Наконец-то свершилось то, что мы так долго готовили.
Цикл больших интервью, который мы сняли, открывает Лёха Никонов – последний живой русский поэт.

Приятного просмотра, ждём от вас максимальной поддержки и фидбэка)

https://www.youtube.com/watch?v=mGyB-j4XYUw

​Как навсегда изменить своё понимание кино и при чем тут Иисус?

Блуждая по просторам интернета, я наткнулся на ряд материалов навсегда изменивших моё представление о современном, массовом кино. И нет, речь не только библейских мотивах – все куда глубже. Дело в том, что большинство фильмов, так или иначе связанных со спасением Земли, имеют ряд общих тропов. Они совсем незаметны, хоть и лежат на поверхности. О чем я говорю?
На канале JOHN MOVIE есть трилогия видео под названием «Топ 3 кинозаблуждения ютуба». Там последовательно и подробно изложено то, о чем мы будем говорить. Сейчас же, опишем вкратце .

«Половинчатый» герой

Именно так называет это явление автор канала. В чем соль? Во многих массовых фильмах используется один и тот же подход к написанию главных персонажей Протагонист является наполовину тем злом, с которым он будет бороться. Это та часть, что дарует ему силу и является же его злой частью. Герою необходимо снять эту дуалистичность, постоянно поддерживать в себе то, что делает его человеком. Не позволить бездне долго смотреть в себя. И только так он сможет победить. Далее примеры со спойлерами. Гарри Поттер носит в себе частичку души Волан-де-Морта. Робокоп — наполовину робот. Джон Сноу — Таргариен (хоть где-то этот факт пригодился). Гамора из Мстителей дочь Таноса. Ебаный Эрен из «Атаки Титанов» - наполовину титан (Наруто я даже не вспоминаю). Примеров могут быть сотни.

Встречайте, дружище Христос

Знаю я еще одного половинчатого парня. Возможно, вы тоже слышали. Был такой известный плотник, Иисусом звали. Его история классический мономиф. Хоть подобная структура путешествия героя встречается задолго до него (наш родной, индо-европейский бог Индра, например). Но на европейскую и американскую культуры повлиял именно Христос. Его история была отрефлексирована такое огромное количество раз, что и сосчитать невозможно. Но при чем тут он? Ну, взгляните на общие черты пророка и кино-спасителей Вселенной. Часто бывает, что им 33 года (Нео, Питтер Квилл, Аквамен, Супермен, Гамора). Они являются плодами контакта местной «божественной силы» и человека (те же примеры). В конце они должны совершить самопожертвование и в результате воскреснуть. Не обязательно умирать при этом, смерть может быть символической. Все факторы не всегда сходятся в одном персонаже, но помимо их есть ряд иных намеков на библейскую историю. Возникает вопрос: почему протагонисты сражаются с богом, а не исполняют его волю?

Гностицизм.

Итак, мы выяснили, что герой наполовину зло, имеет аллюзии на Иисуса, а теперь осталось главное. Всё это ничто иное как отражение философии гностицизма.
Это ответвление схоластики, трактующее Библию наизнанку. Бог предстает как злобное и завистливое существо, материальный мир как созданная им тюрьма для людей, а Христос спасителем человека из неё. Он, как и все люди, имеет в себе божественную часть (гнозис), которую должен направить против отца. Дьявол в этой философии предстает освободителем первых людей и оказывает помощь Христу. Лучше всего это видно в Матрице. Там даже Морфеус одет в пальто из змеиной кожи чтобы мы не запутались. Он предлагает Нео таблетку красного цвета, символизирующую эдемское яблоко. Три агента —
библейская троица, тюремщики бога. Вачовски блять даже Архитектора сделали бородатым смотрителем белой комнате, куда уж более доходчиво.
"Бога" может символизировать любая всесильная или около того сущность. Например, криптонцы из "Человека из Стали", Волан-де-Морт понятно откуда, Танос из "Мстителей". Даже ебучие инопланетянины из Бондарчуковского "Вторжения". Основополагающее условие в том, что сущность гораздо сильнее человека и протагонист имеет часть неё внутри себя. Та же империя из "Звёздных Войн" вот ни разу не бог. Так же, сущность должна быть чужда всему человеческому. Должна отвергать определяющие качества людей, будь-то дружба, любовь, самопожертвование и так далее.

Преломление гностицизма в кинематографе может быть разным. Вачовски использовали эту философскую базу сознательно, но для многих это просто окупаемое клише. Теперь попробуйте не видеть его в каждом фильме

​Что ты сегодня сделал хорошего?

Сколько добра сделал людям вокруг? А скольких осудил?

Чем глубже я изучаю вопросы нравственности – тем больше путаюсь.
Сегодня вы можете наблюдать коллективный съезд кукухи людей, которые судят одновременно других по месяцу в который они родились, но в то же время осуждают людей, которые судят других по их цвету кожи и ориентации.

В культуре древних римлян было принято обсуждать и осуждать содеянное. По сути – живя в беспредельном обществе, главным был факт, что о тебе скажут люди.
Сейчас в правовой практике США – это тоже не последний фактор.
Культура кенселинга/буллинга, и прочих неурядиц цветёт и пахнет – уроборос начал есть свой хвост и настало время для радикальной идеологии (и лишь из-за формы мнимой демократии, распознать её весьма сложно).

К человеку и его правам отношение всегда было разное, но низменным везде и всегда оставалось отношение к рабам – в какой-то момент, крестьяне и дворяне даже не верили, что раб что-то может чувствовать кроме временной усталости и радости от проделанной работы.

Похоть, цинизм и насилие – придуманные пороки? Что есть порок?
_____________________________

Нравственный флюгер слишком часто поворачивался на 180, чтобы мы сегодня, имея все исторические факты и тысячи лет неудачного опыта, смогли точно ответить на этот вопрос.

Полярности мнений в таком контексте точно придерживаться не стоит, но если ты не обладаешь позицией со знаком «+» или «-» – на тебя будут смотреть как на сумасшедшего (практически опробованный факт).

Судя по всему, рабы и правда не могут чувствовать ничего кроме временной усталости и радости от проделанной работы. Дав им большее – мы обрекаем мир на самоуничтожение.

Зигхайль!

​Творчество – это вызов.

Бесконечные полемики о том, что хужожник должен быть голодным, лично в моём сознании трансформировались в «художник должен против чего-то бороться».

При этом очередной реперок, читающий про море сук и денег – это просто однажды отвергнутый человек, чем был сильно задет и это трансформировалось в желание перетрахать весь мир и отобрать у него все деньги.
Художник – это человек, бросающий себе либо этому миру вызов.

Без вызова нет развития – будь ты нищий человек со скудной жизнью или наоборот.
И для творческой реализации нужно делать вызовы регулярно. Идти теми путями на работу/учебу, которой раньше не ходили. Иногда тусоваться с людьми, чьё мировоззрение вам не близко.

Самые прорывные вещи в этом мире были сделаны не в состоянии покоя, а в состоянии глубокой увлеченности победить свой вызов. И неважно, что даже сам творец не до конца понимал, против чего он борется – в творениях всегда чувствуется эта черта.

Благодаря осознанию этого дерьма – я ещё и дополнительно осознал, почему мне нравится та или иная музыка – все её создатели находятся в состоянии вызова

​Самый недооценённый современный коллектив.

Что такое аутентичность?

Вот когда все пиздят об аутентичности того или иного исполнителя – я в 90% случаев не понимаю, что там такого отличного от других.
Почему? Потому что я за всю жизнь столько музыки переслушал, что меня сложно чем-то удивить – в отличие от музыкального критика из Тихого Места например. За свои 20 с лишним у меня было несколько десятков периодов причастности к тому или иному стилю/исполнителю – так что я могу с полной уверенностью судить о том, что я именно СЛУШАЛ, а не прослушал несколько десятков стилей и направлений.

Впрочем сейчас, несмотря на бекграунд, в моём плейлисте нет ничего удивительного и андерграундного для человека действительно музыкой интересующегося, кроме…
4 Позиции Бруно.

Лично не знаю ни одного человека, кто бы их всерьёз любил и интересовался творчеством.
Не, ну была парочка, но оба умерли (не шучу сейчас).

Я бы вписал их напротив слова «аутентичность» в Википедии. Серьезно. На что это похоже?
Здесь нет подражания западу, ценностей современного мира, какой-то сильно напыщенной «русскости» – и её отрицания точно нет.
Но почему, несмотря на явно кривое пение и сбитый ритм, эти мелодии кажутся такими родными и понятными?

Не знаю – просто это 4 Позиции Бруно и их на мой взгляд лучший альбом «Я заказан».
https://youtube.com/playlist?list=PLXKPNjJXWqSdZCUEd7PRrOuAZQPLVYeas

Канье – босс мечты

Недавно вышло интервью с Николаем Скробатом. Уроженец Беларуси последние два года работал с Канье Вестом – сначала над альбомом «Jesus Is King», а после – и над «Donda».

Главный инсайт лично для меня – Донда начала писаться через два дня после выхода Jesus Is King. Это кайфово.

О навыках организации Канье я знал и до этого немало, чего стоит только его знаменитая фраза об увольнении одного из битмейкеров «Stop texting, go find God. Come back after you find God”

Оказывается, что покупка ранчо в Вайоминге – это лишь ответ на обстоятельства коронавируса, когда команде Канье полицейские запрещали собираться на студии всем вместе. Может себе позволить, хуле.

Работа над Дондой проходила в разных местах – самолетах, ранчо, в парках, в его доме и тд. Канье с собой везде возил команду из 15и человек, чтобы они понимали контекст его идей и полностью чувствовали его настрой.
При этом, команде доводилось в дороге либо на импровизированных «студиях» спать по 3-4 часа. Но, как признаётся беларус, усталость в такой дружеской атмосфере не ощущалась.

«У нас несколько раз в неделю было коллективное изучение Библии. Это не было принудительно, но он предпочитал, чтобы люди как минимум приходили ради интереса. К нам приезжал пастырь, мы разбирали главы — нет, это не секта, просто ради общего образования. Мне нравилось туда ходить, потому что там можно было пообщаться Канье не только о музыке, но и о жизни, человечестве, экономике.»

Вдумайтесь в масштаб происходящего. Ты работаешь на одного из величайших творцов современности. Он тебя возит по местам где бывает и развивает духовно.

«Школа Канье Уэста? Ее очень тяжело окончить, но даже если пройдешь половину, будет очень круто.»

Ну и самая «мякотка» про спонтанность решений Канье:
«Последние шесть месяцев до релиза были очень напряженными. Мы прилетели в Атланту, чтобы выпустить альбом — да, он уже был готов. И у себя на родине Канье Уэст решил сделать презентацию. Но изначально про стадионы никто не говорил, было как раньше: родные и близкие приходили в гости. «Почему мы не можем сделать эту презентацию на 40 тыс. человек, а вдобавок вести стрим на весь мир?» — задал сам себе вопрос Канье Уэст — и началось: в раздевалке собираем студию, и я смотрю, а туда еще и кровати несут. Думаю: так, что-то я не так понял»

Фулл: https://people.onliner.by/2021/09/13/na-odnoj-strochke-s-kanye

​Рик и Морти нас троллят

Недавно завершился пятый сезон мультсериала «Рик и Морти». Он дал ответ на многие вопросы, волнующие публику ещё со времен первого сезона. В частности, о мотивах Злого Морти, о предназначении Цитадели, о предыстории взаимоотношений Рика и Птичьей Личности. В скором времени, ютуб захлестнёт волной теорий о скрытых смыслах мульта. Моя «любимая» категория теорий — «Рик догадывается, что он в сериале». В кавычкаx, потому что сама постановка вопроса говорит о полном непонимании сабжа. «Рик и Морти» — это не гениальный сериал с кучей подсмыслов, в духе Дэвида Линча. «Рик и Морти» — это мета-комментарий к таким сериалам. Соответственно, искать суть следует не в его содержании, а на стыке «произведение-потребитель». Это классический постмодернистский приём —произведение искусства включает в себя своего созерцателя как элемент рефлексии. Как результат, смысл рождается в общении лично вас с произведением.

