Три Давида
Если войти в итальянский дворик ГМИИ им. А. С. Пушкина и встать спиной к романскому порталу, то напротив будут два Давида—слева руки Донателло, а справа Андреа Верроккио. Сбоку справа будет третий—четырехметровый мраморный гигант Микеланджело.
Между Давидом Донателло и Давидом Верроккио около 30 лет итальянской истории, между Давидом Верроккио и Давидом Микеланджело—примерно столько же. И, если смотреть слева на право, как мы обычно читаем строку, то стоят они по старшинству—от Донателло к Микеланджело.
Когда я занималась изучением Итальянского Возрождения, я много внимания уделяла изменению человека. Под изменением я подразумеваю полную внутреннюю перестройку картины мира и смену места человека в ней. Изображение Давида—будущего царя иудейского, победителя великана Голиафа—было одним из любимых у итальянских мастеров. На нем же хорошо видно то самое изменение человека, о котором я говорила выше.
Сама история о Давиде и Голиафе описана в Первой книге Царств в 17 главе. Давид пошел против великана Голиафа без доспехов, лишь с посохом, пращой и пятью камнями в пастушьей сумке. Он был младшим из сыновей Иессея, совсем еще юным. Голиаф спрашивал Давида, почему тот идет на него с палкой, на что Давид ответил: «ты идешь против меня с мечем и копьем и щитом, а я иду против тебя во имя Господа Саваофа, Бога воинств Израильских, которые ты поносил. Ныне предаст тебя Господь в руку мою и я убью тебя…» (1Цар. 17:45-46).
Это важно потому, что акцентируется внимание на том, что руками Давида свою волю исполняет сам Господь. Юноша, не облаченный в доспехи, не имеющий опыта военных действий, не вооруженный не смог бы победить великана.
Своего Давида Донателло создал около 1440 года. Это круговая скульптура из бронзы, воплощающая юного мальчика, изнеженное тело которого обнажено практически полностью, за исключением поножей и пастушьей шляпы. В одной руке у него меч, в другой камень. Его волосы рассыпаны по плечам, взгляд совершенно не сфокусирован. Это не изображение победителя, празднующего свой триумф, это изображение скорее силы Бога и величия Его воли.
Давид Андреа Верроккио был закончен в 1476 году. Это тоже круговая скульптура, но герой уже облачен в доспехи. На губах легкая полуулыбка, тело более напряженное и собранное. Он твердо стоит на ногах, в подростковом угловатом теле заметны очертания мышц—рука, которая держит кинжал, напряжена и на ней выступает вена. Он уже осознает свою собственную победу и свой триумф, но лишь отчасти.
Давид Микеланджело поражает в первую очередь своими масштабами. 4 метра цельного каррарского мрамора, сильное рельефное тело, мужественные черты лица. Теперь это грозный воин. Еще одна деталь—два предыдущих Давида были изображены у головы уже сраженного Голиафа. Микеланджело изображает Давида, готовящегося к броску. Сосредоточенный взгляд, сдвинутые брови, правая рука, поднимающая камень, левая—вытягивающая из-за спины пращу. Это кульминационный момент всей битвы и у зрителя не возникает даже тени сомнения, что этот Давид победит. Человек не просто осознает свою мощь и грядущий триумф, он берет на себя ответственность и побеждает уже своими руками.
Постепенно теоцентричная картина мира сменилась антропоцентричной. Человек открыл свою «избранность», осознал красоту окружающего его мира. Подобный индивидуализм, с одной стороны, открыл человеку множество новых перспектив, которые раньше были недоступны, а с другой, обрек его на одиночество, которое, набирая обороты, приведет к появлению романтизма как острое переживания этого одиночества.
Если войти в итальянский дворик ГМИИ им. А. С. Пушкина и встать спиной к романскому порталу, то напротив будут два Давида—слева руки Донателло, а справа Андреа Верроккио. Сбоку справа будет третий—четырехметровый мраморный гигант Микеланджело.
Между Давидом Донателло и Давидом Верроккио около 30 лет итальянской истории, между Давидом Верроккио и Давидом Микеланджело—примерно столько же. И, если смотреть слева на право, как мы обычно читаем строку, то стоят они по старшинству—от Донателло к Микеланджело.
Когда я занималась изучением Итальянского Возрождения, я много внимания уделяла изменению человека. Под изменением я подразумеваю полную внутреннюю перестройку картины мира и смену места человека в ней. Изображение Давида—будущего царя иудейского, победителя великана Голиафа—было одним из любимых у итальянских мастеров. На нем же хорошо видно то самое изменение человека, о котором я говорила выше.
Сама история о Давиде и Голиафе описана в Первой книге Царств в 17 главе. Давид пошел против великана Голиафа без доспехов, лишь с посохом, пращой и пятью камнями в пастушьей сумке. Он был младшим из сыновей Иессея, совсем еще юным. Голиаф спрашивал Давида, почему тот идет на него с палкой, на что Давид ответил: «ты идешь против меня с мечем и копьем и щитом, а я иду против тебя во имя Господа Саваофа, Бога воинств Израильских, которые ты поносил. Ныне предаст тебя Господь в руку мою и я убью тебя…» (1Цар. 17:45-46).
