🪆 Дополнительный пост о BIBA (начало тут) посвящен интерьерам магазинов, которые спроектировала основательница бренда — модельерша и фэшн-иллюстраторка Барбара Хуланицки.

⏳ Для нее не существовало границ между модой, архитектурой и искусством. Ее философия звучала так: «Интерьер должен заставлять забыть, что ты в магазине — ты попадаешь в другое время».

🎬 Она создавала роскошные эскапистские пространства, где прошлое переплеталось с настоящим, превращая магазины в фантазийные миры. От небольшого бутика на Abingdon Road до семиэтажного универмага Big Biba — каждый ее проект напоминал кинодекорации, а клиенты становились их героями.

🏛 Эстетика BIBA впитала постмодернистские идеи о прошлом как источнике бесконечного вдохновения. Хуланицки переосмыслила ар-деко через призму контркультуры 1960–1970-х: вместо строгости буржуазного стиля — эклектика, ирония и «дешевый шик». В интерьере Big Biba (1973–1975) это проявилось в египетских раздевалках, принтах со шкурами диких животных, геометрических узорах, витражах, металлических поверхностях, мультяшных манекенах и упаковке в стиле 1930-х (фото 1-7). На фото 3 - Твигги в «радужной комнате» ночного клуба, расположенного в Пентхаусе здания магазина).

🥫 Контрасты стали ключевым приемом: мебель из снесенной викторианской школы соседствовала с неоновыми вывесками, психоделическими принтами и радужной подсветкой. Поп-арт добавил китча — например, витрины в виде гигантских консервных банок (фото 8) или фигур животных. Этот микс исторических эпох и стилей стал ярким примером творческого подхода к наследию в дизайне.

🎥 Интересный параллельный пример — костюмы и декорации музыкальной комедии «Приятель» (The Boy Friend, 1971) с моделью BIBA Твигги в главной роли.

🍄 Рекомендую к просмотру, если не видели! Отдельные декорации и из фильма (например, гигантские кресла из детской (фото 10) – были буквально перенесены в интерьер магазина Big Biba). Детское кафе с мебелью в виде мухоморов в магазине Big Biba (фото 9) – тоже явно было придумано как отсылка к декорациям «Приятеля».

🏖 После закрытия BIBA Хуланицки с мужем переехала в Бразилию, а позже в Майами, где продолжила работать с интерьерами, сохранив любовь к театральности и смелым экспериментам.

🌴 Для курортов основателя Island Records Криса Блэквелла на Ямайке и Багамах она разрабатывала интерьеры, где карибская эстетика обретала драматизм: в лобби-зонах пастельные стены сочетались с зеркальными панелями и геометрическими орнаментами, а в номерах винтажная деревянная мебель контрастировала с неоновой подсветкой и абстрактными арт-объектами.

🪡 Она создавала одежду для международных брендов и собственных нишевых проектов (от Индии до Японии).

🌿 Разрабатывала дизайн обоев и текстиля с мотивами ар-нуво и артдеко для другой легендарной британской сети лайфстайл-магазинов Habitat (2005-2007) и для компании Graham & Brown (2009).

🎖 В 2012 году Барбара получила Орден Британской империи за вклад в дизайн. Сегодня, в 87 лет, она остается активной творческой фигурой, чья карьера вдохновляет на междисциплинарные эксперименты!

💻 Дополнительные ссылки:
Официальный Instagram Барбары
Интересные обзоры её собственных жилых пространств: Дом (1968), Студия (1975), Квартира в Майями (2017).

🎤 Интервью c Хуланицки
2013 – подкаст, 2017 – Glass Magazine, 2022 – Please Kill Me.

📚 Автобиография From A to BIBA: The Autobiography of Barbara Hulanicki, V&A Publications, 1984
Книга «The Biba Years, 1963–1975», Barbara Hulanicki, Martin Pel, 2014

📺 Документальный фильм «Beyond Biba: A Portrait of Barbara Hulanicki» (2009)
Короткий ролик о создании магазина Biba, Pacemakers film on Barbara & Fitz, behind the scenes, 1970

📸 Блог графической дизайнерки, работавшей для BIBA - Kasia Charko, c множеством редких фотографий и историй.

⬇️ Дополнительные фото магазинов BIBA и информация о разделах выставки The Biba Story, 1964–1975 — в комментариях.

