Привет! 🏛 Это канал, посвященный Византии.
Мы рассказываем о истории, жизни и искусстве империи, а также о ее влиянии на современный мир.
Здесь вы найдете посты о древних правителях и современных художниках, о кровавых войнах и пышных пирах, о богатых городах и смиренных монахах.
Ваша обратная связь, поддержка и комментарии очень важны для нас!
Мы рассказываем о истории, жизни и искусстве империи, а также о ее влиянии на современный мир.
Здесь вы найдете посты о древних правителях и современных художниках, о кровавых войнах и пышных пирах, о богатых городах и смиренных монахах.
Ваша обратная связь, поддержка и комментарии очень важны для нас!
👍5❤🔥1
Императрица, которая всех переиграла
Герой? Злодей? Святой? В истории все неоднозначно, а прошлое переписывается по мере смены власти и конъюнктуры.
Барышня на картинках - Ирина Афинянка, первая женщина-императрица Византии. Ее страсть к власти была такой же сильной, как и ее методы борьбы. Муж - император? Умер (причем весьма странным образом). Братья мужа? Слепые или безмолвные по воле императрицы. Нелояльные генералы? Устранены силой. Собственный сын? Тоже не избежал участи. Наследник, а затем и император был ослеплен, а потом и убит!
И империя трещала по швам: на фронтах войн с арабами и болгарами византийская армия терпела неудачи, в Европе восходил новый соперник Франкское государство, глава которого заключил союз с Папой и позарился на святое - сам взял титул императора!
Но вот, спустя века, мы видим Ирину на иконах, в святом сиянии. Почему? Потому что она поддерживала победившую партию иконопочитателей, воевала с их врагами - иконоборцами (те самые братья императора). Ирина правила 5 лет (797-802), а житие ее было составлено уже меньше, чем через сто лет. Политические очки - всегда в цене, даже для места на алтаре.
А кто из нынешних “героев” или “тиранов” окажется на иконах через 200 лет? История - штука неумолимая, и она обязательно покажет нам, кто есть кто.
Изображения:
1) Императрица Ирина на Золотом алтаре Pala d’Oro X-XII вв. Базилика Сан-Марко, Венеция.
2) Ирина с сыном Императором Константином VI. Фрагмент фрески Ферапонтова монастыря, XV в.
3) Императрица Ирина на современной российской иконе.
Герой? Злодей? Святой? В истории все неоднозначно, а прошлое переписывается по мере смены власти и конъюнктуры.
Барышня на картинках - Ирина Афинянка, первая женщина-императрица Византии. Ее страсть к власти была такой же сильной, как и ее методы борьбы. Муж - император? Умер (причем весьма странным образом). Братья мужа? Слепые или безмолвные по воле императрицы. Нелояльные генералы? Устранены силой. Собственный сын? Тоже не избежал участи. Наследник, а затем и император был ослеплен, а потом и убит!
И империя трещала по швам: на фронтах войн с арабами и болгарами византийская армия терпела неудачи, в Европе восходил новый соперник Франкское государство, глава которого заключил союз с Папой и позарился на святое - сам взял титул императора!
Но вот, спустя века, мы видим Ирину на иконах, в святом сиянии. Почему? Потому что она поддерживала победившую партию иконопочитателей, воевала с их врагами - иконоборцами (те самые братья императора). Ирина правила 5 лет (797-802), а житие ее было составлено уже меньше, чем через сто лет. Политические очки - всегда в цене, даже для места на алтаре.
А кто из нынешних “героев” или “тиранов” окажется на иконах через 200 лет? История - штука неумолимая, и она обязательно покажет нам, кто есть кто.
Изображения:
1) Императрица Ирина на Золотом алтаре Pala d’Oro X-XII вв. Базилика Сан-Марко, Венеция.
2) Ирина с сыном Императором Константином VI. Фрагмент фрески Ферапонтова монастыря, XV в.
3) Императрица Ирина на современной российской иконе.
👍2🤔2❤🔥1
Путь к успеху по-византийски
В 9 веке в Македонии родился мальчик Василий, которому, скорее всего, как и всем, родители говорили, что нужно себя хорошо вести, прилежно учиться, помогать по огороду, а драться, развлекаться и ходить по тавернам поменьше. Классика.
Но парень, решил иначе и вместо всей этой скуки, судя по всему, ходил в качалку, тусовался и гонял на лошадях по селу. В источниках данных об этом нет, но я почти уверен, что он ещё организовывал с друзьями стартапы и вложил последние мамкины медяки в иконы, NFT или что-то подобное.
Казалось бы, путь понятный (как сказали бы родители: “ПТУ->завод”), но Василий начинает делать карьеру, сначала перебирается в Константинополь, потом находит место при дворе знатного вельможи, зарабатывает состояние и получает работу во дворце императора.
И почему же наш качок и кутежник этого добился? Да вот именно поэтому! Все источники наперебой расхваливают его красоту, силу и ловкость. Император Михаил III (тоже тот ещё персонаж) принял его к себе за впечатляющую победу в борцовском поединке и укрощение необузданного коня. Дальше больше – самодержец знал, как раздуть чад кутежа, и прославился больше своими попойками и выходками, чем государственными делами. А Василий умел такое дело поддержать и пришелся ко двору. Так они стали вообще чуть ли не лучшими друзьями, а потом…
Василий убил императора и стал править сам. Никогда такого не было, и вот опять!
Разумеется, стоит признать и выдающийся ум императора Василия I, так просто бы он не сколотил верную коалицию при дворе и не составил заговор против правителя. Это был человек более чем просто неординарный. Династия, основанная им и получившая его имя - Македонская - правила 200 лет. На это время приходится наивысший культурный подъем империи.
Но какой же кайф, что красной линией везде повторяется это «красивый, сильный, ловкий». Стоит задуматься над приоритетами.
Изображение:
Император Василий I на лошади, разумеется - иллюстрация из Мадридской Скилици XII в. На
Небесный Константинополь Подписывайся
В 9 веке в Македонии родился мальчик Василий, которому, скорее всего, как и всем, родители говорили, что нужно себя хорошо вести, прилежно учиться, помогать по огороду, а драться, развлекаться и ходить по тавернам поменьше. Классика.
Но парень, решил иначе и вместо всей этой скуки, судя по всему, ходил в качалку, тусовался и гонял на лошадях по селу. В источниках данных об этом нет, но я почти уверен, что он ещё организовывал с друзьями стартапы и вложил последние мамкины медяки в иконы, NFT или что-то подобное.
Казалось бы, путь понятный (как сказали бы родители: “ПТУ->завод”), но Василий начинает делать карьеру, сначала перебирается в Константинополь, потом находит место при дворе знатного вельможи, зарабатывает состояние и получает работу во дворце императора.
И почему же наш качок и кутежник этого добился? Да вот именно поэтому! Все источники наперебой расхваливают его красоту, силу и ловкость. Император Михаил III (тоже тот ещё персонаж) принял его к себе за впечатляющую победу в борцовском поединке и укрощение необузданного коня. Дальше больше – самодержец знал, как раздуть чад кутежа, и прославился больше своими попойками и выходками, чем государственными делами. А Василий умел такое дело поддержать и пришелся ко двору. Так они стали вообще чуть ли не лучшими друзьями, а потом…
Василий убил императора и стал править сам. Никогда такого не было, и вот опять!
Разумеется, стоит признать и выдающийся ум императора Василия I, так просто бы он не сколотил верную коалицию при дворе и не составил заговор против правителя. Это был человек более чем просто неординарный. Династия, основанная им и получившая его имя - Македонская - правила 200 лет. На это время приходится наивысший культурный подъем империи.
Но какой же кайф, что красной линией везде повторяется это «красивый, сильный, ловкий». Стоит задуматься над приоритетами.
Изображение:
Император Василий I на лошади, разумеется - иллюстрация из Мадридской Скилици XII в. На
Небесный Константинополь Подписывайся
❤4👍2
На иллюстрации из Мадридской Скилицы XII века запечатлен потрясающий момент: победа Василия в поединке с болгарским борцом-чемпионом (тот самый, после которого император Михаил III обратил внимание на македонянина).
Примечательно, что дело происходит во время обычного пиршества, никакого ринга не требуется.
Цитата из жизнеописания Василия:
Примечательно, что дело происходит во время обычного пиршества, никакого ринга не требуется.
Цитата из жизнеописания Василия:
“Василий, схватившись с болгарином, скоро сжал его в своих объятиях и, легко приподняв его над столом, как легкую связку сухой травы или ничтожный пучок шерсти, с удобством бросил на землю. Все присутствующие не могли удержаться от похвал и одобрения Василия.”
❤2
Небесный Константинополь | Византия, История, Культура pinned «Привет! 🏛 Это канал, посвященный Византии. Мы рассказываем о истории, жизни и искусстве империи, а также о ее влиянии на современный мир. Здесь вы найдете посты о древних правителях и современных художниках, о кровавых войнах и пышных пирах, о богатых городах…»
Всем привет!
На этой неделе мы разберем, как искусство Византии повлияло на художников XX века. 🖼
Ар-нуво, экспрессионизм, постмодернизм - узнайте, как византийское наследие прослеживается в самых неожиданных направлениях!
На этой неделе мы разберем, как искусство Византии повлияло на художников XX века. 🖼
Ар-нуво, экспрессионизм, постмодернизм - узнайте, как византийское наследие прослеживается в самых неожиданных направлениях!
🔥2
Густав Климт: Возвращение к истокам
Климт - один из самых часто цитируемых и популярных художников в мире. Его “Поцелуй” тиражируется на бесчисленных сувенирах и воспроизводится в самых разных местах. Зрители находят в его работах понятный посыл и изящество, а эксперты восхищаются его мастерством и необычными приемами. В чем же секрет его успеха?
В 1903 году Густав Климт отправился в Равенну, Италия. Византийские мозаики часовни Сан-Витале произвели на него неизгладимое впечатление. Под их влиянием он создал, возможно, свои самые знаменитые работы, произведения так называемого “золотого периода”. Давайте разберемся, какие художественные приемы Климт позаимствовал у мастеров, творивших более чем тысячу лет назад.
Золото: Первое, что бросается в глаза, — это золотой фон. Климт, подобно византийским мастерам, находил золото торжественным и богатым. Он работал с настоящей золотой фольгой, а еще платиной, серебром и драгоценными камнями и минералами. А поскольку его финансовые возможности были скромнее, чем у византийцев, ему пришлось ограничить использование этих материалов со временем.
Паттерны: Климт использовал технику паттернов, типичную для византийской мозаики, для оформления одежды и фона. Она придает изображению праздничный вид и делает его более выразительным. Подобные паттерны были очень популярны в модернистском изобразительном искусстве.
Двумерность: Изображать объекты в перспективе стало модным только в эпоху Возрождения. До этого художники передавали эмоции, движения и чувства на более плоских фигурах, используя более явные методы. Климт применяет этот же прием, акцентируя внимание на эмоциональной составляющей своих персонажей, подчеркивая ее плоскостью изображения и яркими красками.
Пластика тел: Этот пункт вытекает из предыдущего. Чтобы передать эмоции и действия двумерным персонажам, иногда приходится прибегать к неестественным движениям и изгибам. Двумерность и необычная пластика делают работы Климта похожими на иконы. Сравните движение героев картины Поцелуй и Девы Марии и Исуса на фреске.
Используя эти приемы и свой талант, Густав Климт создал ряд культовых произведений искусства. Приемы, проверенные временем, до сих пор работают и не оставляют людей равнодушными.
Изображения:
Г.Климт - Поцелуй - 1908
Г.Климт - Портрет Адели Блох-Бауэр I – 1907
Константин IX Мономах - фрагмент мозаики -Св. София, Константинополь, XI в.
Фрагмент фрески - Сан-Витале, Равенна VI в.
Фрагмент фрески - Монастырь Св. Пантелеймона, Скопье XII в.
Небесный Константинополь Подписывайся
Климт - один из самых часто цитируемых и популярных художников в мире. Его “Поцелуй” тиражируется на бесчисленных сувенирах и воспроизводится в самых разных местах. Зрители находят в его работах понятный посыл и изящество, а эксперты восхищаются его мастерством и необычными приемами. В чем же секрет его успеха?
В 1903 году Густав Климт отправился в Равенну, Италия. Византийские мозаики часовни Сан-Витале произвели на него неизгладимое впечатление. Под их влиянием он создал, возможно, свои самые знаменитые работы, произведения так называемого “золотого периода”. Давайте разберемся, какие художественные приемы Климт позаимствовал у мастеров, творивших более чем тысячу лет назад.
Золото: Первое, что бросается в глаза, — это золотой фон. Климт, подобно византийским мастерам, находил золото торжественным и богатым. Он работал с настоящей золотой фольгой, а еще платиной, серебром и драгоценными камнями и минералами. А поскольку его финансовые возможности были скромнее, чем у византийцев, ему пришлось ограничить использование этих материалов со временем.
Паттерны: Климт использовал технику паттернов, типичную для византийской мозаики, для оформления одежды и фона. Она придает изображению праздничный вид и делает его более выразительным. Подобные паттерны были очень популярны в модернистском изобразительном искусстве.
Двумерность: Изображать объекты в перспективе стало модным только в эпоху Возрождения. До этого художники передавали эмоции, движения и чувства на более плоских фигурах, используя более явные методы. Климт применяет этот же прием, акцентируя внимание на эмоциональной составляющей своих персонажей, подчеркивая ее плоскостью изображения и яркими красками.
Пластика тел: Этот пункт вытекает из предыдущего. Чтобы передать эмоции и действия двумерным персонажам, иногда приходится прибегать к неестественным движениям и изгибам. Двумерность и необычная пластика делают работы Климта похожими на иконы. Сравните движение героев картины Поцелуй и Девы Марии и Исуса на фреске.
Используя эти приемы и свой талант, Густав Климт создал ряд культовых произведений искусства. Приемы, проверенные временем, до сих пор работают и не оставляют людей равнодушными.
Изображения:
Г.Климт - Поцелуй - 1908
Г.Климт - Портрет Адели Блох-Бауэр I – 1907
Константин IX Мономах - фрагмент мозаики -Св. София, Константинополь, XI в.
Фрагмент фрески - Сан-Витале, Равенна VI в.
Фрагмент фрески - Монастырь Св. Пантелеймона, Скопье XII в.
Небесный Константинополь Подписывайся
❤5❤🔥2👍1
Яркие краски, сильные эмоции: что общего у экспрессионизма 20 века и византийского искусства?
Экспрессионизм – это бунт против реализма. Художники этого направления стремились выразить свои внутренние чувства, не копируя мир, а используя яркие цвета и необычные формы. Фовизм, близкое по духу направление, отмечалось яркой игрой цветов и простых форм. Анри Матисс и Поль Гоген – звезды этих направлений.
Посмотрите на картинку №1. Вы чувствуете напряжение? Это характерно для экспрессионизма и фовизма. Мы не просто видим детали, а ощущаем эмоции, заложенные в них: радость, печаль, противостояние.
И вот что интересно, слово Матиссу:
Матисс имел в виду русские иконы, которые потрясли его в Москве. И действительно, в них можно увидеть многое общее с экспрессионизмом и фовизмом:
Яркие цвета: В иконописи часто используются яркие, чистые цвета, не отражающие реальность, а передающие духовные смыслы. Золото божественная слава, синий - небеса, красный - кровь Христа. То же самое и в экспрессионизме: яркие цвета — это выражение эмоций, они не просто украшают картину, а передают ощущения художника.
Плоскостность: Византийские иконы плоские, без глубины. Это подчеркивает важность цвета и делает образ более эмоциональным. То же самое и в экспрессионизме, где художники отказываются от реалистичной перспективы в пользу выражения чувств (еще раз посмотрите на картинку №1).
Символизм и выразительность: Византийские художники, как и экспрессионисты, не стремились к точной копии реальности. Их задача была передать идею, духовную глубину, сильные эмоции. Зритель должен ощутить замысел, даже если он не до конца понимает, кто или что именно изображено на работе, будь она в церкви или в художественном музее.
Удивительно видеть, что через века эти два направления пришли к сходным решениям, используя яркие цвета и необычные формы, чтобы тронуть каждого.
Изображения:
1. А. Матисс, Разговор, 1912 г.
2. П. Гоген, Кафе в Арле, 1888 г.
3. Фрагмент фрески Ферапонтова монастыря, Вологодская область, XVI в.
4. Фрагмент фрески Монастыря Хора, Константинополь, XIV в.
5. Фрагмент фрески, церкви Св. Георгия в Курбиново, Македония, XII в.
Небесный Константинополь Подписывайся
Экспрессионизм – это бунт против реализма. Художники этого направления стремились выразить свои внутренние чувства, не копируя мир, а используя яркие цвета и необычные формы. Фовизм, близкое по духу направление, отмечалось яркой игрой цветов и простых форм. Анри Матисс и Поль Гоген – звезды этих направлений.
Посмотрите на картинку №1. Вы чувствуете напряжение? Это характерно для экспрессионизма и фовизма. Мы не просто видим детали, а ощущаем эмоции, заложенные в них: радость, печаль, противостояние.
И вот что интересно, слово Матиссу:
“Я влюблен в их трогательную простоту. В этих иконах душа художника, который их написал, раскрывается, словно мистический цветок. Я потратил 10 лет, чтобы найти то, что ваши художники открыли в XIV веке.”
Матисс имел в виду русские иконы, которые потрясли его в Москве. И действительно, в них можно увидеть многое общее с экспрессионизмом и фовизмом:
Яркие цвета: В иконописи часто используются яркие, чистые цвета, не отражающие реальность, а передающие духовные смыслы. Золото божественная слава, синий - небеса, красный - кровь Христа. То же самое и в экспрессионизме: яркие цвета — это выражение эмоций, они не просто украшают картину, а передают ощущения художника.
Плоскостность: Византийские иконы плоские, без глубины. Это подчеркивает важность цвета и делает образ более эмоциональным. То же самое и в экспрессионизме, где художники отказываются от реалистичной перспективы в пользу выражения чувств (еще раз посмотрите на картинку №1).
Символизм и выразительность: Византийские художники, как и экспрессионисты, не стремились к точной копии реальности. Их задача была передать идею, духовную глубину, сильные эмоции. Зритель должен ощутить замысел, даже если он не до конца понимает, кто или что именно изображено на работе, будь она в церкви или в художественном музее.
Удивительно видеть, что через века эти два направления пришли к сходным решениям, используя яркие цвета и необычные формы, чтобы тронуть каждого.
Изображения:
1. А. Матисс, Разговор, 1912 г.
2. П. Гоген, Кафе в Арле, 1888 г.
3. Фрагмент фрески Ферапонтова монастыря, Вологодская область, XVI в.
4. Фрагмент фрески Монастыря Хора, Константинополь, XIV в.
5. Фрагмент фрески, церкви Св. Георгия в Курбиново, Македония, XII в.
Небесный Константинополь Подписывайся
❤4
Глаза в глаза
Есть еще одна деталь, которая делает картины экспрессионистов и художников авангарда в целом такими захватывающими: лица! Ведь с детства мы учимся читать эмоции по лицу. И художники, осознавая это, делали лица главными героями своих картин. Но как передать сложную гамму чувств, не используя традиционные приемы?
У авангардистов лица могут быть зеленоватыми, синими, красными, какими угодно! Все это для того, чтобы подчеркнуть особую выразительность, полутона, настроения, светотень и блики на коже.
Это отлично перекликается с техникой оформителей мозаик. Цвета в их наборе были ограничены (мозаику нельзя так просто смешать как краски). Поэтому они также вставляют нехарактерные для лиц оттенки, что дает уникальный изобразительный эффект.
Изображения:
1 и 2. Фрагменты мозаик Ротонды, Салоники, Греция, V в.
3. Автопортрет, П. Сезанн, 1879 г.
4. Женщина в шляпе, А. Матисс, 1905 г.
Небесный Константинополь Подписывайся
Есть еще одна деталь, которая делает картины экспрессионистов и художников авангарда в целом такими захватывающими: лица! Ведь с детства мы учимся читать эмоции по лицу. И художники, осознавая это, делали лица главными героями своих картин. Но как передать сложную гамму чувств, не используя традиционные приемы?
У авангардистов лица могут быть зеленоватыми, синими, красными, какими угодно! Все это для того, чтобы подчеркнуть особую выразительность, полутона, настроения, светотень и блики на коже.
Это отлично перекликается с техникой оформителей мозаик. Цвета в их наборе были ограничены (мозаику нельзя так просто смешать как краски). Поэтому они также вставляют нехарактерные для лиц оттенки, что дает уникальный изобразительный эффект.
Изображения:
1 и 2. Фрагменты мозаик Ротонды, Салоники, Греция, V в.
3. Автопортрет, П. Сезанн, 1879 г.
4. Женщина в шляпе, А. Матисс, 1905 г.
Небесный Константинополь Подписывайся
❤3
Преклонись перед...
Что общего у этих трех картин?Да они будто из разных миров! Использованы совсем разные техники, цвета, приемы! Они совсем не похожи, их не может что-то объединять.
Все так, они выполнены в разных техниках, в разное время и в разных странах. Но есть все же кое-что общее – это идея в их основе. Разберемся.
“Банка супа Кэмпбелл” Энди Уорхолла – одна из его самых знаменитых, дорогих и тиражируемых работ. Конечно, причина этого не “удивительное” мастерство художника. Картина выполнена просто, особой техники не требовалось. Зрителей потрясла идея, которая за ней стоит – Уорхолл говорит нам, что в современном обществе потребления некоторые вещи становятся сакральны, ведь пресловутая банка супа знакома абсолютно каждому американцу. Разумеется, Уорхол иронизирует (ведь кругом постмодерн) – раньше вы поклонялись Тициану, Рафаэлю, Да Винчи с их мадоннами. А теперь вот – Банка супа, в таком мире мы живем.
В СССР художники тоже хотели иронизировать, они ведь художники! Но в стране социализм, и никакого развитого общества потребления нет. Вместо этого были другие набившие оскомину символы. Так Эрик Булатов на картине “Слава КПСС” показывает то ли светлое будущее, то ли сущность, которая заполоняет все видимое ему и зрителю пространство.
Вот они – образы современности, перед которыми преклоняется общество, истеблишмент, потребители, партия… образы, вписанные в иконы!
Разумеется, византийские мастера не иронизировали, изображая святые фигуры. И, конечно, не они первые придумали вообще изображать богов и святых. Но сама концепция иконы и поклонения ей, безусловно, имеет сильнейшее влияние из Византии. На столько сильное что искусство постмодерна использует это средства для большего эффекта.
Так, на протяжении столетий образы меняются, а инструменты остаются те же.
Изображения:
1. Христос Пантократор, Синайский Монастырь, Египет, VI в.
2. «Банка супа Campbell», Э. Уорхолл, 1961-1962 гг.
3. «Слава КПСС», Э. Булатов, 1975 г.
Небесный Константинополь Подписывайся
Что общего у этих трех картин?Да они будто из разных миров! Использованы совсем разные техники, цвета, приемы! Они совсем не похожи, их не может что-то объединять.
Все так, они выполнены в разных техниках, в разное время и в разных странах. Но есть все же кое-что общее – это идея в их основе. Разберемся.
“Банка супа Кэмпбелл” Энди Уорхолла – одна из его самых знаменитых, дорогих и тиражируемых работ. Конечно, причина этого не “удивительное” мастерство художника. Картина выполнена просто, особой техники не требовалось. Зрителей потрясла идея, которая за ней стоит – Уорхолл говорит нам, что в современном обществе потребления некоторые вещи становятся сакральны, ведь пресловутая банка супа знакома абсолютно каждому американцу. Разумеется, Уорхол иронизирует (ведь кругом постмодерн) – раньше вы поклонялись Тициану, Рафаэлю, Да Винчи с их мадоннами. А теперь вот – Банка супа, в таком мире мы живем.
В СССР художники тоже хотели иронизировать, они ведь художники! Но в стране социализм, и никакого развитого общества потребления нет. Вместо этого были другие набившие оскомину символы. Так Эрик Булатов на картине “Слава КПСС” показывает то ли светлое будущее, то ли сущность, которая заполоняет все видимое ему и зрителю пространство.
Вот они – образы современности, перед которыми преклоняется общество, истеблишмент, потребители, партия… образы, вписанные в иконы!
Разумеется, византийские мастера не иронизировали, изображая святые фигуры. И, конечно, не они первые придумали вообще изображать богов и святых. Но сама концепция иконы и поклонения ей, безусловно, имеет сильнейшее влияние из Византии. На столько сильное что искусство постмодерна использует это средства для большего эффекта.
Так, на протяжении столетий образы меняются, а инструменты остаются те же.
Изображения:
1. Христос Пантократор, Синайский Монастырь, Египет, VI в.
2. «Банка супа Campbell», Э. Уорхолл, 1961-1962 гг.
3. «Слава КПСС», Э. Булатов, 1975 г.
Небесный Константинополь Подписывайся
❤4❤🔥1
Рассказ о влиянии икон на искусство был бы не полон без упоминания произведения, которое, по мнению автора, должно было стать новой иконой живописи.
Черный квадрат.
Для Казимира Малевича это манифест нового искусства, идеал, супрематическая (то есть превосходящая другие) композиция. Это форма, не связанная ни с чем, ни с предметом, ни с идеей. Свободное, абсолютное искусство.
Чтобы понять, как Малевич относился к этой картине, достаточно взглянуть на композиционное устройство выставки супрематических работ «0.10» в 1915 году.
ДА-ДА! "Черный квадрат" занимает то же место, где в крестьянских домах висела главная икона.
Небесный Константинополь Подписывайся
Черный квадрат.
Для Казимира Малевича это манифест нового искусства, идеал, супрематическая (то есть превосходящая другие) композиция. Это форма, не связанная ни с чем, ни с предметом, ни с идеей. Свободное, абсолютное искусство.
Чтобы понять, как Малевич относился к этой картине, достаточно взглянуть на композиционное устройство выставки супрематических работ «0.10» в 1915 году.
ДА-ДА! "Черный квадрат" занимает то же место, где в крестьянских домах висела главная икона.
Небесный Константинополь Подписывайся