Это важно потому, что акцентируется внимание на том, что руками Давида свою волю исполняет сам Господь. Юноша, не облаченный в доспехи, не имеющий опыта военных действий, не вооруженный не смог бы победить великана.
Своего Давида Донателло создал около 1440 года. Это круговая скульптура из бронзы, воплощающая юного мальчика, изнеженное тело которого обнажено практически полностью, за исключением поножей и пастушьей шляпы. В одной руке у него меч, в другой камень. Его волосы рассыпаны по плечам, взгляд совершенно не сфокусирован. Это не изображение победителя, празднующего свой триумф, это изображение скорее силы Бога и величия Его воли.
Давид Андреа Верроккио был закончен в 1476 году. Это тоже круговая скульптура, но герой уже облачен в доспехи. На губах легкая полуулыбка, тело более напряженное и собранное. Он твердо стоит на ногах, в подростковом угловатом теле заметны очертания мышц—рука, которая держит кинжал, напряжена и на ней выступает вена. Он уже осознает свою собственную победу и свой триумф, но лишь отчасти.
Давид Микеланджело поражает в первую очередь своими масштабами. 4 метра цельного каррарского мрамора, сильное рельефное тело, мужественные черты лица. Теперь это грозный воин. Еще одна деталь—два предыдущих Давида были изображены у головы уже сраженного Голиафа. Микеланджело изображает Давида, готовящегося к броску. Сосредоточенный взгляд, сдвинутые брови, правая рука, поднимающая камень, левая—вытягивающая из-за спины пращу. Это кульминационный момент всей битвы и у зрителя не возникает даже тени сомнения, что этот Давид победит. Человек не просто осознает свою мощь и грядущий триумф, он берет на себя ответственность и побеждает уже своими руками.
Постепенно теоцентричная картина мира сменилась антропоцентричной. Человек открыл свою «избранность», осознал красоту окружающего его мира. Подобный индивидуализм, с одной стороны, открыл человеку множество новых перспектив, которые раньше были недоступны, а с другой, обрек его на одиночество, которое, набирая обороты, приведет к появлению романтизма как острое переживания этого одиночества.
❤18🔥12💘5
Новый Дракула
Осторожно, спойлеры!
Я очень люблю фильмы про вампиров (уж простите мне эту шалость) и лично для меня они делятся на 3 больших категории—фильмы про Дракулу, фильмы про Носферату и все остальные фильмы о вампирах. Дракула как персонаж культурный, а не исторический, появился из романа Брэма Стокера. С тех пор, по некоторым подсчетам, о Дракуле было снято больше сотни фильмов. При этом Дракула-вампир имеет реальный прототип—короля Валахии (современной Румынии) Влада III. Этот сюжет смешивает с прототипом Люк Бессон в своем новом фильме, который, на мой (совершенно не киноведческий) взгляд, полный провал.
Жанр определяется как «готический фильм ужасов». При этом фильм не страшный от слова совсем и до ужастика не дотягивает. Картинка очень красивая—костюмы и декорации потрясающие. Очень зацепило еще и то, что роли исполняли не приевшиеся актеры, хотя исполнительница роли Мины/Элизабетты до жути похожа на Лили Коллинз. На этом, наверное, все хорошее, что не было перечеркнуто развитием сюжета, для меня закончилось.
Сюжет фильма рассказывает сначала о смерти жены Дракулы и о том, как он разгневался на Бога и стал вампиром. Далее мы переносимся на 400 лет вперед. Историю Дракулы мы узнаем из его рассказа Джонатану Харкеру. Замечательное, красочное и эмоциональное повествование о том, как человек, живший одной лишь надеждой встретить свою любовь снова и верой в счастливое с ней воссоединение, мучился и страдал. Как его терзала безысходность, как его бессчетные попытки не приносили плодов, как он разочаровывался во всем, но верил в свою единственную, и ради нее поднимался снова и снова. Его душевные муки показаны очень искренне.
Дальнейшее повествование линейно. В конце концов, поиски Дракулы увенчались успехом—он нашел ее после четырех веков мучений и поисков. Элизабетта его вспомнила, он превратил ее в вампира, и они уехали в замок у подножия карпатских гор (видимо, имеется в виду Бран, хотя в фильме он так не назван). Их настигают преследователи Дракулы, желающие убить вампира.
Показаны замечательные сцены битв в разных интерьерах замка, где Дракула и его горгульи всех побеждают. И вот, в той самой часовне, где Дракула был проклят, он остается один на один со священником. Между ними происходит диалог, который идет 1 минуту и 55 секунд вместе со всеми паузами, размышлениями и так далее. Он не доведен до финала, но подхватывается словами священника у закрытой двери, которые заняли 30 секунд экранного времени. Далее Дракула выходит за дверь, оставив свою возлюбленную, ради которой жил, из-за которой был проклят и которую 400 лет искал, происходит еще один диалог на 30 секунд (под крики и мольбы Элизабетты), и Дракула, окончательно отказавшись от своих убеждений, позволяет всадить себе в сердце серебряный кол и умирает.
