Привет, давно не виделись!
Дел, конечно, было навалом, да и сейчас их не сильно меньше, так что поговорим об отвлеченном. А именно — почему так важно уметь представить аранжировку в голове и как работать с несколькими проектами сразу.
Вот скажите честно (хотя бы самим себе) — как часто рождается классная идея, когда ты ложишься спать, едешь в автобусе или варишь послеобеденный кофе? И даже если есть возможность добраться до компьютера или инструмента, как часто эта идея эволюционировала во что-то действительно стоящее? И у меня точно так же.
Хороший музыкант (аранжировщик, композитор, режиссер — подставьте сюда любую профессию и не сильно покривите душой) должен быть хорошим стратегом. И человеком недюжинной фантазии. Можно долго говорить, что мол я за настоящий рок-н-ролл, трэп или тропикал хаус, но если ты работаешь по лекалам, которые уже давно разобраны до тебя и не позволяешь себе эксперимент, то грош — цена твоей музыке.
Я не психолог и ни разу не нейробиолог, но богатая фантазия часто идет рука об руку с хорошей памятью. Потому что в придумки интересно играть, а потом их интересно воспроизводить. И если вы будете хотя бы по 5-10 минут в день «рисовать» в голове свою идеальную аранжировку, то ее гораздо проще будет перенести в комп. Вообще, если уж берешься за трек, то работай над ним постоянно, не важно в студии ты, в туалете или пять минут, как проснулся.
И точно так же тренируется работа с несколькими треками. Советую как можно раньше брать в работу две-три песни сразу, думая над ними попеременно. Конечно никто не запрещает (и даже рекомендуют) делать себе заметки, записки и раскладывать аранжировку по кубикам на бумаге в своей рабочей тетради. Я сам так работаю, но бумага — это просто возможность вспомнить нюансы. Но «скелет» всегда должен быть в голове и должен тебя заводить. Кому нужен трек от которого ты сам не прешься?
А еще есть очень крутой способ быстрого развития - берешь несколько треков и работаешь по сорок минут над каждым поочередно, прыгая из проекта в проект. Да, не стоит проходить больше двух кругов (я вообще делаю один). Зато ты учишься переключаться, оставляя в голове все треки. Плюс идеи из одного могут помочь в другом, делая общее звучание более цельным и более для тебя характерным.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Дел, конечно, было навалом, да и сейчас их не сильно меньше, так что поговорим об отвлеченном. А именно — почему так важно уметь представить аранжировку в голове и как работать с несколькими проектами сразу.
Вот скажите честно (хотя бы самим себе) — как часто рождается классная идея, когда ты ложишься спать, едешь в автобусе или варишь послеобеденный кофе? И даже если есть возможность добраться до компьютера или инструмента, как часто эта идея эволюционировала во что-то действительно стоящее? И у меня точно так же.
Хороший музыкант (аранжировщик, композитор, режиссер — подставьте сюда любую профессию и не сильно покривите душой) должен быть хорошим стратегом. И человеком недюжинной фантазии. Можно долго говорить, что мол я за настоящий рок-н-ролл, трэп или тропикал хаус, но если ты работаешь по лекалам, которые уже давно разобраны до тебя и не позволяешь себе эксперимент, то грош — цена твоей музыке.
Я не психолог и ни разу не нейробиолог, но богатая фантазия часто идет рука об руку с хорошей памятью. Потому что в придумки интересно играть, а потом их интересно воспроизводить. И если вы будете хотя бы по 5-10 минут в день «рисовать» в голове свою идеальную аранжировку, то ее гораздо проще будет перенести в комп. Вообще, если уж берешься за трек, то работай над ним постоянно, не важно в студии ты, в туалете или пять минут, как проснулся.
И точно так же тренируется работа с несколькими треками. Советую как можно раньше брать в работу две-три песни сразу, думая над ними попеременно. Конечно никто не запрещает (и даже рекомендуют) делать себе заметки, записки и раскладывать аранжировку по кубикам на бумаге в своей рабочей тетради. Я сам так работаю, но бумага — это просто возможность вспомнить нюансы. Но «скелет» всегда должен быть в голове и должен тебя заводить. Кому нужен трек от которого ты сам не прешься?
А еще есть очень крутой способ быстрого развития - берешь несколько треков и работаешь по сорок минут над каждым поочередно, прыгая из проекта в проект. Да, не стоит проходить больше двух кругов (я вообще делаю один). Зато ты учишься переключаться, оставляя в голове все треки. Плюс идеи из одного могут помочь в другом, делая общее звучание более цельным и более для тебя характерным.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Последние несколько дней (около четырех) я бьюсь над аранжировкой песни,которая сама по себе нравится, но вот аранжировка никак не идет.
Вроде бы и гармония правильная, и ритм качает, и динамика (по крайней мере в начале) есть, а все равно что-то не то.
Знакомо?
Раньше с такими творческими затыками я совершенно не знал, как бороться. И часто просто откладывал трек до лучших времен.
Еще в начале альбома я попробовал технику «30 минут», когда ты работаешь ежедневно над каждым треком подряд, но не более получаса. Мол так идеи генерятся лучше и вообще работа идет.
Ну в самом начале работы так и было. А потом начались затыки.
И вот что я понял совсем недавно (буквально сутки назад): хочешь работать над треком, который не идет? Бери и работай.
