В круг интересов русского учёного-энциклопедиста Михаила Васильевича Ломоносова входили не только естественные науки, философия и литература, но и живопись.

Рисованию Ломоносов обучался в Германии, параллельно с изучением химии и горного дела. Однако заниматься живописью всерьёз не собирался, пока однажды не увидел в доме графа Воронцова несколько мозаичных картин, привезённых из Италии. Ломоносов тут же загорелся идеей создания мозаик. Но поскольку итальянские мастера хранили свои секреты изготовления смальты в тайне, а в самой России технологии мозаичного набора были давно утрачены, Ломоносову пришлось всё изобретать заново.

На создание разноцветной смальты у Ломоносова ушло 3 года. За это время он провёл 3000 экспериментов, добиваясь получения широкой цветовой палитры своих «каменных красок» путём добавления в стекло оксидов разных металлов (и попутно создал «Теорию трёх цветов», по сути, заложив основу трихроматической теории цветовосприятия человека).

В 1752 году, когда были разработаны рецептуры непрозрачной смальты высокой плотности и склеивающего раствора, Ломоносов приступил к созданию своего первого мозаичного панно — в подарок императрице Елизавете на именины.

Как писал сам Ломоносов:

Образ был составлен с оригинала славного римского живописца Солимена, а всех составных кусков поставлено больше 4000, а для изготовления составов делано 2184 опыта в стеклянной печи.

Императрице подарок понравился и в 1753 году она пожаловала Ломоносову земельный надел в Усть-Рудице под строительство фабрики «для делания изобретённых им разноцветных стёкол и из них бисеру и всяких других галантерейных вещей и уборов».

За 10 лет Ломоносов вместе со своими помощниками — художниками Матвеем Васильевым и Ефимом Мельниковым — создал 40 мозаик. 23 из них сохранились до наших дней. Шесть работ находятся в Эрмитаже, а самое масштабное мозаичное полотно Ломоносова «Полтавская баталия», размером 4,81 на 6,44 м и собранное из 1 млн 30 тысяч кубиков смальты, украшает парадную лестницу Петербургской академии наук.

В посте изображена мозаика М.В. Ломоносова «Портрет Петра I». Произведение хранится в Эрмитаже.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Тунеядец, но с работой. Бомж, но с жильём. Никому не известный победитель конкурсов и фестивалей. Запад был от его картин в восторге, а на родине он жил впроголодь. Речь идет о художнике-авангардисте Анатолии Звереве.

На самом деле, у Зверева было жильё, но он чаще ночевал у друзей и одевался в то, что ему давали.

Постоянной работы у художника тоже не было. Он не принимал никакие государственные заказы, не работал официально и не вступал в профсоюзы. Он жил сам по себе и работал на себя. Это был личный выбор художника.

Работы Зверева получили невероятное признание на Западе. Они выставлялись в Нью-Йоркском музее современного искусства, их репродукции публиковал на своих страницах американский журнал Life. Роберт Фальк восторженно отзывался о творчестве Зверева, заявляя, что каждое прикосновение его кисти священно. Великий Сикейрос подарил ему свой мастихин. Говорят, что сам Пикассо считал Зверева великим русским рисовальщиком. Но на родине художник, который вел маргинальный образ жизни, считался тунеядцем, легко мог получить за это срок и сесть в тюрьму.

Наверное, никто так и не узнал бы про Зверева, если бы не его покровитель и, как сказали бы сегодня, продюсер Георгий Костаки. Он первым разглядел в маляре, расписывавшим детские площадки, гениального экспрессиониста.

Единственная прижизненная выставка Зверева в России состоялась в 1984 году в Московском Горкоме художников-графиков на Малой Грузинской за год до смерти художника. Умер он так же, как и жил. При невыясненных обстоятельствах.

За свою жизнь Зверев создал предположительно 30 000 работ. Почему предположительно? Потому что его работы очень сложно атрибутировать – они создавались в разных условиях, разными материалами, с использованием разных школ и техник. Он рисовал маслом, гуашью, акварелью, тушью, глиной и даже вареньем. Работал не только кистью или пером, но и тряпками, а иногда и пальцами.

Сегодня Зверева называют гениальным русским художником и московской легендой. А его работы есть не только в музеях Америки, но и в музеях России.

В посте изображена картина Анатолия Зверева «Дн Кихот». Работа находится в коллекции: «Русская живопись ХХ века»Ирины Олих. Ознакомиться с произведением можно по ссылке.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

До того как в Средние века Европу захватила и покорила индиго, синяя краска из Индии, там единовластно царствовала вайда.

Вайда – это сорняковое растение с мелкими жёлтыми цветами, родственник капусты: очень плодовитое, практически неистребимое, но обладающее рядом ценных качеств.

Растения служили прекрасным кормом для домашнего скота. Из семян вайды получали масло, похожее по своим свойствам на льняное. Из корней и листьев делали лечебные отвары, обладающие противовоспалительным и кровоостанавливающим эффектом. Но главным достоинством вайды был синий пигмент, который добывали из листьев молодых растений и использовали в основном для окрашивания тканей.

Процесс окрашивания тканей вайдой был сложным, зловонным, но отчасти волшебным. Листья нужно было измельчить, замочить в горячей воде, дать им перебродить, процедить раствор, добавить в него отруби и мочу, заложить в эту жёлтую жижу ткань и оставить на несколько дней. Волшебство начиналось, когда ткань доставали и развешивали на верёвках. Под воздействием кислорода жёлтая ткань начинала синеть и в конце сушки приобретала очень интенсивный цвет.

Правда, процесс стирки запускал волшебство в обратном порядке, и рано или поздно яркая синяя ткань (или изделие из неё) превращалась в линялую тряпку.

Вайду использовали не только для окрашивания тканей. В Британии со времён вторжения римлян существовал обычай раскрашивать себя перед сражениями вайдой для устрашения противника и как превентивное средство для заживления ран. Именно поэтому лицо предводителя шотландцев из фильма «Храброе сердце» в исполнении Мела Гибсона выкрашено в синий цвет.

А вот художники вайду не любили, в живописи этот краситель не прижился. Максимум, что можно было получить из вайды, – тускло-синюю акварель, поэтому живописцы во все времена, начиная с античных, полагались только на ультрамарин, лазурит или египетскую фритту.

#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Подделка – не подделка

Один из самых распространённых видов преступления в сфере искусств – подделка. Существует и чёткое определение подделки – это имитация произведения искусства с целью продажи и получения прибыли. Хотя бывает, что и для доказательства собственной состоятельности. 

Но встречаются в мире искусства подделки, которые имеют статус подлинников, поскольку являются оригинальными работами. Правда, не того мастера, чьим именем подписана та или иная картина, а его ученика.

По традиции, которая возникла ещё во времена античности, в мастерской художника или скульптора трудились его ученики. Сначала на подхвате, потом, по мере обучения мастерству, им доверялось копировать работы учителя или создавать свои, но в стилистике мастера.Например, великий художник эпохи Возрождения Рафаэль Санти обучался в мастерской одного из лучших художников Италии Пьетро ди Кристофоро Ваннуччи, более известного как Пьетро Перуджино. В какой-то момент мастер заметил, что его ученик способен в точности воссоздавать стиль самого Перуджино, и начал поручать ему выполнять кое-какие заказы. Естественно, за подписью самого Перуджино. Даже современные эксперты с трудом различают работы Перуджино и Рафаэля того периода, что уж говорить об их современниках (кстати, на сегодняшнем рынке искусств подделка Перуджино кисти Рафаэля наверняка ценится дороже). 

Учитель пережил своего ученика и после смерти Рафаэля доделывал некоторые его работы. Так что в каком-то смысле они оба подделывали работы друг друга. 

Похожая ситуация была в мастерской Рубенса, Рембрандта и других великих мастеров.

Самая запутанная история с подлинниками, авторскими копиями, «честными» подделками и откровенным фальсификатом у Айвазовского. Разумеется, не у самого художника, а у современных искусствоведов, пытающихся отличить оригинал от контрафакта. Согласно записям самого Айвазовского, он нарисовал примерно 6000 полотен. В различных фондах числится в 10 раз больше. Какие из них являются оригиналами, какие ученическими работами, подписанными мастером, а какие явными подделками – достоверно никому не известно.  

Ленд-арт как направление искусства возник в США в 60-х годах ХХ века и изначально задумывался как художественный протест. Художники тогда выступали против фальши, обыденности и, конечно же, коммерции. 

Одним из первых объектов ленд-арта считают Очерченную Детскую Площадку, которую спроектировал дизайнер японского происхождение Исаму Ногути. Правда, произошло это ещё в 1941 году, задолго до официального появления ленд-арта. 

На объекты ленд-арта нельзя было посмотреть в музеях и галереях, художники создавали свои монументальные проекты прямо на улице, обычно за чертой города. Это могли быть скульптуры из натуральных материалов, какие-то постройки, целые композиции или даже просто интересные решения в сфере ландшафтного дизайна. 

Например, пионер этого направления Алан Сонфист соединил искусство с природой и воссоздал в Нью-Йорке участок доколониального леса, посадив такие деревья и кустарники, которые росли (или могли расти) на этой территории в XV веке. Таким образом он выразил свой протест индустриализации. Свою работу, больше похожую на заброшенный дачный участок, чем на рукотворный лес, Сонфист назвал «Пейзаж Времени». 

В России главной площадкой ленд-арта стала деревня Никола-Ленивец в Калужской области. Началось это с легкой руки художника, скульптора и педагога Николая Полисского, который в 2000 году слепил 220 снеговиков на берегу реки Угры. 

Теперь в деревне Никола-Ленивец ежегодно проходит фестиваль ленд-арта «АрхСтояние», за четверть века ставший культовым. А вокруг деревни за эти годы вырос настоящий арт-парк.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Виктор Васнецов — выдающийся русский художник, который оставил глубокий след не только в живописи, но и в архитектуре.

Васнецов больше известен своими произведениями в области живописи, особенно в жанре исторической и мифологической тематики, поэтому его архитектурные заслуги часто остаются в тени. Тем не менее его интерес к архитектуре и стремление интегрировать живопись в архитектурные пространства сделали его значимой фигурой в этой области.

Одним из самых заметных проектов Васнецова является его собственный дом в Москве, построенный в 1893–1894 годах. Этот дом стал не просто его личным пространством, но и воплощением его художественной концепции.

Васнецов спроектировал здание в стиле древнерусского зодчества, сочетающего в себе элементы неорусского стиля и традиционной архитектуры. Фасад дома украшают богатые декоративные элементы, резные наличники и арочные окна, что придаёт ему уникальный облик и делает его ярким примером архитектуры того времени.

Васнецов активно работал над проектами, связанными с общественными и культурными сооружениями. Он принимал участие в создании интерьеров и декораций для театров, в частности для Русского народного театра в Москве. Его концепция заключалась в том, чтобы соединять живопись и архитектурное пространство, создавая гармоничные композиции, которые передавали бы атмосферу русской культуры и традиций.

Ещё одним значимым проектом, в котором участвовал Васнецов, было создание пристройки главного входного зала к зданию Третьяковской галереи.

Архитектурные идеи Васнецова были пронизаны любовью к народному стилю, что делало его работы уникальными и революционными для своего времени. Они продолжают вдохновлять и сегодня. Как художников, так и архитекторов.


#Хобби
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Эбру — это древнее искусство рисования на воде, пришедшее к нам из Турции и впитавшее в себя элементы многих культур. Оно также известно, как «водяная живопись» и использует уникальную технику, основанную на взаимодействии красок и воды, обеспечивая неповторимые эффекты и узоры.

Искусство Эбру возникло более тысячи лет назад и уже на протяжении многих веков продолжает развиваться и удивлять зрителей.

Процесс создания Эбру начинается с подготовки специальной основы — воды, которая смешивается с определёнными загустителями, такими как агар-агар или крахмал. Это позволяет создать нужную консистенцию, при которой краски не тонут, а плавают на поверхности. Цвета для Эбру выбираются на основе пигментов, которые растворяются в воде. Техника позволяет мастеру наносить краски буквально каплями, создавая удивительные узоры, которые могут напоминать облака, цветы, геометрические фигуры и другие природные формы.

Одна из особенностей Эбру — это стремительное изменение узоров. Каждый раз, когда художник наносит новую каплю окраски, узор начинает расплываться и меняться, что дает возможность увидеть творческий процесс создания произведения искусства в режиме реального времени.

Мастера Эбру могут использовать специальные инструменты, такие как щётки, металлические палочки и другие приспособления, чтобы управлять движениями краски и формировать сложные композиции.

Завершающий этап создания Эбру — это перенос узора на бумагу или ткань. Это делается путём аккуратного прижатия основы к поверхности воды. Как только бумага касается воды, узор переносится на неё, фиксируя все детали. Этот процесс требует большого мастерства и точности, ведь каждое движение может повлиять на итоговый результат.

Не стоит забывать, что Эбру — это не только искусство, но и медитативный процесс. Многие практикующие предпочитают воспринимать его как способ самовыражения и расслабления, погружаясь в творчество и забывая о повседневной суете.

В 2014 году турецкая живопись на воде была внесена в список нематериального культурного наследия ЮНЕСКО.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд