Вот уже пять лет в России проходит чемпионат ArtMasters — настоящая кузница креативных талантов, нацеленная на обучение наиболее востребованным профессиям в творческих индустриях. В этом году был установлен рекорд: число заявок на проект от креаторов со всей страны превысило 40 000!
Как развивается ArtMasters, чем привлекает молодежь, что ждет чемпионат в будущем и почему так важно сотрудничество с национальным проектом ARTISTS/ХУДОЖНИКИ — об этом и многом другом мы поговорим с руководителем экосистемы ArtMasters Бориславом Володиным.
Оставайтесь с нами!
Как развивается ArtMasters, чем привлекает молодежь, что ждет чемпионат в будущем и почему так важно сотрудничество с национальным проектом ARTISTS/ХУДОЖНИКИ — об этом и многом другом мы поговорим с руководителем экосистемы ArtMasters Бориславом Володиным.
Оставайтесь с нами!
❤9🔥4🥰2
Главной своей картине Александр Иванов отдал жизнь в самом буквальном смысле слова. Над «Явлением Христа народу» художник работал двадцать лет, не считая тех четырех, в течение которых обдумывал замысел.
— вспоминал о художнике друживший с ним Александр Герцен, —
Две золотые медали Академии художеств — сначала малая, а затем и большая — открыли Александру Иванову дорогу в Италию, которую он считал чуть ли не землей обетованной. Художник обосновался в Риме, где всегда существовала многочисленная колония русских. Академическая пенсия выдавалась только на три года и покрывала лишь самые необходимые потребности в крове, пище, холстах и красках, однако выросшего в многодетной семье Александра это не пугало.
Когда пенсионерский срок истек, он не вернулся в Россию, написав прошение на высочайшее имя: для воплощения задуманного ему нужны были знойные пейзажи и южные типажи. Первое можно было в изобилии найти на окраинах Вечного города, второе — на площади Испании, которая в те времена служила своеобразной «биржей труда» для натурщиков всех мастей. Кстати, нередко для одного персонажа Иванову приходилось приглашать двух натурщиков: тело он писал с мужчины, а выражение лица, то есть эмоцию, — с женщины, считая итальянок более одухотворенными.
В декабре 1848 года в Рим прибыл император Николай I в сопровождении вице-президента Академии художеств графа Федора Толстого. Посетив мастерскую Иванова, государь, проникшись темой и масштабом полотна, повелел выплачивать ему пенсию бессрочно и даже «дал наказ» относительно следующей картины:
Для художника это было спасением. Уйдя с головой в библейские сюжеты, он чувствовал, что не вправе отвлекаться на заказы, каких бы выгод они ему ни сулили. Однажды ему предложили место куратора над росписью нового храма. По признанию самого художника, это было «место, которое доставило бы и славу, и материальное обеспечение; я думал, думал, да и отказался…».
Когда титанический труд был окончен, Иванов выставил его в Риме. Это был час подлинного триумфа. К сожалению, единственный в его жизни. Воодушевленный восторгами коллег, знатоков и публики, в 1858 году художник решился привезти свое детище на родину. Даже сегодня полотно размером 540 x 750 см перемещать на большие расстояния весьма проблематично, а в середине позапрошлого века это был целый подвиг. Александр Андреевич ехал в Россию, искренне веря, что там его творение необходимо. О том, чем живет общество, что волнует просвещенную публику, он имел весьма смутное представление. А какие интриги плетутся при дворе и в Академии, тем более понятия не имел. В Зимнем дворце картину выставили в Белом зале, где освещение оказалось для нее крайне невыгодным. Записные академики завидовали, придворные недоумевали, даже государь на сей раз был не настолько впечатлен — все затмили торжества по случаю освящения Исаакиевского собора.
Точку в судьбе гениального художника поставила холера. А после похорон в его квартиру явился чиновник с известием, что император покупает «Явление Христа народу» за 15 000 рублей, жалует орденом Владимира II степени и званием академика. Герцен посвятил памяти друга статью в своем «Колоколе», где назвал наследие его «свидетельством о той непочатой, цельной натуре русской, которую мы знаем чутьем, о которой догадываемся сердцем и за которую, вопреки всему делающемуся у нас, мы так страстно любим Россию, так горячо надеемся на ее будущность!».
#ПрочтениеЖивописи
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Молодым человеком,
— вспоминал о художнике друживший с ним Александр Герцен, —
принялся Иванов за свою картину <…> и состарился с ней; кисть, взятая юношеской рукой, ослабела на том же полотне, целая жизнь была употреблена на созерцание, обдумывание, изучение своего предмета, и при каких условиях. “Нищета его, — пишет мне один из друзей его, — была такова, что он по суткам довольствовался стаканом кофе и черствой булкой или чашкой чечевицы, сваренной из экономии им самим, в той студии, где работал, и на воде, за которой наш художник ходил сам к ближайшему фонтану”. И в этой борьбе шли годы и годы.
Две золотые медали Академии художеств — сначала малая, а затем и большая — открыли Александру Иванову дорогу в Италию, которую он считал чуть ли не землей обетованной. Художник обосновался в Риме, где всегда существовала многочисленная колония русских. Академическая пенсия выдавалась только на три года и покрывала лишь самые необходимые потребности в крове, пище, холстах и красках, однако выросшего в многодетной семье Александра это не пугало.
Когда пенсионерский срок истек, он не вернулся в Россию, написав прошение на высочайшее имя: для воплощения задуманного ему нужны были знойные пейзажи и южные типажи. Первое можно было в изобилии найти на окраинах Вечного города, второе — на площади Испании, которая в те времена служила своеобразной «биржей труда» для натурщиков всех мастей. Кстати, нередко для одного персонажа Иванову приходилось приглашать двух натурщиков: тело он писал с мужчины, а выражение лица, то есть эмоцию, — с женщины, считая итальянок более одухотворенными.
В декабре 1848 года в Рим прибыл император Николай I в сопровождении вице-президента Академии художеств графа Федора Толстого. Посетив мастерскую Иванова, государь, проникшись темой и масштабом полотна, повелел выплачивать ему пенсию бессрочно и даже «дал наказ» относительно следующей картины:
Кончит это, пусть напишет Великое Крещение русских в Днепре.
Для художника это было спасением. Уйдя с головой в библейские сюжеты, он чувствовал, что не вправе отвлекаться на заказы, каких бы выгод они ему ни сулили. Однажды ему предложили место куратора над росписью нового храма. По признанию самого художника, это было «место, которое доставило бы и славу, и материальное обеспечение; я думал, думал, да и отказался…».
Когда титанический труд был окончен, Иванов выставил его в Риме. Это был час подлинного триумфа. К сожалению, единственный в его жизни. Воодушевленный восторгами коллег, знатоков и публики, в 1858 году художник решился привезти свое детище на родину. Даже сегодня полотно размером 540 x 750 см перемещать на большие расстояния весьма проблематично, а в середине позапрошлого века это был целый подвиг. Александр Андреевич ехал в Россию, искренне веря, что там его творение необходимо. О том, чем живет общество, что волнует просвещенную публику, он имел весьма смутное представление. А какие интриги плетутся при дворе и в Академии, тем более понятия не имел. В Зимнем дворце картину выставили в Белом зале, где освещение оказалось для нее крайне невыгодным. Записные академики завидовали, придворные недоумевали, даже государь на сей раз был не настолько впечатлен — все затмили торжества по случаю освящения Исаакиевского собора.
Точку в судьбе гениального художника поставила холера. А после похорон в его квартиру явился чиновник с известием, что император покупает «Явление Христа народу» за 15 000 рублей, жалует орденом Владимира II степени и званием академика. Герцен посвятил памяти друга статью в своем «Колоколе», где назвал наследие его «свидетельством о той непочатой, цельной натуре русской, которую мы знаем чутьем, о которой догадываемся сердцем и за которую, вопреки всему делающемуся у нас, мы так страстно любим Россию, так горячо надеемся на ее будущность!».
#ПрочтениеЖивописи
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍11❤5👏4
В 2017 году в Гентском музее изящных искусств в Бельгии открылась выставка под названием «Русский модернизм». Всего на выставке было 24 картины, среди которых работы Эскер, Кандинского, Малевича и некоторых других известных художников. Все картины были взяты из собрания Игоря Топоровского.
Выставка сразу же вызвала негодование среди экспертов. Одни сомневались в подлинности коллекции. Другие были поражены такой наглостью и рассказывали, что просмотр галереи не вызывает ничего, кроме испанского стыда. Британский арт-дилер Джеймс Баттервик сразу же написал директору музея о своих сомнениях касательно подлинности выставки.
Через 3 месяца ряд экспертов по русскому искусству опубликовали открытое письмо, в котором высказали серьезную озабоченность подлинностью экспонатов на выставке в Генте. При этом вопросы о подлинности вызывали не какие-то мелкие детали или недочеты, а буквально все сразу.
У картин не было никакой внятной истории за весь ХХ век, не было заключений искусствоведов, не было никаких результатов химических анализов, доказывающих подлинность. Более того, в полотнах была серьезная путаница между кириллицей и латинским алфавитом, а заодно и ошибки в дореформенной орфографии.
Внутреннее и журналистское расследования начались незамедлительно. Подозрения усиливались еще и тем, что практически все люди, упомянутые Топоровским в рассказах о приобретении экспонатов, открещивались от этих историй и всячески давали понять, что они не имеют к этому никакого отношения.
В скором времени была назначена комиссия, которая должна была подтвердить подлинность картин, однако к работе она так и не приступила. Музей наложил вето на независимую экспертизу и дал объяснение, что экспонаты отправятся обратно в фонд «Дилегем», основателем которого является сам Игорь Топоровский. Там же их и проверят. Администрация города Гент отреагировала на такие манипуляции крайне негативно и устроила внешний аудит музею. Итогом всей этой истории стал арест Игоря Топоровского и снятие Катрин де Зегер с должности директора музея.
#Факт_о_контрафакте
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Выставка сразу же вызвала негодование среди экспертов. Одни сомневались в подлинности коллекции. Другие были поражены такой наглостью и рассказывали, что просмотр галереи не вызывает ничего, кроме испанского стыда. Британский арт-дилер Джеймс Баттервик сразу же написал директору музея о своих сомнениях касательно подлинности выставки.
Через 3 месяца ряд экспертов по русскому искусству опубликовали открытое письмо, в котором высказали серьезную озабоченность подлинностью экспонатов на выставке в Генте. При этом вопросы о подлинности вызывали не какие-то мелкие детали или недочеты, а буквально все сразу.
У картин не было никакой внятной истории за весь ХХ век, не было заключений искусствоведов, не было никаких результатов химических анализов, доказывающих подлинность. Более того, в полотнах была серьезная путаница между кириллицей и латинским алфавитом, а заодно и ошибки в дореформенной орфографии.
Внутреннее и журналистское расследования начались незамедлительно. Подозрения усиливались еще и тем, что практически все люди, упомянутые Топоровским в рассказах о приобретении экспонатов, открещивались от этих историй и всячески давали понять, что они не имеют к этому никакого отношения.
В скором времени была назначена комиссия, которая должна была подтвердить подлинность картин, однако к работе она так и не приступила. Музей наложил вето на независимую экспертизу и дал объяснение, что экспонаты отправятся обратно в фонд «Дилегем», основателем которого является сам Игорь Топоровский. Там же их и проверят. Администрация города Гент отреагировала на такие манипуляции крайне негативно и устроила внешний аудит музею. Итогом всей этой истории стал арест Игоря Топоровского и снятие Катрин де Зегер с должности директора музея.
#Факт_о_контрафакте
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8🔥5👍4👏1
ЗДЕСЬ собрались «Действующие лица»
В начале декабря галерея ЗДЕСЬ на Таганке, входящая в Объединение «Выставочные залы Москвы», представила групповую выставку «Паблик-арт. Действующие лица».
Организаторы собрали на одной площадке монументалистов, скульпторов, графических дизайнеров, архитекторов и инженеров, художников, работающих с городской средой, и конкурсные и фестивальные проекты, которые занимаются развитием и поддержкой паблик-арта в России.
В экспозицию вошли работы более 20 российских художников. Куратором выставки и одним из участников выступил известный паблик-арт художник, скульптор Роман Ермаков.
Дмитрий Аске, Степан Краснов|310, Андрей Люблинский, Максим Лытов, Григорий Орехов, Николай Полисский, Виктор Поляков, Илья Робе, Дмитрий Самсонов, Максим Свищёв, Макс Maiz, Миша Most, Паша Orez, Petro_Aesthetics_group_ и другие участники выставки через свои работы рассказывают историю становления российского паблик-арта, монументального и уличного искусства последнего десятилетия и представляют палитру художественных возможностей для обогащения общественных пространств в городе.
По словам организаторов, художественная многогранность авторов выражается не только через масштабные городские проекты. Многие из участников выставки успешно сотрудничают с галереями современного искусства, где представляют свои работы в различных техниках: живопись, шелкография, мозаика, 3D-печать и других. Поэтому на выставке помимо фотографий городских проектов представлены скульптуры, картины, печатная графика, предметы интерьера и даже мебель.
— уверена художник, идейный вдохновитель национального проекта ARTIST/ХУДОЖНИКИ Вероника Коржевская, посетившая открывшуюся выставку.
Несмотря на то что представленная галереей ЗДЕСЬ экспозиция знакомит посетителей с десятилетней историей развития отечественного паблик-арта, этот вид современного искусства пока не является частью ДНК российских городов.
— отмечает Вероника Коржевская.
По мнению Вероники Коржевской, такие проекты, как выставка «Паблик-арт. Действующие лица», невероятно важны, ведь они являются наглядным примером эффективности взаимодействия художников, городских властей и бизнеса и демонстрируют невероятный потенциал, силу и многогранность современного изобразительного искусства.
Автор фото: Роман Ермаков.
#События
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
В начале декабря галерея ЗДЕСЬ на Таганке, входящая в Объединение «Выставочные залы Москвы», представила групповую выставку «Паблик-арт. Действующие лица».
Организаторы собрали на одной площадке монументалистов, скульпторов, графических дизайнеров, архитекторов и инженеров, художников, работающих с городской средой, и конкурсные и фестивальные проекты, которые занимаются развитием и поддержкой паблик-арта в России.
В экспозицию вошли работы более 20 российских художников. Куратором выставки и одним из участников выступил известный паблик-арт художник, скульптор Роман Ермаков.
Дмитрий Аске, Степан Краснов|310, Андрей Люблинский, Максим Лытов, Григорий Орехов, Николай Полисский, Виктор Поляков, Илья Робе, Дмитрий Самсонов, Максим Свищёв, Макс Maiz, Миша Most, Паша Orez, Petro_Aesthetics_group_ и другие участники выставки через свои работы рассказывают историю становления российского паблик-арта, монументального и уличного искусства последнего десятилетия и представляют палитру художественных возможностей для обогащения общественных пространств в городе.
По словам организаторов, художественная многогранность авторов выражается не только через масштабные городские проекты. Многие из участников выставки успешно сотрудничают с галереями современного искусства, где представляют свои работы в различных техниках: живопись, шелкография, мозаика, 3D-печать и других. Поэтому на выставке помимо фотографий городских проектов представлены скульптуры, картины, печатная графика, предметы интерьера и даже мебель.
Паблик-арт — это уникальная возможность для преобразования городской среды, играющая значительную роль в развитии города. Благодаря современным художникам, которые создают общедоступное искусство, происходит не только визуальная трансформация привычного облика города, творцы дарят новую жизнь хорошо знакомым объектам, обогащая их новыми смыслами. Это способствует воспитанию у горожан чувства прекрасного, вызывает эмпатию к самому культурному явлению и формирует на психоэмоциональном уровне особую связь с районом, городом, регионом, страной
— уверена художник, идейный вдохновитель национального проекта ARTIST/ХУДОЖНИКИ Вероника Коржевская, посетившая открывшуюся выставку.
Несмотря на то что представленная галереей ЗДЕСЬ экспозиция знакомит посетителей с десятилетней историей развития отечественного паблик-арта, этот вид современного искусства пока не является частью ДНК российских городов.
Безусловно, невозможно не отметить те позитивные тенденции, которые наметились за последнее десятилетие: и государство, и бизнес стали “всматриваться” в паблик-арт и даже видеть его в качестве весомой силы, способной ревитализировать городскую среду, привнести качественные изменения в жизнь людей и даже повысить стоимость объектов недвижимости. Но на сегодняшний день это лишь отдельно взятые примеры проектов и решений. Паблик-арт все еще не является частью повседневной жизни горожан и пока находится на стадии своего становления и оформления в качестве неотъемлемого компонента градостроительной стратегии
— отмечает Вероника Коржевская.
По мнению Вероники Коржевской, такие проекты, как выставка «Паблик-арт. Действующие лица», невероятно важны, ведь они являются наглядным примером эффективности взаимодействия художников, городских властей и бизнеса и демонстрируют невероятный потенциал, силу и многогранность современного изобразительного искусства.
Автор фото: Роман Ермаков.
#События
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8🔥5👏5🌚1
«Мой план – быть готовым ко всему, что меня ждет впереди», – делится в своем интервью с арт-директором и вдохновителем платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероникой Коржевской куратор групповой выставки «Паблик-арт. Действующие лица» Роман Ермаков.
Инженер-архитектор по образованию, мастер перформативных костюмов, скульптор, сценограф, художник – творческие воплощения Романа Ермакова удивительно разнообразны. Ему подвластны многие виды изобразительного искусства. Его работы органично сочетают в себе техническую точность и художественную пластичность.
Разговор c художником получился многослойным и насыщенным, впрочем, как и творческий путь героя.
Посмотреть интервью Вероники Коржевской с Романом Ермаковым о художественных метаморфозах, влиянии рынка на статус искусства, роли государства в развитии индустрии, хитросплетениях вопросов авторского права и многом другом можно по ссылке.
#От_первого_лица
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Инженер-архитектор по образованию, мастер перформативных костюмов, скульптор, сценограф, художник – творческие воплощения Романа Ермакова удивительно разнообразны. Ему подвластны многие виды изобразительного искусства. Его работы органично сочетают в себе техническую точность и художественную пластичность.
Разговор c художником получился многослойным и насыщенным, впрочем, как и творческий путь героя.
Посмотреть интервью Вероники Коржевской с Романом Ермаковым о художественных метаморфозах, влиянии рынка на статус искусства, роли государства в развитии индустрии, хитросплетениях вопросов авторского права и многом другом можно по ссылке.
#От_первого_лица
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤5🔥4👍3
Как все замечать
Анонсы ярких мероприятий в арт-сфере, обзоры работ современных художников и личные рекомендации книг и подкастов — всё это можно найти в канале «Замечено в культуре».
Его автор Полина Воронова внимательно следит за актуальными новостями в индустрии и рассказывает о них в доступной форме.
Вот лишь несколько постов:
⏺ Выставки за пределами Москвы в декабре;
⏺ Подарки для всей семьи к Новому году;
⏺ Список фильмов о том, как достигать целей.
Анонсы ярких мероприятий в арт-сфере, обзоры работ современных художников и личные рекомендации книг и подкастов — всё это можно найти в канале «Замечено в культуре».
Его автор Полина Воронова внимательно следит за актуальными новостями в индустрии и рассказывает о них в доступной форме.
Вот лишь несколько постов:
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍6🙏3🤝3
Почему французского художника и графика Жюля Шере называют «Отцом плакатного дизайна»? Ведь он не был первым живописцем, кто начал рисовать афиши спектаклей, ресторанные меню, обложки для книжек и рекламные плакаты. И не был единственным предпринимателем в Париже, кто имел печатную мастерскую.
Все дело в том, что он был первым, кто начал подписывать свои работы и тем самым повысил статус плаката до объекта искусства.
Кроме того, Жюль Шере изобрел собственный быстрый и эффективный способ создания многоцветных плакатов. Его инновации навсегда изменили рекламу того времени.
Формула успеха Шере состояла из трех вещей.
Во-первых, он исключил из производственного процесса этап создания эскиза и переноса его на специальный литографический камень, начав работать сразу на камне.
Во-вторых, он делал с одного камня оттиски двумя различными красками, что значительно ускорило и упростило создание плакатов.
И в-третьих, создал новый художественный стиль – предтечу модерна. Теперь художники могли буквально выносить свое искусство на улицы.
Именно благодаря Шере искусство создания плакатов выросло в самую настоящую индустрию,а имея собственную печатную мастерскую в Париже, он создавал шедевры плакатного модерна – афиши для театров, кабаре и мюзик-холлов, рекламные плакаты. Самую разнообразную продукцию на этих плакатах – от алкоголя и косметики до сигарет и лекарственных препаратов – представляла молодая кокетливая красотка, которую публика ласково называла «шеретка». Она стала своеобразной подписью художника. А может быть, была его талисманом.
Жюля Шере как ведущего рекламиста Франции признали не только коллеги по цеху, но и правительство республики: в 1890 году он был награжден орденом Почетного Легиона за выдающийся вклад в развитие графического искусства.
На заметку
Познакомиться с работами художника можно на выставке «Калейдоскоп французской жизни» в Волго-Вятском филиале ГМИИ им. А.С. Пушкина (Арсенал).
В экспозиции представлена одна из лучших коллекций литографированной афиши XIX – начала XX века из собрания Пушкинского музея. Произведения, созданные в триумфальный период в истории рекламного дизайна, иллюстрируют все многообразие французской жизни – быт, моду, нравы, развлечения, коммерцию, политическую борьбу, искусство.
Помимо работ Жюля Шере, посетители выставки могут увидеть работы одного из пионеров иллюстрированных объявлений Поля Гаварни, представителей стиля ар-нуво Анри де Тулуз-Лотрека, Эжена Грассе и Альфонса Мухи, карикатуристов Адольфа Вийетта и Гюстава Жоссо.
Выставка доступна для посещения до 23 февраля 2025 года.
Портрет Жюля Шере создан с помощью Midjourney.
#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Все дело в том, что он был первым, кто начал подписывать свои работы и тем самым повысил статус плаката до объекта искусства.
Кроме того, Жюль Шере изобрел собственный быстрый и эффективный способ создания многоцветных плакатов. Его инновации навсегда изменили рекламу того времени.
Формула успеха Шере состояла из трех вещей.
Во-первых, он исключил из производственного процесса этап создания эскиза и переноса его на специальный литографический камень, начав работать сразу на камне.
Во-вторых, он делал с одного камня оттиски двумя различными красками, что значительно ускорило и упростило создание плакатов.
И в-третьих, создал новый художественный стиль – предтечу модерна. Теперь художники могли буквально выносить свое искусство на улицы.
Именно благодаря Шере искусство создания плакатов выросло в самую настоящую индустрию,а имея собственную печатную мастерскую в Париже, он создавал шедевры плакатного модерна – афиши для театров, кабаре и мюзик-холлов, рекламные плакаты. Самую разнообразную продукцию на этих плакатах – от алкоголя и косметики до сигарет и лекарственных препаратов – представляла молодая кокетливая красотка, которую публика ласково называла «шеретка». Она стала своеобразной подписью художника. А может быть, была его талисманом.
Жюля Шере как ведущего рекламиста Франции признали не только коллеги по цеху, но и правительство республики: в 1890 году он был награжден орденом Почетного Легиона за выдающийся вклад в развитие графического искусства.
На заметку
Познакомиться с работами художника можно на выставке «Калейдоскоп французской жизни» в Волго-Вятском филиале ГМИИ им. А.С. Пушкина (Арсенал).
В экспозиции представлена одна из лучших коллекций литографированной афиши XIX – начала XX века из собрания Пушкинского музея. Произведения, созданные в триумфальный период в истории рекламного дизайна, иллюстрируют все многообразие французской жизни – быт, моду, нравы, развлечения, коммерцию, политическую борьбу, искусство.
Помимо работ Жюля Шере, посетители выставки могут увидеть работы одного из пионеров иллюстрированных объявлений Поля Гаварни, представителей стиля ар-нуво Анри де Тулуз-Лотрека, Эжена Грассе и Альфонса Мухи, карикатуристов Адольфа Вийетта и Гюстава Жоссо.
Выставка доступна для посещения до 23 февраля 2025 года.
Портрет Жюля Шере создан с помощью Midjourney.
#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8🔥4👍3
Чуть больше десяти дней остается до наступления 2025 года. Новый год принесет новые творческие мастерские, фестивали и конкурсы. Рекомендуем присмотреться к ним уже сейчас, чтобы успеть подготовить заявку.
📍Арт-резиденция в селе Кидекша
Художников, этнографов, фольклористов иискусствоведов приглашают исследовать историю создания ткачества – от традиционных ремесел до современных художественных практик. В рамках резиденции «Текстиль: Материя искусства и культуры» участникам предлагается переосмыслить работу с тканью, нитями и узорами, исследуя их как выразительное средство и способ диалога между прошлым и будущим.
Итоговые работы и исследования резиденции получат возможность войти в состав экспозиции, посвященной теме ткачества, которая откроется в августе 2025 года в МИРА-центре в Суздале.
Дедлайн: 10 января
📍Конкурс от Центра творческих индустрий «Фабрика»
Открыт набор на новый сезон программы поддержки mid-career artists «Фабричные мастерские». Художники, работающие с любыми медиа, скульпторы, писатели и исследователи, чей возраст на момент начала резиденции (15 марта 2025 года) будет составлять от 35 до 55 лет, смогут получить пространство для реализации проекта в творческом и безопасном профессиональном сообществе Фабрики.
Дедлайн: 10 января
📍Резиденции от Молодежного центра современного искусства в Ульяновске
Художников, творческие коллективы и кураторов приглашают принять участие в наборе на 5-й юбилейный выставочный сезон. Основное направление конкурса: художественное исследование на свободную тему. Заявки принимаются в различных медиумах: как классических – живопись, графика, скульптура, фотография, так и актуальных – видео-арт, инсталляция, смешанные техники.
Дедлайн: 15 января
📍Гран-при KERAMA MARAZZI
Международный конкурс реализованных проектов открыл набор заявок от участников из России и других стран, где представлена продукция бренда.
Призовой фонд конкурса составит 5 640 000 рублей. Сумму разделят победители в шести номинациях: от жилых интерьеров до арт-объектов.
Награждаются не только участники, занявшие призовые места; в любой из номинаций могут быть определены обладатели поощрительных призов.
В составе жюри – ведущие эксперты бренда, а также художники и исследователи.
Дедлайн: 15 января
📍Конкурс от библиотеки Гоголя в Санкт-Петербурге
Экспериментальный проект Центральной библиотечной системы Красногвардейского района по преобразованию классической библиотеки в актуальное общественное пространство приглашает художников и арт-группы, работающие в любых направлениях искусства, а также проекты независимых кураторов на открытый конкурс.
По итогам конкурса будут отобраны художники, которые смогут представить свои проекты в выставочном пространстве библиотеки в течение 2025 года.
Дедлайн: 15 января
📍Опен-колл IF PULSE в Нижнем Новгороде
Организаторы восьмого международного фестиваля медиаискусства INTERVALS предлагают медиахудожникам осмыслить в своих работах тему «траектории».
В опен-колле IF Pulse будет два трека – мэппинги и инсталляции.
Победители обоих треков получат денежные призы и их работы покажут на городской медиавыставке в рамках IF ’25.
Дедлайн: 15 февраля
📍Международный конкурс молодых художников «Картина мира»
Студентов и выпускников специализированных художественных учебных заведений, свободных молодых художников в возрасте от 18 до 35 лет приглашают принять участие в масштабном межстрановом проекте и через искусство осмыслить и передать ценности своего народа как части глобальной культуры человечества.
Конкурс проводится по трем номинациям: живопись, графика, цифровое искусство.
Победители получат возможность показать свою работу в филиале Государственной Третьяковской галереи в Калининграде.
Дедлайн: 1 марта
#Open_call
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
📍Арт-резиденция в селе Кидекша
Художников, этнографов, фольклористов иискусствоведов приглашают исследовать историю создания ткачества – от традиционных ремесел до современных художественных практик. В рамках резиденции «Текстиль: Материя искусства и культуры» участникам предлагается переосмыслить работу с тканью, нитями и узорами, исследуя их как выразительное средство и способ диалога между прошлым и будущим.
Итоговые работы и исследования резиденции получат возможность войти в состав экспозиции, посвященной теме ткачества, которая откроется в августе 2025 года в МИРА-центре в Суздале.
Дедлайн: 10 января
📍Конкурс от Центра творческих индустрий «Фабрика»
Открыт набор на новый сезон программы поддержки mid-career artists «Фабричные мастерские». Художники, работающие с любыми медиа, скульпторы, писатели и исследователи, чей возраст на момент начала резиденции (15 марта 2025 года) будет составлять от 35 до 55 лет, смогут получить пространство для реализации проекта в творческом и безопасном профессиональном сообществе Фабрики.
Дедлайн: 10 января
📍Резиденции от Молодежного центра современного искусства в Ульяновске
Художников, творческие коллективы и кураторов приглашают принять участие в наборе на 5-й юбилейный выставочный сезон. Основное направление конкурса: художественное исследование на свободную тему. Заявки принимаются в различных медиумах: как классических – живопись, графика, скульптура, фотография, так и актуальных – видео-арт, инсталляция, смешанные техники.
Дедлайн: 15 января
📍Гран-при KERAMA MARAZZI
Международный конкурс реализованных проектов открыл набор заявок от участников из России и других стран, где представлена продукция бренда.
Призовой фонд конкурса составит 5 640 000 рублей. Сумму разделят победители в шести номинациях: от жилых интерьеров до арт-объектов.
Награждаются не только участники, занявшие призовые места; в любой из номинаций могут быть определены обладатели поощрительных призов.
В составе жюри – ведущие эксперты бренда, а также художники и исследователи.
Дедлайн: 15 января
📍Конкурс от библиотеки Гоголя в Санкт-Петербурге
Экспериментальный проект Центральной библиотечной системы Красногвардейского района по преобразованию классической библиотеки в актуальное общественное пространство приглашает художников и арт-группы, работающие в любых направлениях искусства, а также проекты независимых кураторов на открытый конкурс.
По итогам конкурса будут отобраны художники, которые смогут представить свои проекты в выставочном пространстве библиотеки в течение 2025 года.
Дедлайн: 15 января
📍Опен-колл IF PULSE в Нижнем Новгороде
Организаторы восьмого международного фестиваля медиаискусства INTERVALS предлагают медиахудожникам осмыслить в своих работах тему «траектории».
В опен-колле IF Pulse будет два трека – мэппинги и инсталляции.
Победители обоих треков получат денежные призы и их работы покажут на городской медиавыставке в рамках IF ’25.
Дедлайн: 15 февраля
📍Международный конкурс молодых художников «Картина мира»
Студентов и выпускников специализированных художественных учебных заведений, свободных молодых художников в возрасте от 18 до 35 лет приглашают принять участие в масштабном межстрановом проекте и через искусство осмыслить и передать ценности своего народа как части глобальной культуры человечества.
Конкурс проводится по трем номинациям: живопись, графика, цифровое искусство.
Победители получат возможность показать свою работу в филиале Государственной Третьяковской галереи в Калининграде.
Дедлайн: 1 марта
#Open_call
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
🔥6🥰5❤4
У искусства с античности и чуть ли не до новейших времён всегда был заказчик. И, как правило, это была церковь.
Но начиная с эпохи Просвещения среди заказчиков появились богатые и знатные люди или, например, профессиональные сообщества. Те, кто имел возможность оплатить художнику его расходы и его работу. Но при этом заказчики сразу начали диктовать свои условия: регулировали размеры холста, подбирали краски, задавали сюжет, меняли композицию и героев.
Первым художником, кто начал ломать правила и отстаивать собственную свободу творчества, был голландский живописец Рембрандт Харменс ван Рейн.
В 1642 году он получил большой заказ от Гильдии голландских стрелков – изобразить модный по тем временам групповой портрет городской стражи одного из районов Амстердама.
Художник должен был нарисовать картину строго по правилам: в центре композиции капитан роты, рядом с ним лейтенант, всех остальных персонажей нужно было расположить в ряд так, чтобы ни один из них не выделялся. И никаких посторонних лиц. Каждый участник группового заказа, самостоятельно оплачивая художнику свой портрет, хотел и полного сходства, и места, соответствующего статусу.
Но художник решил все сделать иначе.
«Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема Ван Рёйтенбюрга» – так первоначально называлась эта картина, а сегодня мы знаем её как «Ночной дозор» – стало самым масштабным произведением Рембрандта. На холсте почти 4-х метровой длины и 5-ти метровой высоты художник изобразил 34 персонажа. Но только 16 из них были реальными членами гильдии и заплатили по 100 гульденов за свои портреты. Остальные – плод фантазии художника.
Впрочем, не все. У маленькой девочки, невесть как попавшей в роту стрелков, было лицо любимой жены Рембрандта Саскии. А в портрете мужчины в шляпе угадывался сам автор полотна.
Да и сама картина из канонически статичного портрета превратилась в сюжетное полотно - стрелки уже приготовились выступать на защиту города, но военачальники пока обсуждают стратегию. Сборы явно затянулись.
Что же произошло, когда картину обнародовали? Заказчики картину приняли, но посчитали себя обманутыми. Главный портретист Голландии внезапно вышел из моды и оказался на грани разорения.
Но начатую Рембрандтом революцию за отстаивание прав художников на свободу творчества уже было не остановить.
#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Но начиная с эпохи Просвещения среди заказчиков появились богатые и знатные люди или, например, профессиональные сообщества. Те, кто имел возможность оплатить художнику его расходы и его работу. Но при этом заказчики сразу начали диктовать свои условия: регулировали размеры холста, подбирали краски, задавали сюжет, меняли композицию и героев.
Первым художником, кто начал ломать правила и отстаивать собственную свободу творчества, был голландский живописец Рембрандт Харменс ван Рейн.
В 1642 году он получил большой заказ от Гильдии голландских стрелков – изобразить модный по тем временам групповой портрет городской стражи одного из районов Амстердама.
Художник должен был нарисовать картину строго по правилам: в центре композиции капитан роты, рядом с ним лейтенант, всех остальных персонажей нужно было расположить в ряд так, чтобы ни один из них не выделялся. И никаких посторонних лиц. Каждый участник группового заказа, самостоятельно оплачивая художнику свой портрет, хотел и полного сходства, и места, соответствующего статусу.
Но художник решил все сделать иначе.
«Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема Ван Рёйтенбюрга» – так первоначально называлась эта картина, а сегодня мы знаем её как «Ночной дозор» – стало самым масштабным произведением Рембрандта. На холсте почти 4-х метровой длины и 5-ти метровой высоты художник изобразил 34 персонажа. Но только 16 из них были реальными членами гильдии и заплатили по 100 гульденов за свои портреты. Остальные – плод фантазии художника.
Впрочем, не все. У маленькой девочки, невесть как попавшей в роту стрелков, было лицо любимой жены Рембрандта Саскии. А в портрете мужчины в шляпе угадывался сам автор полотна.
Да и сама картина из канонически статичного портрета превратилась в сюжетное полотно - стрелки уже приготовились выступать на защиту города, но военачальники пока обсуждают стратегию. Сборы явно затянулись.
Что же произошло, когда картину обнародовали? Заказчики картину приняли, но посчитали себя обманутыми. Главный портретист Голландии внезапно вышел из моды и оказался на грани разорения.
Но начатую Рембрандтом революцию за отстаивание прав художников на свободу творчества уже было не остановить.
#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤11👍6👏6🥰1
В марте 2009 года выставка, где экспонировались 192 картины русского авангарда, была внезапно закрыта после того, как известный эксперт заявил, что 190 картин являются подделками.
Выставка, проходившая в муниципальных залах Шато во французском Туре, была посвящена Александре Экстер, видной фигуре русского авангарда.
#Факт_о_контрафакте
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Выставка, проходившая в муниципальных залах Шато во французском Туре, была посвящена Александре Экстер, видной фигуре русского авангарда.
#Факт_о_контрафакте
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8🔥5😁2👍1
В марте 1871 года в одном из залов Академии художеств была выставлена на всеобщее обозрение статуя Ивана Грозного работы молодого скульптора Марка Антокольского. Сегодня сказали бы, что ваятель точно ответил на запрос времени. С середины XIX столетия в обществе начал расти интерес к эпохе Грозного. О его роли в отечественной истории спорили виднейшие историки – Сергей Соловьев, Василий Ключевский, Николай Костомаров. Тайну одной из самых противоречивых фигур на российском престоле пытались осмыслить писатели и драматурги: Алексей Толстой издает роман «Князь Серебряный» и трагедию «Смерть Иоанна Грозного», Лев Мей пишет драмы в стихах «Псковитянка» и «Царская невеста», вдохновившие Римского-Корсакова на создание ставших знаменитыми опер.
Откуда в сыне бедного трактирщика из захолустной Вильны такое понимание человеческой природы? И каким чудом уцелел этот талант? Родители видели в Марке только продолжателя семейного дела, но на рисунки мальчика обращали внимание посетители, и вскоре родителей говорили отдать сына в учение резчику по дереву. И хотя в семнадцать лет Марк сбежал из мастерской, учеба пошла ему на пользу – его приняли вольнослушателем в класс скульптуры Императорской академии художеств, где Антокольский и увлекся русской историей. Скульптура Грозного стала его экзаменационной работой и принесла тридцатилетнему автору звание академика. Правда, не без вмешательства монарха: вначале академики категорически отказывались рассматривать работу Антокольского, как вещь «далекую от общепринятых канонов».
«Иван Васильевич Грозный» сразу стал сенсацией. Увидеть его устремился весь Петербург, не остались в стороне и члены императорской фамилии, включая Александра II. Только что приехавшему из-за границы Тургеневу тоже рассказали об этом чуде. Иван Сергеевич был так ошеломлен увиденным, что поделился своими впечатлениями с читателями «Санкт-петербургских новостей»:
Переведенная в гипс статуя демонстрировалась на первой передвижной выставке в Москве, затем на Международной выставке в Лондоне, и вскоре гипсовый слепок заказал для себя Кенсингтонский музей. «Иван Грозный» стал первой работой русского скульптора, приобретенной зарубежным музеем. По заказу Александра II практически сразу же был выполнен вариант в бронзе для Зимнего дворца, а в 1875 году Антокольский повторил работу в мраморе для Павла Михайловича Третьякова.
#ПрочтениеЖивописи
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Откуда в сыне бедного трактирщика из захолустной Вильны такое понимание человеческой природы? И каким чудом уцелел этот талант? Родители видели в Марке только продолжателя семейного дела, но на рисунки мальчика обращали внимание посетители, и вскоре родителей говорили отдать сына в учение резчику по дереву. И хотя в семнадцать лет Марк сбежал из мастерской, учеба пошла ему на пользу – его приняли вольнослушателем в класс скульптуры Императорской академии художеств, где Антокольский и увлекся русской историей. Скульптура Грозного стала его экзаменационной работой и принесла тридцатилетнему автору звание академика. Правда, не без вмешательства монарха: вначале академики категорически отказывались рассматривать работу Антокольского, как вещь «далекую от общепринятых канонов».
«Иван Васильевич Грозный» сразу стал сенсацией. Увидеть его устремился весь Петербург, не остались в стороне и члены императорской фамилии, включая Александра II. Только что приехавшему из-за границы Тургеневу тоже рассказали об этом чуде. Иван Сергеевич был так ошеломлен увиденным, что поделился своими впечатлениями с читателями «Санкт-петербургских новостей»:
В наклоненном положении стана, в неровном рисунке плечей, в каждой черте типически-верного, изможденного и все-таки величавого лица, в каждой подробности всей фигуры – так, кажется и читаешь все ощущения, все чувства, мысли, которые смутно, и сильно, и горестно задвигались в этой усталой душе. Тут и страз смерти, и раздражение больного человека, избалованного беззаветной властью, и раскаяние, и сознание греха, и застарелая злоба, и желчь, и подозрительность, и жестокость, и вечное искание измены… Он собирается встать, этот старый, злой, больной человек, который в одно и то же время и русский – и царь, царь с головы до ног, не хуже короля Лира. И что он станет делать, как встанет? Пытать? молиться? или пытать и молиться? Не нужно быть особенно чутким человеком, чтобы понять, что хотел сказать художник. То, что он задумал изобразить, – дело сложное, как вообще все человечески живое; но выполнял он свою задачу с такой очевидной ясностью, с такой уверенностью мастера, что не вызывает в зрителе ни малейшего колебания; а впечатление так глубоко, что отделаться от него невозможно; невозможно представить себе Грозного иначе, чем каким его подстерегла творческая фантазия г-на Антокольского. по искренней правде, гармонии и несомненности впечатления его произведение напоминает древних, хотя, с другой стороны, оно всей сущностью своей принадлежит к новейшей, характерно-психологической, живописно-исторической школе ваяния. Особенно поразительно в этой статуе счастливое сочетание домашнего, вседневного и трагического, значительного… И с каким верным тактом все это проведено!
Переведенная в гипс статуя демонстрировалась на первой передвижной выставке в Москве, затем на Международной выставке в Лондоне, и вскоре гипсовый слепок заказал для себя Кенсингтонский музей. «Иван Грозный» стал первой работой русского скульптора, приобретенной зарубежным музеем. По заказу Александра II практически сразу же был выполнен вариант в бронзе для Зимнего дворца, а в 1875 году Антокольский повторил работу в мраморе для Павла Михайловича Третьякова.
#ПрочтениеЖивописи
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤6👍4🔥4
Вторая половина декабря постепенно подходит к концу, уступая место долгожданной новогодней неделе. Это дайджест самых запомнившихся событий прошедших недель.
«Портрет “Персидки”» Ильи Репина выставили на аукцион за 60 млн руб. Картина стала топ-лотом главных торгов года, которые традиционно проводит Московский аукционный дом.
Сам портрет является этюдом к одной из самых узнаваемых работ Репина «Садко в подводном царстве», написанной по заказу императора Александра III. Подлинность картины подтверждена экспертным заключением, автографом автора и дарственной надписью.
В Суздальском кремле открылась выставка Алёны Долецкой «Я есть цвет». Концепция, по замыслу автора, выстроена вокруг образа цветка и погружает зрителя в символический мир «вечных ценностей». На выставке представлены более 30 экспонатов – от XII века до наших дней. Это предметы религиозного и светского искусства, в каждом из которых есть свой скрытый смысл.
В Государственной Третьяковской галерее снова можно увидеть шедевр Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». В 2018 году полотно подверглось нападению вандалов и с этого времени находилось на реставрации. Около двух лет отреставрированная картина ждала завершения работ по изготовлению антивандальной капсулы с датчиками и климат-контролем. Предполагается, что капсула позволит обеспечить максимальную сохранность полотна.
Владимиро-Суздальский музей-заповедник представил уникальное полотно Антиведуто Грамматика «Христос и грешница». Автора работы не могли установить в течение ста лет. Картина поступила в фонд музея еще в 1920-х годах. Благодаря современным технологиям и экспертизе специалистов Государственного музея изобразительных искусств было установлено, что автор произведения – ученик Караваджо, представитель эпохи барокко Антиведуто Грамматика. Он творил в период с конца XVI по начало XVII века.
В 2024 году рынок зарубежных художественных аукционов не смог достигнуть качественного роста по сравнению с показателями прошлых лет. Совокупная стоимость десяти крупнейших лотов, проданных на аукционах в текущем году, составила 512,6 миллиона долларов. Это на 22,3% меньше, чем в 2023 году (660 миллионов долларов), и на 53% меньше, чем в 2022 году (1,1 миллиарда долларов). Согласно недавнему отчету лондонской аналитической компании ArtTactic, в 2024 году объем публичных продаж на аукционах Sotheby's, Christie's и Phillips во всех ключевых категориях составил 4,1 миллиарда долларов: это на 29% меньше, чем в 2023 году, и на 47,9% меньше, чем в 2022 году.
#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
«Портрет “Персидки”» Ильи Репина выставили на аукцион за 60 млн руб. Картина стала топ-лотом главных торгов года, которые традиционно проводит Московский аукционный дом.
Сам портрет является этюдом к одной из самых узнаваемых работ Репина «Садко в подводном царстве», написанной по заказу императора Александра III. Подлинность картины подтверждена экспертным заключением, автографом автора и дарственной надписью.
В Суздальском кремле открылась выставка Алёны Долецкой «Я есть цвет». Концепция, по замыслу автора, выстроена вокруг образа цветка и погружает зрителя в символический мир «вечных ценностей». На выставке представлены более 30 экспонатов – от XII века до наших дней. Это предметы религиозного и светского искусства, в каждом из которых есть свой скрытый смысл.
В Государственной Третьяковской галерее снова можно увидеть шедевр Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». В 2018 году полотно подверглось нападению вандалов и с этого времени находилось на реставрации. Около двух лет отреставрированная картина ждала завершения работ по изготовлению антивандальной капсулы с датчиками и климат-контролем. Предполагается, что капсула позволит обеспечить максимальную сохранность полотна.
Владимиро-Суздальский музей-заповедник представил уникальное полотно Антиведуто Грамматика «Христос и грешница». Автора работы не могли установить в течение ста лет. Картина поступила в фонд музея еще в 1920-х годах. Благодаря современным технологиям и экспертизе специалистов Государственного музея изобразительных искусств было установлено, что автор произведения – ученик Караваджо, представитель эпохи барокко Антиведуто Грамматика. Он творил в период с конца XVI по начало XVII века.
В 2024 году рынок зарубежных художественных аукционов не смог достигнуть качественного роста по сравнению с показателями прошлых лет. Совокупная стоимость десяти крупнейших лотов, проданных на аукционах в текущем году, составила 512,6 миллиона долларов. Это на 22,3% меньше, чем в 2023 году (660 миллионов долларов), и на 53% меньше, чем в 2022 году (1,1 миллиарда долларов). Согласно недавнему отчету лондонской аналитической компании ArtTactic, в 2024 году объем публичных продаж на аукционах Sotheby's, Christie's и Phillips во всех ключевых категориях составил 4,1 миллиарда долларов: это на 29% меньше, чем в 2023 году, и на 47,9% меньше, чем в 2022 году.
#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤7👍4🔥4
Мы живем в разноцветном мире. Цвет несет информацию об окружающих нас предметах, влияет на наше настроение, может менять ощущение пространства.
Светочувствительные клетки сетчатки наших глаз (колбочки) реагируют на три основных первичных цвета – красный, желтый и синий. Все остальные цвета мозг воспринимает как комбинацию этих трех основных. В общей сложности мы можем различать примерно 150 000 разных оттенков.
Основы теории цвета были заложены еще Ломоносовым и окончательно сформулированы в конце XIX века швейцарским психологом Карлом Густавом Юнгом и немецким физиком и врачом Лювигом фон Гельмгольцем.
Научные открытия в области теории, физики и психологии цвета и цветовосприятия настолько увлекли французского художника Жоржа Сёра. чтон решил отказаться от классической техники смешивания базовых цветов на палитре или холсте и предоставить зрителям самим использовать естественную способность наших глаз создавать всю гамму цветовых оттенков. Для этих целей Сёра изобрел собственную уникальную манеру письма, при которой краска наносится на холст не мазками, а крошечными точками чистого цвета. Художник назвал эту технику «пуантилизм», от французского слова point – точка.
Над своей первой картиной в новой технике Сёра работал два года. «Купальщицы в Аньере» были представлены публике в 1884 году.
Сразу же после премьеры Сёра приступил к созданию полотна «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт». Но огромное полотно размером два на три метра поначалу никакого фурора не произвело, потому что у зрителей не было возможности разглядывать его на расстоянии. Кроме того, в зале было недостаточно света и картина казалась посетителям просто... грязной. Сегодня «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» считается самой известной работой художника. А также одним из программных живописных полотен XIX века, открывшего новую страницу в истории изобразительного искусства.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Светочувствительные клетки сетчатки наших глаз (колбочки) реагируют на три основных первичных цвета – красный, желтый и синий. Все остальные цвета мозг воспринимает как комбинацию этих трех основных. В общей сложности мы можем различать примерно 150 000 разных оттенков.
Основы теории цвета были заложены еще Ломоносовым и окончательно сформулированы в конце XIX века швейцарским психологом Карлом Густавом Юнгом и немецким физиком и врачом Лювигом фон Гельмгольцем.
Научные открытия в области теории, физики и психологии цвета и цветовосприятия настолько увлекли французского художника Жоржа Сёра. чтон решил отказаться от классической техники смешивания базовых цветов на палитре или холсте и предоставить зрителям самим использовать естественную способность наших глаз создавать всю гамму цветовых оттенков. Для этих целей Сёра изобрел собственную уникальную манеру письма, при которой краска наносится на холст не мазками, а крошечными точками чистого цвета. Художник назвал эту технику «пуантилизм», от французского слова point – точка.
Над своей первой картиной в новой технике Сёра работал два года. «Купальщицы в Аньере» были представлены публике в 1884 году.
Сразу же после премьеры Сёра приступил к созданию полотна «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт». Но огромное полотно размером два на три метра поначалу никакого фурора не произвело, потому что у зрителей не было возможности разглядывать его на расстоянии. Кроме того, в зале было недостаточно света и картина казалась посетителям просто... грязной. Сегодня «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» считается самой известной работой художника. А также одним из программных живописных полотен XIX века, открывшего новую страницу в истории изобразительного искусства.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤6🔥4👏4