Сиди по несколько часов, засыпай и просыпайся с ним, крути аранжировку в голове в течение дня, особенно проблемные моменты.
И каким-то магическим образом все необходимое нарисуется, как-будто само по себе. Конечно математику включать придется, особенно там, где не совпадают надстройки аккордов или доли ритма. Но такой созерцательно-рутинный процесс даст плоды.
Я, например, аранжировку уже почти закончил и очень ей доволен, так что бросай телефон и иди уже пилить свою.
Добра тебе, музыкант ✌🏻
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Вроде бы и гармония правильная, и ритм качает, и динамика (по крайней мере в начале) есть, а все равно что-то не то.
Знакомо?
Раньше с такими творческими затыками я совершенно не знал, как бороться. И часто просто откладывал трек до лучших времен.
Еще в начале альбома я попробовал технику «30 минут», когда ты работаешь ежедневно над каждым треком подряд, но не более получаса. Мол так идеи генерятся лучше и вообще работа идет.
Ну в самом начале работы так и было. А потом начались затыки.
И вот что я понял совсем недавно (буквально сутки назад): хочешь работать над треком, который не идет? Бери и работай.
Сиди по несколько часов, засыпай и просыпайся с ним, крути аранжировку в голове в течение дня, особенно проблемные моменты.
И каким-то магическим образом все необходимое нарисуется, как-будто само по себе. Конечно математику включать придется, особенно там, где не совпадают надстройки аккордов или доли ритма. Но такой созерцательно-рутинный процесс даст плоды.
Я, например, аранжировку уже почти закончил и очень ей доволен, так что бросай телефон и иди уже пилить свою.
Добра тебе, музыкант ✌🏻
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Самый гадкий (и подлый) момент в аранжировке - когда ты понимаешь, что она уже почти готова, но есть проблема. Проблема в том, что нужно менять темп или тональность по какой-то причине.
И если у тебя бывало такое, то ты понимаешь, какой геморрой происходит с живыми инструментами. Их нужно полностью переписывать заново.
И вот на этом моменте действительно хочется все бросить и уйти в офис-менеджеры. Но есть причина, почему переписать намного лучше, чем подстроить переписанное по темпу програмно. Даже две причины:
А) изменения скорости искажают звук. При ускорении чуть менее заметно, при замедлении чуть более, но любой прокачанный слух сразу это услышит. С высотой та же история.
Б) во время переделки обязательно возникнут новые идеи или переосмысление старых партий.
Но я решил сделать этот пост даже не ради успокоения, а скорее для того, чтобы донести: часто микро изменения темпа или полутоновые (высоты) сильно меняют характер песни. Для примера я прикладываю два интро, с разницей темпа в 5 единиц. И насколько же разный грув приобретает трек из-за этого.
Примеров изменения высоты нет, но каждый из вас может легко потренироваться сам и отметить, как меняется характер.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
И если у тебя бывало такое, то ты понимаешь, какой геморрой происходит с живыми инструментами. Их нужно полностью переписывать заново.
И вот на этом моменте действительно хочется все бросить и уйти в офис-менеджеры. Но есть причина, почему переписать намного лучше, чем подстроить переписанное по темпу програмно. Даже две причины:
А) изменения скорости искажают звук. При ускорении чуть менее заметно, при замедлении чуть более, но любой прокачанный слух сразу это услышит. С высотой та же история.
Б) во время переделки обязательно возникнут новые идеи или переосмысление старых партий.
Но я решил сделать этот пост даже не ради успокоения, а скорее для того, чтобы донести: часто микро изменения темпа или полутоновые (высоты) сильно меняют характер песни. Для примера я прикладываю два интро, с разницей темпа в 5 единиц. И насколько же разный грув приобретает трек из-за этого.
Примеров изменения высоты нет, но каждый из вас может легко потренироваться сам и отметить, как меняется характер.
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Пять минут назад я наткнулся на видео, после которого убедился в очередной раз -- современная музыка идет рука об руку с технологиями, инженерией и наукой. Современная музыка должна удивлять и не только мастерством исполнения.
Короче наслаждаемся -- https://youtu.be/IvUU8joBb1Q
Короче наслаждаемся -- https://youtu.be/IvUU8joBb1Q
YouTube
Wintergatan - Marble Machine (music instrument using 2000 marbles)
Support Wintergatan:
- Patreon ► https://patreon.com/Wintergatan
- Youtube membership ► https://bit.ly/4cQVM7C
Marble Machine Engineering Discord Server:
https://discord.com/invite/7aSFJA6bkH
Video edited By Martin and Hannes from the Trainerds YouTube…
- Patreon ► https://patreon.com/Wintergatan
- Youtube membership ► https://bit.ly/4cQVM7C
Marble Machine Engineering Discord Server:
https://discord.com/invite/7aSFJA6bkH
Video edited By Martin and Hannes from the Trainerds YouTube…
"Multiband компрессия"
Этот год для меня стал переломным — наконец-то стало понятно, как пользоваться мультибендом. Раньше я думал, что это просто ненужная замена эквалайзеру, а оказалось все куда интересней.
Пример: есть песня. Она классная, интересная, но вот проблема — очень сильно бухтят низы. А если убирать громокости баса с бочкой, то кач сразу пропадает.
Предлагаешь сделать lowcut эквалайзером от 80-100 Гц? Хрена с два — у тебя пропадет теплота. Ну а что делать, ты уже догадался. Врубаем мультибенд на бочку и бас, выбираем частоту от 80Гц (от 100 Гц для баса) до нуля и дальше все, как при работе с обычным компрессором: threshold, ratio, attack. Низ сразу становится упругим, четким и правильным. А если его, почему-то, перестает хватать — прямо здесь поднимаем гейн этого же диапазона частот.
Всю жизнь звукарей в России учили, что есть ненужные частоты. Но давай посмотрим на реальный мир, есть в нем частоты, которые не нужны? И здесь то же самое. Частоты нужно просто аккуратно формовать и тогда трек будет звучать плотно, ярко и вкусно.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Этот год для меня стал переломным — наконец-то стало понятно, как пользоваться мультибендом. Раньше я думал, что это просто ненужная замена эквалайзеру, а оказалось все куда интересней.
Пример: есть песня. Она классная, интересная, но вот проблема — очень сильно бухтят низы. А если убирать громокости баса с бочкой, то кач сразу пропадает.
Предлагаешь сделать lowcut эквалайзером от 80-100 Гц? Хрена с два — у тебя пропадет теплота. Ну а что делать, ты уже догадался. Врубаем мультибенд на бочку и бас, выбираем частоту от 80Гц (от 100 Гц для баса) до нуля и дальше все, как при работе с обычным компрессором: threshold, ratio, attack. Низ сразу становится упругим, четким и правильным. А если его, почему-то, перестает хватать — прямо здесь поднимаем гейн этого же диапазона частот.
Всю жизнь звукарей в России учили, что есть ненужные частоты. Но давай посмотрим на реальный мир, есть в нем частоты, которые не нужны? И здесь то же самое. Частоты нужно просто аккуратно формовать и тогда трек будет звучать плотно, ярко и вкусно.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Ещё один философский пост, просто хочется порассуждать вслух.
Почему песни, которые нам нравятся, нам нравятся?
Цепляющий текст, заводная мелодия, клевый ритм, все вместе? Или что-то еще?
В моем личном плейлисте столько песен, которые принадлежат известным группам, но не стали всеобщими хитами, либо выпущенные местячковыми группами, о которых знают человек 200 друзей.
И для меня совершенно не важно, какого качества запись или насколько группа известна -- эта песня уже обогатила моей музыкальный багаж, заняла место в моей подкорке и я ее из плеера не удалю.
Да, я до сих пор стараюсь выделить идеальную формулу хита, но вот в чем штука -- она постоянно меняется. Да, есть базовые ритмы, мелодии, риффы и их сочетания, но от года к году они наскучивают, становятся банальными и приходится искать новые и так же по новому их комбинировать.
Так же происходит со смыслами текстов, наборами звуков и даже со сведением (как например расположение бочки, малого и баса в центре звуковой картины не всегда было нормой).
Но может и не стоит искать формул? Ни как автору, ни как слушателю, а наконец-то просто начать получать кайф.
Тем более, что сейчас наступило время, когда музыки столько, что на ее прослушивание нужно несколько жизней и каждый день появляется новая.
Видимо поэтому топовые хиты пишутся по лекалам: появилась одна стрельнувшая песня и будь уверен -- завтра появится три таких же по структуре, звуку и набору инструментов.
Вот почему я призываю вас писать то, что нравится самим. Просто делать это максимально качественно.
Каждый раз лучше, чем ты делал вчера.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Почему песни, которые нам нравятся, нам нравятся?
Цепляющий текст, заводная мелодия, клевый ритм, все вместе? Или что-то еще?
В моем личном плейлисте столько песен, которые принадлежат известным группам, но не стали всеобщими хитами, либо выпущенные местячковыми группами, о которых знают человек 200 друзей.
И для меня совершенно не важно, какого качества запись или насколько группа известна -- эта песня уже обогатила моей музыкальный багаж, заняла место в моей подкорке и я ее из плеера не удалю.
Да, я до сих пор стараюсь выделить идеальную формулу хита, но вот в чем штука -- она постоянно меняется. Да, есть базовые ритмы, мелодии, риффы и их сочетания, но от года к году они наскучивают, становятся банальными и приходится искать новые и так же по новому их комбинировать.
Так же происходит со смыслами текстов, наборами звуков и даже со сведением (как например расположение бочки, малого и баса в центре звуковой картины не всегда было нормой).
Но может и не стоит искать формул? Ни как автору, ни как слушателю, а наконец-то просто начать получать кайф.
Тем более, что сейчас наступило время, когда музыки столько, что на ее прослушивание нужно несколько жизней и каждый день появляется новая.
Видимо поэтому топовые хиты пишутся по лекалам: появилась одна стрельнувшая песня и будь уверен -- завтра появится три таких же по структуре, звуку и набору инструментов.
Вот почему я призываю вас писать то, что нравится самим. Просто делать это максимально качественно.
Каждый раз лучше, чем ты делал вчера.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Ух! Я очень давно тут не появлялся, прошу простить. Я сейчас доделываю видео к каверу, активно пишу вокал к альбому и все такое, но я обязательно исправлюсь.
А пока что -- пост про тембр.
Я практически уверен, что у каждого было хоть раз в жизни ощущение, что не нравится звук того, что ты записал вчера. И переписывая уже сегодня понимаешь, что все отлично. Да, можно подумать что дело в качестве записи, эффектах, звукорежиссере или потому, что ты пользуешься крякнутыми "фруктами" (а я знаю, что пользуешься).
Отчасти да, но гораздо важнее изначальный тембр записи. А тембр состоит в том числе из обертонов и унтертонов. И если первое еще на слуху, то о втором как-то не задумываются. А очень зря!
Унтертоны, как противоположность "обер" -- это звуки ниже основного. Если вдаваться в теорию акустики вкратце, то звук редко состоит из одной частоты (по сути -- никогда до изобретения синтезаторов, где такой звук можно генерировать). А если еще проще, то: "один звук -- это много звуков сразу". Кому интересно -- загуглите, там все по науке описано.
Чем это важно для нас, как для музыкантов и звукарей? Тем, что мы хотим привнести в запись еще больше глубины, яркости и "жирка". Как для музыкантов (и для вокалистов особенно) нужно уметь слушать и знать свой инструмент. Знать, как добавить ему еще больше низа и тепла (а это отдельная тема для каждого инструмента).
Что могут сделать звукари? Пользуйтесь октаверами, ревером, эксайтерами и дилеем -- эти штуки могут сильно добавит звуку красок. И ещё раз отмечу, что всегда нужно помнить о правиле: "Input shit = output shit".
Хорошего дня ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
А пока что -- пост про тембр.
Я практически уверен, что у каждого было хоть раз в жизни ощущение, что не нравится звук того, что ты записал вчера. И переписывая уже сегодня понимаешь, что все отлично. Да, можно подумать что дело в качестве записи, эффектах, звукорежиссере или потому, что ты пользуешься крякнутыми "фруктами" (а я знаю, что пользуешься).
Отчасти да, но гораздо важнее изначальный тембр записи. А тембр состоит в том числе из обертонов и унтертонов. И если первое еще на слуху, то о втором как-то не задумываются. А очень зря!
Унтертоны, как противоположность "обер" -- это звуки ниже основного. Если вдаваться в теорию акустики вкратце, то звук редко состоит из одной частоты (по сути -- никогда до изобретения синтезаторов, где такой звук можно генерировать). А если еще проще, то: "один звук -- это много звуков сразу". Кому интересно -- загуглите, там все по науке описано.
Чем это важно для нас, как для музыкантов и звукарей? Тем, что мы хотим привнести в запись еще больше глубины, яркости и "жирка". Как для музыкантов (и для вокалистов особенно) нужно уметь слушать и знать свой инструмент. Знать, как добавить ему еще больше низа и тепла (а это отдельная тема для каждого инструмента).
Что могут сделать звукари? Пользуйтесь октаверами, ревером, эксайтерами и дилеем -- эти штуки могут сильно добавит звуку красок. И ещё раз отмечу, что всегда нужно помнить о правиле: "Input shit = output shit".
Хорошего дня ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
"Что нельзя в музыке, но иногда все-таки можно".
Недавно мой учитель по английскому языку сказал: "Чем отличается успешный студент от неуспешного? Тем, что успешный владеет несколькими инструментами. И если один не сработал -- он берет следующий". Не правда ли, звучит как руководство к действию в любом ремесле?
Сегодня поговорим о табу, за которые маститые звукорежиссеры схватятся за вилы, а мы с вами интеллигентно покажем им средний палец и продолжим делать по-своему.
Начнем с очевидного — фильтры частот. О чем говорят все видеошколы с учебниками? "У каждого инструмента есть рабочий диапазон частот. Остальные ему не нужны и необходимо их вырезать для чистоты!". Особенно часто мы слышим это про басы и суб-басы, а так же про верхние частоты от 15-16 кГц.
Ай-ай-ай, какая глупость. Их-за этих "обрезок" мы теряем "тело" и "голос" инструмента. Лучше всего, уж если решили резать, пользуйтесь формой shelf и режьте слегка, на пару децибел. А ещё лучше -- мультибенд компрессор. О нем я писал ранее.
Дальше -- нельзя накладывать amp simulator на перегруженный звук -- получится узко и куце.
Зачастую и правда так делать не стоит, но -- если кажется, что гитаре чего-то не хватает, то добавив сайдчейном amp sim, мы можем нехило обогатить звук, не затронув основу.
Мое любимое: "необходимо вырезать резонансные частоты". Этим бахвалится каждый первый русский звукарь, с умным видом повторяя, как мантру. Снова советую мультибенд, если уж так неймется, но вообще при правильной компрессии с небольшим перегрузом (или эмулятором ленты) таких проблем не должно возникать вообще.
Ну и еще одно — для мастеринга нужен особенный софт, если нет возможности делать аналоговый. Тут оговорюсь, что аналоговый мастеринг -- правда тема и делает звук намного более "коммерческим". Но не огорчайтесь -- дома особенно софта так же не нужно. Просто необходим новый проект в любимом "Cubase" (или чем вы там пользуетесь) с собранной цепью, куда входят максимум пять эффектов: компрессор, лимитер, максимайзер, эквалайзер и сатуратор (эмулятор ленты или лампы как частные случаи).
Этого вполне достаточно для заметных улучшений.
И конечно никогда не выключайте уши и вкус. Экспериментируйте и если что-то противоречит логике и знаниями, но работает — юзайте и не слушайте никого.
Хорошей ночи! ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Недавно мой учитель по английскому языку сказал: "Чем отличается успешный студент от неуспешного? Тем, что успешный владеет несколькими инструментами. И если один не сработал -- он берет следующий". Не правда ли, звучит как руководство к действию в любом ремесле?
Сегодня поговорим о табу, за которые маститые звукорежиссеры схватятся за вилы, а мы с вами интеллигентно покажем им средний палец и продолжим делать по-своему.
Начнем с очевидного — фильтры частот. О чем говорят все видеошколы с учебниками? "У каждого инструмента есть рабочий диапазон частот. Остальные ему не нужны и необходимо их вырезать для чистоты!". Особенно часто мы слышим это про басы и суб-басы, а так же про верхние частоты от 15-16 кГц.
Ай-ай-ай, какая глупость. Их-за этих "обрезок" мы теряем "тело" и "голос" инструмента. Лучше всего, уж если решили резать, пользуйтесь формой shelf и режьте слегка, на пару децибел. А ещё лучше -- мультибенд компрессор. О нем я писал ранее.
Дальше -- нельзя накладывать amp simulator на перегруженный звук -- получится узко и куце.
Зачастую и правда так делать не стоит, но -- если кажется, что гитаре чего-то не хватает, то добавив сайдчейном amp sim, мы можем нехило обогатить звук, не затронув основу.
Мое любимое: "необходимо вырезать резонансные частоты". Этим бахвалится каждый первый русский звукарь, с умным видом повторяя, как мантру. Снова советую мультибенд, если уж так неймется, но вообще при правильной компрессии с небольшим перегрузом (или эмулятором ленты) таких проблем не должно возникать вообще.
Ну и еще одно — для мастеринга нужен особенный софт, если нет возможности делать аналоговый. Тут оговорюсь, что аналоговый мастеринг -- правда тема и делает звук намного более "коммерческим". Но не огорчайтесь -- дома особенно софта так же не нужно. Просто необходим новый проект в любимом "Cubase" (или чем вы там пользуетесь) с собранной цепью, куда входят максимум пять эффектов: компрессор, лимитер, максимайзер, эквалайзер и сатуратор (эмулятор ленты или лампы как частные случаи).
Этого вполне достаточно для заметных улучшений.
И конечно никогда не выключайте уши и вкус. Экспериментируйте и если что-то противоречит логике и знаниями, но работает — юзайте и не слушайте никого.
Хорошей ночи! ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Привет, музыкальные мои. Почему-то мало кто всерьез задумывается об этой теме, но она едва ли не основная во всей индустрии звука.
Итак "Реверберация. Цифровая и не очень".
С чего начинается звук? С источника, долго не думайте.
А объемный и красивый звук? С "пространственных отражений" . Если грубо — лишь небольшая часть звука (например голос) — это прямой звук из источника. Остальное — ушедший и отразившийся от пола, стен и потолка звук, вернувшийся в наши уши с задержкой. Точнее множество вариантов этого звука с разной задержкой же.
Вот почему звук, записанный сухо, так не радует ухо — мы привыкли к полному и "грязному" звучанию, а чистый сигнал звучит неестественно. При этом все мы знаем эффект "приморского кафе", когда реверберации настолько много, что от нее несет дешевизной. Вывод -- искать середину, как всегда.
Собственно способа, как делать вкусно, два — естественный или цифровой. "Железные" процессоры и педали я прозорливо отнес к цифре и вот почему.
Под естественным ревером я подразумеваю ревер комнаты. Т.е. нужен глубокий звук, как в консерватории — пишись в консерватории. Нужен звук "meeting room'а" — ну вы поняли. А есть отдельный эффект "Plate", появившийся от, собственно, металлических пластин в пространстве (рекомендую почитать). Короче затратно, красиво и часто совершенно не нужно. Особенно в 2к19.
Цифровой способ — педали, эффекты и надстройки в компьютере. Дешево, сердито и ты получаешь звук кучи залов в одной программе.
Как люблю делать я -- писаться в незаглушенной комнате (все хоть раз были в вокальных будках, где и сантиметра свободного от "acoustic foam" нет), потому что живое пространство, с его ошибками в планировании и "настоящестью" никак не подделать, хоть убейся.
Многие даже специально пишут микрофоном звук тишины в комнате, чтобы подставить в песню для эффекта "весь оркестр играл в одном помещении". И потом уже "докручиваю" звук плагинами.
К чему это я? Не бойтесь писаться в плохо подготовленном помещении на не самый лучший микрофон. Бойтесь в нем сводить. А сам звук записи не может быть хорошим или плохим -- он лишь более или менее подходящий для песни, для конкретной задачи. С саунд-дизайном, кстати, та же фигня. Так что даже дешёвый "Behringer" в родительской кухне может звучать круто, главное понимай, чего ты хочешь добиться таким звуком.
Ну и напоследок — я люблю ставить ревер не впрямую в "insert", а через "send" с силой где-то -10db. А потом, если хочется докрутить отдельные частоты ревера, вешаю в тот же "fx channel", где висит ревер, мультибенд компрессор. Которым уже прибираю лишнее (чаще всего это бас и нижняя середина, но случается всякое).
Надеюсь, что дал вам повод подумать, хорошего дня✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Итак "Реверберация. Цифровая и не очень".
С чего начинается звук? С источника, долго не думайте.
А объемный и красивый звук? С "пространственных отражений" . Если грубо — лишь небольшая часть звука (например голос) — это прямой звук из источника. Остальное — ушедший и отразившийся от пола, стен и потолка звук, вернувшийся в наши уши с задержкой. Точнее множество вариантов этого звука с разной задержкой же.
Вот почему звук, записанный сухо, так не радует ухо — мы привыкли к полному и "грязному" звучанию, а чистый сигнал звучит неестественно. При этом все мы знаем эффект "приморского кафе", когда реверберации настолько много, что от нее несет дешевизной. Вывод -- искать середину, как всегда.
Собственно способа, как делать вкусно, два — естественный или цифровой. "Железные" процессоры и педали я прозорливо отнес к цифре и вот почему.
Под естественным ревером я подразумеваю ревер комнаты. Т.е. нужен глубокий звук, как в консерватории — пишись в консерватории. Нужен звук "meeting room'а" — ну вы поняли. А есть отдельный эффект "Plate", появившийся от, собственно, металлических пластин в пространстве (рекомендую почитать). Короче затратно, красиво и часто совершенно не нужно. Особенно в 2к19.
Цифровой способ — педали, эффекты и надстройки в компьютере. Дешево, сердито и ты получаешь звук кучи залов в одной программе.
Как люблю делать я -- писаться в незаглушенной комнате (все хоть раз были в вокальных будках, где и сантиметра свободного от "acoustic foam" нет), потому что живое пространство, с его ошибками в планировании и "настоящестью" никак не подделать, хоть убейся.
Многие даже специально пишут микрофоном звук тишины в комнате, чтобы подставить в песню для эффекта "весь оркестр играл в одном помещении". И потом уже "докручиваю" звук плагинами.
К чему это я? Не бойтесь писаться в плохо подготовленном помещении на не самый лучший микрофон. Бойтесь в нем сводить. А сам звук записи не может быть хорошим или плохим -- он лишь более или менее подходящий для песни, для конкретной задачи. С саунд-дизайном, кстати, та же фигня. Так что даже дешёвый "Behringer" в родительской кухне может звучать круто, главное понимай, чего ты хочешь добиться таким звуком.
Ну и напоследок — я люблю ставить ревер не впрямую в "insert", а через "send" с силой где-то -10db. А потом, если хочется докрутить отдельные частоты ревера, вешаю в тот же "fx channel", где висит ревер, мультибенд компрессор. Которым уже прибираю лишнее (чаще всего это бас и нижняя середина, но случается всякое).
Надеюсь, что дал вам повод подумать, хорошего дня✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Часто случается, что один шаг в произвольном направлении дает тебе толчок в том, что действительно важно. Вот и сегодня, посмотрев урок по веб-дизайну, я натолкнулся на мысли о создании музыки, как продукта.
Вы задумывались о том, как оценить ваш профессионализм? В процентах? В графиках? Сегодня я понял, что он оценивается в навыках. В том, насколько автоматически ты делаешь что-либо.
Чем это знание нам поможет? Оно поможет в оценке скорости работы. Для начала стоит разбить весь проект на блоки навыков. Например: придумывание партий, их запись, редактура записанного, обработка (причем здесь тоже можно разбить: компрессия, эквализация, сатурация). И после оценить, что у тебя получается хуже всего, а точнее -- дольше всего.
А дальше все просто — тренировать слабый навык, либо делегировать его кому-то. Так ты не только станешь делать проекты проще и быстрее — ты во многом избавишься от рутины производства, которая часто присутствует именно из-за того, что какой-то навык просажен и приходится компенсировать его слабину временем.
Надеюсь, что я натолкнул и тебя на нужные мысли✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Вы задумывались о том, как оценить ваш профессионализм? В процентах? В графиках? Сегодня я понял, что он оценивается в навыках. В том, насколько автоматически ты делаешь что-либо.
Чем это знание нам поможет? Оно поможет в оценке скорости работы. Для начала стоит разбить весь проект на блоки навыков. Например: придумывание партий, их запись, редактура записанного, обработка (причем здесь тоже можно разбить: компрессия, эквализация, сатурация). И после оценить, что у тебя получается хуже всего, а точнее -- дольше всего.
А дальше все просто — тренировать слабый навык, либо делегировать его кому-то. Так ты не только станешь делать проекты проще и быстрее — ты во многом избавишься от рутины производства, которая часто присутствует именно из-за того, что какой-то навык просажен и приходится компенсировать его слабину временем.
Надеюсь, что я натолкнул и тебя на нужные мысли✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Сегодня будет маленький пост с предложением, что почитать.
Если вы ещё не знаете, кто такой Джон Сибрук, а заодно хотите разобраться в "бэкграунде" американского "MTV" и в том, как и кем пишутся современные хитовые треки, то я настоятельно рекомендую две его книги:
"Культура маркетинга. Маркетинг культуры"
и
"Машина песен. Внутри фабрики хитов".
Книги переведены на лёгкий и приятный русский язык, да и в оригинале читаются влёт. Однозначно рекомендую!
P.S. а для технарей, не ищущих лёгкой жизни, предлагаю две книги по звукорежиссуре на английском:
"Recording secrets for the small studio"
и как продолжение
"Mixing secrets for the small studio".
Приятного чтения и хорошего вечера ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Если вы ещё не знаете, кто такой Джон Сибрук, а заодно хотите разобраться в "бэкграунде" американского "MTV" и в том, как и кем пишутся современные хитовые треки, то я настоятельно рекомендую две его книги:
"Культура маркетинга. Маркетинг культуры"
и
"Машина песен. Внутри фабрики хитов".
Книги переведены на лёгкий и приятный русский язык, да и в оригинале читаются влёт. Однозначно рекомендую!
P.S. а для технарей, не ищущих лёгкой жизни, предлагаю две книги по звукорежиссуре на английском:
"Recording secrets for the small studio"
и как продолжение
"Mixing secrets for the small studio".
Приятного чтения и хорошего вечера ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
В ближайшие три поста я буду вещать о компресси, потому что тема глубокая и я хочу остановиться на каждом из способов, что я использую в работе, подробнее.
Начнем с параллельной, она же "нью-йоркская". Получается, если любой вид компрессора добавить через "send" канал к основной дорожке звука (если есть вопросы о том, как сделать сайдчейн в вашем daw -- пишите и я обязательно создам об этом пост).
Я люблю использовать эмулятор лампового компрессора, легендарного уже 1176 и просто любой singleband компрессор, который есть в любом daw.
Что делаем дальше? Ставим ratio от 4:1, attack и release на минимум, ну и treshold тоже установить пониже. Зачем? Чтобы звук компрессора был максимально сжатым (что добавляет насыщенности в басе и нижней середине).
А благодаря "send'у" у нас получается два сигнала, звучащих одновременно: чистый и пережатый, даже слегка "fried" (пережаренный или подъярченный). То есть тихие звуки начинают звучать громко, а громкие — остаются такими же, как были (при общем увеличении громкости, яркости и мощи дорожки).
И вот благодаря тому, что мы меняем соотношение обработанного и чистого сигналов, мы и получаем тот звук, который нужен.
Обычно у меня 50/50, тк современный саунд должен быть ярким и сочным, но ничто не запрещает экспериментировать.
На этом все, а в следующий раз я буду вещать о мультибенд и двойной компрессиях, но всему свое время.
Have a nice day, pals✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Начнем с параллельной, она же "нью-йоркская". Получается, если любой вид компрессора добавить через "send" канал к основной дорожке звука (если есть вопросы о том, как сделать сайдчейн в вашем daw -- пишите и я обязательно создам об этом пост).
Я люблю использовать эмулятор лампового компрессора, легендарного уже 1176 и просто любой singleband компрессор, который есть в любом daw.
Что делаем дальше? Ставим ratio от 4:1, attack и release на минимум, ну и treshold тоже установить пониже. Зачем? Чтобы звук компрессора был максимально сжатым (что добавляет насыщенности в басе и нижней середине).
А благодаря "send'у" у нас получается два сигнала, звучащих одновременно: чистый и пережатый, даже слегка "fried" (пережаренный или подъярченный). То есть тихие звуки начинают звучать громко, а громкие — остаются такими же, как были (при общем увеличении громкости, яркости и мощи дорожки).
И вот благодаря тому, что мы меняем соотношение обработанного и чистого сигналов, мы и получаем тот звук, который нужен.
Обычно у меня 50/50, тк современный саунд должен быть ярким и сочным, но ничто не запрещает экспериментировать.
На этом все, а в следующий раз я буду вещать о мультибенд и двойной компрессиях, но всему свое время.
Have a nice day, pals✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Перед началом поста хочу сказать спасибо Виктору Карпову, который резонно меня поправил в комментариях — конечно же, когда я говорил о sidechain, то я имел ввиду fx канал, в котором ставится эффект компрессии и через посыл (send) отправляется на канал, который нужно обработать.
Sidechain — совершенно другая фигня и я даже понятия не имею, почему я называл fx посыл именно так. Извиняюсь и в будущем буду перепроверять формулировки, чтобы не вводить вас в заблуждение. Да и про сам sidechain не помешает написать пост.
Upd. Везде, где я писал sidechain в предыдущих постах формулировки поправлены на верные, но верхнюю часть поста я менять не стал, чтобы вы все видели, что каждый может ошибиться и это нормально не скрывать своих ошибок.
И на этом продолжим — сегодня хочу рассказать про мультибенд компрессию, она же многополосная. Она работает, по сути, как эквалайзер, то есть каждую полосу частот можно взять и обработать отдельно, назначив на нее свой собственный уровень компрессии. Плюс, как в эквалайзере, эту частоту можно поднять или опустить. Я очень люблю такой вид компрессии за аккуратную, можно сказать филигранную, работу с басом. Если ты понимаешь, что микс сделан так себе и баса слишком много, то мультибенд если и не спасет ситуацию, то сделает все намного терпимее.
В мультибенде выбираем нижнюю полосу частот, где-то до 150-200 гц, подкручиваем treshold и все -- бас остался мощным, читаемым, но собранным и не вылезающим за границу того, каким он обязан быть. А если увеличить уровень этого баса (как если бы пользовались эквалайзером), то мощи еще добавится.
Для сравнения снизу лежат четыре аудио примера: чистый, с параллельной компрессией, мультибенд компрессия с поднятыми частотами и четвертый вариант с поднятыми эквалайзером частотами.
В следующий раз будем говорить о двойной компрессии, всем пока✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Sidechain — совершенно другая фигня и я даже понятия не имею, почему я называл fx посыл именно так. Извиняюсь и в будущем буду перепроверять формулировки, чтобы не вводить вас в заблуждение. Да и про сам sidechain не помешает написать пост.
Upd. Везде, где я писал sidechain в предыдущих постах формулировки поправлены на верные, но верхнюю часть поста я менять не стал, чтобы вы все видели, что каждый может ошибиться и это нормально не скрывать своих ошибок.
И на этом продолжим — сегодня хочу рассказать про мультибенд компрессию, она же многополосная. Она работает, по сути, как эквалайзер, то есть каждую полосу частот можно взять и обработать отдельно, назначив на нее свой собственный уровень компрессии. Плюс, как в эквалайзере, эту частоту можно поднять или опустить. Я очень люблю такой вид компрессии за аккуратную, можно сказать филигранную, работу с басом. Если ты понимаешь, что микс сделан так себе и баса слишком много, то мультибенд если и не спасет ситуацию, то сделает все намного терпимее.
В мультибенде выбираем нижнюю полосу частот, где-то до 150-200 гц, подкручиваем treshold и все -- бас остался мощным, читаемым, но собранным и не вылезающим за границу того, каким он обязан быть. А если увеличить уровень этого баса (как если бы пользовались эквалайзером), то мощи еще добавится.
Для сравнения снизу лежат четыре аудио примера: чистый, с параллельной компрессией, мультибенд компрессия с поднятыми частотами и четвертый вариант с поднятыми эквалайзером частотами.
В следующий раз будем говорить о двойной компрессии, всем пока✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Ну и в завершении — компрессия двойная. Тут все до безумия просто — использовать два любых принципа компрессии одновременно. Это позволит получить преимущества сразу двух способов, делая контроль звука максимально возможным.
Но есть нюансы: во-первых параметр ratio надо ставить небольшим (2:1 и меньше), потому что при двух компрессорах ratio не складываются, а перемножаются. И звук может стать очень плоским.
А во-вторых не стоит ставить атаку и релиз одинаково маленькими, что тоже чревато плоскостью.
Лучше всего первый компрессор (или параллельный) ставить с маленькими параметрами атаки и релиза, а во втором уже ставить среднюю атаку и средне-большой релиз. Так звук будет и сжатым и достаточно гладким.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Но есть нюансы: во-первых параметр ratio надо ставить небольшим (2:1 и меньше), потому что при двух компрессорах ratio не складываются, а перемножаются. И звук может стать очень плоским.
А во-вторых не стоит ставить атаку и релиз одинаково маленькими, что тоже чревато плоскостью.
Лучше всего первый компрессор (или параллельный) ставить с маленькими параметрами атаки и релиза, а во втором уже ставить среднюю атаку и средне-большой релиз. Так звук будет и сжатым и достаточно гладким.
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Ну и последний, но такой же важный, вариант компрессии — sidechain.
На самом деле сайдчей не всегда означает компрессию — это просто принцип, когда один сигнал управляет параметрами другого. Но так уж вышло, что чаще всего мы используем именно сайдчейн компрессию.
Самый простой пример: есть сигналы бочки и баса. И через сайдчейн бочка управляет громкостью баса. Каждый раз, когда звучит удар бочки — бас затихает по тому принципу, который был установлен на компрессоре (Attack, Release, Ratio влияют на то, как именно будет затихать и возвращаться к исходной громкости звук).
Так бас и бочка вместе могут звучать, не конфликтуя, но есть у такой компрессии художественные функции.
Во-первых pumping bass, дико модный для танцевальной музыки (если очень грубо, то это бас, который звучит наиболее мощно на слабую долю). И чтобы долго не искать подходящий прессет синтезатора — гораздо проще сделать такой бас из любого, который нравится.
А второй эффект используется в радио, тв и кино. Представьте: звучит музыка, начинает говорить диктор и на время его речи музыка отходит на задний план. И выходит вперед сразу, как диктор заканчивает речь.
Так что учите матчасть и пользуйтесь всеми инструментами, что вам дала цивилизация✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
На самом деле сайдчей не всегда означает компрессию — это просто принцип, когда один сигнал управляет параметрами другого. Но так уж вышло, что чаще всего мы используем именно сайдчейн компрессию.
Самый простой пример: есть сигналы бочки и баса. И через сайдчейн бочка управляет громкостью баса. Каждый раз, когда звучит удар бочки — бас затихает по тому принципу, который был установлен на компрессоре (Attack, Release, Ratio влияют на то, как именно будет затихать и возвращаться к исходной громкости звук).
Так бас и бочка вместе могут звучать, не конфликтуя, но есть у такой компрессии художественные функции.
Во-первых pumping bass, дико модный для танцевальной музыки (если очень грубо, то это бас, который звучит наиболее мощно на слабую долю). И чтобы долго не искать подходящий прессет синтезатора — гораздо проще сделать такой бас из любого, который нравится.
А второй эффект используется в радио, тв и кино. Представьте: звучит музыка, начинает говорить диктор и на время его речи музыка отходит на задний план. И выходит вперед сразу, как диктор заканчивает речь.
Так что учите матчасть и пользуйтесь всеми инструментами, что вам дала цивилизация✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky