Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Маргарита Аблаева, художник-постановщик кино, пожелала подписчикам ARTISTS/ХУДОЖНИКИ получать самые яркие и положительные эмоции от творчества.
This media is not supported in your browser
VIEW IN TELEGRAM
В финале года принято подводить итоги.
Но нам в первую очередь хотелось бы сказать спасибо всем, кто был с нами рядом и поддерживал нашу инициативу, кто уже присоединился к нашему национальному проекту ARTISTS/ ХУДОЖНИКИ.
Спасибо всем за оказанное доверие.
В 2025 году нас ждёт много ярких и важных событий, которые, как мы надеемся, помогут объединить всех творческих деятелей нашей страны и сделать всех нас сильнее.
В завершение позвольте пожелать всем нам успеха, удачи и множества поводов для радости, гордости собой и тем, что мы делаем!❤️
Но нам в первую очередь хотелось бы сказать спасибо всем, кто был с нами рядом и поддерживал нашу инициативу, кто уже присоединился к нашему национальному проекту ARTISTS/ ХУДОЖНИКИ.
Спасибо всем за оказанное доверие.
В 2025 году нас ждёт много ярких и важных событий, которые, как мы надеемся, помогут объединить всех творческих деятелей нашей страны и сделать всех нас сильнее.
В завершение позвольте пожелать всем нам успеха, удачи и множества поводов для радости, гордости собой и тем, что мы делаем!
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤12🥰9👍7
Британскому музею повезло иметь две самые известные гравюры – работы японского художника, иллюстратора, гравера Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве» и «Победный ветер. Ясный день».
Гравюра «Большая волна в Канагаве», выполненная в стилистике укие-э, считается одним из самых известных японских произведений искусства за пределами самой Японии. Существует мнение, что эта гравюра более узнаваема, чем любой другой объект азиатского искусства в принципе. Эта картина известна многим, ноне все знают автора, и еще меньше кто знает, что центральным объектом гравюры является не сама волна, а священная для каждого японца гора Фудзи. Именно поэтому произведение входит в серию «Тридцать шесть видов Фудзи», которая, несмотря на название, насчитывает не 36, а 46 гравюр.
Гравюры музей заполучил еще в 2008 году, однако перед широкой публикой они предстали лишь в 2017-м. Дело в том, что японские гравюры на дереве в XVIII–XIX веках часто создавались с использованием чернил, которые могут выцветать под воздействием света. А чернила, использованные Кацусикой Хокусаем, никогда не подвергались научному анализу. Поэтому перед выставкой эксперты решили выяснить, насколько вероятно то, что гравюры выцветут.
Изучали с использованием двух методов: рентгеновской флуоресценции и мультиспектральной визуализации. Эти методы хорошо подходят для изучения музейных предметов, поскольку они не повреждают предметы и не требуют их перемещения. Первый способ помогает понять, какие химические элементы присутствуют в чернилах, второй включает в себя воздействие на объект различных типов света (инфракрасного, видимого и ультрафиолетового).
В итоге стало известно, что гравюры можно выставлять всего на 2–3 месяца при освещении не более 50 люкс (минимальное освещение для музейных экспонатов), а затем их следует на год убирать в темное место.
К сожалению, даже эти меры не спасут их от постепенного выцветания.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Гравюра «Большая волна в Канагаве», выполненная в стилистике укие-э, считается одним из самых известных японских произведений искусства за пределами самой Японии. Существует мнение, что эта гравюра более узнаваема, чем любой другой объект азиатского искусства в принципе. Эта картина известна многим, ноне все знают автора, и еще меньше кто знает, что центральным объектом гравюры является не сама волна, а священная для каждого японца гора Фудзи. Именно поэтому произведение входит в серию «Тридцать шесть видов Фудзи», которая, несмотря на название, насчитывает не 36, а 46 гравюр.
Гравюры музей заполучил еще в 2008 году, однако перед широкой публикой они предстали лишь в 2017-м. Дело в том, что японские гравюры на дереве в XVIII–XIX веках часто создавались с использованием чернил, которые могут выцветать под воздействием света. А чернила, использованные Кацусикой Хокусаем, никогда не подвергались научному анализу. Поэтому перед выставкой эксперты решили выяснить, насколько вероятно то, что гравюры выцветут.
Изучали с использованием двух методов: рентгеновской флуоресценции и мультиспектральной визуализации. Эти методы хорошо подходят для изучения музейных предметов, поскольку они не повреждают предметы и не требуют их перемещения. Первый способ помогает понять, какие химические элементы присутствуют в чернилах, второй включает в себя воздействие на объект различных типов света (инфракрасного, видимого и ультрафиолетового).
В итоге стало известно, что гравюры можно выставлять всего на 2–3 месяца при освещении не более 50 люкс (минимальное освещение для музейных экспонатов), а затем их следует на год убирать в темное место.
К сожалению, даже эти меры не спасут их от постепенного выцветания.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍6🥰4🙏3
Тиара правителя скифов
В 1895 году братья Лейба и Шепсель Гохманы, торговцы поддельным антиквариатом, придумали гениальный план, как им разбогатеть. Они заказали у своего знакомого одесского ювелира Израиля Рухомовского золотую тиару якобы в подарок профессору археологии из Харькова. Ювелир работал над тиарой около восьми месяцев, и она получилась просто великолепной – украшенная сценами из эпоса Гомера, а также фигурами скифских всадников и различных животных. За свою работу ювелир получил 1800 рублей.
В 1895 году в одной из венских газет вышла заметка, что неким крымским крестьянам повезло найти уникальный археологический артефакт в месте захоронения царя Сайтаферна, и теперь они бегут из России, опасаясь, что правительство его конфискует.
В начале 1896 года Гохманы приехали в Европу вместе с тиарой и сразу же предложили директорам венского Императорского музея ее купить. Те, в свою очередь, позвали именитых экспертов, которые подтвердили подлинность тиары!
К сожалению для Гохманов и к счастью для музея, у него банально не оказалось нужной суммы на покупку драгоценной подделки. В итоге Шепсель продал тиару венскому антиквару Антону Фогелю.
Во сколько Фогелю обошлась тиара – неизвестно, зато известна сумма, за которую антиквар продал тиару Лувру – 200 000 франков. В пересчете на рубли это примерно 50 000, огромные деньги по тому времени. Эксперты из Лувра тоже не распознали подделку.
О подлинности тиары задумались только тогда, когда музей с огромным пафосом выставил ее в зале античного искусства. Немецкий археолог Адольф Фуртвенглер выпустил разоблачительную статью. Французы тут же бросились защищать тиару, аргументируя это тем, что Фуртвенглер просто не любит французов. Следом за одной разгромной статьей последовали и другие, от многих именитых археологов того времени.
Вплоть до 1905 года Лувр игнорировал абсолютно все доказательства, включая письмо друга Рухомовского, который прямо описывал работу своего товарища над тиарой. Афера вскрылась только тогда, когда Рухомовский лично в Париже доказал, что тиара – его рук дело.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
В 1895 году братья Лейба и Шепсель Гохманы, торговцы поддельным антиквариатом, придумали гениальный план, как им разбогатеть. Они заказали у своего знакомого одесского ювелира Израиля Рухомовского золотую тиару якобы в подарок профессору археологии из Харькова. Ювелир работал над тиарой около восьми месяцев, и она получилась просто великолепной – украшенная сценами из эпоса Гомера, а также фигурами скифских всадников и различных животных. За свою работу ювелир получил 1800 рублей.
В 1895 году в одной из венских газет вышла заметка, что неким крымским крестьянам повезло найти уникальный археологический артефакт в месте захоронения царя Сайтаферна, и теперь они бегут из России, опасаясь, что правительство его конфискует.
В начале 1896 года Гохманы приехали в Европу вместе с тиарой и сразу же предложили директорам венского Императорского музея ее купить. Те, в свою очередь, позвали именитых экспертов, которые подтвердили подлинность тиары!
К сожалению для Гохманов и к счастью для музея, у него банально не оказалось нужной суммы на покупку драгоценной подделки. В итоге Шепсель продал тиару венскому антиквару Антону Фогелю.
Во сколько Фогелю обошлась тиара – неизвестно, зато известна сумма, за которую антиквар продал тиару Лувру – 200 000 франков. В пересчете на рубли это примерно 50 000, огромные деньги по тому времени. Эксперты из Лувра тоже не распознали подделку.
О подлинности тиары задумались только тогда, когда музей с огромным пафосом выставил ее в зале античного искусства. Немецкий археолог Адольф Фуртвенглер выпустил разоблачительную статью. Французы тут же бросились защищать тиару, аргументируя это тем, что Фуртвенглер просто не любит французов. Следом за одной разгромной статьей последовали и другие, от многих именитых археологов того времени.
