаром в 1864 году, уже была поставщиком императорского двора. Успех предприятия стоял на двух китах: широкой линейке товаров, от эксклюзивных до самых что ни на есть народных (самый востребованный сорт мыла именно так и назывался), и продуманной целевой рекламе — в «Брокаре» хорошо изучили вкусы своей публики. Заря ХХ века стала эпохой покорителей Северного полюса. Только вернулся из своего похода Фритьоф Нансен, как по его следам отправились сначала Фредерик Кук, затем Роберт Пири и, наконец, Георгий Седов. Север был у всех на устах. И то, что ледяная вершина мира так и не сдалась смельчакам, только подстегивало всеобщий ажиотаж. И «Брокар», возглавляемый сыновьями удачливого мсье Анри — Александром и Эмилем, решил оседлать эту волну, выпустив «Северный одеколон» — «крепкий и освежающий», с нотами цитруса, пряных трав и хвойной древесины.
Как получилось, что никому неизвестный художник-самоучка получил от весьма респектабельной фирмы не только заказ, но и полную свободу действий? Ответа пока нет, ведь на эскизах товаров для «пошлого быта», как правило, авторские подписи не ставились, а сами эскизы переходили в собственность заказчика. Не исключено, что Малевич и раньше выполнял для «Брокара» какую-то работу и неплохо себя зарекомендовал. Во всяком случае, на этот раз художник сам разработал не только этикетку для упаковки и рекламный плакат, но и сам флакон.
Он стал настоящим произведением искусства, поскольку автор одним махом нарушил все негласные правила, регламентирующие изготовление «одежды» для парфюмерии. Традиционные флаконы имели симметричную форму и выполнялись из гладкого стекла. Малевич же нарисовал причудливый айсберг с рублеными матовыми гранями, покрытыми сеткой «трещин». На вершине ледяной скалы громоздилась глыба поменьше, увенчанная фигуркой белого медведя, глядящего с этой высоты в бездну. Композиция представляла собой декоративное навершие на традиционную притёртую пробку, которую впоследствии заменили навинчивающейся пластиковой крышкой .
Флаконы для «Брокара» изготовлял Бахметьевский стекольный завод под Пензой, где над ними колдовала художница Адель Якобсон. Эскизы Малевича, вероятней всего безымянные, представляли собой архисложную техническую задачу. Адель Яковлевна блестяще с ней справилась, воспользовавшись для гравировки флаконов техникой кракле, позволяющей имитировать трещины на гладких поверхностях. Вот почему автором флакона долгое время считалась именно она.
В 1917 году «Товарищество “Брокар и Ко”» было упразднено, на его обломках открылся Государственный мыловаренный завод № 5, работавший даже в годы Гражданской войны. С началом НЭПа он получил более романтичное название — «Новая заря». Полярников в Советском Союзе чтили не меньше, чем в царской России, а потому одеколон «Северный» был весьма популярен, хоть и выпускался в упрощённой версии малевичевского флакона. Пережил он и крушение СССР, пусть и ненадолго, — дожил до 1996 года. Флакон после установления авторства был внесён в каталог Третьяковской галереи наряду с полотнами Малевича и стал заветной мечтой коллекционеров.
Изображение создано с помощью Midjourney.
#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤10🔥8👍5
Картина Ивана Шишкина «Утро в сосновом лесу» — один из самых известных пейзажей в русской живописи. По количеству репродукций этот шедевр опережает любое из полотен отечественной классики. Пальму первенства ему обеспечили конфеты «Мишка косолапый», на обёртке которых вот уже более ста лет резвится медвежье семейство. Сюжет картины художник привёз с острова Городомля на Селигере, известного своими хвойными лесами.
Про «Утро в сосновом лесу» придумано немало небылиц. Вот одна из них: якобы Шишкин собирался изобразить зайцев, а не медведей, но не справился, поскольку вообще зверей рисовать не умел, и позвал на помощь нуждающегося в деньгах товарища – Константина Савицкого. И гонорар они не поделили, и подпись Савицкого купивший картину Третьяков стёр из вредности, из-за чего художники и рассорились на всю жизнь. На самом деле всё было несколько иначе.
Изначально картина называлась «Медвежье семейство в лесу». Медведица с медвежатами действительно написаны тем самым Савицким. Существует версия, что идея поместить их на картину принадлежала именно ему. Впрочем, Шишкин и сам со зверями бы справился — по окончании Академии художеств он стажировался в Цюрихе у знаменитого анималиста Рудольфа Коллера. Достаточно взглянуть на «Лесную глушь» или «Вид в окрестностях Петербурга», чтобы убедиться: ученье пошло молодому художнику впрок. Медведи присутствуют на эскизах «Утра», так что ни о каких зайцах речь не шла. Савицкий был крестным отцом младшего сына Шишкина, они дружили семьями и отношений никогда не прерывали.
В 1889 году картину решил приобрести для своей галереи Павел Михайлович Третьяков, заплатив за неё Шишкину 4000 рублей. Тысячу из них Иван Иванович отдал соавтору, и на полотне появилось две подписи. Третьякова это несказанно удивило, ведь покупал он картину у Шишкина, и тот ему о совместном творчестве ничего не сказал. В тонкости взаимоотношений художников Павел Михайлович, человек деловой и достаточно жесткий, вникать не стал и своей рукой стёр автограф Савицкого. Поступок свой знаменитый меценат объяснил очень просто:
К началу ХХ века товарищество «Эйнемъ» было одним из самых крупных и уважаемых в России, причём известно оно стало не столько из-за качества сладостей, сколько из-за нестандартной рекламы. Так, для конфет придумывались яркие обёртки, очень красиво смотрящиеся на ветвях рождественских елей или в пасхальных лукошках. В 1913 году главе компании Юлиусу Гейсу принесли на пробу новинку — глазированную шоколадом вафельную конфету с прослойкой из миндального пралине. Новому лакомству нужно было дать имя. В кабинете Гейса висела репродукция «Медвежьего семейства». Хруст вафель напоминает треск сосновых веток, орехи — любимое медвежье угощение. Ассоциативный ряд сложился моментально — появился «Мишка косолапый». Третьякова давно уже не было в живых, но юристы «Эйнема» связались с Советом попечителей галереи и получили разрешение на использование репродукции.
Эскиз обёртки придумал художник Эммануил Андреев. Чтобы уместить на ней все семейство, стоящего на задних лапах медвежонка пришлось сдвинуть к центру. С обеих сторон картинку обрамляли золотые ленты, на которых было написано название фирмы, и рождественские звезды. По бирюзовому фону фантика шёл орнамент белых ромбов с зелёными ёлочками внутри. После революции «Эйнемъ» был национализирован и переименован в «Красный Октябрь», но рецепты многих конфет сохранились. Да и обёртки изменились незначительно. На лентах «Мишек» теперь стояло гордое «Моссельпром». Ниже строчка из Маяковского:
тогда это была самая дорогая конфета Советского Союза! Любимые конфеты по-прежнему стоили очень дорого. После войны на ленточках писали названия кондитерских фабрик — «Мишки» по единому ГОСТу выпускались на всех крупных предприятиях. Потом они вообще куда-то исчезли. А любовь к «Мишкам» осталась.
#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Про «Утро в сосновом лесу» придумано немало небылиц. Вот одна из них: якобы Шишкин собирался изобразить зайцев, а не медведей, но не справился, поскольку вообще зверей рисовать не умел, и позвал на помощь нуждающегося в деньгах товарища – Константина Савицкого. И гонорар они не поделили, и подпись Савицкого купивший картину Третьяков стёр из вредности, из-за чего художники и рассорились на всю жизнь. На самом деле всё было несколько иначе.
Изначально картина называлась «Медвежье семейство в лесу». Медведица с медвежатами действительно написаны тем самым Савицким. Существует версия, что идея поместить их на картину принадлежала именно ему. Впрочем, Шишкин и сам со зверями бы справился — по окончании Академии художеств он стажировался в Цюрихе у знаменитого анималиста Рудольфа Коллера. Достаточно взглянуть на «Лесную глушь» или «Вид в окрестностях Петербурга», чтобы убедиться: ученье пошло молодому художнику впрок. Медведи присутствуют на эскизах «Утра», так что ни о каких зайцах речь не шла. Савицкий был крестным отцом младшего сына Шишкина, они дружили семьями и отношений никогда не прерывали.
В 1889 году картину решил приобрести для своей галереи Павел Михайлович Третьяков, заплатив за неё Шишкину 4000 рублей. Тысячу из них Иван Иванович отдал соавтору, и на полотне появилось две подписи. Третьякова это несказанно удивило, ведь покупал он картину у Шишкина, и тот ему о совместном творчестве ничего не сказал. В тонкости взаимоотношений художников Павел Михайлович, человек деловой и достаточно жесткий, вникать не стал и своей рукой стёр автограф Савицкого. Поступок свой знаменитый меценат объяснил очень просто:
Начиная от замысла и кончая исполнением, всё говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину.