Вот это перечеркнуло для меня абсолютно все. Зрителю в красках показали как Дракула мучился, верил, ждал. Как каждый день на протяжении четырех веков все больше и больше убеждался в своей правоте и несправедливости рокового стечения обстоятельств. И тут за 3 минуты разговора со священником, который говорит достаточно общие фразы, он вдруг отказывается от всего и стает на путь истинный. Ну как так? Была выбрана такая глубокая тема, такой многообещающий внутренний конфликт персонажа, сам персонаж казался таким противоречивым и интересным. И все это перечеркнуто тремя минутами довольно пресной и бессодержательной беседы в самом конце фильма. Это настолько неправдоподобно и притянуто, будто надо было просто успеть подвести к финалу в оставшиеся 15 минут двухчасового хронометража фильма, что уничтожает все то хорошее и интересное, что мы видели с самого начала.
Поэтому фильм мне и не понравился. При моей любви к фильмам о вампирах, этот оказался разочарованием. Есть фильмы, которые не претендуют на какие то глубокие смыслы. Они по-своему хороши. Есть фильмы, которые за основу берут сложный конфликт и по ходу повествования его решают. Но когда фильм пытается одновременно погнаться за двумя зайцами, получается плохо и нелепо.
Осторожно, спойлеры!
Я очень люблю фильмы про вампиров (уж простите мне эту шалость) и лично для меня они делятся на 3 больших категории—фильмы про Дракулу, фильмы про Носферату и все остальные фильмы о вампирах. Дракула как персонаж культурный, а не исторический, появился из романа Брэма Стокера. С тех пор, по некоторым подсчетам, о Дракуле было снято больше сотни фильмов. При этом Дракула-вампир имеет реальный прототип—короля Валахии (современной Румынии) Влада III. Этот сюжет смешивает с прототипом Люк Бессон в своем новом фильме, который, на мой (совершенно не киноведческий) взгляд, полный провал.
Жанр определяется как «готический фильм ужасов». При этом фильм не страшный от слова совсем и до ужастика не дотягивает. Картинка очень красивая—костюмы и декорации потрясающие. Очень зацепило еще и то, что роли исполняли не приевшиеся актеры, хотя исполнительница роли Мины/Элизабетты до жути похожа на Лили Коллинз. На этом, наверное, все хорошее, что не было перечеркнуто развитием сюжета, для меня закончилось.
Сюжет фильма рассказывает сначала о смерти жены Дракулы и о том, как он разгневался на Бога и стал вампиром. Далее мы переносимся на 400 лет вперед. Историю Дракулы мы узнаем из его рассказа Джонатану Харкеру. Замечательное, красочное и эмоциональное повествование о том, как человек, живший одной лишь надеждой встретить свою любовь снова и верой в счастливое с ней воссоединение, мучился и страдал. Как его терзала безысходность, как его бессчетные попытки не приносили плодов, как он разочаровывался во всем, но верил в свою единственную, и ради нее поднимался снова и снова. Его душевные муки показаны очень искренне.
Дальнейшее повествование линейно. В конце концов, поиски Дракулы увенчались успехом—он нашел ее после четырех веков мучений и поисков. Элизабетта его вспомнила, он превратил ее в вампира, и они уехали в замок у подножия карпатских гор (видимо, имеется в виду Бран, хотя в фильме он так не назван). Их настигают преследователи Дракулы, желающие убить вампира.
Показаны замечательные сцены битв в разных интерьерах замка, где Дракула и его горгульи всех побеждают. И вот, в той самой часовне, где Дракула был проклят, он остается один на один со священником. Между ними происходит диалог, который идет 1 минуту и 55 секунд вместе со всеми паузами, размышлениями и так далее. Он не доведен до финала, но подхватывается словами священника у закрытой двери, которые заняли 30 секунд экранного времени. Далее Дракула выходит за дверь, оставив свою возлюбленную, ради которой жил, из-за которой был проклят и которую 400 лет искал, происходит еще один диалог на 30 секунд (под крики и мольбы Элизабетты), и Дракула, окончательно отказавшись от своих убеждений, позволяет всадить себе в сердце серебряный кол и умирает.
Вот это перечеркнуло для меня абсолютно все. Зрителю в красках показали как Дракула мучился, верил, ждал. Как каждый день на протяжении четырех веков все больше и больше убеждался в своей правоте и несправедливости рокового стечения обстоятельств. И тут за 3 минуты разговора со священником, который говорит достаточно общие фразы, он вдруг отказывается от всего и стает на путь истинный. Ну как так? Была выбрана такая глубокая тема, такой многообещающий внутренний конфликт персонажа, сам персонаж казался таким противоречивым и интересным. И все это перечеркнуто тремя минутами довольно пресной и бессодержательной беседы в самом конце фильма. Это настолько неправдоподобно и притянуто, будто надо было просто успеть подвести к финалу в оставшиеся 15 минут двухчасового хронометража фильма, что уничтожает все то хорошее и интересное, что мы видели с самого начала.
Поэтому фильм мне и не понравился. При моей любви к фильмам о вампирах, этот оказался разочарованием. Есть фильмы, которые не претендуют на какие то глубокие смыслы. Они по-своему хороши. Есть фильмы, которые за основу берут сложный конфликт и по ходу повествования его решают. Но когда фильм пытается одновременно погнаться за двумя зайцами, получается плохо и нелепо.
❤8🔥5😈3👍1🥰1
Национальный музей Катара
Некоторое время назад дошла до Национального Музея Катара—того самого, который построен в форме розы пустыни французским архитектором Жаном Нувелем.
Конечно, вопрос идентификации Катара как национального государства можно обсуждать долго, и, на мой взгляд, достаточно безрезультатно. Как минимум потому, что концепт нации легко поставить под сомнение. Тем не менее, музей есть, называется он именно так, и сам по себе он весьма интересный.
Есть две Розы пустыни. Первая—вполне себе стандартный цветок со стеблем, листьями и бутонами. Вторая—камень. Если быть точнее, это даже не совсем камень. Это гипсовое образование, которое появляется при соблюдении некоторых условий. Когда в пустыне выпадает дождь, вода сразу впитывается в песок. Если в песке есть достаточное количество кальция, то, при испарении воды, кальций смешивается с песком, застывая в причудливых формах.
Музей выстроен вокруг старого дворца эмира Катара, в чье правление в Катаре была найдена нефть. Экспозиционное пространство нового здания разделено на 10 тематических блоков: Временные выставки, Основание Катара, Природная среда Катара, Археология, Люди Катара, Жизнь в пустыне, Жизнь на берегу, Жемчуг и торжества, Построение нации, Рождение нации, Обнаружение нефти, Изменение, Катар сегодня.
Экспозиция не поразит вас древностями, как в греческих или египетских залах музеев. Связано это, во многом, с достаточно скупым археологическим наследием—на витринах очень много макетов, имеющиеся оригинальные предметы не уходят корнями в глубь веков. При этом экспозиция продумана до мелочей, и, в процессе просмотра, формируется целостное представление об истории Катара.
В университете мы много говорили о необходимости развития инклюзивности экспозиции—музей должен быть близок, доступен и понятен максимально большому количеству посетителей. Одна из важных проблем в этом процессе—адаптация экспозиции для детей, которым тяжело держать внимание и тщательно осмотреть экспозицию в несколько тысяч квадратных метров. И кураторы музея превзошли все ожидания. Игровые зоны для детей, великолепно оборудованные технически и очень лаконично связанные с основной экспозицией, поражают даже взрослых. В целом, с точки зрения технологий и интерактивности, Национальный музей Катара значительно превосходит европейские музеи.
Архитектурная форма нового здания музея продолжается и внутри. Конечно, стены не рассекают пространство, как то происходит снаружи. Но экспозиционные залы созданы не жесткими формами, а наполнены текучими переходами пола в потолок, стен в границы между частями экспозиции. Выставочное пространство не разграничено дверьми, залы сливаются, но не смешиваются. В музее очень гармонично сочетаются экспонаты, архитектура, технологии, игровые зоны и зоны отдыха.
Если говорить о лично моем опыте и впечатлении, то меня больше зацепила форма, чем содержание. То, как органично оказались связаны старый дворец и современное здание, вписанное, тем не менее, в традицию, поразительно. Огромные экраны и кондиционируемое помещение, из которого посетитель попадает под пекло жестокого солнца, — это позволяет ощутить, с одной стороны, контраст, а с другой, осознать, как неразрывно связаны два этих контекста. Музей, в каком-то смысле, сам стал экспонатом, транслирующим идею, из которой он вырос.
Некоторое время назад дошла до Национального Музея Катара—того самого, который построен в форме розы пустыни французским архитектором Жаном Нувелем.
Конечно, вопрос идентификации Катара как национального государства можно обсуждать долго, и, на мой взгляд, достаточно безрезультатно. Как минимум потому, что концепт нации легко поставить под сомнение. Тем не менее, музей есть, называется он именно так, и сам по себе он весьма интересный.
Есть две Розы пустыни. Первая—вполне себе стандартный цветок со стеблем, листьями и бутонами. Вторая—камень. Если быть точнее, это даже не совсем камень. Это гипсовое образование, которое появляется при соблюдении некоторых условий. Когда в пустыне выпадает дождь, вода сразу впитывается в песок. Если в песке есть достаточное количество кальция, то, при испарении воды, кальций смешивается с песком, застывая в причудливых формах.
Музей выстроен вокруг старого дворца эмира Катара, в чье правление в Катаре была найдена нефть. Экспозиционное пространство нового здания разделено на 10 тематических блоков: Временные выставки, Основание Катара, Природная среда Катара, Археология, Люди Катара, Жизнь в пустыне, Жизнь на берегу, Жемчуг и торжества, Построение нации, Рождение нации, Обнаружение нефти, Изменение, Катар сегодня.
Экспозиция не поразит вас древностями, как в греческих или египетских залах музеев. Связано это, во многом, с достаточно скупым археологическим наследием—на витринах очень много макетов, имеющиеся оригинальные предметы не уходят корнями в глубь веков. При этом экспозиция продумана до мелочей, и, в процессе просмотра, формируется целостное представление об истории Катара.
В университете мы много говорили о необходимости развития инклюзивности экспозиции—музей должен быть близок, доступен и понятен максимально большому количеству посетителей. Одна из важных проблем в этом процессе—адаптация экспозиции для детей, которым тяжело держать внимание и тщательно осмотреть экспозицию в несколько тысяч квадратных метров. И кураторы музея превзошли все ожидания. Игровые зоны для детей, великолепно оборудованные технически и очень лаконично связанные с основной экспозицией, поражают даже взрослых. В целом, с точки зрения технологий и интерактивности, Национальный музей Катара значительно превосходит европейские музеи.
Архитектурная форма нового здания музея продолжается и внутри. Конечно, стены не рассекают пространство, как то происходит снаружи. Но экспозиционные залы созданы не жесткими формами, а наполнены текучими переходами пола в потолок, стен в границы между частями экспозиции. Выставочное пространство не разграничено дверьми, залы сливаются, но не смешиваются. В музее очень гармонично сочетаются экспонаты, архитектура, технологии, игровые зоны и зоны отдыха.
Если говорить о лично моем опыте и впечатлении, то меня больше зацепила форма, чем содержание. То, как органично оказались связаны старый дворец и современное здание, вписанное, тем не менее, в традицию, поразительно. Огромные экраны и кондиционируемое помещение, из которого посетитель попадает под пекло жестокого солнца, — это позволяет ощутить, с одной стороны, контраст, а с другой, осознать, как неразрывно связаны два этих контекста. Музей, в каком-то смысле, сам стал экспонатом, транслирующим идею, из которой он вырос.
❤7👍4🔥2🤨1
Люди Баптистерия
Я совершенно искренне считаю, что не только мы создаем свое окружение, но и оно создает нас. Культура была создана человеком, когда он стал на еще одну ступень дальше от приматов. С одной стороны, культура создает человека, с другой, человек создает ее.
Я с ранних лет окружена потрясающими людьми—начиная от семьи, заканчивая преподавателями. Каждый из моих друзей занимается чем-то интересным, иногда неожиданным, но всегда захватывающим. Именно поэтому мне показалось оправданной идея сделать такую «рубрику» (хотя слово мне не очень нравится), в которой я бы попросила рассказать о себе тех, кто меня окружает.
Сегодня я хочу познакомить вас с одним из моих друзей—Семеном Лариным, профессионально занимающимся философией и сейчас изучающим богословие.
Я совершенно искренне считаю, что не только мы создаем свое окружение, но и оно создает нас. Культура была создана человеком, когда он стал на еще одну ступень дальше от приматов. С одной стороны, культура создает человека, с другой, человек создает ее.
Я с ранних лет окружена потрясающими людьми—начиная от семьи, заканчивая преподавателями. Каждый из моих друзей занимается чем-то интересным, иногда неожиданным, но всегда захватывающим. Именно поэтому мне показалось оправданной идея сделать такую «рубрику» (хотя слово мне не очень нравится), в которой я бы попросила рассказать о себе тех, кто меня окружает.
Сегодня я хочу познакомить вас с одним из моих друзей—Семеном Лариным, профессионально занимающимся философией и сейчас изучающим богословие.
Telegraph
Люди Баптистерия - Семен Ларин
Позвольте представить вам человека, с которым мы были в одной группе с самого первого курса. Он, как и я, после выпуска из бакалавриата, сменил направление: с кафедры философской антропологии Философского факультета МГУ на Богословский факультет ПСТГУ. Сейчас…
🔥11🍾9🎉4😈2
На смену Глине
В пятницу в сети очень активно обсуждалась смена скульптуры на набережной у ГЭС-2. В основном, конечно, все крайне недовольны—«только убрали один ужас, ставят сразу другой». Я эту позицию не разделяю от слова совсем и вот почему:
Во-первых, претензии относительно «некрасивости» обеих скульптур совершенно безосновательны. Красота—понятие очень относительное и я очень сомневаюсь, что женщин на портретах Пикассо можно назвать красивыми (подобный мысленный эксперимент предлагал У. Эко во Введении в «Истории уродства»). При этом значения этих работ никто никогда не отрицал. Развивая эту тему, раз уж мы говорим о красоте, можно вспомнить одно из основополагающих понятий под названием «пропорция», которой придерживались художники еще с античных времен—знаменитая скульптура Поликлета «Дорифор» была создана в 5 веке до н. э. и воплощала так называемый «канон» (текст не сохранился), в котором скульптор предлагал, в том числе, идеальное соотношение частей тела. И вот с этой точки зрения, на мой взгляд, куда «некрасивее» памятник Петру Первому на Крымской набережной—гигантская фигура императора, которая стоит на маленьком кораблике, облаченная в римские доспехи и держащая какой-то позолоченный документ в руках. Вот тут ничего ни с чем не сходится—Петр слишком большой, корабль слишком маленький, причем тут доспехи, что за грамота и, самое главное, почему памятник стоит в Москве, хотя Петр очень не любил Москву.
Во-вторых, на сайте дома культуры и в разделе «О нас» можно увидеть две функции, поставленные во главу угла. Одна из них звучит так:
Акцент ГЭС-2 как культурного пространства делается на развитии «современного искусства». О сути термина можно спорить долго и безрезультатно (а потому бессмысленно), но можно открыть работу известного и признанного теоретика современного искусства Розалинды Краусс «Подлинность авангарда и другие модернистские мифы», в которой можно прочесть такой тезис:
Рассуждения о модерне и постмодерне (и метамодерне?) сводятся к тому, что снова выстраивается генеалогическое древо форм. Воплощенный в скульптуре образ должен быть «обоснован». Только тут важно иметь в виду, что обоснование тоже меняется, вместе со сменой истории и парадигмы. А теперь попробуем найти обоснование:
Урс Фишер, чью Большую глину № 4 недавно демонтировали, рассматривает, в первую очередь, процесс трансформации материала—большая глина это многократно увеличенная и отлитая копия реального куска глины со следами пальцев художника. Это самое начало акта творчества—произведение искусства в потенции. То, что своим существованием (таким, каким мы его видели, а именно, измятым художником) уже содержит в себе итог своей «жизни». Художники Клас Олденбург и Кошье ван Брюгген создавали скульптуры, которые были просто многократно увеличенными копиями привычных нам объектов. Уже в игре с масштабом продолжается направление, заданное Глиной Урса Фишера. Кроме этого, достаточно очевидно прослеживается связь процессуальная:
—как об этом сказал Франческо Бонами, который сотрудничает с ГЭС-2.
Таким образом, как предыдущая скульптура, так и новая, прекрасно соответствуют задаче дома культуры. Более того, они не просто репрезентируют, но и участвуют в активном, развивающимся на наших глазах выполнении музеем взятой на себя функции. Это очень интересный и очень живой проект, и тому, что он есть надо радоваться.
В пятницу в сети очень активно обсуждалась смена скульптуры на набережной у ГЭС-2. В основном, конечно, все крайне недовольны—«только убрали один ужас, ставят сразу другой». Я эту позицию не разделяю от слова совсем и вот почему:
Во-первых, претензии относительно «некрасивости» обеих скульптур совершенно безосновательны. Красота—понятие очень относительное и я очень сомневаюсь, что женщин на портретах Пикассо можно назвать красивыми (подобный мысленный эксперимент предлагал У. Эко во Введении в «Истории уродства»). При этом значения этих работ никто никогда не отрицал. Развивая эту тему, раз уж мы говорим о красоте, можно вспомнить одно из основополагающих понятий под названием «пропорция», которой придерживались художники еще с античных времен—знаменитая скульптура Поликлета «Дорифор» была создана в 5 веке до н. э. и воплощала так называемый «канон» (текст не сохранился), в котором скульптор предлагал, в том числе, идеальное соотношение частей тела. И вот с этой точки зрения, на мой взгляд, куда «некрасивее» памятник Петру Первому на Крымской набережной—гигантская фигура императора, которая стоит на маленьком кораблике, облаченная в римские доспехи и держащая какой-то позолоченный документ в руках. Вот тут ничего ни с чем не сходится—Петр слишком большой, корабль слишком маленький, причем тут доспехи, что за грамота и, самое главное, почему памятник стоит в Москве, хотя Петр очень не любил Москву.
Во-вторых, на сайте дома культуры и в разделе «О нас» можно увидеть две функции, поставленные во главу угла. Одна из них звучит так:
— создать необходимые условия для развития современной культуры путем непрерывного культурного производства
Акцент ГЭС-2 как культурного пространства делается на развитии «современного искусства». О сути термина можно спорить долго и безрезультатно (а потому бессмысленно), но можно открыть работу известного и признанного теоретика современного искусства Розалинды Краусс «Подлинность авангарда и другие модернистские мифы», в которой можно прочесть такой тезис:
«скульптура — это мемориальная репрезентация, она предназначена определенным местам и предназначена говорить символическим языком о значении или назначении этих мест»
Рассуждения о модерне и постмодерне (и метамодерне?) сводятся к тому, что снова выстраивается генеалогическое древо форм. Воплощенный в скульптуре образ должен быть «обоснован». Только тут важно иметь в виду, что обоснование тоже меняется, вместе со сменой истории и парадигмы. А теперь попробуем найти обоснование:
Урс Фишер, чью Большую глину № 4 недавно демонтировали, рассматривает, в первую очередь, процесс трансформации материала—большая глина это многократно увеличенная и отлитая копия реального куска глины со следами пальцев художника. Это самое начало акта творчества—произведение искусства в потенции. То, что своим существованием (таким, каким мы его видели, а именно, измятым художником) уже содержит в себе итог своей «жизни». Художники Клас Олденбург и Кошье ван Брюгген создавали скульптуры, которые были просто многократно увеличенными копиями привычных нам объектов. Уже в игре с масштабом продолжается направление, заданное Глиной Урса Фишера. Кроме этого, достаточно очевидно прослеживается связь процессуальная:
«Если «Большая глина № 4» была скульптурой из палеолита, данью уважения нетронутой, первородной материи, то «Садовая лопатка» — шаг к эпохе неолита, когда люди, осев, стали планировать будущее и растить урожай <…> «Садовая лопатка» воплощает вечную связь культуры с землей, с людьми, с общечеловеческими ритуалами. Это сильный, шутливый и понятный художественный жест»
—как об этом сказал Франческо Бонами, который сотрудничает с ГЭС-2.
Таким образом, как предыдущая скульптура, так и новая, прекрасно соответствуют задаче дома культуры. Более того, они не просто репрезентируют, но и участвуют в активном, развивающимся на наших глазах выполнении музеем взятой на себя функции. Это очень интересный и очень живой проект, и тому, что он есть надо радоваться.
❤10👏6🔥5🤔2👎1👀1
Ограбление лувра
Утром воскресенья произошло по истине эпохальное событие—Лувр ограбили. Я не очень люблю говорить что-то сразу, обычно тогда картина ясна хуже всего. Со временем вскрываются дополнительные подробности и становится более ясно.
Лично на мой взгляд, ограбление Лувра (либо какое то другое событие, которое привело бы к потере экспонатов) было ожидаемо. В силу своей специфики, музеи практически всегда относятся к статьям расходов госбюджета. Содержать музей очень дорого, к тому же, стоимость содержания поднимается с ростом числа посетителей, количеством экспонатов, временем создания экспонатов и так далее. Лувр в 2024 году посетили 9 миллионов человек. Для того, чтобы обеспечить посетителям сеанс в музее, необходимо каждую ночь готовить музей к следующему открытию—начиная с полировки витрин, заканчивая мылом для мытья рук в уборных. Для этого нужен персонал. Кроме того, в течение дня должны работать смотрители, экскурсоводы, охранники, билетеры, работники гардероба, продавцы музейного магазина, уборщики, администраторы сайта музея и тд. Сюда же добавляем, что в музее практически всегда идет научно-исследовательская деятельность (подготовка новых временных выставок, реставрация работ и тд) и что для того, чтобы сохранять произведения, необходимо поддерживать режимы температуры и влажности. И нельзя забывать про музейные хранилища. Это стоит больших денег, которые, естественно, не покрываются проданными билетами и сувенирной продукцией.
Видела мемы, что во Франции проще украсть экспонаты из главного музея страны, чем мясо или шоколад в магазине. В какой то степени, это правда. В том числе потому, что магнитные бирки, которые вешаются на мясо и шоколад, нельзя повесить на экспонаты Лувра. Обеспечение сохранности произведений искусства требует куда большей деликатности и, соответственно, больших денежных затрат.
Теперь немного в прошлое: в июне музей был вынужден закрыться из-за протестов персонала, чьи просьбы об увеличении штата (который был сокращен почти на 10%), усилении мер безопасности и модернизации музейной инфраструктуры так и не были услышаны. Охранники Лувра больше не проходят обязательную полицейскую аттестацию, у музея нет централизованной и хоть сколько весомой системы безопасности.
Кроме того, в 2020 году Галерея Аполлона открылась после реставрации, целью которой было обеспечить максимальную безопасность экспонатам, именно тогда и поменяли бронированные витрины, которые сбрасывали содержимое в сейф при нарушении целостности стекла, на обыкновенные, без брони и сейфа (зато в исполнении Картье).
На фоне того, что был украден довольно специфический набор (почти все принадлежит окружению Наполеона 1 и французской короне 19-20 века, при этом бриллиант «Регент» тронут не был), что ограбление не могло не быть громким (очень крупный музей), что такого рода предметы просто так не сбыть, появилось огромное количество конспирологических теорий об организаторах похищения и их мотивах. В этом разбираться я не берусь, но скорее всего уже ничего не найдут и все награбленное будет продано частным коллекционерам. Меня волнует другое—экономический, политический и социальный кризис в Европе, рано или поздно, привел бы к потере музейных экспонатов. Разными путями, но привел бы. Содержать музей очень дорого, еще дороже содержать огромные музеи с ценнейшими экспонатами, и, с учетом кризиса, процесс утери и деградации был лишь вопросом времени.
Утром воскресенья произошло по истине эпохальное событие—Лувр ограбили. Я не очень люблю говорить что-то сразу, обычно тогда картина ясна хуже всего. Со временем вскрываются дополнительные подробности и становится более ясно.
Лично на мой взгляд, ограбление Лувра (либо какое то другое событие, которое привело бы к потере экспонатов) было ожидаемо. В силу своей специфики, музеи практически всегда относятся к статьям расходов госбюджета. Содержать музей очень дорого, к тому же, стоимость содержания поднимается с ростом числа посетителей, количеством экспонатов, временем создания экспонатов и так далее. Лувр в 2024 году посетили 9 миллионов человек. Для того, чтобы обеспечить посетителям сеанс в музее, необходимо каждую ночь готовить музей к следующему открытию—начиная с полировки витрин, заканчивая мылом для мытья рук в уборных. Для этого нужен персонал. Кроме того, в течение дня должны работать смотрители, экскурсоводы, охранники, билетеры, работники гардероба, продавцы музейного магазина, уборщики, администраторы сайта музея и тд. Сюда же добавляем, что в музее практически всегда идет научно-исследовательская деятельность (подготовка новых временных выставок, реставрация работ и тд) и что для того, чтобы сохранять произведения, необходимо поддерживать режимы температуры и влажности. И нельзя забывать про музейные хранилища. Это стоит больших денег, которые, естественно, не покрываются проданными билетами и сувенирной продукцией.
