Самые знаменитые абстрактные картины Джексона Поллока были созданы с помощью техники «капель». Выливая жидкую краску с помощью палочки из банки, Поллок наносил вязкие жидкие нити на горизонтальный холст, ритмично двигаясь по нему. Замысловатые сети линий, повсеместно встречающиеся в его композициях, завораживали историков искусства и ученых.

Группа экспертов из Национального автономного университета Мексики и Калифорнийского университета в Риверсайде экспериментально воспроизвела процесс рисования и пришла к выводу, что Поллок избегал появления гидродинамической нестабильности, вопреки тому, что утверждалось в предыдущих исследованиях. Поллок выбирал краску с такими физическими свойствами, чтобы предотвратить фрагментацию нитей перед нанесением. Он наносил краску, двигая рукой на определенной высоте и достаточно быстро, чтобы избежать скручивания жидких нитей в спираль.

Понимание физических условий, при которых создавались эти узоры, важно для дальнейшего исследования искусства. Кроме того, его можно использовать в качестве инструмента при аутентификации картин. Если на картине присутствует спиральная нестабильность, то можно сделать вывод, что работа не принадлежит кисти Джексона Поллока.

У исследователей также была видеозапись того, как Поллок работает над своей картиной. Струя краски никогда не заплеталась и не оставляла клякс. Эти наблюдения помогли прийти к еще одному выводу: все кляксы на полотнах Поллока далеко не случайны. Художник оставлял их специально, что. тоже сыграло огромную роль в выявлении контрафактных картин.

Еще один способ возможного установления подлинности картин Поллока – фракталы. В ходе недавнего исследования ученые выяснили, что человеческий глаз реагирует на картины Поллока точно так же, как и на фракталы, встречающиеся в природе. Эти исследования позволили компьютеру определять, Поллок перед ним или нет, с точностью в 93%. Однако споры касательно умышленного использования Поллоком фракталов ведутся до сих пор.


#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

История пурпурного цвета начинается с собаки одного финикийского правителя, которая якобы разгрызла ракушку, в результате чего ее морда окрасилась в фиолетово-красный цвет. К морским переднежаберным моллюскам-иглянкам присмотрелись внимательнее и начали добывать из них... пурпурный краситель.

Краситель оказался очень дорогим: так, например, для получения одного грамма требовалось целых десять тысяч моллюсков! Так что носить одежды пурпурного цвета могли себе позволить только монархи и их приближенные. Поэтому пурпур и стал королевским цветом.

В русской традиции пурпурный считали разновидностью красного, называли багряным или цветом запекшейся крови. В английском языке пурпурный ближе к фиолетовому, это смесь синего и красного, где красного больше.


#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Одна из самых известных работ испанского художника Сальвадора Дали – «Постоянство памяти». Та самая картина со стекающими часами. Ее еще иногда называют «Мягкие часы» или «Тающие часы».

Сейчас картина вывешена в Музее современного искусства в Нью-Йорке, там она находится с 1934 года. А впервые общественность увидела ее в 1932 году в Нью-Йоркской галерее Жюльена Леви.

Уже тогда у людей возникали вопросы, что же хотел рассказать своей картиной Сальвадор Дали? Несоответствие изображения с названием лишь подливало масла в огонь раздумий. Как это так – «Постоянство памяти», а часы стекают?

Есть версия, что на создание тающих часов Дали вдохновило понятие кривизны пространства-времени в теории относительности. Но сам Дали отрицал, что думал об Эйнштейне, когда писал эту картину. Он говорил, что скорее вспоминал Гераклита, полагавшего, что время измеряется течением мысли: «Именно поэтому моя картина носит название «Постоянство памяти». Памяти о взаимосвязи пространства и времени».

Помимо явной, хоть и отрицаемой автором связи с теорией относительности, у картины полно других скрытых значений.

Дальние часы на засохшей оливе символизируют детство художника, то есть прошлое. Циферблат, стекающий с прямоугольного ящика, показывает настоящее время. Прямоугольник олицетворяет собой расчет, порядок и гармонию, потому что настоящее всегда видится реальнее всего. Третьи мягкие часы – это будущее. Они лежат на голове самого художника, который то ли спит, то ли умер (что в принципе одно и то же, ведь «сон – это маленькая смерть»).

Карманные часы – единственные, сохранившие твердость – грызут муравьи. Это символизирует время, которое никого не щадит.Однако, есть и другая версия, предложенная самим Сальвадором Дали. Он говорил, что образ тающих часов ему был навеян сыром камамбер, который плавится на солнце. Впрочем, один из самых ярких представителей сюрреализма часто придумывал небылицы, которые затем искусно запускал в прессу, так что он мог попросту сочинить историю про камамбер.

Портрет Сальвадора Дали создан с помощью Midjourney.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

«Твореные» краски

Что общего между золотым нимбом и кока-колой?

Вопрос, несомненно, провокационный, но не стоит спешить возмущаться, ведь кое-что общее у них и впрямь есть. Это смола акации – гуммиарабик.

Гуммиарабик нужен, чтобы получить из золота золотой порошок, который используется в иконописи. А еще гуммиарабик служит пищевой добавкой в кока-коле и целом ряде кондитерских изделий (это та самая добавка Е414 – эмульгатор, стабилизатор и загуститель, безопасная настолько, что ее могут употреблять диабетики, аллергики и веганы).

Чтобы получить золотой порошок или, как его называли на Руси – твореное золото, необходимо было на дне стакана замешать гуммиарабик с водой и затем полученную клейкую массу долго перетирать с тончайшим листом золота. Процесс в среднем длился полтора часа. На выходе получался золотой порошок. Его использовали, «чтобы украшать им нимбы вокруг голов святых, подол платья и кайму на нем, и все остальное, что ты пожелаешь», как писал в своей инструкции по изготовлению монах-просветитель Пресвитер Теофил.

Кстати, русские художники-иконописцы до XIX века называли процесс смешивания красок для икон – «тереть краски». «Твореными» краски перестали называться лишь в XX веке.

Сама по себе история золотого порошка в живописи насчитывает многие тысячи лет. Считается, что некоторые дворцы и гробницы Древнего Египта были расписаны с помощью твореного золота. В Россию искусство наносить золото на холст пришло в конце X века из Византии. Кстати, вместе с искусством иконописи.

С холстов на мебель золотой порошок перешел в эпоху Петра I. Эту моду великий реформатор привез в Россию после своего путешествия по Европе.

Сегодня тертое золото используется в основном в иконописи или реставрации. Мода на позолоченную мебель давно прошла. И производится золотая краска уже не вручную, а промышленным способом – с помощью высокоточного оборудования.

Впрочем, до сих пор находятся мастера, которые предпочитают перетирать золото вручную. То ли не доверяют машинному качеству, то ли считают, что так душевнее получается.

#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Последние новости в традиционном дайджесте ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.


Центр «Эрмитаж-Выборг» поможет «услышать» пир и праздник в античной культуре

В рамках государственной программы «Доступная среда» на протяжении нескольких лет выставочный центр «Эрмитаж-Выборг» готовит аудиогид к каждой новой выставке. Вот и на этот раз к выставке «Пир и праздник в античной культуре» был создан аудиогид. Гости смогут услышать подробный рассказ о том, как проводили досуг в античные времена, и узнать о праздничных традициях. Проект стал доступен публике в начале января. Посетить выставку и оценить удобство аудиогида можно до 14 апреля 2025 года.


Найдены украденные работы Бэнкси и Дэмиена Херста

Коллекцию работ, состоящую из десяти картин и одной фотографии за авторством таких известных художников, как Дэмиен Херст, Бэнкси и Такаши Мураками, общей стоимостью более 186 000 долларов, обнаружили в Польше спустя два года после похищения.


Санкт-Петербург стал матрешечной столицей России

В начале января были подведены итоги всероссийского конкурса «Самая красивая матрешка». Состязание проходило в течение 2024 года. На конкурс было представлено 696 произведений и от любителей, и от профессиональных художников.
В главной номинации «Самая красивая матрешка» победила работа Наталии Малаховой из Санкт-Петербурга «Крепкая семья». Санкт-Петербург был признан матрешечной столицей России. Также в рамках конкурса была представлена первая «Матрешечная карта России».


Письма Малевича выставили на аукционе за 5 млн рублей

Аукционный дом «Литфонд» выставил на торги два письма художника-авангардиста Казимира Малевича, датируемые весной 1930 года. Автор «Черного квадрата» адресовал их своему давнему другу, крупному партийному деятелю Кириллу Шутко. В этих посланиях раскрываются сложные жизненные ситуации, с которыми был вынужден столкнуться художник. В частности, в письмах речь идет об обвинениях в ненужности и индивидуализме работ лаборатории Малевича в Государственном институте истории искусства, о проблемах с открытием выставок его товарищей Филонова и Татлина.


Владелец снятой с торгов картины добился ее возврата в российском суде

Российский владелец картины XVI века «Мастерская» Херри мет де Блеса добился в Хамовническом суде Москвы ее возврата после снятия с торгов на аукционе Sotheby's. В 2020 году собственник заключил соглашение с агентом фирмы Alexis Ashot Ltd., который должен был продать ее за определенную сумму, а при отсутствии достойных предложений о покупке до 21 октября 2021 года вернуть владельцу. Картину выставили на торги, но быстро с них сняли: в Sotheby's обратились граждане Швейцарии, которые заявили о ее краже и возбужденном уголовном деле.


РОСИЗО учредил премию «Форма-арт»

Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО» учредил всероссийскую премию «Форма-арт», посвященную развитию, управлению и продвижению музейно-выставочных проектов. Основная цель премии — отметить достижения представителей профессионального сообщества, создающих выставочные экспозиции и мероприятия. Премия будет способствовать развитию и поддержке конструктивной составляющей арт-индустрии, выявлению ее актуальных тенденций и прогрессивных технологий, повышению престижа и реализации потенциала технических специалистов музейно-выставочной отрасли.
Победители будут выбираться в 20 номинациях. Заявки на участие принимаются с 10 февраля по 1 апреля 2025 года. Церемония награждения пройдет 16 апреля 2025 года на площадке Национального центра «Россия».


#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, объединяет художников разных направлений, арт-институции, коллекционеров, педагогов и ценителей искусства. Проект следит за самыми значимыми событиями арт-мира. Одним из них стал городской фестиваль современного искусства в Зарайске «Перезагрузка.2.0». 4 и 5 января там прошли мастер-классы художника, резидента ASKERI GALLERY Дарьи Котляровой на тему «Среда обитания» героя и внутренняя драматургия сюжета картины». Мы побывали в мастерской Дарьи Котляровой и поговорили о пути художника, семейных традициях, понимании живописи и поиске героя.

Встречайте новую порцию лайв-контента от ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.

О том, что на рубеже 1910-х годов Казимир Малевич сотрудничал с «Товариществом “Брокар и Ко”», стало известно 90 лет спустя совершенно случайно, благодаря стараниям известной исследовательницы русского авангарда Александры Шатских. Достигшие известности художники, как правило, не любят вспоминать о том, как в пору юности (а порой и зрелости) не гнушались никакими заработками, чтобы свести концы с концами. Казимир Малевич в этом смысле не исключение. О работе на «Брокара» художник предпочитал не распространяться. Кому охота признаваться, что в сорок лет для того чтобы явиться к заказчику в роскошную контору на Никольской улице, приходится одалживать пальто у куда более состоятельного приятеля.

А заказчик был солиден донельзя — к этому времени парфюмерно-косметическая фабрика, основанная Анри Брокаром в 1864 году, уже была поставщиком императорского двора. Успех предприятия стоял на двух китах: широкой линейке товаров, от эксклюзивных до самых что ни на есть народных (самый востребованный сорт мыла именно так и назывался), и продуманной целевой рекламе — в «Брокаре» хорошо изучили вкусы своей публики. Заря ХХ века стала эпохой покорителей Северного полюса. Только вернулся из своего похода Фритьоф Нансен, как по его следам отправились сначала Фредерик Кук, затем Роберт Пири и, наконец, Георгий Седов. Север был у всех на устах. И то, что ледяная вершина мира так и не сдалась смельчакам, только подстегивало всеобщий ажиотаж. И «Брокар», возглавляемый сыновьями удачливого мсье Анри — Александром и Эмилем, решил оседлать эту волну, выпустив «Северный одеколон» — «крепкий и освежающий», с нотами цитруса, пряных трав и хвойной древесины.

Как получилось, что никому неизвестный художник-самоучка получил от весьма респектабельной фирмы не только заказ, но и полную свободу действий? Ответа пока нет, ведь на эскизах товаров для «пошлого быта», как правило, авторские подписи не ставились, а сами эскизы переходили в собственность заказчика. Не исключено, что Малевич и раньше выполнял для «Брокара» какую-то работу и неплохо себя зарекомендовал. Во всяком случае, на этот раз художник сам разработал не только этикетку для упаковки и рекламный плакат, но и сам флакон.

Он стал настоящим произведением искусства, поскольку автор одним махом нарушил все негласные правила, регламентирующие изготовление «одежды» для парфюмерии. Традиционные флаконы имели симметричную форму и выполнялись из гладкого стекла. Малевич же нарисовал причудливый айсберг с рублеными матовыми гранями, покрытыми сеткой «трещин». На вершине ледяной скалы громоздилась глыба поменьше, увенчанная фигуркой белого медведя, глядящего с этой высоты в бездну. Композиция представляла собой декоративное навершие на традиционную притёртую пробку, которую впоследствии заменили навинчивающейся пластиковой крышкой .

