Послезавтра в Нью-Йорке аукционный дом Phillips проведёт беспрецедентные торги Visual Language: The Art of Irving Penn — с молотка уйдут 67 фотографий и 3 рисунка Ирвина Пенна, созданные им за семь десятилетий карьеры, представленных The Irving Penn Foundation.

Работы, отобранные для аукциона, охватывают широкий спектр тем и техник, к которым Пенн обращался на протяжении своей карьеры, объединяя редкие, ранее почти не выставлявшиеся снимки с его наиболее известными фотографиями.

Том Пенн, исполнительный директор фонда и единственный сын фотографа:

С 2010 года мы являемся хранителями художественного наследия Ирвина Пенна, и этот аукцион представляет собой поворотный момент для фонда, поскольку мы стремимся расширить наши благотворительные и образовательные программы. Отец часто говорил мне: «Что бы ты ни делал в жизни, делай это с полной отдачей». Именно с такой страстью он стремился к совершенству во всём, за что брался, и каждое произведение, представленное на этих торгах, отражает ту изобретательность и точность, которые были неотъемлемой частью его творчества»

Среди лотов оказались портреты, включая исключительной красоты снимок его жены Лизы Фонссагривс, Harlequin Dress (1 фото), сделанный в 1950 году и оценённый в 200 000 долларов, что делает его одним из самых дорогих лотов аукциона; последняя фотография — «Кофеварка» 2007 года, сделанная за два года до его смерти в возрасте 92 лет. И, конечно же, фотографии цветов, о которых мы беседовали тут.

Ирвин Пенн — один из величайших фотографов XX века. Он начал работать для Vogue в начале 1940-х годов, после того как был ассистентом в Harper’s Bazaar. Для Vogue он создал свою первую обложку в 1944 году — серию натюрмортов, вдохновлённых голландской живописью XVII века. В течение следующих шестидесяти лет Пенн создал еще более 150 обложек только для Vogue.

Пенн был настоящим художественным гением, чьё видение и мастерство остаются непревзойдёнными по сей день.

Буду следить.

Пока ждём сегодняшний дебют Матье Блази в Chanel, вспомним, что у нас был свой дебют, связанный с Домом — Валерий Леонтьев с песней Коко Шанель.

Вышла она в 1999-м, а мадмуазель отошла в мир иной в 1971-м.

…Париж не для мадмуазель - начни с нуля, Коко Шанель
Твоих духов сладчайший яд, когда, как зов, прощальный взгляд
Когда весь мир - одна панель... Ну, как ты там, мадмуазель…?

Давно у меня не было рубрики #ОВЭРархитектура – исправляюсь.

Chichu Art Museum расположен на острове Наосима у южного побережья Японии, попасть туда можно только на пароме. Музей был построен в 2004 году, архитектор — Тадао Андо.

Основная идея при проектировании состояла в том, чтобы почти полностью встроить музей в холм таким образом, чтобы не был нарушен ландшафт.
Поэтому у музея нет фасада в привычном смысле этого слова: «chichu» переводится с японского «в земле». На поверхности расположен только входной уровень — все выставочные пространства скрыты под землёй. Сверху видны только несколько геометрических форм — это очертания залов, соединённых между собой подземными проходами.

Для Андо бетон — это не просто материал, а средство управления светом: дневное освещение проникает через узкие проёмы и пустоты, меняясь в зависимости от движения солнца. В этом и заключается красота его подхода — в внимании к пустоте, к пространствам между объектами, к тому, как человек ощущает движение, свет и воздух, проходя сквозь архитектуру.

Кураторы музея стремились объединить произведения, которые «вступают в диалог с природой» — будь то солнечный свет, неоновое сияние, природные материалы или природные сюжеты.

В постоянной экспозиции представлены только три художника:

Клод Моне

Покупка картины Моне стала основным импульсом к созданию музея. Интересно, что в зале, где представлены всего пять картин из серии «Водяные лилии» (3 фото), крыша представляет собой световой проём, пропускающий мягкий дневной свет — свет, какой не может создать ни один электрический источник. Так Андо отдаёт дань страсти Моне к игре света.

Джеймс Таррелл

В музее представлено три работы американского художника Джеймса Таррелла, который уже десятилетиями исследует природу света и восприятия.
Интересная инсталляция Open Field (10 фото) — посетитель поднимается по ступеням к, как кажется, экрану, залитому синим светом, — но, сделав шаг вперёд, понимает, что это не экран, а цельное пространство, наполненное светом.

Уолтер де Мария

Представлена одна Инсталляция Time / Timeless / No Time 2004 года (2 фото).
Пространство напоминает зал для поклонения: пол — ступени, ведущие к массивной чёрной гранитной сфере в центре.
В определённые часы солнечный луч, проникая через прорезь в потолке, отражается от полированной поверхности шара и зажигает золотые панели на стенах.

Андо и де Мария совместно проектировали этот зал, чтобы «пятно света» двигалось по траектории солнца — это пример их принципа: «архитектура ради искусства, искусство ради пространства».

Де Мария считал произведением искусства всё пространство, в котором находится инсталляция.

Точно так же музей рассматривает всё здание как единое произведение, а весь остров Наосима — это самостоятельная арт-инсталляция под открытым небом.