#Exhibitions #InteriorDesign #WomenInDesign #Fashion #Film

🪆 Перед Миланской неделей дизайна, я успею ещё заехать в Париж на PAD (Pavilion of Art and Design), сад Тюильри, 2–6 апреля.

🥐 Это первая выставка, посвященная коллекционному дизайну была основана в 1998 году и с тех пор сохраняет статус одного из ведущих событий для международных коллекционеров, объединяя исторические артефакты, современные объекты и декоративное искусство (отдельно проводится PAD London и PAD Сен-Тропе).

📝 Полный список из 74 галерей, участвующих в парижской выставке этого года добавлю в комментарии (и на сайте).

🇫🇷 Фокус будет на французские галлереи, на втором месте Бельгия (Objects with Narratives и Modern Shapes - мои фавориты) и Голландия (включая Mia Karlova Galerie, представляющая работы Вадима Кибардина).

🌏 Будут и крупные французско-британские и -американские галереи (Carpenters Workshop Gallery). Единичными участниками представлены Италия, Испания, Греция, Арабские Эмираты, Китай, Мексика, Тайланд, Швеция, Швейцария… планирую подробнее осветить участие Палат из России!

📸 Проекты и галереи-участники на фото:
2. Sarah Myerscough Gallery (@sarahmyerscoughgallery) представляет современное декоративно-прикладное искусство, фокусируясь на авторах, объединяющих традиционные техники и натуральные материалы с новыми подходами. В этом году она представит работы экспериментального дизайнера Тадеаса Подрацкого (Tadeas Podracky, @tadeaspodracky). Светильник «The Bloom of Bones» («Цветение костей») сочетает хрустальный шар ручной работы, заключенный в полупрозрачное белое стекло, с резным основанием из кленового дерева. Полированная поверхность контрастирует с текстурой дерева, создавая динамичное напряжение, будто шар органично «прорастает» из основы. Игра света и отражений придает объекту ощущение живой материи. Каждый элемент серии вырезан вручную из локальных пород дерева, покрыт воском и белым пигментом, стирая границы между материалами и добавляя эфемерное, почти сюрреалистическое качество.

3. Керамические вазы «Multiple» Жака Руйяна (Jacques Ruelland).
Его скульптурная керамика балансирует между текучестью форм и статичной гармонией, оживляя диалог между объектом и пространством.

4. Galerie Yves Gastou, @galerieyvesgastou.
Французско-египетско-ливанский дизайнер-самоучка Омар «Шакил» Эль Вакиль (Omar "Chakil" El Wakil) представит кофейный стол «Scarab» («Скарабей»), созданный из египетского алебастра. Его работы основаны на раскрытии свойств природных материалов и объединении культурного наследия Ближнего Востока с современной эстетикой.

5. Бельгийский дизайнер Антон Хендрик Денис (Anton Hendrik Denys, @antonhendrikdenys) создал объект «Self Reflect 66» из полированной нержавеющей стали. Минималистичная геометричная форма и необычная отделка, превращает статичную поверхность в игру отражений, преображающих повседневность. Автор вдохновлялся барочными работами Караваджо.

6. Ретроспектива французского модернизма от @laffanourgaleriedowntown.
Солнцезащитные конструкции «Marseille» Жана Пруве (Jean Prouvé, 1950), шестигранный стол Шарлотты Перриан (Charlotte Perriand, 1949) и вентилятор Пруве (1956).

7. Maison Jaune Studio, @maisonjaunestudio. Французский художник Кристиан Лапи (Christian Lapie, @lapie_christian) представит монументальные дубовые скульптуры, вдохновленные студией Константина Бранкузи (Constantin Brancusi). Его работы, напоминающие древних стражей, исследуют связь истории, природы и памяти.

8. Galerie du Passage, @galeriedupassage. Кресло-качалка Ришара Педюззи (Richard Peduzzi) из дерева — пример минимализма с театральным размахом. Архитектор и сценограф, известный сотрудничеством с Патрисом Шеро (Patrice Chéreau), объединяет геометрию и простоту в мебельном дизайне.

9. AtKris Studio, @atkris_studio. Кресло «Fiorenza» Франко Альбини (Franco Albini), созданное для Arflex (Италия, 1952), — икона итальянского рационализма. Модель PL44, выпущенная Poggi в 1967 году, сочетает эргономику, чистоту линий и функциональность.