Флаконы для «Брокара» изготовлял Бахметьевский стекольный завод под Пензой, где над ними колдовала художница Адель Якобсон. Эскизы Малевича, вероятней всего безымянные, представляли собой архисложную техническую задачу. Адель Яковлевна блестяще с ней справилась, воспользовавшись для гравировки флаконов техникой кракле, позволяющей имитировать трещины на гладких поверхностях. Вот почему автором флакона долгое время считалась именно она.

В 1917 году «Товарищество “Брокар и Ко”» было упразднено, на его обломках открылся Государственный мыловаренный завод № 5, работавший даже в годы Гражданской войны. С началом НЭПа он получил более романтичное название — «Новая заря». Полярников в Советском Союзе чтили не меньше, чем в царской России, а потому одеколон «Северный» был весьма популярен, хоть и выпускался в упрощённой версии малевичевского флакона. Пережил он и крушение СССР, пусть и ненадолго, — дожил до 1996 года. Флакон после установления авторства был внесён в каталог Третьяковской галереи наряду с полотнами Малевича и стал заветной мечтой коллекционеров.

Изображение создано с помощью Midjourney.

#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Картина Ивана Шишкина «Утро в сосновом лесу» — один из самых известных пейзажей в русской живописи. По количеству репродукций этот шедевр опережает любое из полотен отечественной классики. Пальму первенства ему обеспечили конфеты «Мишка косолапый», на обёртке которых вот уже более ста лет резвится медвежье семейство. Сюжет картины художник привёз с острова Городомля на Селигере, известного своими хвойными лесами.

Про «Утро в сосновом лесу» придумано немало небылиц. Вот одна из них: якобы Шишкин собирался изобразить зайцев, а не медведей, но не справился, поскольку вообще зверей рисовать не умел, и позвал на помощь нуждающегося в деньгах товарища – Константина Савицкого. И гонорар они не поделили, и подпись Савицкого купивший картину Третьяков стёр из вредности, из-за чего художники и рассорились на всю жизнь. На самом деле всё было несколько иначе.

Изначально картина называлась «Медвежье семейство в лесу». Медведица с медвежатами действительно написаны тем самым Савицким. Существует версия, что идея поместить их на картину принадлежала именно ему. Впрочем, Шишкин и сам со зверями бы справился — по окончании Академии художеств он стажировался в Цюрихе у знаменитого анималиста Рудольфа Коллера. Достаточно взглянуть на «Лесную глушь» или «Вид в окрестностях Петербурга», чтобы убедиться: ученье пошло молодому художнику впрок. Медведи присутствуют на эскизах «Утра», так что ни о каких зайцах речь не шла. Савицкий был крестным отцом младшего сына Шишкина, они дружили семьями и отношений никогда не прерывали.

В 1889 году картину решил приобрести для своей галереи Павел Михайлович Третьяков, заплатив за неё Шишкину 4000 рублей. Тысячу из них Иван Иванович отдал соавтору, и на полотне появилось две подписи. Третьякова это несказанно удивило, ведь покупал он картину у Шишкина, и тот ему о совместном творчестве ничего не сказал. В тонкости взаимоотношений художников Павел Михайлович, человек деловой и достаточно жесткий, вникать не стал и своей рукой стёр автограф Савицкого. Поступок свой знаменитый меценат объяснил очень просто:

Начиная от замысла и кончая исполнением, всё говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину.

К началу ХХ века товарищество «Эйнемъ» было одним из самых крупных и уважаемых в России, причём известно оно стало не столько из-за качества сладостей, сколько из-за нестандартной рекламы. Так, для конфет придумывались яркие обёртки, очень красиво смотрящиеся на ветвях рождественских елей или в пасхальных лукошках. В 1913 году главе компании Юлиусу Гейсу принесли на пробу новинку — глазированную шоколадом вафельную конфету с прослойкой из миндального пралине. Новому лакомству нужно было дать имя. В кабинете Гейса висела репродукция «Медвежьего семейства». Хруст вафель напоминает треск сосновых веток, орехи — любимое медвежье угощение. Ассоциативный ряд сложился моментально — появился «Мишка косолапый». Третьякова давно уже не было в живых, но юристы «Эйнема» связались с Советом попечителей галереи и получили разрешение на использование репродукции.

Эскиз обёртки придумал художник Эммануил Андреев. Чтобы уместить на ней все семейство, стоящего на задних лапах медвежонка пришлось сдвинуть к центру. С обеих сторон картинку обрамляли золотые ленты, на которых было написано название фирмы, и рождественские звезды. По бирюзовому фону фантика шёл орнамент белых ромбов с зелёными ёлочками внутри. После революции «Эйнемъ» был национализирован и переименован в «Красный Октябрь», но рецепты многих конфет сохранились. Да и обёртки изменились незначительно. На лентах «Мишек» теперь стояло гордое «Моссельпром». Ниже строчка из Маяковского:

Если хочешь кушать «Мишку» — заведи себе сберкнижку

тогда это была самая дорогая конфета Советского Союза! Любимые конфеты по-прежнему стоили очень дорого. После войны на ленточках писали названия кондитерских фабрик — «Мишки» по единому ГОСТу выпускались на всех крупных предприятиях. Потом они вообще куда-то исчезли. А любовь к «Мишкам» осталась.


#Не_только_полотна
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Энкаустика — это древняя техника живописи, основанная на использовании воска в сочетании с пигментами. Искусство восходит корнями к Античности, когда греческие художники использовали горячий воск для создания ярких, долговечных изображений. Слово «энкаустика» происходит от греческого enkaustikos, что означает «нагревать» или «запечатывать». Эта техника позволяет создавать удивительные эффекты текстуры и цвета.

Процесс создания картины в технике энкаустики начинается с нагревания воска, который в течение работы остается в жидком состоянии. Художник наносит воск на заранее подготовленную поверхность, обычно из дерева или холста, и использует специальные инструменты, такие как шпатели или кисти, для создания узоров и текстуры. Можно также применять слои воска, позволяя им застывать и добавляя новые элементы. Этот метод даёт возможность добиться глубины цвета и уникального блеска.

Одним из ключевых аспектов энкаустики является возможность смешивания цветов прямо на поверхности. Поскольку воск быстро застывает, художник должен работать в хорошем темпе, чтобы сохранить плавность переходов цвета. Также допускается использование различных материалов — от натуральных пигментов до металлических порошков для создания оригинальных эффектов.

Энкаустика не только обеспечивает живописцу уникальные художественные возможности, но и обладает защитными свойствами. Воск защищает картину от влаги и повреждений, делая её менее подверженной воздействию времени. Этим, кстати, объясняется, почему многие сохранившиеся древние произведения, созданные с использованием энкаустики, до сих пор выглядят впечатляюще.

Современные художники вновь открывают для себя эту технику, сочетая её с другими формами искусства и экспериментируя с новыми подходами.

В России древнюю технику живописи воском освоила и успешно использует московская художница Юлия Мамонтова. Главная цель её творчества — возрождение утраченных знаний и технологий живописи, что в итоге помогает сохранению общего культурного наследия разных эпох.


#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Знаменитая картина Энди Уорхола, на которой изображена консервная банка супа Campbell’s, известна всем. Однако мало кто знает, что таких полотен с супом у американского художника, дизайнера, продюсера, писателя и знаковой персоны в истории современного искусства Уорхола было целых 32 штуки.

Уорхол однажды сказал, что искусство должно быть не для узкого круга лиц, а для широких масс. Как и многие другие поп-художники, Уорхол рисовал то, что могло найти отклик у самых простых американцев: комиксы, рекламу, изображения кино- и рок-звёзд. В том числе и банки с супом.

В первом цикле было 32 картины — по числу разновидностей супов, которые тогда продавала Campbell. Художник ласково называл свои работы «портретами супа». Впервые общественность увидела эти «портреты» в 1962 году на выставке Ferus в Лос-Анджелесе. Все 32 картины выставили одной горизонтальной линией, а снизу прикрутили полку, как будто это товары в магазине. Сначала кажется, что все банки одинаковые, но при внимательном рассмотрении видно, что на каждой банке разные мазки кисти, и через каждые несколько банок дизайн этикеток постепенно меняется.

Уорхол создавал эти картины в ходе систематического многоэтапного процесса. Сначала рисовал каждую банку карандашом на холсте, затем вручную расписывал банку и этикетку, используя светопроектор, чтобы наложить надпись прямо на холст. Повторяя почти идентичное изображение в том же масштабе, холсты подчеркивали единообразие и всепроникаемость банки Campbell's. А главное — бросали вызов преобладающей идее живописи как средства изобретения и оригинальности, отличного от массовой культуры. Многие американцы видели в портретах супов что-то повседневное и близкое для себя, и это уже не казалось далёким и недосягаемым искусством.

Почему король поп-арта Уорхол рисовал суп именно этой компании? Есть версия, что он его просто любил. И ел на обед каждый день в течение целых 20 лет.

Изображение создано с помощью Midjourney.


#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд