У русского художника Ильи Репина было очень необычное увлечение. Необычное для его времени – рубежа веков, и для его окружения – людей творческих и вольных духом.

Илья Ильич был ЗОЖником и вегетарианцем.

Вопреки расхожему мнению современников Репина о вреде вегетарианства, художник был полон жизни.

Репин обожал кататься на лошади и плавать, работать в саду, бегать на лыжах и танцевать. Не вальсировать, а именно что плясать до упада. Однажды Репин со своей второй женой Натальей Нордман гостил у Льва Толстого и устроил там, как неодобрительно вспоминал потом сам великий русский писатель, «плясовые оргии под граммофон».

Вегетарианскую диету Репин соблюдал неукоснительно. Но ограничения в меню совершенно его не тяготили. Более того, он восторгался «роскошью растительного стола»:

Салаты! Какая прелесть! Бульон из сена, из кореньев, из трав – вот эликсир жизни!

Кстати, этот самый «бульон из сена» был объектом насмешек над Репиным в прессе. Кто рассказал газетчикам про травяные отвары Репиных – неизвестно: по средам дом художника был открыт для всех, бывали там и случайные люди. На самом деле, Репины не потчевали своих гостей запаренным сеном, а заваривали для них хороший китайский чай. Но вот что касается остальных блюд – еда была исключительно вегетарианской.

Некоторые гости, считавшие веганство хозяина не более чем причудой, привозили «запрещенку» с собой и ели ее тайно. Застуканных на месте преступления ждала страшная кара – провинившийся должен был залезть на специально построенную в доме трибуну и произнести речь. Такое же наказание ждало тех, кто нарушил еще одно незыблемое правило Репиных: обслуживать себя самостоятельно.

Илья Ильич Репин прожил очень долгую и очень насыщенную жизнь. В 86 лет он сохранял и работоспособность, и острый ум, и даже способность влюбляться. Может быть, благодаря и ЗОЖ, но скорее всего сыграл свою роль дар. Ведь талантливый человек талантлив во всем – не только в творчестве, но и в любви к жизни.


#Нехудожественные_увлечения
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Главной своей картине Александр Иванов отдал жизнь в самом буквальном смысле слова. Над «Явлением Христа народу» художник работал двадцать лет, не считая тех четырех, в течение которых обдумывал замысел.

Молодым человеком,

— вспоминал о художнике друживший с ним Александр Герцен, —

принялся Иванов за свою картину <…> и состарился с ней; кисть, взятая юношеской рукой, ослабела на том же полотне, целая жизнь была употреблена на созерцание, обдумывание, изучение своего предмета, и при каких условиях. “Нищета его, — пишет мне один из друзей его, — была такова, что он по суткам довольствовался стаканом кофе и черствой булкой или чашкой чечевицы, сваренной из экономии им самим, в той студии, где работал, и на воде, за которой наш художник ходил сам к ближайшему фонтану”. И в этой борьбе шли годы и годы.

Две золотые медали Академии художеств — сначала малая, а затем и большая — открыли Александру Иванову дорогу в Италию, которую он считал чуть ли не землей обетованной. Художник обосновался в Риме, где всегда существовала многочисленная колония русских. Академическая пенсия выдавалась только на три года и покрывала лишь самые необходимые потребности в крове, пище, холстах и красках, однако выросшего в многодетной семье Александра это не пугало.

Когда пенсионерский срок истек, он не вернулся в Россию, написав прошение на высочайшее имя: для воплощения задуманного ему нужны были знойные пейзажи и южные типажи. Первое можно было в изобилии найти на окраинах Вечного города, второе — на площади Испании, которая в те времена служила своеобразной «биржей труда» для натурщиков всех мастей. Кстати, нередко для одного персонажа Иванову приходилось приглашать двух натурщиков: тело он писал с мужчины, а выражение лица, то есть эмоцию, — с женщины, считая итальянок более одухотворенными.

В декабре 1848 года в Рим прибыл император Николай I в сопровождении вице-президента Академии художеств графа Федора Толстого. Посетив мастерскую Иванова, государь, проникшись темой и масштабом полотна, повелел выплачивать ему пенсию бессрочно и даже «дал наказ» относительно следующей картины:

Кончит это, пусть напишет Великое Крещение русских в Днепре.

Для художника это было спасением. Уйдя с головой в библейские сюжеты, он чувствовал, что не вправе отвлекаться на заказы, каких бы выгод они ему ни сулили. Однажды ему предложили место куратора над росписью нового храма. По признанию самого художника, это было «место, которое доставило бы и славу, и материальное обеспечение; я думал, думал, да и отказался…».

Когда титанический труд был окончен, Иванов выставил его в Риме. Это был час подлинного триумфа. К сожалению, единственный в его жизни. Воодушевленный восторгами коллег, знатоков и публики, в 1858 году художник решился привезти свое детище на родину. Даже сегодня полотно размером 540 x 750 см перемещать на большие расстояния весьма проблематично, а в середине позапрошлого века это был целый подвиг. Александр Андреевич ехал в Россию, искренне веря, что там его творение необходимо. О том, чем живет общество, что волнует просвещенную публику, он имел весьма смутное представление. А какие интриги плетутся при дворе и в Академии, тем более понятия не имел. В Зимнем дворце картину выставили в Белом зале, где освещение оказалось для нее крайне невыгодным. Записные академики завидовали, придворные недоумевали, даже государь на сей раз был не настолько впечатлен — все затмили торжества по случаю освящения Исаакиевского собора.

Точку в судьбе гениального художника поставила холера. А после похорон в его квартиру явился чиновник с известием, что император покупает «Явление Христа народу» за 15 000 рублей, жалует орденом Владимира II степени и званием академика. Герцен посвятил памяти друга статью в своем «Колоколе», где назвал наследие его «свидетельством о той непочатой, цельной натуре русской, которую мы знаем чутьем, о которой догадываемся сердцем и за которую, вопреки всему делающемуся у нас, мы так страстно любим Россию, так горячо надеемся на ее будущность!».

#ПрочтениеЖивописи
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В 2017 году в Гентском музее изящных искусств в Бельгии открылась выставка под названием «Русский модернизм». Всего на выставке было 24 картины, среди которых работы Эскер, Кандинского, Малевича и некоторых других известных художников. Все картины были взяты из собрания Игоря Топоровского.

Выставка сразу же вызвала негодование среди экспертов. Одни сомневались в подлинности коллекции. Другие были поражены такой наглостью и рассказывали, что просмотр галереи не вызывает ничего, кроме испанского стыда. Британский арт-дилер Джеймс Баттервик сразу же написал директору музея о своих сомнениях касательно подлинности выставки.

Через 3 месяца ряд экспертов по русскому искусству опубликовали открытое письмо, в котором высказали серьезную озабоченность подлинностью экспонатов на выставке в Генте. При этом вопросы о подлинности вызывали не какие-то мелкие детали или недочеты, а буквально все сразу.

У картин не было никакой внятной истории за весь ХХ век, не было заключений искусствоведов, не было никаких результатов химических анализов, доказывающих подлинность. Более того, в полотнах была серьезная путаница между кириллицей и латинским алфавитом, а заодно и ошибки в дореформенной орфографии.

Внутреннее и журналистское расследования начались незамедлительно. Подозрения усиливались еще и тем, что практически все люди, упомянутые Топоровским в рассказах о приобретении экспонатов, открещивались от этих историй и всячески давали понять, что они не имеют к этому никакого отношения.

В скором времени была назначена комиссия, которая должна была подтвердить подлинность картин, однако к работе она так и не приступила. Музей наложил вето на независимую экспертизу и дал объяснение, что экспонаты отправятся обратно в фонд «Дилегем», основателем которого является сам Игорь Топоровский. Там же их и проверят. Администрация города Гент отреагировала на такие манипуляции крайне негативно и устроила внешний аудит музею. Итогом всей этой истории стал арест Игоря Топоровского и снятие Катрин де Зегер с должности директора музея.


#Факт_о_контрафакте
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

«Мой план – быть готовым ко всему, что меня ждет впереди», – делится в своем интервью с арт-директором и вдохновителем платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероникой Коржевской куратор групповой выставки «Паблик-арт. Действующие лица» Роман Ермаков.

Инженер-архитектор по образованию, мастер перформативных костюмов, скульптор, сценограф, художник – творческие воплощения Романа Ермакова удивительно разнообразны. Ему подвластны многие виды изобразительного искусства. Его работы органично сочетают в себе техническую точность и художественную пластичность.

Разговор c художником получился многослойным и насыщенным, впрочем, как и творческий путь героя.

Посмотреть интервью Вероники Коржевской с Романом Ермаковым о художественных метаморфозах, влиянии рынка на статус искусства, роли государства в развитии индустрии, хитросплетениях вопросов авторского права и многом другом можно по ссылке.