К началу ХХ века товарищество «Эйнемъ» было одним из самых крупных и уважаемых в России, причём известно оно стало не столько из-за качества сладостей, сколько из-за нестандартной рекламы. Так, для конфет придумывались яркие обёртки, очень красиво смотрящиеся на ветвях рождественских елей или в пасхальных лукошках. В 1913 году главе компании Юлиусу Гейсу принесли на пробу новинку — глазированную шоколадом вафельную конфету с прослойкой из миндального пралине. Новому лакомству нужно было дать имя. В кабинете Гейса висела репродукция «Медвежьего семейства». Хруст вафель напоминает треск сосновых веток, орехи — любимое медвежье угощение. Ассоциативный ряд сложился моментально — появился «Мишка косолапый». Третьякова давно уже не было в живых, но юристы «Эйнема» связались с Советом попечителей галереи и получили разрешение на использование репродукции.
Эскиз обёртки придумал художник Эммануил Андреев. Чтобы уместить на ней все семейство, стоящего на задних лапах медвежонка пришлось сдвинуть к центру. С обеих сторон картинку обрамляли золотые ленты, на которых было написано название фирмы, и рождественские звезды. По бирюзовому фону фантика шёл орнамент белых ромбов с зелёными ёлочками внутри. После революции «Эйнемъ» был национализирован и переименован в «Красный Октябрь», но рецепты многих конфет сохранились. Да и обёртки изменились незначительно. На лентах «Мишек» теперь стояло гордое «Моссельпром». Ниже строчка из Маяковского:
Если хочешь кушать «Мишку» — заведи себе сберкнижку
тогда это была самая дорогая конфета Советского Союза! Любимые конфеты по-прежнему стоили очень дорого. После войны на ленточках писали названия кондитерских фабрик — «Мишки» по единому ГОСТу выпускались на всех крупных предприятиях. Потом они вообще куда-то исчезли. А любовь к «Мишкам» осталась.
#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍10❤5🥰4
Энкаустика — это древняя техника живописи, основанная на использовании воска в сочетании с пигментами. Искусство восходит корнями к Античности, когда греческие художники использовали горячий воск для создания ярких, долговечных изображений. Слово «энкаустика» происходит от греческого enkaustikos, что означает «нагревать» или «запечатывать». Эта техника позволяет создавать удивительные эффекты текстуры и цвета.
Процесс создания картины в технике энкаустики начинается с нагревания воска, который в течение работы остается в жидком состоянии. Художник наносит воск на заранее подготовленную поверхность, обычно из дерева или холста, и использует специальные инструменты, такие как шпатели или кисти, для создания узоров и текстуры. Можно также применять слои воска, позволяя им застывать и добавляя новые элементы. Этот метод даёт возможность добиться глубины цвета и уникального блеска.
Одним из ключевых аспектов энкаустики является возможность смешивания цветов прямо на поверхности. Поскольку воск быстро застывает, художник должен работать в хорошем темпе, чтобы сохранить плавность переходов цвета. Также допускается использование различных материалов — от натуральных пигментов до металлических порошков для создания оригинальных эффектов.
Энкаустика не только обеспечивает живописцу уникальные художественные возможности, но и обладает защитными свойствами. Воск защищает картину от влаги и повреждений, делая её менее подверженной воздействию времени. Этим, кстати, объясняется, почему многие сохранившиеся древние произведения, созданные с использованием энкаустики, до сих пор выглядят впечатляюще.
Современные художники вновь открывают для себя эту технику, сочетая её с другими формами искусства и экспериментируя с новыми подходами.
В России древнюю технику живописи воском освоила и успешно использует московская художница Юлия Мамонтова. Главная цель её творчества — возрождение утраченных знаний и технологий живописи, что в итоге помогает сохранению общего культурного наследия разных эпох.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Процесс создания картины в технике энкаустики начинается с нагревания воска, который в течение работы остается в жидком состоянии. Художник наносит воск на заранее подготовленную поверхность, обычно из дерева или холста, и использует специальные инструменты, такие как шпатели или кисти, для создания узоров и текстуры. Можно также применять слои воска, позволяя им застывать и добавляя новые элементы. Этот метод даёт возможность добиться глубины цвета и уникального блеска.
Одним из ключевых аспектов энкаустики является возможность смешивания цветов прямо на поверхности. Поскольку воск быстро застывает, художник должен работать в хорошем темпе, чтобы сохранить плавность переходов цвета. Также допускается использование различных материалов — от натуральных пигментов до металлических порошков для создания оригинальных эффектов.
Энкаустика не только обеспечивает живописцу уникальные художественные возможности, но и обладает защитными свойствами. Воск защищает картину от влаги и повреждений, делая её менее подверженной воздействию времени. Этим, кстати, объясняется, почему многие сохранившиеся древние произведения, созданные с использованием энкаустики, до сих пор выглядят впечатляюще.
Современные художники вновь открывают для себя эту технику, сочетая её с другими формами искусства и экспериментируя с новыми подходами.
В России древнюю технику живописи воском освоила и успешно использует московская художница Юлия Мамонтова. Главная цель её творчества — возрождение утраченных знаний и технологий живописи, что в итоге помогает сохранению общего культурного наследия разных эпох.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤11👍7👏7
Знаменитая картина Энди Уорхола, на которой изображена консервная банка супа Campbell’s, известна всем. Однако мало кто знает, что таких полотен с супом у американского художника, дизайнера, продюсера, писателя и знаковой персоны в истории современного искусства Уорхола было целых 32 штуки.
Уорхол однажды сказал, что искусство должно быть не для узкого круга лиц, а для широких масс. Как и многие другие поп-художники, Уорхол рисовал то, что могло найти отклик у самых простых американцев: комиксы, рекламу, изображения кино- и рок-звёзд. В том числе и банки с супом.
В первом цикле было 32 картины — по числу разновидностей супов, которые тогда продавала Campbell. Художник ласково называл свои работы «портретами супа». Впервые общественность увидела эти «портреты» в 1962 году на выставке Ferus в Лос-Анджелесе. Все 32 картины выставили одной горизонтальной линией, а снизу прикрутили полку, как будто это товары в магазине. Сначала кажется, что все банки одинаковые, но при внимательном рассмотрении видно, что на каждой банке разные мазки кисти, и через каждые несколько банок дизайн этикеток постепенно меняется.
Уорхол создавал эти картины в ходе систематического многоэтапного процесса. Сначала рисовал каждую банку карандашом на холсте, затем вручную расписывал банку и этикетку, используя светопроектор, чтобы наложить надпись прямо на холст. Повторяя почти идентичное изображение в том же масштабе, холсты подчеркивали единообразие и всепроникаемость банки Campbell's. А главное — бросали вызов преобладающей идее живописи как средства изобретения и оригинальности, отличного от массовой культуры. Многие американцы видели в портретах супов что-то повседневное и близкое для себя, и это уже не казалось далёким и недосягаемым искусством.
Почему король поп-арта Уорхол рисовал суп именно этой компании? Есть версия, что он его просто любил. И ел на обед каждый день в течение целых 20 лет.
Изображение создано с помощью Midjourney.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Уорхол однажды сказал, что искусство должно быть не для узкого круга лиц, а для широких масс. Как и многие другие поп-художники, Уорхол рисовал то, что могло найти отклик у самых простых американцев: комиксы, рекламу, изображения кино- и рок-звёзд. В том числе и банки с супом.
В первом цикле было 32 картины — по числу разновидностей супов, которые тогда продавала Campbell. Художник ласково называл свои работы «портретами супа». Впервые общественность увидела эти «портреты» в 1962 году на выставке Ferus в Лос-Анджелесе. Все 32 картины выставили одной горизонтальной линией, а снизу прикрутили полку, как будто это товары в магазине. Сначала кажется, что все банки одинаковые, но при внимательном рассмотрении видно, что на каждой банке разные мазки кисти, и через каждые несколько банок дизайн этикеток постепенно меняется.
Уорхол создавал эти картины в ходе систематического многоэтапного процесса. Сначала рисовал каждую банку карандашом на холсте, затем вручную расписывал банку и этикетку, используя светопроектор, чтобы наложить надпись прямо на холст. Повторяя почти идентичное изображение в том же масштабе, холсты подчеркивали единообразие и всепроникаемость банки Campbell's. А главное — бросали вызов преобладающей идее живописи как средства изобретения и оригинальности, отличного от массовой культуры. Многие американцы видели в портретах супов что-то повседневное и близкое для себя, и это уже не казалось далёким и недосягаемым искусством.
Почему король поп-арта Уорхол рисовал суп именно этой компании? Есть версия, что он его просто любил. И ел на обед каждый день в течение целых 20 лет.
Изображение создано с помощью Midjourney.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤7👍2🔥2
Или зелёный, синий, жёлтый. И могут ли вообще звучать цвета?
Первые гипотезы о связи цвета и звука были выдвинуты ещё античными философами. Аристотель, например, в своем трактате «О душе» писал, что «цвета могут относиться между собою подобно музыкальным созвучиям и быть взаимно пропорциональными».
Первым, кто попытался соединить цвет и музыку как в теории, так и на практике, был итальянский художник, музыкант и изобретатель Джузеппе Арчимбольдо, который жил при дворе римского императора Рудольфа II.
Арчимбольдо, как и многие художники эпохи Возрождения, был увлечён идеями древнегреческих философов о всеобщей мировой гармонии. Однажды у него возникла идея сопоставить и объединить зрительный и звуковой ряд.
Сначала он создал первую в мире систему «цветовой нотации», где музыкальные аккорды были изображены в виде сочетания цветных пятен. А затем построил необычный музыкальный инструмент — «цветовой клавикорд».
Детали конструкции и принцип действия этой первой в мире «цветомузыки» до наших времён, к сожалению, не дошли. Так что доподлинно неизвестно, каким образом визуализировались звуки.
Меньше чем через век к идее синтеза цвета и музыки пришёл великий английский физик и математик Исаак Ньютон. В 1665 году он с помощью трёхгранной стеклянной призмы разложил белый солнечный свет на цветовой спектр, в котором выделил семь основных цветов. А дальше Ньютон сравнил частоты световых и звуковых колебаний и установил определённую закономерность между семью цветами радуги и семью нотами в октаве. Таким образом получилось, что каждая нота окрашена в свой цвет:
«до» – красная
«ре» — фиолетовая
«ми» — синяя
«фа» — голубая
«соль» — зелёная
«ля» — жёлтая
«си» — оранжевая
В XIX веке идеей соотношений цвета и звука увлеклись очень многие известные композиторы: Берлиоз, Лист, Вагнер, Римский-Корсаков, Скрябин. А научное объяснение феномену так называемого «цветного слуха» начали искать психологи и неврологи.
Чуть позже, в начале ХХ века, к экспериментам композиторов присоединились художники и поэты.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Первые гипотезы о связи цвета и звука были выдвинуты ещё античными философами. Аристотель, например, в своем трактате «О душе» писал, что «цвета могут относиться между собою подобно музыкальным созвучиям и быть взаимно пропорциональными».
Первым, кто попытался соединить цвет и музыку как в теории, так и на практике, был итальянский художник, музыкант и изобретатель Джузеппе Арчимбольдо, который жил при дворе римского императора Рудольфа II.
Арчимбольдо, как и многие художники эпохи Возрождения, был увлечён идеями древнегреческих философов о всеобщей мировой гармонии. Однажды у него возникла идея сопоставить и объединить зрительный и звуковой ряд.
Сначала он создал первую в мире систему «цветовой нотации», где музыкальные аккорды были изображены в виде сочетания цветных пятен. А затем построил необычный музыкальный инструмент — «цветовой клавикорд».
Детали конструкции и принцип действия этой первой в мире «цветомузыки» до наших времён, к сожалению, не дошли. Так что доподлинно неизвестно, каким образом визуализировались звуки.
Меньше чем через век к идее синтеза цвета и музыки пришёл великий английский физик и математик Исаак Ньютон. В 1665 году он с помощью трёхгранной стеклянной призмы разложил белый солнечный свет на цветовой спектр, в котором выделил семь основных цветов. А дальше Ньютон сравнил частоты световых и звуковых колебаний и установил определённую закономерность между семью цветами радуги и семью нотами в октаве. Таким образом получилось, что каждая нота окрашена в свой цвет:
«до» – красная
«ре» — фиолетовая
«ми» — синяя
«фа» — голубая
«соль» — зелёная
«ля» — жёлтая
«си» — оранжевая
В XIX веке идеей соотношений цвета и звука увлеклись очень многие известные композиторы: Берлиоз, Лист, Вагнер, Римский-Корсаков, Скрябин. А научное объяснение феномену так называемого «цветного слуха» начали искать психологи и неврологи.
Чуть позже, в начале ХХ века, к экспериментам композиторов присоединились художники и поэты.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍15❤9🥰4
Поздравляем!
Сегодня день рождения у Борислава Володина, нашего друга и члена экспертного совета проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, руководителя Национального открытого чемпионата творческих компетенций ArtMasters.
От имени всей нашей команды желаем Бориславу Борисовичу здоровья, удачи в делах и, конечно, вдохновения, которое лежит в основе всех его замечательных начинаний и успешного развития ArtMasters как уникального проекта, обучающего креативным профессиям талантливых людей.
Уже в скором времени выйдет в свет интервью с Бориславом Борисовичем — о настоящем и будущем ArtMasters, о перспективах использования ИИ в креативных отраслях экономики и сотрудничестве с платформой ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.
Следите за новостями!
Сегодня день рождения у Борислава Володина, нашего друга и члена экспертного совета проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, руководителя Национального открытого чемпионата творческих компетенций ArtMasters.
От имени всей нашей команды желаем Бориславу Борисовичу здоровья, удачи в делах и, конечно, вдохновения, которое лежит в основе всех его замечательных начинаний и успешного развития ArtMasters как уникального проекта, обучающего креативным профессиям талантливых людей.
Уже в скором времени выйдет в свет интервью с Бориславом Борисовичем — о настоящем и будущем ArtMasters, о перспективах использования ИИ в креативных отраслях экономики и сотрудничестве с платформой ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.
Следите за новостями!
🎉11🥰9👏7❤2👍2
Няня Саши Островского знала много сказок, но чаще всего рассказывала про девочку, слепленную из снега. Она мальчику больше всего нравилась. Пройдёт почти полвека, и маститый драматург Александр Николаевич Островский напишет пьесу о снежной дочери Весны и Мороза, которую назовут «жемчужиной русской драматургии». Московская дирекция Императорских театров задумала поставить музыкальный спектакль-феерию, в котором были бы задействованы все три труппы — оперная, балетная и драматическая. Пьесу для постановки и заказали Островскому, а тот предложил Петру Ильичу Чайковскому написать к ней музыку.
Премьера состоялась 11 (23) мая 1873 года на сцене Большого театра. Публика отнеслась к «Снегурочке» весьма благосклонно: романтический сюжет, прелестная музыка — что ещё нужно для того, чтобы приятно провести вечер в театре? Критика же приняла в штыки, упрекая реалиста Островского в «бессодержательности» и «фантастичности» сюжета. Претензии были и к самой постановке, в которой опера и драма плохо уживались друг с другом. Спектакль прошёл всего четыре раза и был снят с репертуара.
Римскому-Корсакову, в отличие от многих, пьеса Островского пришлась по душе. Зато музыку Чайковского он считал «совершенно неподходящей к сюжету». Извечные соперники, композиторы очень критично относились к творчеству друг друга. И Римский-Корсаков решил взять реванш. В 1879 году он обратился к Островскому за разрешением написать по мотивам «Снегурочки» оперу. Драматург, тронутый вниманием к своему детищу, согласился. Римский-Корсаков работал с тем же упоением, что и Чайковский. Впоследствии он считал эту оперу лучшим своим произведением. Но злой рок продолжал висеть над многострадальной «весенней сказкой»: премьера, состоявшаяся 10 февраля 1881 года на сцене Мариинского театра в Петербурге, граничила с провалом, главным виновником которого был дирижёр Эдуард Направник, оставшийся совершенно равнодушным к чарам «Снегурочки».
Композитор поражения не признал и показал партитуру Савве Ивановичу Мамонтову. Человек тонкого вкуса, Мамонтов оценил её по достоинству и перед тем, как ставить в своей, ставшей уже знаменитой, «Московской частной опере», решил вывести «Снегурочку» на подмостки своего домашнего театра в усадьбе Абрамцево. В работу над спектаклем с азартом включились домочадцы и друзья дома. Костюмы и декорации были поручены Виктору Васнецову. Выбор был не случаен: Мамонтов, новатор на театральном поприще, требовавший от артистов не только вокальных, но и драматических данных, видел в сценографе единомышленника и соавтора спектакля. А Васнецову был близок сам дух оперы, родившейся из народной сказки.
— признавался художник.
Для домашнего спектакля Виктор Михайлович сделал эскизы костюмов и сам написал декорации, обратившись к бытовому и архитектурному наследию допетровской Руси. И сам вышел на сцену в роли отца Снегурочки — Мороза. Илья Репин сыграл боярина Бермяту, а хозяин дома — царя Берендея. Судьба оперы была решена, хотя премьера в опере Мамонтова состоялась только через три года — в 1885-м. Успех был впечатляющим!
Критик Владимир Серов писал о премьере:
Сценография Васнецова произвела на публику столь сильное впечатление, что задала моду на русские мотивы в одежде, ювелирном искусстве, дизайне интерьеров и архитектуре на несколько десятилетий вперед.
#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Премьера состоялась 11 (23) мая 1873 года на сцене Большого театра. Публика отнеслась к «Снегурочке» весьма благосклонно: романтический сюжет, прелестная музыка — что ещё нужно для того, чтобы приятно провести вечер в театре? Критика же приняла в штыки, упрекая реалиста Островского в «бессодержательности» и «фантастичности» сюжета. Претензии были и к самой постановке, в которой опера и драма плохо уживались друг с другом. Спектакль прошёл всего четыре раза и был снят с репертуара.
Римскому-Корсакову, в отличие от многих, пьеса Островского пришлась по душе. Зато музыку Чайковского он считал «совершенно неподходящей к сюжету». Извечные соперники, композиторы очень критично относились к творчеству друг друга. И Римский-Корсаков решил взять реванш. В 1879 году он обратился к Островскому за разрешением написать по мотивам «Снегурочки» оперу. Драматург, тронутый вниманием к своему детищу, согласился. Римский-Корсаков работал с тем же упоением, что и Чайковский. Впоследствии он считал эту оперу лучшим своим произведением. Но злой рок продолжал висеть над многострадальной «весенней сказкой»: премьера, состоявшаяся 10 февраля 1881 года на сцене Мариинского театра в Петербурге, граничила с провалом, главным виновником которого был дирижёр Эдуард Направник, оставшийся совершенно равнодушным к чарам «Снегурочки».
Композитор поражения не признал и показал партитуру Савве Ивановичу Мамонтову. Человек тонкого вкуса, Мамонтов оценил её по достоинству и перед тем, как ставить в своей, ставшей уже знаменитой, «Московской частной опере», решил вывести «Снегурочку» на подмостки своего домашнего театра в усадьбе Абрамцево. В работу над спектаклем с азартом включились домочадцы и друзья дома. Костюмы и декорации были поручены Виктору Васнецову. Выбор был не случаен: Мамонтов, новатор на театральном поприще, требовавший от артистов не только вокальных, но и драматических данных, видел в сценографе единомышленника и соавтора спектакля. А Васнецову был близок сам дух оперы, родившейся из народной сказки.
Это молитва русская и мудрость пророка
— признавался художник.
Для домашнего спектакля Виктор Михайлович сделал эскизы костюмов и сам написал декорации, обратившись к бытовому и архитектурному наследию допетровской Руси. И сам вышел на сцену в роли отца Снегурочки — Мороза. Илья Репин сыграл боярина Бермяту, а хозяин дома — царя Берендея. Судьба оперы была решена, хотя премьера в опере Мамонтова состоялась только через три года — в 1885-м. Успех был впечатляющим!
Критик Владимир Серов писал о премьере:
Васнецов сочинил все костюмы и декорации — в том числе “Палату Берендееву”. Это — истинные chef-d’oeuvre (шедевры) театрально-национального творчества. <…> Никогда еще ничья фантазия, сколько я способен судить, не заходила так далеко и так глубоко в воссоздании архитектурных форм и орнаментистики Древней Руси, сказочной, легендарной, былинной. Все, что осталось у нас в отрывках бытовых от древней русской жизни, в вышивках, лубочных рисунках, пряниках, деревянной древней резьбе, — все это соединилось здесь в чудную, несравненную картину. Для любования и изучения не только художников, но и всех, развертываются здесь широкие, далекие горизонты.
Сценография Васнецова произвела на публику столь сильное впечатление, что задала моду на русские мотивы в одежде, ювелирном искусстве, дизайне интерьеров и архитектуре на несколько десятилетий вперед.
#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤14🔥8👍7👏1
Завтра состоится открытие художественно-промышленной выставки-форума «Уникальная Россия»
В этом году мероприятие проводится в юбилейный пятый раз. Посетители смогут увидеть собрание произведений традиционных искусств народов России и даже приобрести понравившиеся экспонаты. Также выставка-форум выступит в роли площадки для знакомства представителей искусства и заинтересованных предпринимателей.
В рамках выставки пройдут патриотические концерты, демонстрации фильмов, форумы, творческие конкурсы, показы мод и другие мероприятия. Цель события — подчеркнуть уникальность России в искусстве, науке, культуре, технологиях и позиции в мире, а также содействовать укреплению патриотизма среди россиян.
Где: Москва, ул. Ильинка, д. 4, Гостиный двор
Когда: 23 января — 9 февраля, с 12:00 до 20:00
Узнать подробности, зарегистрироваться или купить билет на открытие можно по ссылке.
#Анонсы
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
В этом году мероприятие проводится в юбилейный пятый раз. Посетители смогут увидеть собрание произведений традиционных искусств народов России и даже приобрести понравившиеся экспонаты. Также выставка-форум выступит в роли площадки для знакомства представителей искусства и заинтересованных предпринимателей.
В рамках выставки пройдут патриотические концерты, демонстрации фильмов, форумы, творческие конкурсы, показы мод и другие мероприятия. Цель события — подчеркнуть уникальность России в искусстве, науке, культуре, технологиях и позиции в мире, а также содействовать укреплению патриотизма среди россиян.
Где: Москва, ул. Ильинка, д. 4, Гостиный двор
Когда: 23 января — 9 февраля, с 12:00 до 20:00
Узнать подробности, зарегистрироваться или купить билет на открытие можно по ссылке.
#Анонсы
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍9🥰7❤4
Forwarded from КУЛЬТУРНЫЙ ШОК
Выставка Русского музея «Рассвет века» проходит в Художественном музее столицы китайской провинции Сычуань. Она стала продолжением масштабного проекта музея, стартовавшего в рамках перекрестных Годов культуры России и Китая.
Для выставки отобрали более 60 полотен, ярче всего представляющих русский авангард эпохи его расцвета: «Зеркало» и «Прогулка» Марка Шагала, «Кому нечего терять», «Формула весны» и «Зверь» Павла Филонова, «Красный квадрат», «Корова и скрипка» и «Автопортрет» Казимира Малевича, «Сумеречное» и «Золотое облако» Василия Кандинского...
Кроме картин, на выставке можно посмотреть фильмы и пояснительные материалы, подготовленные Русским музеем и рассказывающие об особенностях авангардного стиля и творческом пути каждого из художников.
Чэнду – уже третий китайский город, куда Русский музей привозит выставку авангардистов. До этого русские шедевры увидели в Музея Великого канала Китая в городе Янчжоу и жители столицы провинции Чжэцзян Ханчжоу.
#Русский_музей #Русский_авангард #Кандинский #Китай #Чэнду #Малевич #выставка_Рассвет_века
Подпишись на «КУЛЬТУРНЫЙ ШОК»
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍12❤8🥰6
Осенью 1880 года в Санкт-Петербурге в здании Общества поощрения художников проходила очень необычная выставка. На ней экспонировалась одна-единственная картина — «Лунная ночь на Днепре» Архипа Куинджи. И то, как именно её показывали публике, тоже было необычно: в абсолютно тёмной комнате, задрапированной чёрной тканью. Картина была освещена лишь одной электрической лампочкой.
«Лунная ночь» произвела настоящий фурор. Зрители выискивали подвох, считая, что невозможно изобразить обычными красками на обычном холсте и этот мягкий лунный свет, и это дрожание реки. Говорили, что картина нарисована на стекле и подсвечена сзади. Или что Куинджи изобрёл светящиеся краски.
Секрет был прост: Архип Иванович дружил с химиком Дмитрием Менделеевым и физиком Федором Петрушевским, изучал их работы, был в курсе всех открытий в области оптики, и применял научные знания в живописи.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
«Лунная ночь» произвела настоящий фурор. Зрители выискивали подвох, считая, что невозможно изобразить обычными красками на обычном холсте и этот мягкий лунный свет, и это дрожание реки. Говорили, что картина нарисована на стекле и подсвечена сзади. Или что Куинджи изобрёл светящиеся краски.
Секрет был прост: Архип Иванович дружил с химиком Дмитрием Менделеевым и физиком Федором Петрушевским, изучал их работы, был в курсе всех открытий в области оптики, и применял научные знания в живописи.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤18👍11🔥6
Художественное творчество постоянно требует новых — или, по крайней мере, хорошо забытых старых — подходов к самовыражению. Одним из таких можно назвать синестезию, то есть переплетение сигналов органов чувств: зрения и слуха, обоняния и осязания, зрения и осязания и т.д.
Синестезия обогащает изобразительное искусство, позволяя художникам обновить творческий метод и раскрыть потенциал иными средствами. Они могут работать с цветовыми ассоциациями, где каждый оттенок согласуется с определённым звуком: красный — с энергичным, белый — со спокойным.
Схожим образом работал Василий Кандинский, связывавший цвета с нотами и создававший визуально звучащие композиции. Другой русский художник, Марк Шагал, использовал фантастические образы и их чередование для передачи музыкальной гармонии. Об этом мы подробно писали здесь.
Синестезия активно применяется и в современном изобразительном искусстве, которому не чужды междисциплинарные подходы. Создавая мультимедийные инсталляции, которые объединяют звук, свет и ткани (то есть слух, зрение и осязание), художники создают качественно иной опыт для зрителя.
Ярким представителем современных художников-синестетов можно считать Дмитрия Матковского, который также известен как бывший участник музыкальной группы «АукцЫон». Для его художественного метода характерно единство сенсорных сигналов, которое он изображает на своих полотнах. Более 40 художественных работ Матковского сейчас находится в музеях Европы, США и Японии. Познакомиться с творчеством Дмитрия можно на его официальном сайте.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Синестезия обогащает изобразительное искусство, позволяя художникам обновить творческий метод и раскрыть потенциал иными средствами. Они могут работать с цветовыми ассоциациями, где каждый оттенок согласуется с определённым звуком: красный — с энергичным, белый — со спокойным.
Схожим образом работал Василий Кандинский, связывавший цвета с нотами и создававший визуально звучащие композиции. Другой русский художник, Марк Шагал, использовал фантастические образы и их чередование для передачи музыкальной гармонии. Об этом мы подробно писали здесь.
Синестезия активно применяется и в современном изобразительном искусстве, которому не чужды междисциплинарные подходы. Создавая мультимедийные инсталляции, которые объединяют звук, свет и ткани (то есть слух, зрение и осязание), художники создают качественно иной опыт для зрителя.
Ярким представителем современных художников-синестетов можно считать Дмитрия Матковского, который также известен как бывший участник музыкальной группы «АукцЫон». Для его художественного метода характерно единство сенсорных сигналов, которое он изображает на своих полотнах. Более 40 художественных работ Матковского сейчас находится в музеях Европы, США и Японии. Познакомиться с творчеством Дмитрия можно на его официальном сайте.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍12❤9🥰7🔥1🤔1