Вплоть до 1905 года Лувр игнорировал абсолютно все доказательства, включая письмо друга Рухомовского, который прямо описывал работу своего товарища над тиарой. Афера вскрылась только тогда, когда Рухомовский лично в Париже доказал, что тиара – его рук дело.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍6🔥5🤣4
В марте 1873 года Достоевский посетил экспозицию в Императорской академии художеств. Из выставленных там работ предполагалось отобрать те, что будут представлять Россию в программе «Графическое и художественное искусство» на Всемирной промышленной выставке в Вене. Федор Михайлович был знатоком и ценителем живописи. В своих «Дневниках» он немало страниц посвятил анализу картин, запавших в душу, а в романах зачастую подключал к развитию сюжета подлинные произведения искусства. О выставке в Академии много говорили, так что писатель определенно не мог пропустить такое событие. Одним из наиболее ярких впечатлений для него стали только что оконченные Репиным «Бурлаки на Волге», над которыми художник работал почти четыре года.
Идея картины родился летом 1870 года, когда Илья Ильич вместе с друзьями-художниками писал этюды на Волге. Вживую увиденная «бурлацкая тяга» поразила Репина, но найти общий язык с «натурщиками» было непросто, что и отразилось на изначальном замысле – бурлаки должны были идти по берегу, а повыше, на променаде, прогуливалась нарядная публика. Но от такого лобового решения художник отказался довольно быстро. Был набросок с бурлаками, продирающимися сквозь бурелом, но друживший с Репиным Шишкин обнаружил в нем массу «пейзажных» ошибок, и эскиз был уничтожен. Существовало еще несколько промежуточных вариантов, тоже в итоге забракованных. Получилось то, что получилось – шедевр, положивший начало славе гениального живописца.
Выставленные в Академии «Бурлаки» наделали много шума. Одни возмущались «неактуальностью мотива»: к примеру, министр государственных имуществ Александр Зеленой уверял, что «этот допотопный способ транспортов… уже сведен к нулю». Другие восхищались «обличительным пафосом», которого, по собственному признанию художника, там и в помине не было. Не ради изъявления скорби по обездоленным он взялся за кисть! Ему были интересны характеры этих людей. Не плакать над ними хотел художник, а понять их – как живут, чем дышат, как видят себя, свою судьбу, в конце концов, мир вокруг. Объяснения Репина никак ему не помогли – каждый видел в его работе то, что хотел видеть. С этим свойством человеческого восприятия спорить бессмысленно, но иногда так хочется. И лишь немногие смогли разглядеть в «Бурлаках» не манифест, а своего рода групповой портрет, отличающийся тонким психологизмом. Среди этих немногих был и Достоевский.
«К радости моей, – признавался писатель, – весь страх оказался напрасным: бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего. Ни один из них не кричит с картины зрителю: «Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!» И уж это одно можно поставить в заслугу художнику. Славные, знакомые фигуры: два передовых бурлака почти смеются, по крайней мере, вовсе не плачут и уж отнюдь не думают о социальном своем положении. Солдатик хитрит и фальшивит, хочет набить трубочку. Мальчишка серьезничает, кричит, даже ссорится – удивительная фигура, почти лучшая в картине и равная по замыслу с самым задним бурлаком, понуренным мужичонкой, плетущимся особо, которого даже и лица не видно. Невозможно и представить себе, чтобы мысль о политико-экономических и социальных долгах высших классов народу могла хоть когда-нибудь проникнуть в эту бедную, понуренную голову этого забитого вековечным горем мужичонки… и – и знаете ли вы, милый критик, что вот эта-то смиренная невинность мысли этого мужичонки т достигает цели несравненно более, чем вы думаете, – именно вашей направительной, либеральной цели! Ведь иной зритель уйдет с нарывом в сердце и любовью (какой любовью!) к этому мужичонке, или к этому мальчишке, или к тому плуту-подлецу солдатику! Ведь нельзя не полюбить их, этих беззащитных, нельзя уйти, их не полюбя. Нельзя не подумать, что должен, действительно должен народу… Ведь эта бурлацкая «партия» будет сниться потом во сне, через пятнадцать лет вспомнится!»
#ПрочтениеЖивописи
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Идея картины родился летом 1870 года, когда Илья Ильич вместе с друзьями-художниками писал этюды на Волге. Вживую увиденная «бурлацкая тяга» поразила Репина, но найти общий язык с «натурщиками» было непросто, что и отразилось на изначальном замысле – бурлаки должны были идти по берегу, а повыше, на променаде, прогуливалась нарядная публика. Но от такого лобового решения художник отказался довольно быстро. Был набросок с бурлаками, продирающимися сквозь бурелом, но друживший с Репиным Шишкин обнаружил в нем массу «пейзажных» ошибок, и эскиз был уничтожен. Существовало еще несколько промежуточных вариантов, тоже в итоге забракованных. Получилось то, что получилось – шедевр, положивший начало славе гениального живописца.
Выставленные в Академии «Бурлаки» наделали много шума. Одни возмущались «неактуальностью мотива»: к примеру, министр государственных имуществ Александр Зеленой уверял, что «этот допотопный способ транспортов… уже сведен к нулю». Другие восхищались «обличительным пафосом», которого, по собственному признанию художника, там и в помине не было. Не ради изъявления скорби по обездоленным он взялся за кисть! Ему были интересны характеры этих людей. Не плакать над ними хотел художник, а понять их – как живут, чем дышат, как видят себя, свою судьбу, в конце концов, мир вокруг. Объяснения Репина никак ему не помогли – каждый видел в его работе то, что хотел видеть. С этим свойством человеческого восприятия спорить бессмысленно, но иногда так хочется. И лишь немногие смогли разглядеть в «Бурлаках» не манифест, а своего рода групповой портрет, отличающийся тонким психологизмом. Среди этих немногих был и Достоевский.
«К радости моей, – признавался писатель, – весь страх оказался напрасным: бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего. Ни один из них не кричит с картины зрителю: «Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!» И уж это одно можно поставить в заслугу художнику. Славные, знакомые фигуры: два передовых бурлака почти смеются, по крайней мере, вовсе не плачут и уж отнюдь не думают о социальном своем положении. Солдатик хитрит и фальшивит, хочет набить трубочку. Мальчишка серьезничает, кричит, даже ссорится – удивительная фигура, почти лучшая в картине и равная по замыслу с самым задним бурлаком, понуренным мужичонкой, плетущимся особо, которого даже и лица не видно. Невозможно и представить себе, чтобы мысль о политико-экономических и социальных долгах высших классов народу могла хоть когда-нибудь проникнуть в эту бедную, понуренную голову этого забитого вековечным горем мужичонки… и – и знаете ли вы, милый критик, что вот эта-то смиренная невинность мысли этого мужичонки т достигает цели несравненно более, чем вы думаете, – именно вашей направительной, либеральной цели! Ведь иной зритель уйдет с нарывом в сердце и любовью (какой любовью!) к этому мужичонке, или к этому мальчишке, или к тому плуту-подлецу солдатику! Ведь нельзя не полюбить их, этих беззащитных, нельзя уйти, их не полюбя. Нельзя не подумать, что должен, действительно должен народу… Ведь эта бурлацкая «партия» будет сниться потом во сне, через пятнадцать лет вспомнится!»
#ПрочтениеЖивописи
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤4👍4🙏4
На полотнах нидерландского живописца Яна Вермеера можно заметить восхитительную наполненность светом и практически идеально выстроенные интерьеры. У многих ценителей искусства время от времени закрадывались подозрения, что Вермеер применял какую-то специальную технику для такой натуральной передачи перспективы и пространственной глубины.
Есть теория, что художник пользовался камерой-обскурой. Об этом свидетельствует тот факт, что на многих картинах Вермеера линии соединяются в единой точке схода.
А что же такое камера-обскура? Если простыми словами, то это темная коробка с отверстием в одной стенке, через которое хорошо освещенные предметы, находящиеся впереди, проецируются на противоположную стену, хоть и в перевернутом виде. Подобное устройство использовалось еще в IV веке до нашей эры, его описал Аристотель.
Предположения о том, что Ян Вермеер применял в своей работе оптические средства, высказывались уже к концу XIX века. В качестве доказательства этой версии обычно обращались к работе Вермеера «Офицер со смеющейся девушкой». На картине 1658 года два человека сидят друг напротив друга за столом, освещенные, как это часто бывает у Вермеера, светом, исходящим сверху слева. Офицер, сидящий на переднем плане спиной к зрителю, изображен гораздо крупнее девушки. Конечно, с точки зрения перспективы это правильно. Но создать подобную идеальную перспективу без использования оптических приборов, полагаясь только на собственное зрение, было бы слишком сложно. Обычно художники XVII века предпочитали изображать людей разного роста в перспективе так, чтобы все они были одного размера.
Одним из первых, кто высказал гипотезу о том, что художник рисовал свои полотна с помощью некоего оптического прибора, был американский график Джозеф Пеннелл. К сожалению, каких-то неопровержимых доказательств до сих пор никто из исследователей творчества Вермеера не предъявил.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Есть теория, что художник пользовался камерой-обскурой. Об этом свидетельствует тот факт, что на многих картинах Вермеера линии соединяются в единой точке схода.
А что же такое камера-обскура? Если простыми словами, то это темная коробка с отверстием в одной стенке, через которое хорошо освещенные предметы, находящиеся впереди, проецируются на противоположную стену, хоть и в перевернутом виде. Подобное устройство использовалось еще в IV веке до нашей эры, его описал Аристотель.
Предположения о том, что Ян Вермеер применял в своей работе оптические средства, высказывались уже к концу XIX века. В качестве доказательства этой версии обычно обращались к работе Вермеера «Офицер со смеющейся девушкой». На картине 1658 года два человека сидят друг напротив друга за столом, освещенные, как это часто бывает у Вермеера, светом, исходящим сверху слева. Офицер, сидящий на переднем плане спиной к зрителю, изображен гораздо крупнее девушки. Конечно, с точки зрения перспективы это правильно. Но создать подобную идеальную перспективу без использования оптических приборов, полагаясь только на собственное зрение, было бы слишком сложно. Обычно художники XVII века предпочитали изображать людей разного роста в перспективе так, чтобы все они были одного размера.
Одним из первых, кто высказал гипотезу о том, что художник рисовал свои полотна с помощью некоего оптического прибора, был американский график Джозеф Пеннелл. К сожалению, каких-то неопровержимых доказательств до сих пор никто из исследователей творчества Вермеера не предъявил.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤7👍3🥰3
На известной картине Зинаиды Серебряковой «Катя в голубом у ёлки» изображена младшая дочка художницы в карнавальном костюме. Казалось бы, ничего особенного в сюжете этой картины нет: красивый ребенок возле наряженной ёлки, классическая детсадовская фотография с новогоднего утренника. Но сюжет картины имеет особую ценность, ведь эту ёлку самолично наряжал известный русский художник – живописец, график, сценограф и книжный иллюстратор Александр Бенуа.
Бенуа был дядей Зинаиды Серебряковой, и славился тем, что ежегодно устраивал для своих родных и знакомых замечатёльные ёлки.
В программе каждого праздника было весёлое представление, в котором участвовала почти вся семья. Дети читали стихи, пели песни, и все это в самодельных маскарадных костюмах, к созданию которых, конечно же, был причастен сам великий сценограф.
Главной ёлкой в семье Бенуа была ёлка в родительской квартире в Петербурге, которую украшали не только игрушками, но и настоящими восковыми свечами.
Начинались праздники обычно с большого семейного обеда за огромным столом, накрытым белоснежной скатертью. Первым блюдом по традиции всегда подавали запеканку из сладкой лапши с кедровыми орехами. По семейной легенде, рецепт этой лапши был завещан семье Бенуа венецианскими родственниками. Как гласят те же семейные легенды, дети сладкую лапшу терпеть не могли и расковыривали ее вилками в тарелке, чтобы быстрее добраться до остальных праздничных блюд. Точнее – бесконечной череды самых разнообразных сладких десертов.
Обед плавно перетекал в ужин, и после него начиналось время веселья и подарков! Двери в зал, где стояла украшенная ёлка, распахивались, и дети наконец-то получали доступ к разноцветным коробкам и пакетам, сложенным у ее подножия.
В одной из своих статей Александр Бенуа писал:
#Нехудожественные_увлечения
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Бенуа был дядей Зинаиды Серебряковой, и славился тем, что ежегодно устраивал для своих родных и знакомых замечатёльные ёлки.
В программе каждого праздника было весёлое представление, в котором участвовала почти вся семья. Дети читали стихи, пели песни, и все это в самодельных маскарадных костюмах, к созданию которых, конечно же, был причастен сам великий сценограф.
Главной ёлкой в семье Бенуа была ёлка в родительской квартире в Петербурге, которую украшали не только игрушками, но и настоящими восковыми свечами.
Начинались праздники обычно с большого семейного обеда за огромным столом, накрытым белоснежной скатертью. Первым блюдом по традиции всегда подавали запеканку из сладкой лапши с кедровыми орехами. По семейной легенде, рецепт этой лапши был завещан семье Бенуа венецианскими родственниками. Как гласят те же семейные легенды, дети сладкую лапшу терпеть не могли и расковыривали ее вилками в тарелке, чтобы быстрее добраться до остальных праздничных блюд. Точнее – бесконечной череды самых разнообразных сладких десертов.
Обед плавно перетекал в ужин, и после него начиналось время веселья и подарков! Двери в зал, где стояла украшенная ёлка, распахивались, и дети наконец-то получали доступ к разноцветным коробкам и пакетам, сложенным у ее подножия.
В одной из своих статей Александр Бенуа писал:
Всякая светлая радость сеет в детских душах зерна, дающие со временем настоящую человечность... бойтесь ёлку лишать светлой радости... не мешайте в этот праздник детства быть детьми детям.
#Нехудожественные_увлечения
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8👍3🥰3
Пусть это трепетное ожидание одного из главных Праздников будет наполнено умиротворением, теплом и любовью.
Проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ искренне поздравляет всех. Мы желаем и взрослым, и детям погрузиться в атмосферу сказки и поверить в чудеса.
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤10🎄6👍5🙏2
Семья как двигатель искусства
Российская культура богата на творческие династии, которые из поколения в поколения вносят значимый вклад в развитие национального искусства.
Представителями одной из таких династий является семья Мануиловых.
Представители династии – мастера на все руки и жанры: металл и глина, холст и краски, свет и тень подвластны им в течение четырёх поколений. Божественные и мирские образы с поразительной тонкостью отражаются в мозаике их искусства.
А сегодня они гости проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ. О том, что помогает хранить «времен связующую нить», – рассказ от первых лиц. Герои интервью – Александр и Филипп Мануиловы.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Российская культура богата на творческие династии, которые из поколения в поколения вносят значимый вклад в развитие национального искусства.
Представителями одной из таких династий является семья Мануиловых.
Представители династии – мастера на все руки и жанры: металл и глина, холст и краски, свет и тень подвластны им в течение четырёх поколений. Божественные и мирские образы с поразительной тонкостью отражаются в мозаике их искусства.
А сегодня они гости проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ. О том, что помогает хранить «времен связующую нить», – рассказ от первых лиц. Герои интервью – Александр и Филипп Мануиловы.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤10👍6🥰6
Самые знаменитые абстрактные картины Джексона Поллока были созданы с помощью техники «капель». Выливая жидкую краску с помощью палочки из банки, Поллок наносил вязкие жидкие нити на горизонтальный холст, ритмично двигаясь по нему. Замысловатые сети линий, повсеместно встречающиеся в его композициях, завораживали историков искусства и ученых.
Группа экспертов из Национального автономного университета Мексики и Калифорнийского университета в Риверсайде экспериментально воспроизвела процесс рисования и пришла к выводу, что Поллок избегал появления гидродинамической нестабильности, вопреки тому, что утверждалось в предыдущих исследованиях. Поллок выбирал краску с такими физическими свойствами, чтобы предотвратить фрагментацию нитей перед нанесением. Он наносил краску, двигая рукой на определенной высоте и достаточно быстро, чтобы избежать скручивания жидких нитей в спираль.
Понимание физических условий, при которых создавались эти узоры, важно для дальнейшего исследования искусства. Кроме того, его можно использовать в качестве инструмента при аутентификации картин. Если на картине присутствует спиральная нестабильность, то можно сделать вывод, что работа не принадлежит кисти Джексона Поллока.
У исследователей также была видеозапись того, как Поллок работает над своей картиной. Струя краски никогда не заплеталась и не оставляла клякс. Эти наблюдения помогли прийти к еще одному выводу: все кляксы на полотнах Поллока далеко не случайны. Художник оставлял их специально, что. тоже сыграло огромную роль в выявлении контрафактных картин.
Еще один способ возможного установления подлинности картин Поллока – фракталы. В ходе недавнего исследования ученые выяснили, что человеческий глаз реагирует на картины Поллока точно так же, как и на фракталы, встречающиеся в природе. Эти исследования позволили компьютеру определять, Поллок перед ним или нет, с точностью в 93%. Однако споры касательно умышленного использования Поллоком фракталов ведутся до сих пор.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Группа экспертов из Национального автономного университета Мексики и Калифорнийского университета в Риверсайде экспериментально воспроизвела процесс рисования и пришла к выводу, что Поллок избегал появления гидродинамической нестабильности, вопреки тому, что утверждалось в предыдущих исследованиях. Поллок выбирал краску с такими физическими свойствами, чтобы предотвратить фрагментацию нитей перед нанесением. Он наносил краску, двигая рукой на определенной высоте и достаточно быстро, чтобы избежать скручивания жидких нитей в спираль.
Понимание физических условий, при которых создавались эти узоры, важно для дальнейшего исследования искусства. Кроме того, его можно использовать в качестве инструмента при аутентификации картин. Если на картине присутствует спиральная нестабильность, то можно сделать вывод, что работа не принадлежит кисти Джексона Поллока.
У исследователей также была видеозапись того, как Поллок работает над своей картиной. Струя краски никогда не заплеталась и не оставляла клякс. Эти наблюдения помогли прийти к еще одному выводу: все кляксы на полотнах Поллока далеко не случайны. Художник оставлял их специально, что. тоже сыграло огромную роль в выявлении контрафактных картин.
Еще один способ возможного установления подлинности картин Поллока – фракталы. В ходе недавнего исследования ученые выяснили, что человеческий глаз реагирует на картины Поллока точно так же, как и на фракталы, встречающиеся в природе. Эти исследования позволили компьютеру определять, Поллок перед ним или нет, с точностью в 93%. Однако споры касательно умышленного использования Поллоком фракталов ведутся до сих пор.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9👍5🙏3
История пурпурного цвета начинается с собаки одного финикийского правителя, которая якобы разгрызла ракушку, в результате чего ее морда окрасилась в фиолетово-красный цвет. К морским переднежаберным моллюскам-иглянкам присмотрелись внимательнее и начали добывать из них... пурпурный краситель.
Краситель оказался очень дорогим: так, например, для получения одного грамма требовалось целых десять тысяч моллюсков! Так что носить одежды пурпурного цвета могли себе позволить только монархи и их приближенные. Поэтому пурпур и стал королевским цветом.
В русской традиции пурпурный считали разновидностью красного, называли багряным или цветом запекшейся крови. В английском языке пурпурный ближе к фиолетовому, это смесь синего и красного, где красного больше.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Краситель оказался очень дорогим: так, например, для получения одного грамма требовалось целых десять тысяч моллюсков! Так что носить одежды пурпурного цвета могли себе позволить только монархи и их приближенные. Поэтому пурпур и стал королевским цветом.
В русской традиции пурпурный считали разновидностью красного, называли багряным или цветом запекшейся крови. В английском языке пурпурный ближе к фиолетовому, это смесь синего и красного, где красного больше.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍8🔥6👏5
Одна из самых известных работ испанского художника Сальвадора Дали – «Постоянство памяти». Та самая картина со стекающими часами. Ее еще иногда называют «Мягкие часы» или «Тающие часы».
Сейчас картина вывешена в Музее современного искусства в Нью-Йорке, там она находится с 1934 года. А впервые общественность увидела ее в 1932 году в Нью-Йоркской галерее Жюльена Леви.
Уже тогда у людей возникали вопросы, что же хотел рассказать своей картиной Сальвадор Дали? Несоответствие изображения с названием лишь подливало масла в огонь раздумий. Как это так – «Постоянство памяти», а часы стекают?
Есть версия, что на создание тающих часов Дали вдохновило понятие кривизны пространства-времени в теории относительности. Но сам Дали отрицал, что думал об Эйнштейне, когда писал эту картину. Он говорил, что скорее вспоминал Гераклита, полагавшего, что время измеряется течением мысли: «Именно поэтому моя картина носит название «Постоянство памяти». Памяти о взаимосвязи пространства и времени».
Помимо явной, хоть и отрицаемой автором связи с теорией относительности, у картины полно других скрытых значений.
Дальние часы на засохшей оливе символизируют детство художника, то есть прошлое. Циферблат, стекающий с прямоугольного ящика, показывает настоящее время. Прямоугольник олицетворяет собой расчет, порядок и гармонию, потому что настоящее всегда видится реальнее всего. Третьи мягкие часы – это будущее. Они лежат на голове самого художника, который то ли спит, то ли умер (что в принципе одно и то же, ведь «сон – это маленькая смерть»).
Карманные часы – единственные, сохранившие твердость – грызут муравьи. Это символизирует время, которое никого не щадит.Однако, есть и другая версия, предложенная самим Сальвадором Дали. Он говорил, что образ тающих часов ему был навеян сыром камамбер, который плавится на солнце. Впрочем, один из самых ярких представителей сюрреализма часто придумывал небылицы, которые затем искусно запускал в прессу, так что он мог попросту сочинить историю про камамбер.
Портрет Сальвадора Дали создан с помощью Midjourney.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Сейчас картина вывешена в Музее современного искусства в Нью-Йорке, там она находится с 1934 года. А впервые общественность увидела ее в 1932 году в Нью-Йоркской галерее Жюльена Леви.
Уже тогда у людей возникали вопросы, что же хотел рассказать своей картиной Сальвадор Дали? Несоответствие изображения с названием лишь подливало масла в огонь раздумий. Как это так – «Постоянство памяти», а часы стекают?
Есть версия, что на создание тающих часов Дали вдохновило понятие кривизны пространства-времени в теории относительности. Но сам Дали отрицал, что думал об Эйнштейне, когда писал эту картину. Он говорил, что скорее вспоминал Гераклита, полагавшего, что время измеряется течением мысли: «Именно поэтому моя картина носит название «Постоянство памяти». Памяти о взаимосвязи пространства и времени».
Помимо явной, хоть и отрицаемой автором связи с теорией относительности, у картины полно других скрытых значений.
Дальние часы на засохшей оливе символизируют детство художника, то есть прошлое. Циферблат, стекающий с прямоугольного ящика, показывает настоящее время. Прямоугольник олицетворяет собой расчет, порядок и гармонию, потому что настоящее всегда видится реальнее всего. Третьи мягкие часы – это будущее. Они лежат на голове самого художника, который то ли спит, то ли умер (что в принципе одно и то же, ведь «сон – это маленькая смерть»).
Карманные часы – единственные, сохранившие твердость – грызут муравьи. Это символизирует время, которое никого не щадит.Однако, есть и другая версия, предложенная самим Сальвадором Дали. Он говорил, что образ тающих часов ему был навеян сыром камамбер, который плавится на солнце. Впрочем, один из самых ярких представителей сюрреализма часто придумывал небылицы, которые затем искусно запускал в прессу, так что он мог попросту сочинить историю про камамбер.
Портрет Сальвадора Дали создан с помощью Midjourney.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤11🔥5👏5
«Твореные» краски
Что общего между золотым нимбом и кока-колой?
Вопрос, несомненно, провокационный, но не стоит спешить возмущаться, ведь кое-что общее у них и впрямь есть. Это смола акации – гуммиарабик.
Гуммиарабик нужен, чтобы получить из золота золотой порошок, который используется в иконописи. А еще гуммиарабик служит пищевой добавкой в кока-коле и целом ряде кондитерских изделий (это та самая добавка Е414 – эмульгатор, стабилизатор и загуститель, безопасная настолько, что ее могут употреблять диабетики, аллергики и веганы).
Чтобы получить золотой порошок или, как его называли на Руси – твореное золото, необходимо было на дне стакана замешать гуммиарабик с водой и затем полученную клейкую массу долго перетирать с тончайшим листом золота. Процесс в среднем длился полтора часа. На выходе получался золотой порошок. Его использовали, «чтобы украшать им нимбы вокруг голов святых, подол платья и кайму на нем, и все остальное, что ты пожелаешь», как писал в своей инструкции по изготовлению монах-просветитель Пресвитер Теофил.
Кстати, русские художники-иконописцы до XIX века называли процесс смешивания красок для икон – «тереть краски». «Твореными» краски перестали называться лишь в XX веке.
Сама по себе история золотого порошка в живописи насчитывает многие тысячи лет. Считается, что некоторые дворцы и гробницы Древнего Египта были расписаны с помощью твореного золота. В Россию искусство наносить золото на холст пришло в конце X века из Византии. Кстати, вместе с искусством иконописи.
С холстов на мебель золотой порошок перешел в эпоху Петра I. Эту моду великий реформатор привез в Россию после своего путешествия по Европе.
Сегодня тертое золото используется в основном в иконописи или реставрации. Мода на позолоченную мебель давно прошла. И производится золотая краска уже не вручную, а промышленным способом – с помощью высокоточного оборудования.
Впрочем, до сих пор находятся мастера, которые предпочитают перетирать золото вручную. То ли не доверяют машинному качеству, то ли считают, что так душевнее получается.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Что общего между золотым нимбом и кока-колой?
Вопрос, несомненно, провокационный, но не стоит спешить возмущаться, ведь кое-что общее у них и впрямь есть. Это смола акации – гуммиарабик.
Гуммиарабик нужен, чтобы получить из золота золотой порошок, который используется в иконописи. А еще гуммиарабик служит пищевой добавкой в кока-коле и целом ряде кондитерских изделий (это та самая добавка Е414 – эмульгатор, стабилизатор и загуститель, безопасная настолько, что ее могут употреблять диабетики, аллергики и веганы).
Чтобы получить золотой порошок или, как его называли на Руси – твореное золото, необходимо было на дне стакана замешать гуммиарабик с водой и затем полученную клейкую массу долго перетирать с тончайшим листом золота. Процесс в среднем длился полтора часа. На выходе получался золотой порошок. Его использовали, «чтобы украшать им нимбы вокруг голов святых, подол платья и кайму на нем, и все остальное, что ты пожелаешь», как писал в своей инструкции по изготовлению монах-просветитель Пресвитер Теофил.
Кстати, русские художники-иконописцы до XIX века называли процесс смешивания красок для икон – «тереть краски». «Твореными» краски перестали называться лишь в XX веке.
Сама по себе история золотого порошка в живописи насчитывает многие тысячи лет. Считается, что некоторые дворцы и гробницы Древнего Египта были расписаны с помощью твореного золота. В Россию искусство наносить золото на холст пришло в конце X века из Византии. Кстати, вместе с искусством иконописи.
С холстов на мебель золотой порошок перешел в эпоху Петра I. Эту моду великий реформатор привез в Россию после своего путешествия по Европе.
Сегодня тертое золото используется в основном в иконописи или реставрации. Мода на позолоченную мебель давно прошла. И производится золотая краска уже не вручную, а промышленным способом – с помощью высокоточного оборудования.
Впрочем, до сих пор находятся мастера, которые предпочитают перетирать золото вручную. То ли не доверяют машинному качеству, то ли считают, что так душевнее получается.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9🤩3🥰2