#От_первого_лица
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Почему французского художника и графика Жюля Шере называют «Отцом плакатного дизайна»? Ведь он не был первым живописцем, кто начал рисовать афиши спектаклей, ресторанные меню, обложки для книжек и рекламные плакаты. И не был единственным предпринимателем в Париже, кто имел печатную мастерскую.

Все дело в том, что он был первым, кто начал подписывать свои работы и тем самым повысил статус плаката до объекта искусства.

Кроме того, Жюль Шере изобрел собственный быстрый и эффективный способ создания многоцветных плакатов. Его инновации навсегда изменили рекламу того времени.

Формула успеха Шере состояла из трех вещей.

Во-первых, он исключил из производственного процесса этап создания эскиза и переноса его на специальный литографический камень, начав работать сразу на камне.

Во-вторых, он делал с одного камня оттиски двумя различными красками, что значительно ускорило и упростило создание плакатов.

И в-третьих, создал новый художественный стиль – предтечу модерна. Теперь художники могли буквально выносить свое искусство на улицы.

Именно благодаря Шере искусство создания плакатов выросло в самую настоящую индустрию,а имея собственную печатную мастерскую в Париже, он создавал шедевры плакатного модерна – афиши для театров, кабаре и мюзик-холлов, рекламные плакаты. Самую разнообразную продукцию на этих плакатах – от алкоголя и косметики до сигарет и лекарственных препаратов – представляла молодая кокетливая красотка, которую публика ласково называла «шеретка». Она стала своеобразной подписью художника. А может быть, была его талисманом.

Жюля Шере как ведущего рекламиста Франции признали не только коллеги по цеху, но и правительство республики: в 1890 году он был награжден орденом Почетного Легиона за выдающийся вклад в развитие графического искусства.

На заметку

Познакомиться с работами художника можно на выставке «Калейдоскоп французской жизни» в Волго-Вятском филиале ГМИИ им. А.С. Пушкина (Арсенал).

В экспозиции представлена одна из лучших коллекций литографированной афиши XIX – начала XX века из собрания Пушкинского музея. Произведения, созданные в триумфальный период в истории рекламного дизайна, иллюстрируют все многообразие французской жизни – быт, моду, нравы, развлечения, коммерцию, политическую борьбу, искусство.

Помимо работ Жюля Шере, посетители выставки могут увидеть работы одного из пионеров иллюстрированных объявлений Поля Гаварни, представителей стиля ар-нуво Анри де Тулуз-Лотрека, Эжена Грассе и Альфонса Мухи, карикатуристов Адольфа Вийетта и Гюстава Жоссо.

Выставка доступна для посещения до 23 февраля 2025 года.

Портрет Жюля Шере создан с помощью Midjourney.

#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Чуть больше десяти дней остается до наступления 2025 года. Новый год принесет новые творческие мастерские, фестивали и конкурсы. Рекомендуем присмотреться к ним уже сейчас, чтобы успеть подготовить заявку.

 
📍Арт-резиденция в селе Кидекша
 
Художников, этнографов, фольклористов иискусствоведов приглашают исследовать историю создания ткачества – от традиционных ремесел до современных художественных практик. В рамках резиденции «Текстиль: Материя искусства и культуры» участникам предлагается переосмыслить работу с тканью, нитями и узорами, исследуя их как выразительное средство и способ диалога между прошлым и будущим.
Итоговые работы и исследования резиденции получат возможность войти в состав экспозиции, посвященной теме ткачества, которая откроется в августе 2025 года в МИРА-центре в Суздале.
 
Дедлайн: 10 января
 
 
📍Конкурс от Центра творческих индустрий «Фабрика»
 
Открыт набор на новый сезон программы поддержки mid-career artists «Фабричные мастерские». Художники, работающие с любыми медиа, скульпторы, писатели и исследователи, чей возраст на момент начала резиденции (15 марта 2025 года) будет составлять от 35 до 55 лет, смогут получить пространство для реализации проекта в творческом и безопасном профессиональном сообществе Фабрики.
 
Дедлайн: 10 января
 
 
📍Резиденции от Молодежного центра современного искусства в Ульяновске
 
Художников, творческие коллективы и кураторов приглашают принять участие в наборе на 5-й юбилейный выставочный сезон. Основное направление конкурса: художественное исследование на свободную тему. Заявки принимаются в различных медиумах: как классических – живопись, графика, скульптура, фотография, так и актуальных – видео-арт, инсталляция, смешанные техники.
 
Дедлайн: 15 января
 
 
📍Гран-при KERAMA MARAZZI
 
Международный конкурс реализованных проектов открыл набор заявок от участников из России и других стран, где представлена продукция бренда.
Призовой фонд конкурса составит 5 640 000 рублей. Сумму разделят победители в шести номинациях: от жилых интерьеров до арт-объектов.
Награждаются не только участники, занявшие призовые места; в любой из номинаций могут быть определены обладатели поощрительных призов.
В составе жюри – ведущие эксперты бренда, а также художники и исследователи.
 
Дедлайн: 15 января
 
 
📍Конкурс от библиотеки Гоголя в Санкт-Петербурге
 
Экспериментальный проект Центральной библиотечной системы Красногвардейского района по преобразованию классической библиотеки в актуальное общественное пространство приглашает художников и арт-группы, работающие в любых направлениях искусства, а также проекты независимых кураторов на открытый конкурс.
По итогам конкурса будут отобраны художники, которые смогут представить свои проекты в выставочном пространстве библиотеки в течение 2025 года.
 
Дедлайн: 15 января
 
 
📍Опен-колл IF PULSE в Нижнем Новгороде
 
Организаторы восьмого международного фестиваля медиаискусства INTERVALS предлагают медиахудожникам осмыслить в своих работах тему «траектории».
В опен-колле IF Pulse будет два трека – мэппинги и инсталляции.
Победители обоих треков получат денежные призы и их работы покажут на городской медиавыставке в рамках IF ’25.
 
Дедлайн: 15 февраля
 
 
📍Международный конкурс молодых художников «Картина мира»
 
Студентов и выпускников специализированных художественных учебных заведений, свободных молодых художников в возрасте от 18 до 35 лет приглашают принять участие в масштабном межстрановом проекте и через искусство осмыслить и передать ценности своего народа как части глобальной культуры человечества.
Конкурс проводится по трем номинациям: живопись, графика, цифровое искусство.
Победители получат возможность показать свою работу в филиале Государственной Третьяковской галереи в Калининграде.
 
Дедлайн: 1 марта
 
 
#Open_call
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

У искусства с античности и чуть ли не до новейших времён всегда был заказчик. И, как правило, это была церковь.

Но начиная с эпохи Просвещения среди заказчиков появились богатые и знатные люди или, например, профессиональные сообщества. Те, кто имел возможность оплатить художнику его расходы и его работу. Но при этом заказчики сразу начали диктовать свои условия: регулировали размеры холста, подбирали краски, задавали сюжет, меняли композицию и героев.

Первым художником, кто начал ломать правила и отстаивать собственную свободу творчества, был голландский живописец Рембрандт Харменс ван Рейн.

В 1642 году он получил большой заказ от Гильдии голландских стрелков – изобразить модный по тем временам групповой портрет городской стражи одного из районов Амстердама.

Художник должен был нарисовать картину строго по правилам: в центре композиции капитан роты, рядом с ним лейтенант, всех остальных персонажей нужно было расположить в ряд так, чтобы ни один из них не выделялся. И никаких посторонних лиц. Каждый участник группового заказа, самостоятельно оплачивая художнику свой портрет, хотел и полного сходства, и места, соответствующего статусу.

Но художник решил все сделать иначе.

«Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема Ван Рёйтенбюрга» – так первоначально называлась эта картина, а сегодня мы знаем её как «Ночной дозор» – стало самым масштабным произведением Рембрандта. На холсте почти 4-х метровой длины и 5-ти метровой высоты художник изобразил 34 персонажа. Но только 16 из них были реальными членами гильдии и заплатили по 100 гульденов за свои портреты. Остальные – плод фантазии художника.

Впрочем, не все. У маленькой девочки, невесть как попавшей в роту стрелков, было лицо любимой жены Рембрандта Саскии. А в портрете мужчины в шляпе угадывался сам автор полотна.

Да и сама картина из канонически статичного портрета превратилась в сюжетное полотно - стрелки уже приготовились выступать на защиту города, но военачальники пока обсуждают стратегию. Сборы явно затянулись.

Что же произошло, когда картину обнародовали? Заказчики картину приняли, но посчитали себя обманутыми. Главный портретист Голландии внезапно вышел из моды и оказался на грани разорения.

Но начатую Рембрандтом революцию за отстаивание прав художников на свободу творчества уже было не остановить.


#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд