The Body - I Have Fought Against It, but I Can't Any Longer.
(2018, Thrill Jockey)
death industrial / drone metal / post-industrial / neoclassical darkwave / power electronics
The Body сыграют в России уже на этой неделе, а мы тем временем слушаем их прошлогодний альбом, в записи которого поучаствовала Lingua Ignota.
Об одном из мощнейших альбомов экспериментал-нойз и метал дуэта The Body "I Shall Die Here" мы уже писали. В плане усложнения звучания "I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer." - для группы определённо шаг вперед. Апокалиптичный саунд The Body на этом альбоме перемежается с симфоническими инструментами, женским вокалом (в записи поучаствовали несколько приглашённых вокалисток и вокалистов) и вызывает стойкое предчувствие катастрофы. За это очищающее ощущение экзистенциального ужаса мы и любим The Body. Этот альбом они создали преимущественно из обработанных семплов своих предыдущих записей, здесь на первый план выходит влияние электроники. Но здесь же и экстремальный вокал, и академически чистые женские голоса, и звучание одинокого фортепиано, и споукен-ворд, и электронные биты - всё это в сочетании звучит насколько искусно, что практически не замечаешь, как одно сменяет другое.
"I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer." - это релиз, полный звуковых и смысловых отсылок, начиная с названия альбома и заканчивая семплами; стоит только внимательнее вслушаться. Идейно альбом строится вокруг темы суицида, которую участники группы рефлексируют уже не в первый раз. Осмысляя самоубийство, они обращаются к литературе. Название альбома взято из текста предсмертной записки Вирджинии Вульф, эту же строчку в конце "Sickly Heart Of Sand" кричит Кристин Хейтер (Lingua Ignota). Кроме неё можно услышать голоса Крисси Уолперт (Chrissy Wolpert) из Assembly of Light Choir, а также Майкла Бердана (Michael Berdan) из Uniform и Бена Эберла (Ben Eberle) из Sandworm.
"I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer." заканчивается своеобразной исповедью "Ten Times A Day, Every Day, A Stranger", на котором отец одного из саунд-инженеров альбома зачитывает отрывок из романа чешского писателя Богумила Грабала "Слишком шумное одиночество". По одной из версий Грабал тоже покончил с собой, когда ему было 82 года. "My home hurts. My view from the window hurts. I've reached the peak of empiness. The whole world hurts." На фоне мужского голоса, зачитывающего монолог, постепенно начинает звучать мягкий женский вокал, словно напевающий колыбельную, постепенно растворяющийся в контрастной после 40 минут агрессивного саунда тишине. Возможно, именно так The Body видят смерть.
https://thebody.bandcamp.com/album/i-have-fought-against-it-but-i-can-t-any-longer
(2018, Thrill Jockey)
death industrial / drone metal / post-industrial / neoclassical darkwave / power electronics
The Body сыграют в России уже на этой неделе, а мы тем временем слушаем их прошлогодний альбом, в записи которого поучаствовала Lingua Ignota.
Об одном из мощнейших альбомов экспериментал-нойз и метал дуэта The Body "I Shall Die Here" мы уже писали. В плане усложнения звучания "I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer." - для группы определённо шаг вперед. Апокалиптичный саунд The Body на этом альбоме перемежается с симфоническими инструментами, женским вокалом (в записи поучаствовали несколько приглашённых вокалисток и вокалистов) и вызывает стойкое предчувствие катастрофы. За это очищающее ощущение экзистенциального ужаса мы и любим The Body. Этот альбом они создали преимущественно из обработанных семплов своих предыдущих записей, здесь на первый план выходит влияние электроники. Но здесь же и экстремальный вокал, и академически чистые женские голоса, и звучание одинокого фортепиано, и споукен-ворд, и электронные биты - всё это в сочетании звучит насколько искусно, что практически не замечаешь, как одно сменяет другое.
"I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer." - это релиз, полный звуковых и смысловых отсылок, начиная с названия альбома и заканчивая семплами; стоит только внимательнее вслушаться. Идейно альбом строится вокруг темы суицида, которую участники группы рефлексируют уже не в первый раз. Осмысляя самоубийство, они обращаются к литературе. Название альбома взято из текста предсмертной записки Вирджинии Вульф, эту же строчку в конце "Sickly Heart Of Sand" кричит Кристин Хейтер (Lingua Ignota). Кроме неё можно услышать голоса Крисси Уолперт (Chrissy Wolpert) из Assembly of Light Choir, а также Майкла Бердана (Michael Berdan) из Uniform и Бена Эберла (Ben Eberle) из Sandworm.
"I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer." заканчивается своеобразной исповедью "Ten Times A Day, Every Day, A Stranger", на котором отец одного из саунд-инженеров альбома зачитывает отрывок из романа чешского писателя Богумила Грабала "Слишком шумное одиночество". По одной из версий Грабал тоже покончил с собой, когда ему было 82 года. "My home hurts. My view from the window hurts. I've reached the peak of empiness. The whole world hurts." На фоне мужского голоса, зачитывающего монолог, постепенно начинает звучать мягкий женский вокал, словно напевающий колыбельную, постепенно растворяющийся в контрастной после 40 минут агрессивного саунда тишине. Возможно, именно так The Body видят смерть.
https://thebody.bandcamp.com/album/i-have-fought-against-it-but-i-can-t-any-longer
the body
I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer., by the body
10 track album
👍1
Phoenecia - Brownout
(2001, Schematic)
idm / ambient / minimal dub
Затерянный образец изобретательной, детальной электроники от американского дуо Phoenecia играет полутонами, распадается и собирается, открывает малоизведанные глубины приятного и принятого в музыке.
Погрузиться в изнанку музыкального пространства, выслушать неясную извилистую историю предлагает нам дуо Phoenecia на их magnum opus. "Brownout" в оригинальном контексте отсылает к типичным для южной Флориды перебоям электричества, когда вся электроника замедляется, свет меркнет. Именно так ощущается и альбом: камерный, еле проникающий в нашу вселенную, он будто ведёт слушателя по угасшему метрополису или поверхности океанского дна. Несмотря на это, намёка на безжизненное машинное звучание нет и в помине. Акустическое пространство здесь кишит неведомыми созданиями из звука, они проскальзывают друг мимо друга, создавая тихую динамику.
Довольно удивительно, что такая запись появилась в солнечном бэйсовом Майами. Это были времена, когда на концерте Autechre зарождалось новое idm-коммьюнити, образовывались первые подражающие английским лидерам лейблы, в том числе и (на сегодня уже знаковый) Schematic Джоша Кея [Josh Kay] и Ромуло Дель Кастийо [Romulo Del Castillo]. Сперва двое записывали фанковую смесь электро и хип-хопа (характерно для Майами) как Soul Oddity, но спустя какое-то время сделали шаг к менее осязаемой эстетике Phoenecia. Их музыка начала отличаться тёмными тонами и особо пространной, но детализированной структурой, создаваемой вручную (не запрограммированной параметрами).
Описать звучание "Brownout" - сложная задача, настолько оно находится в стороне от остальной музыки. Не сильно меняя тона в течение альбома, оно являет себя тусклым вечерним свечением, приятным "кружением" на заднем плане, и выказывает свою ценность в разных местах с каждым новым прослушиванием. Биты и отрывки звуков даба то идут в ногу, то расплываются, мелодии появляются и исчезают в спутанном звуковом водоёме. Выделяются на общем фоне, например, наиболее близкая (относительно) к танцевальному хип-хопу "Grrl Trrbl", эмбиент-полотно "Oriaca", сочный, показательный для дуо "Odd Job". Одной из самых утонченных композиций обладает заключительный "Melfad", каждый звук которого будто в суперпозиции, но одновременно тщательно выверен. Весь альбом, как и этот трек, играет на "общем ощущении", и при вовлечённом прослушивании ощущение это мало с чем сравнимо.
https://schematicmusiccompany.bandcamp.com/album/brownout
(2001, Schematic)
idm / ambient / minimal dub
Затерянный образец изобретательной, детальной электроники от американского дуо Phoenecia играет полутонами, распадается и собирается, открывает малоизведанные глубины приятного и принятого в музыке.
Погрузиться в изнанку музыкального пространства, выслушать неясную извилистую историю предлагает нам дуо Phoenecia на их magnum opus. "Brownout" в оригинальном контексте отсылает к типичным для южной Флориды перебоям электричества, когда вся электроника замедляется, свет меркнет. Именно так ощущается и альбом: камерный, еле проникающий в нашу вселенную, он будто ведёт слушателя по угасшему метрополису или поверхности океанского дна. Несмотря на это, намёка на безжизненное машинное звучание нет и в помине. Акустическое пространство здесь кишит неведомыми созданиями из звука, они проскальзывают друг мимо друга, создавая тихую динамику.
Довольно удивительно, что такая запись появилась в солнечном бэйсовом Майами. Это были времена, когда на концерте Autechre зарождалось новое idm-коммьюнити, образовывались первые подражающие английским лидерам лейблы, в том числе и (на сегодня уже знаковый) Schematic Джоша Кея [Josh Kay] и Ромуло Дель Кастийо [Romulo Del Castillo]. Сперва двое записывали фанковую смесь электро и хип-хопа (характерно для Майами) как Soul Oddity, но спустя какое-то время сделали шаг к менее осязаемой эстетике Phoenecia. Их музыка начала отличаться тёмными тонами и особо пространной, но детализированной структурой, создаваемой вручную (не запрограммированной параметрами).
Описать звучание "Brownout" - сложная задача, настолько оно находится в стороне от остальной музыки. Не сильно меняя тона в течение альбома, оно являет себя тусклым вечерним свечением, приятным "кружением" на заднем плане, и выказывает свою ценность в разных местах с каждым новым прослушиванием. Биты и отрывки звуков даба то идут в ногу, то расплываются, мелодии появляются и исчезают в спутанном звуковом водоёме. Выделяются на общем фоне, например, наиболее близкая (относительно) к танцевальному хип-хопу "Grrl Trrbl", эмбиент-полотно "Oriaca", сочный, показательный для дуо "Odd Job". Одной из самых утонченных композиций обладает заключительный "Melfad", каждый звук которого будто в суперпозиции, но одновременно тщательно выверен. Весь альбом, как и этот трек, играет на "общем ощущении", и при вовлечённом прослушивании ощущение это мало с чем сравнимо.
https://schematicmusiccompany.bandcamp.com/album/brownout
Schematic Music Company
Brownout, by Phoenecia
12 track album
Félicia Atkinson - The Flower and The Vessel
(2019, Shelter Press)
electroacoustic / ambient / spoken word / field recordings / musique concrète
Новый альбом Фелиции Аткинсон, на котором она исследует возможности звуковых сочетаний в стиле японской икебаны и пытается установить контакт с внешним миром.
Фелиция Аткинсон на вышедшем в начале июля "The Flower and The Vessel" ищет новые точки соприкосновения с материальным миром и создаёт, пожалуй, самую структурированную из всех своих работ, наполненную визуальными образами. Название и обложка альбома наверняка уже направили ваши мысли к некоторым таким образам - вазы, одинокие цветы, минимализм - именно японское искусство икебаны вдохновляло Фелицию на такое разноплановое сочетание звучаний. Как мастер икебаны сочетает цвета, формы и материалы, чтобы создать произведение искусства из растений, так Фелиция сочетает звучание самых разных инструментов, полевые записи, свой голос - обрывки стихотворений, споукен-ворд, шёпот на родном для Фелиции французском или на английском языке, в котором она видит в первую очередь звуковую текстуру, а не смысл. “Мне хотелось разных настроений. Мне хотелось, чтобы он [альбом] был больше об ощущении и о другом климате. Что-то очень влажное, почти тропическое. Холодно-тропическое, как тропики зимой”.
Этот альбом, по сравнению с прошлыми сольными работами Фелиции (например, с альбомом 2017 года “Hand in Hand”) гораздо более полифоничный. Фелиция, которая прежде гораздо больше тяготела к абстракционизму в своих звуковых работах, на "The Flower and The Vessel" выступила в большей степени как композитор. На это указывают и три отсылки, которые она сама даёт в аннотации альбома: на этом альбоме Фелиция цитирует трёх французских композиторов - Мориса Равеля, Клода Дебюсси и Эрика Сати. Больше работая с полифонией, так или иначе приходится больше продумывать структуру композиции, искать для каждого звука своё место, иначе, как говорит Фелиция, получится хаос. К слову, в последнем треке “Des Pierres” можно услышать не самую ожидаемую коллаборацию Фелиции со Стивеном О’Мелли из Sunn O))).
"The Flower and The Vessel" Фелиция писала будучи беременной и этот опыт тоже наложил свой отпечаток на концепцию альбома. Саунд-художница здесь переосмысляет идею создания и восприятия музыки - ты одновременно снаружи и внутри, ты создаёшь музыку для внешнего мира, но в этот момент кто-то слушает её внутри тебя. Ваза для цветка или цветок для вазы? Ежедневная перекомпоновка пространства, ежедневная смена ролей - отчасти "The Flower and The Vessel" именно об этом.
https://shelterpress.bandcamp.com/album/the-flower-and-the-vessel-2
(2019, Shelter Press)
electroacoustic / ambient / spoken word / field recordings / musique concrète
Новый альбом Фелиции Аткинсон, на котором она исследует возможности звуковых сочетаний в стиле японской икебаны и пытается установить контакт с внешним миром.
Фелиция Аткинсон на вышедшем в начале июля "The Flower and The Vessel" ищет новые точки соприкосновения с материальным миром и создаёт, пожалуй, самую структурированную из всех своих работ, наполненную визуальными образами. Название и обложка альбома наверняка уже направили ваши мысли к некоторым таким образам - вазы, одинокие цветы, минимализм - именно японское искусство икебаны вдохновляло Фелицию на такое разноплановое сочетание звучаний. Как мастер икебаны сочетает цвета, формы и материалы, чтобы создать произведение искусства из растений, так Фелиция сочетает звучание самых разных инструментов, полевые записи, свой голос - обрывки стихотворений, споукен-ворд, шёпот на родном для Фелиции французском или на английском языке, в котором она видит в первую очередь звуковую текстуру, а не смысл. “Мне хотелось разных настроений. Мне хотелось, чтобы он [альбом] был больше об ощущении и о другом климате. Что-то очень влажное, почти тропическое. Холодно-тропическое, как тропики зимой”.
Этот альбом, по сравнению с прошлыми сольными работами Фелиции (например, с альбомом 2017 года “Hand in Hand”) гораздо более полифоничный. Фелиция, которая прежде гораздо больше тяготела к абстракционизму в своих звуковых работах, на "The Flower and The Vessel" выступила в большей степени как композитор. На это указывают и три отсылки, которые она сама даёт в аннотации альбома: на этом альбоме Фелиция цитирует трёх французских композиторов - Мориса Равеля, Клода Дебюсси и Эрика Сати. Больше работая с полифонией, так или иначе приходится больше продумывать структуру композиции, искать для каждого звука своё место, иначе, как говорит Фелиция, получится хаос. К слову, в последнем треке “Des Pierres” можно услышать не самую ожидаемую коллаборацию Фелиции со Стивеном О’Мелли из Sunn O))).
"The Flower and The Vessel" Фелиция писала будучи беременной и этот опыт тоже наложил свой отпечаток на концепцию альбома. Саунд-художница здесь переосмысляет идею создания и восприятия музыки - ты одновременно снаружи и внутри, ты создаёшь музыку для внешнего мира, но в этот момент кто-то слушает её внутри тебя. Ваза для цветка или цветок для вазы? Ежедневная перекомпоновка пространства, ежедневная смена ролей - отчасти "The Flower and The Vessel" именно об этом.
https://shelterpress.bandcamp.com/album/the-flower-and-the-vessel-2
Félicia Atkinson
The Flower And The Vessel, by Félicia Atkinson
11 track album
Ifriqiyya Electrique - Laylet El Booree
(2019, Glitterbeat)
north african music / experimental rock / industrial rock / arabic / post-industrial
На своём втором альбоме тунисские экспериментаторы объединяют ритмы и заклинания древнего сахарского ритуала Банга с современным постиндустриальным звучанием.
Группа Ifriqiyya Electrique, образованная несколько лет назад в тунисском городе Таузар (или Тозёр, во французском варианте), успела удивить и порадовать как любителей “этнической” (да, это довольно сомнительный эпитет, но мы используем его для простоты обозначения) музыки, так и слушателей разного рода индастриала и экспериментальной музыки, ещё в 2017-м году, с выходом дебютного релиза “Rûwâhîne”. Второй альбом коллектива продолжает экспериментальную линию объединения североафриканской музыки и индастриал-рока. И, пожалуй, в этом смысле он получился у группы даже более последовательным, аутентичным и целостным.
Состав Ifriqiyya Electrique на данный момент включает в себя пятерых музыкантов: Yahya Chouchen (вокал, табла), Fatma Chebbi (вокал), Tarek Soltan (вокал, табла), Gianna Greco (бас, вокал) и François R. Cambuzat (гитара, вокал, электроника и компьютерные эффекты). Изначально костяк группы состоял только из François R. Cambuzat и Gianna Greco, музыкальный бэкграундом которых является участие в европейской пост-панковой сцене и даже коллаборация с Лидией Ланч. Однако при обсуждении Ifriqiyya Electrique важно не забывать ключевой фактор - их музыка никогда не сочинялась и не предназначалась в первую очередь для западной аудитории, как можно было бы сперва подумать. Это именно локальная музыка, и одна из главных причин этого - её ритуальная составляющая.
Изначальным намерением музыкантов была не попытка присоединиться к исполнению ритуала Банга, а скорее “исследовать, как эта уникальная церемония приносит чувство «чистой возвышенности» её участникам”, как заявлено в пресс-релизе альбома. Это коллективное состояние ритуального транса является отражением того, как Ifriqiyya Electrique переживают исполнение своей музыки и с головой отдаются её духовным архаическим истокам, “когда духи овладевают телами”. Название альбома, к слову, переводится как “Ночь сумасшествия”, что, как нам кажется, отражает не только его ритуальный аспект, но и непосредственно сам его саунд - одновременно диковатый, безумный, мистический и глубокий.
https://ifriqiyya-electrique.bandcamp.com/album/laylet-el-booree
(2019, Glitterbeat)
north african music / experimental rock / industrial rock / arabic / post-industrial
На своём втором альбоме тунисские экспериментаторы объединяют ритмы и заклинания древнего сахарского ритуала Банга с современным постиндустриальным звучанием.
Группа Ifriqiyya Electrique, образованная несколько лет назад в тунисском городе Таузар (или Тозёр, во французском варианте), успела удивить и порадовать как любителей “этнической” (да, это довольно сомнительный эпитет, но мы используем его для простоты обозначения) музыки, так и слушателей разного рода индастриала и экспериментальной музыки, ещё в 2017-м году, с выходом дебютного релиза “Rûwâhîne”. Второй альбом коллектива продолжает экспериментальную линию объединения североафриканской музыки и индастриал-рока. И, пожалуй, в этом смысле он получился у группы даже более последовательным, аутентичным и целостным.
Состав Ifriqiyya Electrique на данный момент включает в себя пятерых музыкантов: Yahya Chouchen (вокал, табла), Fatma Chebbi (вокал), Tarek Soltan (вокал, табла), Gianna Greco (бас, вокал) и François R. Cambuzat (гитара, вокал, электроника и компьютерные эффекты). Изначально костяк группы состоял только из François R. Cambuzat и Gianna Greco, музыкальный бэкграундом которых является участие в европейской пост-панковой сцене и даже коллаборация с Лидией Ланч. Однако при обсуждении Ifriqiyya Electrique важно не забывать ключевой фактор - их музыка никогда не сочинялась и не предназначалась в первую очередь для западной аудитории, как можно было бы сперва подумать. Это именно локальная музыка, и одна из главных причин этого - её ритуальная составляющая.
Изначальным намерением музыкантов была не попытка присоединиться к исполнению ритуала Банга, а скорее “исследовать, как эта уникальная церемония приносит чувство «чистой возвышенности» её участникам”, как заявлено в пресс-релизе альбома. Это коллективное состояние ритуального транса является отражением того, как Ifriqiyya Electrique переживают исполнение своей музыки и с головой отдаются её духовным архаическим истокам, “когда духи овладевают телами”. Название альбома, к слову, переводится как “Ночь сумасшествия”, что, как нам кажется, отражает не только его ритуальный аспект, но и непосредственно сам его саунд - одновременно диковатый, безумный, мистический и глубокий.
https://ifriqiyya-electrique.bandcamp.com/album/laylet-el-booree
Ifriqiyya Electrique
Laylet El Booree, by Ifriqiyya Electrique
10 track album
Moon Duo - Circles
(2012, Sacred Bones)
psychedelic rock / neo-psychedelia / space rock
В ожидании нового альбома Moon Duo, слушаем третий LP неопсиходелического лунного дуэта, который с каждым треком погружает в транс всё глубже.
Moon Duo - совместный проект гитариста Wooden Shjips Эрика Рипли Джонсона (Ripley Johnson) и его жены Санаэ Ямада (Sanae Yamada) за синтом. Уже 10 лет они играют гитарно-электронную неопсиходелию, и за это время они стали одной из основных групп этой сцены и не собираются останавливаться на достигнутом.
Музыканты записали "Circles" всего за 10 дней, как говорит Джонсон, просто пытаясь понять, сколько шума могут создать всего лишь два человека, и как заставить этот шум правильно работать. Минималистичный, репетативный саунд "Circles" способен довольно быстро погрузить в транс, но при этом Moon Duo, в отличие от некоторых других психоделических групп, не пускаются в получасовые джемы. "Circles" наполняют 4-5 минутные песни, если не считать заключающей 8-минутной "Rolling Out", и цепляющие, в хорошем смысле поп-мелодии. Всё это Moon Duo подкрепляют отсылками к трансцендентализму американского философа Ральфа Уолдо Эмерсона, в особенности к его эссе "Природа". Этот идеализм и вдохновение природой и становятся своеобразным бэкграундом для треков, которые дуэт записал у себя в доме, затерянном среди лесов и гор.
В этом году Moon Duo выступят на голландском фестивале Le Guess Who?, который пройдёт 7-10 ноября в Утрехте. Там Moon Duo будут также курировать отдельную сцену, на которой выступят хип-хоп исполнительница BbyMutha, шведская прог- и психоделическая группа Träd, Gräs & Stenar (сейчас под новым названием Träden). А ещё на этой сцене можно будет услышать электронные записи из 80-ых от Michele Mercure, джаз от Idris Ackamoor & The Pyramids и многих других. И это только артисты, курируемые Moon Duo, всего на фестивале выступят около 150 исполнителей и коллективов самых разных жанров.
https://moonduo.bandcamp.com/album/circles
(2012, Sacred Bones)
psychedelic rock / neo-psychedelia / space rock
В ожидании нового альбома Moon Duo, слушаем третий LP неопсиходелического лунного дуэта, который с каждым треком погружает в транс всё глубже.
Moon Duo - совместный проект гитариста Wooden Shjips Эрика Рипли Джонсона (Ripley Johnson) и его жены Санаэ Ямада (Sanae Yamada) за синтом. Уже 10 лет они играют гитарно-электронную неопсиходелию, и за это время они стали одной из основных групп этой сцены и не собираются останавливаться на достигнутом.
Музыканты записали "Circles" всего за 10 дней, как говорит Джонсон, просто пытаясь понять, сколько шума могут создать всего лишь два человека, и как заставить этот шум правильно работать. Минималистичный, репетативный саунд "Circles" способен довольно быстро погрузить в транс, но при этом Moon Duo, в отличие от некоторых других психоделических групп, не пускаются в получасовые джемы. "Circles" наполняют 4-5 минутные песни, если не считать заключающей 8-минутной "Rolling Out", и цепляющие, в хорошем смысле поп-мелодии. Всё это Moon Duo подкрепляют отсылками к трансцендентализму американского философа Ральфа Уолдо Эмерсона, в особенности к его эссе "Природа". Этот идеализм и вдохновение природой и становятся своеобразным бэкграундом для треков, которые дуэт записал у себя в доме, затерянном среди лесов и гор.
В этом году Moon Duo выступят на голландском фестивале Le Guess Who?, который пройдёт 7-10 ноября в Утрехте. Там Moon Duo будут также курировать отдельную сцену, на которой выступят хип-хоп исполнительница BbyMutha, шведская прог- и психоделическая группа Träd, Gräs & Stenar (сейчас под новым названием Träden). А ещё на этой сцене можно будет услышать электронные записи из 80-ых от Michele Mercure, джаз от Idris Ackamoor & The Pyramids и многих других. И это только артисты, курируемые Moon Duo, всего на фестивале выступят около 150 исполнителей и коллективов самых разных жанров.
https://moonduo.bandcamp.com/album/circles
Moon Duo
Circles, by Moon Duo
9 track album
Mark Fisher & Justin Barton - On Vanishing Land
(2019, Flatlines)
spoken word / ambient / audio essay
Альбом-аудиопрогулка двух мыслителей - Фишера и Бартона - сопровождающаяся музыкой от современных музыкантов от Gazelle Twin до Raime.
Марк Фишер наиболее известен своими теоретическми работами о хонтологии, кинематографе, музыке, поп-культуре в целом, депрессии, капитализме, коммунизме и многих других темах, о которых он рассуждал в своём блоге, статьях и книгах, изначально выходивших в его издательстве Zero Books. Эти тексты всё ещё мало переведены на русский, поскольку это сложная работа - Фишеру тесно в языке, он постоянно изобретает слова, играет ими, выстраивая совершенно новые смыслы. Фишер не только много писал о музыке в самых разных её проявлениях, но, об этом мало кто знает, в юности играл в техно-трио D-Generation, вдохновлявшемся психоделией 60-х. У D-Generation вышел по сути всего один 20-минутный релиз в 1994 году. А потом Фишер ушёл в академическую среду.
Альбом "On Vanishing Land" во многом попытка отдать дань памяти и уважения Марку Фишеру, который покончил с собой в 2017 году. Это большая коллективная работа, увековечивающая аудиоэссе, которое представлялось публике вживую в 2013 году, ещё при жизни Фишера. Спокойный, в духе ведущего документальной программы на BBC, тон, начитывающий эссе Фишера, сопровождается аудиофоном из эмбиента, дроуна, филд-рекординга, акусматической музыки. На альбоме можно услышать композиции от Gazelle Twin, Mordant Music, Dolly Dolly, John Foxx, Baron Mordant, Raime, Pete Wiseman, Farmers of Vega, Skjolbrot. Эссе не самое простое для восприятия, если английский язык не ваш родной, но даже не улавливая до конца все смыслы, вы полностью погружаетесь в атмосферу опустевшего пляжа, где вдоль берега нагромождены грузовые контейнеры - "нервный узел капитализма".
"On Vanishing Land" - это аудиопрогулка, которая возвращает нас в 2006 год, когда Марк Фишер вместе с философом и саунд-художником Джастином Бартоном шли вдоль пляжа Саффолка, рассуждая о том, что встречалось им на пути и погружаясь в размышления, которые им навевали эти образы. Время от времени повествование прерывается на короткие вставные истории - фрагменты из интервью с критиком и писателем Даном Фоксом, археологом Ангусом Вайнрайтом и другими. Мы слышим их небольшие личные истории - о семье, работе, сильных впечатлениях, после чего снова возвращаемся в лоно рассуждений Фишера об истории и культуре и почти поэтическому описанию того, что они с Бартоном видят вокруг.
Даже если вы не особо интересуетесь самим по себе Фишером (о том что для его почитателей это огромная находка, можно даже и не говорить), это литературно-философско-музыкальное путешествие определённо произведет на вас весьма необычное впечатление.
https://hyperdub.bandcamp.com/album/mark-fisher-justin-barton-on-vanishing-land
(2019, Flatlines)
spoken word / ambient / audio essay
Альбом-аудиопрогулка двух мыслителей - Фишера и Бартона - сопровождающаяся музыкой от современных музыкантов от Gazelle Twin до Raime.
Марк Фишер наиболее известен своими теоретическми работами о хонтологии, кинематографе, музыке, поп-культуре в целом, депрессии, капитализме, коммунизме и многих других темах, о которых он рассуждал в своём блоге, статьях и книгах, изначально выходивших в его издательстве Zero Books. Эти тексты всё ещё мало переведены на русский, поскольку это сложная работа - Фишеру тесно в языке, он постоянно изобретает слова, играет ими, выстраивая совершенно новые смыслы. Фишер не только много писал о музыке в самых разных её проявлениях, но, об этом мало кто знает, в юности играл в техно-трио D-Generation, вдохновлявшемся психоделией 60-х. У D-Generation вышел по сути всего один 20-минутный релиз в 1994 году. А потом Фишер ушёл в академическую среду.
Альбом "On Vanishing Land" во многом попытка отдать дань памяти и уважения Марку Фишеру, который покончил с собой в 2017 году. Это большая коллективная работа, увековечивающая аудиоэссе, которое представлялось публике вживую в 2013 году, ещё при жизни Фишера. Спокойный, в духе ведущего документальной программы на BBC, тон, начитывающий эссе Фишера, сопровождается аудиофоном из эмбиента, дроуна, филд-рекординга, акусматической музыки. На альбоме можно услышать композиции от Gazelle Twin, Mordant Music, Dolly Dolly, John Foxx, Baron Mordant, Raime, Pete Wiseman, Farmers of Vega, Skjolbrot. Эссе не самое простое для восприятия, если английский язык не ваш родной, но даже не улавливая до конца все смыслы, вы полностью погружаетесь в атмосферу опустевшего пляжа, где вдоль берега нагромождены грузовые контейнеры - "нервный узел капитализма".
"On Vanishing Land" - это аудиопрогулка, которая возвращает нас в 2006 год, когда Марк Фишер вместе с философом и саунд-художником Джастином Бартоном шли вдоль пляжа Саффолка, рассуждая о том, что встречалось им на пути и погружаясь в размышления, которые им навевали эти образы. Время от времени повествование прерывается на короткие вставные истории - фрагменты из интервью с критиком и писателем Даном Фоксом, археологом Ангусом Вайнрайтом и другими. Мы слышим их небольшие личные истории - о семье, работе, сильных впечатлениях, после чего снова возвращаемся в лоно рассуждений Фишера об истории и культуре и почти поэтическому описанию того, что они с Бартоном видят вокруг.
Даже если вы не особо интересуетесь самим по себе Фишером (о том что для его почитателей это огромная находка, можно даже и не говорить), это литературно-философско-музыкальное путешествие определённо произведет на вас весьма необычное впечатление.
https://hyperdub.bandcamp.com/album/mark-fisher-justin-barton-on-vanishing-land
Flatlines
On Vanishing Land, by Mark Fisher, Justin Barton
2 track album
Harmonia - Musik von Harmonia
(1974, Brain)
krautrock / progressive electronic / ambient / kosmische
В ожидании скорого приезда в Москву Михаэля Ротера в рубрике #that_greats переслушиваем классический для адептов краута дебютный альбом Harmonia.
У не-адептов “краут-космише-культуры” может возникнуть вполне резонный вопрос. Почему именно “Musik von Harmonia” стал настолько значительным релизом для поклонников экспериментальной-околокраутроковой-электронной-космической музыки из Германии 1970-х?
Что ж, во-первых, это сами музыканты в Harmonia. Группа состояла из Ханса-Йоахима Роделиуса, Михаэля Ротера и Дитера Мёбиуса. Period.* Во-вторых, это, конечно, сам саунд “Musik von Harmonia”: тот самый моторик-ритм, синтезаторный вайб, гипнотические гитарные лупы, отрывистые звуки драм-машины и при этом простые, чуть ли не поп-мелодии.
* И точка. (англ.)
https://www.youtube.com/watch?v=aIkN8DnYh9E
(1974, Brain)
krautrock / progressive electronic / ambient / kosmische
В ожидании скорого приезда в Москву Михаэля Ротера в рубрике #that_greats переслушиваем классический для адептов краута дебютный альбом Harmonia.
У не-адептов “краут-космише-культуры” может возникнуть вполне резонный вопрос. Почему именно “Musik von Harmonia” стал настолько значительным релизом для поклонников экспериментальной-околокраутроковой-электронной-космической музыки из Германии 1970-х?
Что ж, во-первых, это сами музыканты в Harmonia. Группа состояла из Ханса-Йоахима Роделиуса, Михаэля Ротера и Дитера Мёбиуса. Period.* Во-вторых, это, конечно, сам саунд “Musik von Harmonia”: тот самый моторик-ритм, синтезаторный вайб, гипнотические гитарные лупы, отрывистые звуки драм-машины и при этом простые, чуть ли не поп-мелодии.
* И точка. (англ.)
https://www.youtube.com/watch?v=aIkN8DnYh9E
YouTube
Harmonia - Musik Von Harmonia (full album)
01 "Watussi" 00:00
02 "Sehr Kosmisch" 06:05
03 "Sonnenschein" 16:59
04 "Dino" 20:58
05 "Ohrwurm" 24:28
06 "Ahoi!" 29:37
07 "Veterano" 34:50
08 "Hausmusik" 38:48
02 "Sehr Kosmisch" 06:05
03 "Sonnenschein" 16:59
04 "Dino" 20:58
05 "Ohrwurm" 24:28
06 "Ahoi!" 29:37
07 "Veterano" 34:50
08 "Hausmusik" 38:48
Hovercraft - Akathisia
(1997, Blast First / Mute)
experimental rock / space rock / noise rock / psychedelic rock & krautrock influenced
Альбом экспериментальной инструментальной группы из Сиэтла, участники которой носили специфические псевдонимы: Sadie 7, Campbell 2000 и Karl 3-30. За всё время существования трио (1993-2001) вокруг Hovercraft сформировался культовый статус.
“Akathisia” - дебютный альбом группы, которая ещё в 90-ые подвергалась критике за то, что “[она] одна из самых жёстких, некоммерчески звучащих групп…” Но это Pitchfork, сами понимаете, а контекст более объёмный позволяет встроить Hovercraft в весьма широкий спектр музыкальных явлений, направлений и культурных ситуаций. Начиная от вышеупомянутых 90-х. Тут напрашивается вполне резонное утверждение о том, что такая музыка могла возникнуть исключительно в 90-е. Грубо говоря, аутентика экспериментального рока конца второго миллениума.
Что ж, затем очевидным образом речь может зайти о пост-роке, но, как нам кажется, и что особенного интересно в музыке Hovercraft, так это то, что она даже не совсем укладывается в жанровую парадигму пост-рока, а саунд группы остаётся действительно уникальным, что, собственно, можно услышать и осмыслить на “Akathisia”. Но дело с Hovercraft состоит всё же не в этих сравнениях и противопоставлениях, к тому же их масштабное перечисление попросту было бы ненужным. Пожалуй, надо добавить, что длина каждого трека на этом альбоме укладывается минимум в 11 минут, что позволяет воспринимать сам “Akathisia” в виде музыкального трипа. И да, интересная странность (в смысле weird) и гипнотическая протяжённость отлично чувствуется при полноценном погружении в эти удивительные 65 минут музыки.
https://www.youtube.com/watch?v=pVZ_dJ4vvMU
(1997, Blast First / Mute)
experimental rock / space rock / noise rock / psychedelic rock & krautrock influenced
Альбом экспериментальной инструментальной группы из Сиэтла, участники которой носили специфические псевдонимы: Sadie 7, Campbell 2000 и Karl 3-30. За всё время существования трио (1993-2001) вокруг Hovercraft сформировался культовый статус.
“Akathisia” - дебютный альбом группы, которая ещё в 90-ые подвергалась критике за то, что “[она] одна из самых жёстких, некоммерчески звучащих групп…” Но это Pitchfork, сами понимаете, а контекст более объёмный позволяет встроить Hovercraft в весьма широкий спектр музыкальных явлений, направлений и культурных ситуаций. Начиная от вышеупомянутых 90-х. Тут напрашивается вполне резонное утверждение о том, что такая музыка могла возникнуть исключительно в 90-е. Грубо говоря, аутентика экспериментального рока конца второго миллениума.
Что ж, затем очевидным образом речь может зайти о пост-роке, но, как нам кажется, и что особенного интересно в музыке Hovercraft, так это то, что она даже не совсем укладывается в жанровую парадигму пост-рока, а саунд группы остаётся действительно уникальным, что, собственно, можно услышать и осмыслить на “Akathisia”. Но дело с Hovercraft состоит всё же не в этих сравнениях и противопоставлениях, к тому же их масштабное перечисление попросту было бы ненужным. Пожалуй, надо добавить, что длина каждого трека на этом альбоме укладывается минимум в 11 минут, что позволяет воспринимать сам “Akathisia” в виде музыкального трипа. И да, интересная странность (в смысле weird) и гипнотическая протяжённость отлично чувствуется при полноценном погружении в эти удивительные 65 минут музыки.
https://www.youtube.com/watch?v=pVZ_dJ4vvMU
YouTube
Hovercraft - 1997 - Akathisia
00:00 Quiet Room 44
15:34 Angular Momentum
26:37 Haloparidol
39:08 Vagus Nerve
51:37 De Orbit Burn
15:34 Angular Momentum
26:37 Haloparidol
39:08 Vagus Nerve
51:37 De Orbit Burn
Roméo Poirier – Plage Arrière
(2016/2019, Kit Records)
aquatic ambient / electroacoustic / musique concrète
Переизданный дебют французского саунд-художника Ромео Пуарьера – редкий образец водного эмбиента, занимательный и одновременно расслабляющий.
“Plage Arrière” можно перевести с французского как "задний пляж" – так обозначают пространство, находящееся непосредственно за линией пляжа, наполненное в городах уютными кафе и лавками, а в отдалённых местах зелёными зарослями. Это место не находится в центре событий, не выставляется напоказ. Таково и звучание работ Ромео Пуарьера, французского музыканта, саунд-артиста, спасателя и фотографа. Его дебютный альбом будто помещает слушателя одновременно в идиллический полусвет этого заднего пляжа и на небольшую глубину спокойного, но оживлённого моря перед ним.
Вдохновляясь пляжами созвездия греческих островов (именами пляжей названы треки), Ромео сумел создать по-настоящему самобытный акватический эмбиент-пейзаж, ведущий амбиции Майка Купера глубже в море и лишь отдалённо напоминающий Яна Елинека. Обрывки музыкальных фраз непрерывно скользят здесь через поле нашего внимания, глубоководные тёплые дроун-потоки несут вместе с собой приглушённые потрескивания, водянистые пятна звуков. Электронное происхождение альбома практически незаметно – он будто сливается с природой. Всё же внимание, которое Ромео уделяет текстурам и микро-деталям, делает "Plage Arrière" одновременно занимательным и расслабляющим, и оттого способным принести редкое чувство детского восторга.
Композиция всего альбома дополняется фото с историей от самого Ромео. Это "корма лодки, покидающей остров. Мы видим пустой, затянутый сеткой бассейн, людей, смотрящих вдаль. Мужчина подносит свой последний ставший привычным за время на острове фраппе к губам. Теперь это лишь воспоминание о пляже" и беспечных днях. Иногда и правда приятно отключиться от действительности, погрузиться в новую незнакомую среду, прочувствовать ощущения других людей в неизвестных нам обстоятельствах. “Plage Arrière” невероятно в этом помогает, переправляя нас на те самые острова.