Видела мемы, что во Франции проще украсть экспонаты из главного музея страны, чем мясо или шоколад в магазине. В какой то степени, это правда. В том числе потому, что магнитные бирки, которые вешаются на мясо и шоколад, нельзя повесить на экспонаты Лувра. Обеспечение сохранности произведений искусства требует куда большей деликатности и, соответственно, больших денежных затрат.
Теперь немного в прошлое: в июне музей был вынужден закрыться из-за протестов персонала, чьи просьбы об увеличении штата (который был сокращен почти на 10%), усилении мер безопасности и модернизации музейной инфраструктуры так и не были услышаны. Охранники Лувра больше не проходят обязательную полицейскую аттестацию, у музея нет централизованной и хоть сколько весомой системы безопасности.
Кроме того, в 2020 году Галерея Аполлона открылась после реставрации, целью которой было обеспечить максимальную безопасность экспонатам, именно тогда и поменяли бронированные витрины, которые сбрасывали содержимое в сейф при нарушении целостности стекла, на обыкновенные, без брони и сейфа (зато в исполнении Картье).
На фоне того, что был украден довольно специфический набор (почти все принадлежит окружению Наполеона 1 и французской короне 19-20 века, при этом бриллиант «Регент» тронут не был), что ограбление не могло не быть громким (очень крупный музей), что такого рода предметы просто так не сбыть, появилось огромное количество конспирологических теорий об организаторах похищения и их мотивах. В этом разбираться я не берусь, но скорее всего уже ничего не найдут и все награбленное будет продано частным коллекционерам. Меня волнует другое—экономический, политический и социальный кризис в Европе, рано или поздно, привел бы к потере музейных экспонатов. Разными путями, но привел бы. Содержать музей очень дорого, еще дороже содержать огромные музеи с ценнейшими экспонатами, и, с учетом кризиса, процесс утери и деградации был лишь вопросом времени.
🔥13❤9
Мои дорогие и ненаглядные друзья, обсуждая кино XXI века, записали свою беседу и превратили ее в подкаст.
Не все, конечно, было так лаконично) Тем не менее, подкаст появился. Он выстроен как игра на выбывание—каждый выпуск—1 раунд. В конце из 128 фильмов, снятых после 2000 года, останется «победитель»—из любимых нами фильмов выберут самый любимый.
С одним из этих друзей вы уже знакомы—это Семен Ларин, с другим—Тимофеем Майко—мы ровно год назад (день в день) бродили по площади Сан Марко в Венеции (которая тогда была на реставрации), с третьим—Глебом Смирновым, мы как то выянили, что автор только что прочитанной мною книги (от которой я была в восторге) была на его защите диплома.
Предлагаю вам проследить, какой же фильм дойдет до финала, послушать их беседу (и согласиться с ними, или поспорить). Любые культурные явления говорят что-то о нашем обществе и о нас самих, а их осмысление и дискуссии вокруг, позволяют это понимание разширить и углубить.
Приятного прослушивания!❤️
@without_subnoscripts
Не все, конечно, было так лаконично) Тем не менее, подкаст появился. Он выстроен как игра на выбывание—каждый выпуск—1 раунд. В конце из 128 фильмов, снятых после 2000 года, останется «победитель»—из любимых нами фильмов выберут самый любимый.
С одним из этих друзей вы уже знакомы—это Семен Ларин, с другим—Тимофеем Майко—мы ровно год назад (день в день) бродили по площади Сан Марко в Венеции (которая тогда была на реставрации), с третьим—Глебом Смирновым, мы как то выянили, что автор только что прочитанной мною книги (от которой я была в восторге) была на его защите диплома.
Предлагаю вам проследить, какой же фильм дойдет до финала, послушать их беседу (и согласиться с ними, или поспорить). Любые культурные явления говорят что-то о нашем обществе и о нас самих, а их осмысление и дискуссии вокруг, позволяют это понимание разширить и углубить.
Приятного прослушивания!
@without_subnoscripts
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Telegram
В оригинале без субтитров
Привет
Нас зовут Сема, Тим и Глеб и мы представляем вам первый выпуск нашего подкаста "В оригинале без субтитров", в котором мы будем говорить о кино ХХI века.
Концепция проста: мы выбрали 128 очень разных фильмов, снятых с 2000 года, разбили их по парам…
Нас зовут Сема, Тим и Глеб и мы представляем вам первый выпуск нашего подкаста "В оригинале без субтитров", в котором мы будем говорить о кино ХХI века.
Концепция проста: мы выбрали 128 очень разных фильмов, снятых с 2000 года, разбили их по парам…
❤9⚡5🎉3