#Collectable #Craft #FrenchDesign #Furniture #Lighting #Ceramics #Modernism #Exhibitions #PAD #Trends2025

🪆 Оммаж в дизайне 1/2. Бронхит никак не проходит(((
Но я уже еду в Париж! А по дороге хотела поговорить с вами про оммаж в дизайне.

👁️ Тема навеяна неоднозначным стендом школы дизайна Детали на последней выставке Артдом. С одной стороны, это была единственная школа со своим стендом там - для студентов, такая финансовая поддержка определённо много значит.

👨‍🎓 Отдельные выпускники курса, например, Данияр Удербеков, и до поступления в школу имели собственный опыт проектирования и участия в международных выставках - и это сразу было заметно.

📐С другой стороны, на этом же стенде были представлены и довольно сырые студенческие прототипы, которые проигрывали вещам, окружавшим их на профессиональной выставке. И в целом, делали стенд перегруженным.

🪑 У меня есть вопросы к самой концепции и методологии курса предметного дизайна, изначально ориентированного на создание коллекционных вещей. Не смотря на бОльшее пространство для самовыражения, всё-таки, и исследование рынка с составлением портрета целевой аудитории, и основы эргономики в дизайне даже в этой смежной арт-сфере никто не отменял. Иначе, будет как в любимом мной комедийном кинофрагменте про “стул-убийцу”.

🗽Но эта часть проектной работы, даже если и велась, нам показана не была. Зато была искусственно придуманная тема стенда «оммаж великим дизайнерам». И вот тут, я как историк дизайна и педагог уже не могу промолчать.

👩‍🏫 На вводной лекции своего курса в Британке (как для граф. дизайнеров, так и потом для предметников) я рассказывала зачем дизайнерам изучать историю дизайна.

✔️Во-первых, для того, чтобы «не изобретать велосипед» - всегда есть вероятность того, что ваша проектная задача уже была неоднократно решена. Проследить эволюцию и логику этих решений - важная часть предпроектного исследования.

✔️Во-вторых, изучая различные течения и стили прошлого дизайнер формирует свой визуальный язык. См. мою заметку к дискуссии про насмотренность.

✔️Помимо создания прямых ретро-стилизаций, это нужно, для того, чтобы понимать, какие исторические ассоциации могут вызывать создаваемые нами вещи. И пытаться осознанно управлять этим процессом, «смешивая, но не взбалтывая» свой собственный авторский коктейль из неизбежных отсылок к прошлому и трендов современности (также всегда отражающихся на нашем мировоззрении).

🎎🪆С точки зрения методологии тут возможно несколько подходов. Я люблю проводить параллель с этапами обучения ремесленников (повтор / вариация / импровизация). На многих современных курсах дизайна - копирование работ, ставших уже классикой дизайна, как аутентичными, так и современными средствами компьютерной графики и прототипирования - является начальным этапом обучения. Во время такой работы студенты погружаются в логику работы выбранного дизайнера. Смотрят, как бы эту задачу решили авангардисты, поздние модернисты, постмодернисты и т.п.

🎨 И затем предлагают свой проект-вариацию, который мог бы стать ещё одной работой в этом ряду, буквально его продолжить (у меня есть хороший такой пример студенческих работ с выставки в Цюрихском музее дизайна - не успела пока опубликовать, но сделаю).

🛠️Ещё одно полезное задание - взять готовый объект из прошлого и улучшить его с помощью современных технологий, знаний, или адаптируя под другую целевую аудиторию (см., например, дети, пенсионеры или люди с ограниченными возможностями - см. проект Fixperts - который я чуть не перезапустила в Москве, если бы не 2022 год. Ставьте ✍🏻если хотите узнать про него подробнее).

👩‍💻 И уже на финальном этапе, студент создаёт собственный авторский современный проект с опорой на один или несколько образцов из прошлого, но эти отсылки уже не так очевидны, как на этапе «вариация» (и конечно же хорошо обоснованы). Успешный пример - сравнение работ дизайнера Браун Дитера Рамса и дизайнера Эппл Джонатана Айва, не скрывавшего источников своего вдохновения.
Продолжение в следующем посте.

#exhibitions #ProductDesign #Artdom #DesignHistory #VoprosOtvet