В чем это заключается?

Ну, начнем с того, что каждая серия сезона отсылается на тот или иной фильм. Тем самым, изымает элемент культуры напрямую из нашего мира. Вы как зритель, должны уловить референс, ознакомится с ним и провести параллели с сюжетом эпизода. Отсылки есть и в более мелких вещах: шутках, декорациях, названиях локаций. Человек малознакомый с американской культурой увидит только костяк истории. Но для полноценного понимания происходящего необходим диалог с сериалом на мета-уровне, где ваши знания и внимательность взаимодействуют с наполнением эпизода.

Фан-сервис.

Создатели сериала прекрасно понимают его фанатов. Будьте уверены, они читали форумы, комментарии, смотрели ролики на тытрубе (они даже читали твой фанфик про неразделённую любовь Мистера Жопосранчика к Рику). Они знают чего вы хотите и, основываясь на этом, выстраивают линию повествования. По похожей схеме работает низкопробное аниме. Ушлые японцы не просто так тыкают в камеру трусиками школьниц или мышцами ебаного робота (кстати, где Синдзи?!). Все это потакания фетишам целевой аудитории. Не более чем маркетинговая схема — в ней нет места искусству, его застолбили голые ступни Аски и спасение мира в исполнении очередного ОЯШа .

Отличие же «Рика и Морти» в том, что Хармон и Ройланд лишь играют с нашими ожиданиями и смеются над ними. Рик ломает четвертую стену не для ваших сомнений в целостности мира, а просто чтобы высмеять Ютуб-теоретиков. Они не скажут, кто из Бэт является клоном. Во-первых, потому что это неважно для философии сериала. Во-вторых, чтобы посмеяться над вашими раздосадованными физиономиями.

В качестве вывода можно сказать, «Рик и Морти» — самое яркое произведение победившего метамодерна. С него можно учебники писать, ей-богу. Если вас интересует данная тема, до постараемся её развить. Про этот сериал можно говорить очень много и долго

​«Петровы в гриппе» Кирилла Серебренникова ч. 1

Это очень противоречивая фантасмагория, исследующая суть российского человека, его дух и ментальность, переплетённая с кафкианскими мотивами абсурда и эстетикой гипнотизирующей грязи. Это весьма многослойное кино, грубое и местами невыносимое, по жанру больше напоминающее slice of life (кухонный реализм), приправленный сюрреализмом, мистицизмом и эскапизмом, нежели привычную драму. Выделить основную идею «Петровых» получается с трудом, поскольку они представляют из себя как личное кино, наполненное воспоминаниями режиссёра, так и целый набор классических сцен из русской жизни. «Петровы в гриппе» – это калейдоскоп событий. Очень тяжёлый, болезненный, хмурый калейдоскоп, в котором, тем не менее, встречается тепло солнечного света, пробивающегося сквозь мрак нищеты, алкоголя и просроченного анальгина.

Пока небо за окном хмурится, а дождь нескончаемо продолжает отождествлять собой то явление, которое он и должен осенью, сквозь сугробы и морозы добралась новая картина Кирилла Серебренникова «Петровы в гриппе». Фильм-тандем по книге уральского писателя Алексея Сальникова. Трудно представить одно и другое в обрывистой связи, ибо автор картины с достаточной точностью смог запечатлеть всю ту сюжетную и внесюжетную живопись, которая заключена в романе, и которая многими людьми полюбилась, и таким же количеством не воспринялась. «Кончится лето» — название песни группы «Кино», которая заполнила титры прошлого фильма этого же режиссёра «Лето». И вот, кончилось. На смену лету пришла зима, а вместе с ней Петровы, а с ними и стегающая всех зараза.

Но с заразой в виде напасти прилетели и снежки. Вновь слепленные из чистого снега и свежей грязи, которые вновь бросаются и летят тебе за шиворот. Когда эти выстрелы кончатся? — неизвестно. Точно таким же неизвестным остается вопрос Петрова о том, куда катится его жизнь. И не только куда, но и на чём: на троллейбусе или на катафалке? Хотя, без разницы. Ведь вроде куда-то едет. Вроде куда-то держит путь. Но будет ли интересна зрителю эта полная стезями безнадега? Назвав работы Серебренникова и Сальникова фильмом/романом о нашей действительности, запускается град противоречий, проявляющие собой надпись: «А разве такого еще не было?». Если взять роман Алексея Сальникова и выписать тезисно в многостраничный блокнот всё то, что он фантасмагорическим тоном повествует, то так можно будет составить целый список той атрибутики, которые в сегодняшнем российском кинематографе кочуют из одного фильма в другой. Вся эта повторяемость и есть тот самый летающий туда и сюда снежок. И даже уже не снежок, а большой, покрывшийся ледяной коркой ком.

Вторичность. Однообразие. Повторяемость. Но, стоить заметить, что «Петровы в гриппе» — это самый сильный режиссерский опыт в карьере Серебренникова. С каждым последующим фильмом этот экстравагантный постановщик продолжает удивлять, и по праву имеет честь носить звание самого смелого и высококачественного автора сегодняшней России. Как бы противоречиво к нему ни относились, но имя Кирилла Серебренникова уже успело стать синонимом «высококачественной культуры». Новая картина поставленная по роману Сальникова в точности описывает книгу, и в этом нет никаких проблем. Даже наоборот, фильм придает прекрасную визуальную изнанку истории Сальникова, умело способен жонглировать гротескными образами, превращая картину в еще большую фантасмагорию, даже по сравнению с романом. Но вместе с тем кино превращается в некий симбиоз всего того, что уже было у какого-нибудь Юрия Быкова или Андрея Звягинцева, или еще вдогонку вспоминая Алексея Германа-старшего. Безусловно, от «Петровых...» так и чешется тело от всей той «жизненности» при виде, например, переполненного автобуса или потухшей частично вывески «24 часа». Приятно узнавать вещи, которые живут с тобой день ото дня, да вот только исчез уже тот аромат свежести. Будто вновь и вновь пересматриваешь очередную кассету.

Ч.2

Петровы, и всё их окружение застряло между прошлым и будущем. Между СССР и Россией. Между развалившимися бараками и прочно-стоящими бюстами Ленина. Оцепенение. И похоже в этом ступоре застряли не только персонажи, но и сама картина. По сути, не предлагая ничего нового, «Петровы в гриппе», какими бы вторичными они не были, все равно могут являть собой пример того, как должна выглядеть полной абсурдности и сюрреалистичности история в кино.

Вневременной тон, в котором застряли по сюжету Петровы, Серебренников превращает в некий диагноз, который он ставит не героям произведения, а тому окружению, где они обитают. В данном случае этой средой обитания является Россия. Страна, которая простыла. У которой глаза в виде стёкол троллейбуса запотевают. Сухость внутри. Жар снаружи. И вновь та самая тематика. В очередной раз России прописали заключение. И «Петровы в гриппе» можно было бы назвать фильмом с набором всех тех клише, за которые берутся сегодня молодые российские режиссеры, описывая страну. Такую разную. Но везде диагноз один и тот же-стагнация. И можно было бы назвать весь этот вневременной поток историей в кубе, словно Серебренников, переносит повествование Сальникова, подчеркивая его застойность, которое, к сожалению, присутствует и в нашем кинематографе. Но, вероятнее всего, «Петровы в гриппе» — это лишь кино-мост, или проще - переход, благодаря которому Серебренников вновь получил опыт для дальнейшего, и, пожалуй, еще большего развития. У этой картины, возможно, будут свои фанаты, а вместе с тем и ненавистники, но «Петровы…» не способны преподнести новшеств в плане своего повествования. Вся история — обо всем том, что уже было сказано и снято раньше. Лишь динамика спасает, превращая все действо в настоящий авангард.

«Петровы в гриппе» — это о меланхолии. О пропитанных зимней хандрой людях. Возможно, эта картина один из самых сильных визионерских опытов Владислава Опельянца с самой блестящей режиссурой Кирилла Серебренникова. Но, увы, снег из шаблонов сорвал планы на что-то новое и свежее в киноиндустрии: писатели, которые ищут свое признание через смерть; кондукторша, чья настойчивость и вольность стали крепче троллейбусного кузова; нож, который стал олицетворением эскапизма, и бутылка чего-то крепкого, являющаяся естественным продолжением вневременного настоящего; и Снегурочка из Невьянска, чьи руки были холодные. Холод, пропитанный жизнью. Или просто тем, что опять перебои с отоплением. Все они — настоящие. Настолько, что могут присниться в посмертных снах, и лишь мишура будет щекотать безжизненный нос. Словно Россия спит. А «Петровы в гриппе» — это вовсе не произведение, а растянувшийся сон этой страны. Остается лишь гадать, когда произойдет то самое «Зимнее утро», ведь пора уже красавице просыпаться. Когда же произойдет пробуждение? — неизвестно.

Отдельное внимание уделю нескольким моментам:

​Ч.3

В одном из эпизодов – в библиотеке, на литературном вечере – реальные поэты читают свои стихи, и если известный матерщинник и крамольник Всеволод Емелин выступает с нежным ностальгическим сочинением памяти космоса ("В детстве стояли на полочке, "Библиотека современной фантастики"... Всё угробили, сволочи..."), то Юлий Гуголев себя не сдерживает. Выручат, конечно, онлайн-сервисы, где пока есть возможность выбирать, какую версию – цензурированную или оригинальную – смотреть (вернее, слушать), но всё равно обидно: "Петровы" – для большого экрана. Собственно, сам фильм – это поэтическая визуальная речь, и справедливо сказать, что Серебренников экранизирует не только Сальникова, но и Хаски (у которого здесь тоже есть роль). "Небо подпирают новостройки-костыли / Всё та же чёрная девятка разрезает пустыри / И работяга тащит горб, что тарантул кокон / И человечья требуха в фоторамках окон".
Или: "Я буду петь свою музыку / Самую честную музыку / Музыку сломанных глаз / Музыку желтого снега / Музыку черного пьянства / Музыку нашего детства / Музыку про нас". Занимайся я прокатом, использовал бы эти слова вместо традиционного синопсиса; да и не перескажешь в одном абзаце этих оборотнических "Петровых".

«Петровы» – сложное, многослойное, тягучее и изнуряющее кино о гиперболизированной России и о том, как тяжело в ней живётся русскому народу. Однако, несмотря на всю эту грязь и безысходность, в которую Серебренников окунает зрителя, «Петровы в гриппе» – это всё же очень светлое кино, злое снаружи, но доброе внутри. Ведь жизнь это не только про вечные страдания, боль и тлен – это ещё и про счастье, любовь и воспоминания из детства.

Tylko jedno w głowie mam

В фильме «Раскрашенная Птица» сюжет разворачивается в восточной Европе. В книге-первоисторчнике Ежи Косинского не упоминалась конкретная страна, что стало для режиссёра проблемой. На каком языке будут говорить аборигены? Если выбрать любой местный язык, это оскорбит его носителей. Ведь люди в кино представлены откровенными мразями. Ответ нашёлся, когда режиссёр загуглил «slavic esperanto».
«Esperanto» это попытка создать общемировой язык на базе языков индоевропейских и фино-угорских групп.
К удивлению режиссёра, славянский вариант есперанто существует — он называется межславянский или панславянский язык.

Это вспомогательный общеславянский язык, основанный на языковом материале старославянского и живых славянских языков, предназначенный для общения между их носителями, и, следовательно, с его помощью можно общаться, не используя отдельные славянские национальные языки.

Он создан искусственно из общих для славянских языков конструкций. грамматика упрощена, что позволяет славяноговорящему легко его выучить. Но главное в том, что вы уже понимаете этот язык, просто не знаете об этом.

Имеет два варианта написания: латиницей и кирилицей. Но полно разговоров, сейчас будут представлены примеры.

Sbogom, svobodna stihija!
Naposledok pred mnoju
Ty goniš volny azurne,
Blyskaješ krasoju grdoju.

Kak druga roptanje žalostno,
Kak jego pozov v proščalnu godinu,
Tvoj mračny i vabny grohot
Ja naposledok slyšu,
Gledeči v tvoju glubinu.

Узнали Пушкина? Я тоже не сильно, нужно вчитываться. Если приложить немного усилий, постараться поискать знакомые слова, то всё будет понятно.
А вот кирилический вариант

Отче наш, кторы јеси в небесах,
нехај свети се име Твоје.
Нехај пријде кральевство Твоје,
нехај буде вольа Твоја, како в небу тако и на земји.
Хлѣб наш всакоденны дај нам днес,
и одпусти нам наше грѣхы,тако како мы одпушчајемо нашим грѣшникам.

Только не читайте эту молитву богу, мы же не хотим повторения вавилонского сценария. Для понимания панславянского не помешает иметь хотя бы общее представление о структуре славянских языков. Читать Швейка в оригинале не обязательно, но знать хоть что-то о польской граматике (помимо пше-пше) будет полезно.

Если вам мало, в прикрепляю видео, где двое ребят общаются на межславянском. Проверьте, понимаете ли вы. Лично у меня возникает вопрос, почему этот язык ещё в школах не преподают. Он крайне лёгок в усвоении и будет неоценимой помощью для путешествий, общения и бизнеса. Не все же буржуйским ограничивается, правильно?!

На нашем канале в YouTube вышло большое интервью со звездой сериала «Happy End» – Денисом Власенко.

Дайте максимально развёрнутый фидбек и приятного просмотра!

https://www.youtube.com/watch?v=c-BDoRQyES0&t=102s

​Почему не стоит строить ожиданий от Матрицы или чем пухнет мир сиквелов? (Ч.1)

Опухание сиквелов — злокачественное заболевание, поражающее произведения с продолжением.
Заключается оно в том, что количество этих продолжений растёт без ограничения, а их качество откровенно падает, благодаря чему всем становится ясно – эти сиквелы вызываются всё глубже и глубже из зада, чтобы дать авторам ещё денег.

Падение качества сиквелов может заключаться в следующем:

Приделывание сиквела к законченному произведению, которому какие бы то ни было сиквелы — не пришей балде рукав. Не спрашивают ни автора, сделал ли он завязки на сиквел, ни фанатов, хотят ли они сиквел.

Возвращение полюбившихся аудитории персонажей из мёртвых. Просто потому, что они нравятся публике, а значит — пусть ещё попляшут, и пофиг, что развитие этих персонажей остановилось. Особенно раздражает возвращение, связанное с регрессом их характера.

Ну тут как раз логично с точки зрения сюжета: кто сказал, что после смерти даже самый хороший человек не сможет просто взять и скурвиться, спасибо, что в врага не превратился.

Внезапное исчезновение персонажей (особенно характерно для фильмов), которые логически должны были быть в сиквеле, потому что режиссёр поругался с актёром, актёр умер, актриса забеременела и так далее. Или же их необоснованный рекаст, особенно если на замену хорошему актёру приходит какой-нибудь хрен с горы, согласившийся на скромный гонорар.

Исчезновение интересных героев из-за того, что создатели не понимают, что с ними делать или куда выводить их линию, а им взамен приходят невнятные пустышки (а то и что похуже).
Нескончаемая «Санта-Барбара» между героем и его предметом любви, которого всё время куда-то удаляют, кем-то подменяют и так далее. Потому что если они поженятся и будут жить долго и счастливо, это ж неинтересно!

Повторение сюжетов снова и снова в новых декорациях.
Как вариант – чрезмерное раздутие элемента или приёма, принёсшего успех первой части.

Или, наоборот, выбрасывание в форточку всего, что делало ставшее родоначальником франшизы произведение особым и похожим на себя. Особенно если сопровождается неуместным превращением мрачного произведения в «детский сад» (или же весёлого и светлого — в «ужас и мрак»). Или же неудачной попыткой отрастить бороду.

Визиты в племя чудаков, поглощающие 90 % сюжета.

Нелепая многоэтажная трилогизация. Был один фильм или одна книга. Потом сделали трилогию. Потом — двойную трилогию. Потом — трилогию трилогий. И так ad nauseam…

Схожий троп — уже не торт.

Так почему же сиквелы почти всегда слабей, чем оригиналы? У каждого киномана найдется своя теория на этот счет, и все они будут верными, потому что за «ухудшение» отвечает целый комплекс причин – в сумме делающих качественный сиквел очень редкой вещью.

Во-первых – плохи не только сиквелы:
любое кино любого жанра вообще редко выбивает «десятку».
Хороший фильм сделать очень непросто, поэтому событиями становятся лишь немногие проекты – те самые, в которых общее оказалось чем-то большим, чем сумма составляющих его частей.

Если сценарий, актерская игра, операторская работа, музыка, монтаж, декорации и многие другие факторы сливаются в единую симфонию качества, создается определенное настроение, некая неосязаемая магия, которая и выделяет отличный фильм в ряду поточных релизов. Случаев, когда все эти факторы удается поймать в кулак, по определению не так уж много – ведь кино не делается в одиночку. Даже у гениальных писателей, муза которых не нуждается ни в каких сторонних ассистентах, случаются творческие провалы, и уж тем более это правило касается режиссеров – вспомните хотя бы одного фильммейкера, выдававшего в течение всей своей карьеры одни сплошные хиты.

Почему не стоит строить ожиданий от Матрицы или чем пахнет мир сиквелов? (Ч.2)

Режиссер работает с командой. А любое групповое дело подобно запряганию в одну повозку лебедя, рака и щуки; оно требует огромных усилий и контроля, дабы все составляющие успеха сработали в унисон, слаженно и без провисов. Пары песчинок в этом механизме достаточно, чтобы фильм с хорошим потенциалом перекосило – и он не выстрелил. Даже когда все снято отлично, «запороть» проект можно уже на постпродакшене, дурно его смонтировав, озвучив и оснастив плохой компьютерной графикой.

Мы не привыкли задумываться над тем, как много плохих фильмов проходит сквозь сито аудитории ежегодно, а запоминаем лишь золотые слитки, которые задерживаются в памяти. Конечно, никто не делает слабых фильмов злонамеренно – они просто получаются такими из-за нехватки денег, времени, профессионализма или отсутствия оригинальных идей. К таким лентам сиквелов не снимают – студии стараются пришпоривать только тех лошадей, у которых «все получилось» и они сумели занять призовые места бокс-офиса. Велик соблазн поверить, что хорошее кино и сиквел получит должного уровня – но здесь вступают в действие те самые факторы, которые тащат прекрасную идею на дно.

Один из этих факторов – из области чистой математики. Если, условно говоря, несмотря на усилия кинематографистов по выплавке исключительно золотых слитков, лишь 5% выпускаемых ежегодно фильмов способы вызвать ваше искреннее «вау!», то в пространстве сиквелов должен действовать схожий закон – как минимум потому, что это уже «второй тур» игры, в котором ставки выросли. Подняться над «серой массой» непросто, но подняться над «золотыми слитками» – еще сложней. Авторы снова вынуждены идти по минному полю, жонглируя тарелками, чтобы «все сошлось», как первый раз (технически, идейно, качественно), но теперь ожидания аудитории выросли.

Зритель хочет повторения оргазма, его запросы растут, как у жадного любовника, и он считает, что, уж коль авторы завладели формулой удовольствия, сила следующего взрыва зависит только от количества заряженного пороха. Но вместе с тем он жаждет новизны, а новизна – как раз тот фактор, который вносит в формулу элемент непредсказуемости. Помещение героев в новые обстоятельства (в тропики, в космос, в прошлое) может просто не соответствовать настроению и тону оригинала, которые авторы пытаются воссоздать. Попытки сделать «то же самое, но другое» априори ставит авторов в крайне неловкое положение и значительно увеличивает риск всего предприятия – ведь бюджеты сиквелов имеют тенденцию к увеличению, соответственно, увеличивается давление студии и количество занятых в деле людей, многие из которых желают привнести свои «гениальные» идеи, разбивающие целостность задумки.

Между тем не всякий даже хороший режиссер способен освоить переход на новый финансовый уровень. То есть общий риск провала увеличивается в геометрической прогрессии, и наличие проверенной команды снижает шансы на провал не так уж сильно – поскольку от каждого из членов этой команды постоянно требуется привносить что-то новое, перед каждым возникают новые задачи, а выдавать на-гора свежие трюки конвейерным способом невозможно. Если же сиквел делают другие люди, риск неудачи только увеличивается.

От оригинальных лент никто ничего особо не ждет – темные лошадки имеют право оступиться. Новизна однозначно работает на них: зрителю приятно впервые знакомиться с персонажами, разбираться в их взаимоотношениях, восторгаться незаезженностью концепции (археолог-супергерой! робот из будущего! охотники на призраков!). Во второй раз все это уже не представляет секрета, и выжать ту же энергию из уже отработанного материала гораздо сложнее. Джеймс Кэмерон оригинально решил такую задачу в сиквеле «Чужого», переведя рельсы «Чужих» с саспенса на экшен, но этот смелый ход стоит особняком в истории Голливуда, и какого-то единого рецепта для сиквелов с тех пор не появилось. Кроме, конечно, того, что все понимают – чтобы сиквел был не хуже оригинала, нужно идти новыми путями! – но почти никто этим знанием не пользуется.

​Потому что хорошо известно также и другое: если не рисковать, качество будет ниже, зато денег больше.

​Ломай-ломай четвертую стену. Мы же миллионеры, новую купим.

В последнее время, искусство не стесняется напрямую общаться со своим потребителем. Пренебрегая условностями нарратива, имплементирует читателя/зрителя внутрь себя. Дедпул, вопреки законам кино, смотрит в камеру, обращаясь к аудитории. Рик комментирует свои приключения, будто осознает себя как персонажа мультсериала. Но примеры из массовой культуры – это робкие пинки по четвертой стене. Раньше её пиздили кувалдой из высоколегированной стали, создавая в голове наблюдателя кризис существования. Так что же это за несчастная стена? Попробуем сегодня разобраться!

Театр

Сам термин родом из театра. Почему так – нетрудно догадаться. Сцена ограждена с трёх сторон декорациями, а четвёртой направлена к зрителям. Для целостности иллюзии всем нам необходимо сделать вид, что эта стена как-бы существует. И все происходящее на подмостках никогда не должно оспаривать этот факт. Эта стена отделяет реальность от вымысла, мир идей от его материальных созерцателей. И только эта несчастная изгородь заставляет нас поверить в реальность представления. Первым с ней решил поиграться еще Аристофан, внедрив технику «апарт». То есть, монолог или реплику, направленную к публике. Обычно, это был не более чем комедийный прием. Шекспир продолжил славную традицию, но не развил её. В свое время с ней заигрывали: Гоголь, Островский, Пуччини, Андерсен (тот, который Ганс-Христиан). Последний особо примечателен. В конце его пьесы «Любовь на башне церкви Святого Николая, или Что скажет партер» зрителям полагалось выбрать судьбу для героев: аплодисменты будут означать, что ей позволят брак с любимым; если же пьесу освищут, придётся выйти за того, кого сосватал отец. Проспер-Мериме таким образом объяснял некоторые детали истории. Особенно впечатляет, когда умершая героиня поднимается специально для этого: «Автор попросил меня воскреснуть, чтобы попросить у публики снисхождения. Вы можете уйти с приятным осознанием, что третьей части не будет». Из театра подобный прием плавно перешёл в кино.

Кино

Забавно, но первый американской фильм «Ограбление Поезда» заканчивался поломкой четвертой стены. После фильма шла сцена, где актер смотрит прямо в камеру, достает револьверы из кобуры и стреляет. Реакцию непуганой публики несложно угадать. Страшно быть расстрелянным бандитом из волшебного аппарата с картинками. Из советского кино можно вспомнить «Храните деньги в сберегательной кассе…» Жоржа Милославского из фильма «Иван Васильевич меняет профессию». Или фильм «Сталкер» Андрея Тарковского. Героиня Алисы Фрейндлих, жена Сталкера, поднимает глаза на камеру и говорит: «Вы ведь, наверное, уже поняли? Он же блаженный!..». Но время шло неуклонно, наступал постмодерн. И вот уже герои «Бойцовского Клуба» ломают не только лица, но и условности жанра. Тайлер Дёрдон неоднократно мелькает 25-ым кадром. А в какой-то момент, напрямую ругает зрителя, обзывая «кучкой испражнений жизни». Пока экран трясет и можно видеть края кинопленки. Михаэль Ханнеки в своём культовом фильме «Забавные Игры» буквально отматывает кусок фильма назад, изменяя события в противоположном ключе.

Итог

Из описанных примеров можно заключить, что процесс поломки четвертой стены заключается не только в общении с публикой, но и в особом подходе к монтажу и нарративу. Чем ближе был постмодерн, тем грань между искусством и зрителем была тоньше. Поэтому теперь этот приём повсеместен. Мой любимый пример в литературе. В цикле «Тёмная Башня» (далее спойлеры) Стивен Кинг буквально познакомил своих героев с собой лично. И это не просто прикольный сюжетный ход – это логичное развитие серии романов о параллельных вселенных.
Этот ход развивался от шуток в театре к полноценному нарративному приему, но теперь вновь возвращается обратно. Дедпул ломает четвертую стену потому что это модно и смешно, а не для подтверждения своей философии. Будем надеется, что все не закончится зумерской постиронией, а будет развиваться и еволюционировать.

​Забытая экранизация «Ведьмака»

Книжная серия «Ведьмак» крайне яркий представитель жанра фентези. Прописанный мир, яркие герои, остроумный язык и бла-бла-бла. Всё это сказанно до меня миллион раз. И не, смотря на это, сказано далеко не все. После сорок седьмого прохождения третьего Ведьмака, я полез в интернет за новым контентом и нашел настоящее золото.

Так уж вышло, что Геральту не очень везет с экранизациями. На ум приходит старый польский сериал и несколько фанатских поделок. Первый был неоднозначной работой. Местами, угадавший дух и букву оригинала, а местами ушедший в необъятные дали треша. Но на поприще киноиндустрии лучшей версии саги пана Анджея у нас нет. Ах да, был же еще один одноименный…киносодержащий продукт от некоей кампании «Нетфликс». Но поскольку, мы говорим о кино, а не о быстромелькающих картинках сомнительного качества, то опустим это недоразумение.

Мало кто знает, но в России вышла настоящая рок-опера по Ведьмаку. Группа «Esse» адаптировала всю книжную серию в эпичный мюзикл «Дорога без Возврата». Знаю, звучит достаточно трешово, но только звучит. На деле же это невероятно годная адаптация, наиболее полно передающая суть саги. Сам пан Анджей был в восторге от представления. А мы знаем, что он крайне редко что-то хвалит, тем более бесплатно.

Просто чтобы осознать масштаб эпичности, оцените эту композицию. Если вы фанат ведьмачьей вселенной, то мурашки по спине гарантированы. Гениальность этой конкретной песни в том, что за семь минут она даёт чёткое представление о персонаже Геральта, вкратце описывает основные события трёх первых книг, позволяет проникнутся философией саги. Эпичное исполнение настраивает на нужный лад. Даже как-то стыдно слушать сраную «чеканную монету» после неё.

Но Esse сделали страшное – они сняли фильм по своей рок-опере. Ну как фильм: камера стоит на одном месте, пока в декорациях родного русского леса актеры исполняют свои партии. Выглядит очень убого. Такие выступления нужно смотреть в театре, вживую. А если экранизировать, то с размахом «Чикаго» как минимум (но вышло все равно лучше, чем сжв-дерьмак от нетфликс).

Минусы данной рок-оперы логически вытекают из специфики жанра. Все же, это не совсем мюзикл, и даже не театрально представление. Актеры могут стоять на месте, слабо отыгрывать свои роли и выглядеть как типичный Васян. Потому что главное – это музыка. А она тут выше всяких похвал. Если Esse еще дают представления, то очень советую сходить.

​Чем отличается хороший творец от плохого?

Каждый день в жизни человека – это череда событий. Проблемы разного масштаба, степень разнообразия жизни тоже у всех разная – но, объединяющее всех людей умение, которое позволяет нам достигать успеха в любой области – это наблюдательность.

Почему ты любишь диалоги Квентина Тарантино?

Потому что он всю жизнь обращал внимание на мелочи в поведении человека, наблюдал за друзьями, людьми в заведениях и на работе.
Когда «наблюдатель» по жизни обладает хотя бы средним (или выше среднего) интеллектом – он может «подвести хуй к носу» и провести множество параллелей в поведении человека с его характером.

Почему ты любишь продукцию от Apple?

Компания, нанимающая дизайнера, который занимается усовершенствованием внешнего вида материнской платы (темный текстолит, болты разной длины/диаметра, скрытые микросхемы и тд) – по дефолту пиздец какой эталон внимания к мелочам, тут и говорить ничего не нужно. Все компоненты оптимизированы до максимума, любая точка соприкосновения с клиентом – синоним слова «качество», а попытка конкурентов демпингануть такой специальное предложение как «внимание к мелочам» – оказывается провальной, ведь компания только прибавляет ходу.

Наблюдательность и внимание к мелочам – это самый важный софтскилл в жизни человека.
Наблюдательность – это не наука, но каждая наука начиналось именно с этого, и в скором времени мы вас ещё порадуем сводкой инсайтов по этой теме 😉

​Искусство смерти

В 1839 году миру стал известен первый практический способ фотографии – дагеротипия.

Этот способ отдаленно напоминал современные фотоаппараты – та же форма и чем то схожий принцип работы.
И, так как данное изобретение было далеко не всем по карману (его себе могли позволить только средний и высший классы), фотография начала существовать не только как инструмент, чтобы запечатлеть важный момент – она стала искусством.

Post-Mortem

Отношение людей викторианской эпохи к смерти было не такое, как у нас (как и несколько тысяч лет до этого).
По традиции, покойников не забирали из дома, где они умерли ещё около суток – чтобы все родные и близкие успели попрощаться.
Уровень смертности тогда был высоким, потому что различного рода болезни эволюционировали куда быстрее, чем медицина.

Пост-Мортем – напрямую переводится как «посмертная фотография». Усопшего наряжали, выставляли свет, садили в позу близкую по характеру к позе живого человека и фотографировали.

Популярность такого «жанра» обусловлена инструментом его сотворения – для первого аналога фотика требовалось долго оставаться неподвижным, что у мертвых людей получалось куда лучше чем что либо ещё.
Если с мертвым фотографировались его родственники – визуально их всегда можно было отличить, ведь у живых людей был смазан контур, что и придаёт этим фотографиям жуткости.

Придумали даже специальный штатив, который фиксировал труп в вертикальном положении, на нём можно было регулировать рост и ширину погибшего человека, чтобы сделать позу более непринужденной.
По все тем же канонам викторианской эпохи – если родители фотографируются со своими мертвыми детьми, их лица не должны быть печальными/скорбящими. А неискреннюю улыбку невербально может распознать любой человек. От того и люди зачастую на этих фотографиях выглядели психопатично.

В чем суть этого феномена?

Во-первых – это очередное доказательство того, что любые этические/моральные установки имеют свой срок и контекст.
У отношения к смерти например есть две переменных – комфорт и философия. В зависимости от преобладания в контексте 1 или 2 переменных меняется и отношение к смерти.

Во-вторых – да, это можно назвать искусством, ведь основная цель искусства – это запечатлеть переживание.
И тут трудно поспорить, что «посмертная фотография» вызывает одновременно жалость, горечь и страх.

​Искусство разговаривать

Недавно услышал в одном из подкастов такую мысль, на которую до этого не обращал внимания – в моём окружении было безумно мало людей, которые бы умели вести диалог.

Что такое диалог?

Диалог – это когда один человек говорит другому какую-то мысль/тему/оценку, а тот, в свою очередь, развивает её с расчетом получить дальнейший ответ.
«Диалоги» в сознании 90% людей выглядят как противопоставление двух монологов. Когда одну фразу/суждение/слово вытягивают из контекста и рассказывают монолог, косвенно с ней связанный.

Почему так происходит?

Первая и основная проблема – это скрытый мотив коммуникации. Он есть практически в любом разговоре парня с девушкой (по понятным причинам), в разговоре людей разного социального статуса, финансового состояния, возраста, положения в обществе и такого банального мотива как «скука».
Такие диалоги редко обладают предметом и скачут из одной плоскости в другую, не выполняя никакой цели и не обогащая людей в нем участвующих.

Мотивом конструктивного диалога не может являться отстаивание определённой точки зрения (потому, диалог с большей частью людей на темы, в отношении которых у них есть крайняя позиция, невозможен в принципе).
Диалоги со скрытыми мотивами, коих большинство, вовсе не гарантируют равной степени вовлечённости отдельно взятых собеседников.

Если сказать проще – большинство людей пиздят, отсюда и о хоть каком-то уровне откровенности разговора идти не может.
Каждый раз, когда два человека встречаются:

Один хочет высказаться – другой приятно провести время = оба неудовлетворены.

Один хочет получить объективную оценку/критику – другой из-за различий в статусах не может ему сказать откровенно и тем временем хочет получить позитивную оценку в ответ на свою позитивную оценку = оба неудовлетворены

Один хочет внимания со стороны противоположного пола – другой убить свою скуку/отвлечься = оба неудовлетворены (до конца).

Таких примеров множество.
И только тогда, когда я встречаю человека без явных мотивов на разговор (кроме как рефлексия) – именно он зачастую и умеет вести диалог в совершенстве.