Фото Ромео:
https://swimplatform.tumblr.com
https://kitrecs.bandcamp.com/album/plage-arri-re
(2016/2019, Kit Records)
aquatic ambient / electroacoustic / musique concrète
Переизданный дебют французского саунд-художника Ромео Пуарьера – редкий образец водного эмбиента, занимательный и одновременно расслабляющий.
“Plage Arrière” можно перевести с французского как "задний пляж" – так обозначают пространство, находящееся непосредственно за линией пляжа, наполненное в городах уютными кафе и лавками, а в отдалённых местах зелёными зарослями. Это место не находится в центре событий, не выставляется напоказ. Таково и звучание работ Ромео Пуарьера, французского музыканта, саунд-артиста, спасателя и фотографа. Его дебютный альбом будто помещает слушателя одновременно в идиллический полусвет этого заднего пляжа и на небольшую глубину спокойного, но оживлённого моря перед ним.
Вдохновляясь пляжами созвездия греческих островов (именами пляжей названы треки), Ромео сумел создать по-настоящему самобытный акватический эмбиент-пейзаж, ведущий амбиции Майка Купера глубже в море и лишь отдалённо напоминающий Яна Елинека. Обрывки музыкальных фраз непрерывно скользят здесь через поле нашего внимания, глубоководные тёплые дроун-потоки несут вместе с собой приглушённые потрескивания, водянистые пятна звуков. Электронное происхождение альбома практически незаметно – он будто сливается с природой. Всё же внимание, которое Ромео уделяет текстурам и микро-деталям, делает "Plage Arrière" одновременно занимательным и расслабляющим, и оттого способным принести редкое чувство детского восторга.
Композиция всего альбома дополняется фото с историей от самого Ромео. Это "корма лодки, покидающей остров. Мы видим пустой, затянутый сеткой бассейн, людей, смотрящих вдаль. Мужчина подносит свой последний ставший привычным за время на острове фраппе к губам. Теперь это лишь воспоминание о пляже" и беспечных днях. Иногда и правда приятно отключиться от действительности, погрузиться в новую незнакомую среду, прочувствовать ощущения других людей в неизвестных нам обстоятельствах. “Plage Arrière” невероятно в этом помогает, переправляя нас на те самые острова.
Фото Ромео:
https://swimplatform.tumblr.com
https://kitrecs.bandcamp.com/album/plage-arri-re
Roméo Poirier
Plage Arrière, by Roméo Poirier
8 track album
Ezra Furman - Twelve Nudes
(2019, Bella Union)
indie rock / lo-fi
Новый альбом американского квир-музыканта Эзры Фёрмана, на котором звучание становится более прямолинейным и грязным, а настроение всё более безысходным.
С момента выхода прошлого полноформатного альбома Эзры Фёрмана, музыкант приобрёл чуть более широкую известность, став автором большинства саундтреков для одного из популярнейших сериалов Netflix этого года "Половое воспитание" (Sex Education). В одной из серий Фёрман даже появился на экране с камео в роли самого себя, выступающего с группой на школьной дискотеке. После этого выхода его нового альбома, очевидно, ждало уже больше людей, чем "Transangelic Exodus" в 2018 году.
И если год назад Эзра показал себя как талантливый "сторителлер", сделав концептуальный альбом о побеге двух влюблённых квиров подальше от враждебной среды, то "Twelve Nudes" - гораздо более сырой и простой и по концепции, и по звучанию. Этот альбом может показаться в каком-то смысле шагом назад для музыканта - он гораздо ближе по звучанию к ранним альбомам Эзры ("Day of the Dog" или "Perpetual Motion People"). Однако на этот раз звучание максимально приближено к лоуфайному - здесь нет ни саксофона, который был неизменной составляющей прошлых релизов Фёрмана, ни фортепианных вставок, ни электроники. "Twelve Nudes" предельно сырой и прямолинейный, в стиле стандартной рок-группы - электрогитара, бас, барабаны и нервный, срывающийся голос Эзры. Сам музыкант говорит, что новый альбом гораздо больше "от тела", чем "от сознания", здесь больше дикой энергии*.
Большую роль на этом альбоме, как в общем-то и на прошлых, играет лирика, поскольку для Фёрмана музыка всегда была в большей степени формой высказывания, это постоянный процесс каминг-аута, социального высказывания, причём не только и не столько как квир-персоны, Фёрман говорит о религии, социальном неравноправии, неспокойствии в окружении амбициозных карьеристов и "успешных людей". Высказывание на "Twelve Nudes" получилось резким и коротким, как крик или лозунг (альбом не длится даже получаса). Фёрман подтверждает, что это политическое высказывание, но оно в большей степени эмоциональное, чем анализирующее что-либо. На альбоме много энергии, но вместе с этим это один из самых безысходных и злых альбомов Фёрмана, особенно на контрасте с утопичным "Transangelic Exodus". Побег от действительности не удался, она неминуемо настигла музыканта со всей своей жестокостью, несправедливостью и нестабильностью, которая отобразилась на "Twelve Nudes".
*https://bellaunion.com/tag/twelve-nudes/
https://ezrafurman.bandcamp.com/album/twelve-nudes
(2019, Bella Union)
indie rock / lo-fi
Новый альбом американского квир-музыканта Эзры Фёрмана, на котором звучание становится более прямолинейным и грязным, а настроение всё более безысходным.
С момента выхода прошлого полноформатного альбома Эзры Фёрмана, музыкант приобрёл чуть более широкую известность, став автором большинства саундтреков для одного из популярнейших сериалов Netflix этого года "Половое воспитание" (Sex Education). В одной из серий Фёрман даже появился на экране с камео в роли самого себя, выступающего с группой на школьной дискотеке. После этого выхода его нового альбома, очевидно, ждало уже больше людей, чем "Transangelic Exodus" в 2018 году.
И если год назад Эзра показал себя как талантливый "сторителлер", сделав концептуальный альбом о побеге двух влюблённых квиров подальше от враждебной среды, то "Twelve Nudes" - гораздо более сырой и простой и по концепции, и по звучанию. Этот альбом может показаться в каком-то смысле шагом назад для музыканта - он гораздо ближе по звучанию к ранним альбомам Эзры ("Day of the Dog" или "Perpetual Motion People"). Однако на этот раз звучание максимально приближено к лоуфайному - здесь нет ни саксофона, который был неизменной составляющей прошлых релизов Фёрмана, ни фортепианных вставок, ни электроники. "Twelve Nudes" предельно сырой и прямолинейный, в стиле стандартной рок-группы - электрогитара, бас, барабаны и нервный, срывающийся голос Эзры. Сам музыкант говорит, что новый альбом гораздо больше "от тела", чем "от сознания", здесь больше дикой энергии*.
Большую роль на этом альбоме, как в общем-то и на прошлых, играет лирика, поскольку для Фёрмана музыка всегда была в большей степени формой высказывания, это постоянный процесс каминг-аута, социального высказывания, причём не только и не столько как квир-персоны, Фёрман говорит о религии, социальном неравноправии, неспокойствии в окружении амбициозных карьеристов и "успешных людей". Высказывание на "Twelve Nudes" получилось резким и коротким, как крик или лозунг (альбом не длится даже получаса). Фёрман подтверждает, что это политическое высказывание, но оно в большей степени эмоциональное, чем анализирующее что-либо. На альбоме много энергии, но вместе с этим это один из самых безысходных и злых альбомов Фёрмана, особенно на контрасте с утопичным "Transangelic Exodus". Побег от действительности не удался, она неминуемо настигла музыканта со всей своей жестокостью, несправедливостью и нестабильностью, которая отобразилась на "Twelve Nudes".
*https://bellaunion.com/tag/twelve-nudes/
https://ezrafurman.bandcamp.com/album/twelve-nudes
Ezra Furman
Twelve Nudes, by Ezra Furman
11 track album
Natalie Rose LeBrecht - Imagining Weather
(2005, self-released)
avant-folk / freak folk / singer-songwriter
У авант-фолк исполнительницы Натали Роуз ЛеБрехт нелавно вышел новый альбом после семилетнего затишья, поэтому мы решили переслушать её второй релиз 2005 года.
Ла Монте Янг и его жена художница Мэриан Зазила в начале 90-х годов организовали масштабную свето-звуковую инсталляцию - The Dream House. Попасть в дом мечты можно и сегодня, если вы вдруг окажетесь в Нью-Йорке. Это опыт, который полностью погружает вас в пространство, где минималистичный синтезированный звук никогда не затихает, а неоновый свет переливается на голых белых стенах. Даже если вы проведёте в таком месте всего несколько часов, это определённо повлияет на ваше восприятие. Натали Роуз ЛеБрехт спала в Dream House по несколько ночей в неделю, после того как стала ассистенткой Янга и Зазилы. Человек, который способен заснуть в Dream House, точно сможет удивить вас своим видением музыки. Особенно с подходом ЛеБрехт, которая, как она сама говорит, старается писать поп-песни, пользуясь средствами экспериментальной музыки или наоборот .
ЛеБрехт занимается музыкой ещё с подросткового возраста, когда она взяла себе псевдоним Greenpot Bluepot, под которым в 2001 году выпустила свой первый авант-фолк альбом "Daymares And Nightdreams". Несколькими годами позже она начала выпускаться и под своим настоящим именем. Ключевым в творчестве ЛеБрехт остаётся голос - это её авангардный инструмент, который при этом не выставляется на первый план, а органично вплетается в композиции. По своей манере исполнения, звучанию, лирике ЛеБрехт отлично вписывается в направление New Weird America и фрик-фолк. Так что если вам нравится Джоанна Ньюсом или Баньян Вашти и вы искали что-то в таком же ключе, но при этом ещё незнакомое и самобытное, послушайте Натали Роуз ЛеБрехт .
Второй альбом ЛеБрехт под её настоящим именем "Imagining Weather" открывается кавером на одну из самых известных песен Боба Дилана, однако она исполнена настолько своеобразно, что вы вряд ли сразу узнаете оригинал. На этом альбоме мелодичность переплетается с атональностью, но ведущим является скользящий по октавам голос ЛеБрехт. Здесь сюрреалистичные песни вроде "Pluto Frequencies", где голос ЛеБрехт плавен и растянут и чем-то даже напоминает китовые песни, соседствует с шестиминутной "Anne Frank Ten Million" или композиции о Сахаре в двух частях. Однозначно стоит заценить всем, кто любит странную, тягучую и авангардную фолк-музыку.
https://www.youtube.com/watch?v=TMyD2_viHog
(2005, self-released)
avant-folk / freak folk / singer-songwriter
У авант-фолк исполнительницы Натали Роуз ЛеБрехт нелавно вышел новый альбом после семилетнего затишья, поэтому мы решили переслушать её второй релиз 2005 года.
Ла Монте Янг и его жена художница Мэриан Зазила в начале 90-х годов организовали масштабную свето-звуковую инсталляцию - The Dream House. Попасть в дом мечты можно и сегодня, если вы вдруг окажетесь в Нью-Йорке. Это опыт, который полностью погружает вас в пространство, где минималистичный синтезированный звук никогда не затихает, а неоновый свет переливается на голых белых стенах. Даже если вы проведёте в таком месте всего несколько часов, это определённо повлияет на ваше восприятие. Натали Роуз ЛеБрехт спала в Dream House по несколько ночей в неделю, после того как стала ассистенткой Янга и Зазилы. Человек, который способен заснуть в Dream House, точно сможет удивить вас своим видением музыки. Особенно с подходом ЛеБрехт, которая, как она сама говорит, старается писать поп-песни, пользуясь средствами экспериментальной музыки или наоборот .
ЛеБрехт занимается музыкой ещё с подросткового возраста, когда она взяла себе псевдоним Greenpot Bluepot, под которым в 2001 году выпустила свой первый авант-фолк альбом "Daymares And Nightdreams". Несколькими годами позже она начала выпускаться и под своим настоящим именем. Ключевым в творчестве ЛеБрехт остаётся голос - это её авангардный инструмент, который при этом не выставляется на первый план, а органично вплетается в композиции. По своей манере исполнения, звучанию, лирике ЛеБрехт отлично вписывается в направление New Weird America и фрик-фолк. Так что если вам нравится Джоанна Ньюсом или Баньян Вашти и вы искали что-то в таком же ключе, но при этом ещё незнакомое и самобытное, послушайте Натали Роуз ЛеБрехт .
Второй альбом ЛеБрехт под её настоящим именем "Imagining Weather" открывается кавером на одну из самых известных песен Боба Дилана, однако она исполнена настолько своеобразно, что вы вряд ли сразу узнаете оригинал. На этом альбоме мелодичность переплетается с атональностью, но ведущим является скользящий по октавам голос ЛеБрехт. Здесь сюрреалистичные песни вроде "Pluto Frequencies", где голос ЛеБрехт плавен и растянут и чем-то даже напоминает китовые песни, соседствует с шестиминутной "Anne Frank Ten Million" или композиции о Сахаре в двух частях. Однозначно стоит заценить всем, кто любит странную, тягучую и авангардную фолк-музыку.
https://www.youtube.com/watch?v=TMyD2_viHog
YouTube
Natalie Rose Lebrecht - Imagining Weather (FULL ALBUM)
r u ready 2 rock?