Forwarded from КУЛЬТУРНЫЙ ШОК
Выставка Русского музея «Рассвет века» проходит в Художественном музее столицы китайской провинции Сычуань. Она стала продолжением масштабного проекта музея, стартовавшего в рамках перекрестных Годов культуры России и Китая.
Для выставки отобрали более 60 полотен, ярче всего представляющих русский авангард эпохи его расцвета: «Зеркало» и «Прогулка» Марка Шагала, «Кому нечего терять», «Формула весны» и «Зверь» Павла Филонова, «Красный квадрат», «Корова и скрипка» и «Автопортрет» Казимира Малевича, «Сумеречное» и «Золотое облако» Василия Кандинского...
Кроме картин, на выставке можно посмотреть фильмы и пояснительные материалы, подготовленные Русским музеем и рассказывающие об особенностях авангардного стиля и творческом пути каждого из художников.
Чэнду – уже третий китайский город, куда Русский музей привозит выставку авангардистов. До этого русские шедевры увидели в Музея Великого канала Китая в городе Янчжоу и жители столицы провинции Чжэцзян Ханчжоу.
#Русский_музей #Русский_авангард #Кандинский #Китай #Чэнду #Малевич #выставка_Рассвет_века
Подпишись на «КУЛЬТУРНЫЙ ШОК»
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍12❤8🥰6
Осенью 1880 года в Санкт-Петербурге в здании Общества поощрения художников проходила очень необычная выставка. На ней экспонировалась одна-единственная картина — «Лунная ночь на Днепре» Архипа Куинджи. И то, как именно её показывали публике, тоже было необычно: в абсолютно тёмной комнате, задрапированной чёрной тканью. Картина была освещена лишь одной электрической лампочкой.
«Лунная ночь» произвела настоящий фурор. Зрители выискивали подвох, считая, что невозможно изобразить обычными красками на обычном холсте и этот мягкий лунный свет, и это дрожание реки. Говорили, что картина нарисована на стекле и подсвечена сзади. Или что Куинджи изобрёл светящиеся краски.
Секрет был прост: Архип Иванович дружил с химиком Дмитрием Менделеевым и физиком Федором Петрушевским, изучал их работы, был в курсе всех открытий в области оптики, и применял научные знания в живописи.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
«Лунная ночь» произвела настоящий фурор. Зрители выискивали подвох, считая, что невозможно изобразить обычными красками на обычном холсте и этот мягкий лунный свет, и это дрожание реки. Говорили, что картина нарисована на стекле и подсвечена сзади. Или что Куинджи изобрёл светящиеся краски.
Секрет был прост: Архип Иванович дружил с химиком Дмитрием Менделеевым и физиком Федором Петрушевским, изучал их работы, был в курсе всех открытий в области оптики, и применял научные знания в живописи.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤18👍11🔥6
Художественное творчество постоянно требует новых — или, по крайней мере, хорошо забытых старых — подходов к самовыражению. Одним из таких можно назвать синестезию, то есть переплетение сигналов органов чувств: зрения и слуха, обоняния и осязания, зрения и осязания и т.д.
Синестезия обогащает изобразительное искусство, позволяя художникам обновить творческий метод и раскрыть потенциал иными средствами. Они могут работать с цветовыми ассоциациями, где каждый оттенок согласуется с определённым звуком: красный — с энергичным, белый — со спокойным.
Схожим образом работал Василий Кандинский, связывавший цвета с нотами и создававший визуально звучащие композиции. Другой русский художник, Марк Шагал, использовал фантастические образы и их чередование для передачи музыкальной гармонии. Об этом мы подробно писали здесь.
Синестезия активно применяется и в современном изобразительном искусстве, которому не чужды междисциплинарные подходы. Создавая мультимедийные инсталляции, которые объединяют звук, свет и ткани (то есть слух, зрение и осязание), художники создают качественно иной опыт для зрителя.
Ярким представителем современных художников-синестетов можно считать Дмитрия Матковского, который также известен как бывший участник музыкальной группы «АукцЫон». Для его художественного метода характерно единство сенсорных сигналов, которое он изображает на своих полотнах. Более 40 художественных работ Матковского сейчас находится в музеях Европы, США и Японии. Познакомиться с творчеством Дмитрия можно на его официальном сайте.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Синестезия обогащает изобразительное искусство, позволяя художникам обновить творческий метод и раскрыть потенциал иными средствами. Они могут работать с цветовыми ассоциациями, где каждый оттенок согласуется с определённым звуком: красный — с энергичным, белый — со спокойным.
Схожим образом работал Василий Кандинский, связывавший цвета с нотами и создававший визуально звучащие композиции. Другой русский художник, Марк Шагал, использовал фантастические образы и их чередование для передачи музыкальной гармонии. Об этом мы подробно писали здесь.
Синестезия активно применяется и в современном изобразительном искусстве, которому не чужды междисциплинарные подходы. Создавая мультимедийные инсталляции, которые объединяют звук, свет и ткани (то есть слух, зрение и осязание), художники создают качественно иной опыт для зрителя.
Ярким представителем современных художников-синестетов можно считать Дмитрия Матковского, который также известен как бывший участник музыкальной группы «АукцЫон». Для его художественного метода характерно единство сенсорных сигналов, которое он изображает на своих полотнах. Более 40 художественных работ Матковского сейчас находится в музеях Европы, США и Японии. Познакомиться с творчеством Дмитрия можно на его официальном сайте.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍12❤9🥰7🔥1🤔1
Одна из самых известных картин Исаака Левитана «Осенний день. Сокольники» была написана им во время ссылки в Салтыковку. Художника выгнали из Москвы за его еврейские корни, и он, сидя в ссылке, писал грустные ностальгические этюды. На картине «Осенний день. Сокольники» изображены пустынный парк, высокие деревья и одинокая женщина на фоне огромного неба. Вот только саму женщину нарисовал не Левитан, а его товарищ по училищу — Николай Чехов, брат знаменитого писателя. У Левитана всегда очень плохо получались люди.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤15🥰8👍7👌1👀1
Весной 1656-го Рембрандт подал прошение о деловом банкротстве, написав, что причиной его неплатежеспособности стали «потери, кои он претерпел в сделках, равно как и ущербы и потери, понесённые им на море». Деловое банкротство считалось почтенной формой разорения и позволяло Рембрандту избежать долговой тюрьмы. Судебные исполнители начали описывать его имущество для аукциона. Распродажу проводили в три этапа. На первый аукцион выставлялись картины и изделия прикладного искусства. На второй — коллекция графики. На третьих торгах с молотка должны были уйти дом художника, мебель и личные вещи: три рубашки, шесть носовых платков, 12 салфеток, три скатерти и некоторое количество воротников и манжет, находящихся в стирке…
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤14👍5👏5😢4🔥2
Что общего между легендарным монументом «Рабочий и колхозница», ставшим символом советской эпохи на Всемирной выставке в Париже, и не менее легендарным платьем-бутоном из шёлковой тафты, ставшим украшением первого и единственного номера советского журнала мод «Ателье»?
У них один автор — Вера Мухина.
А ещё две эти работы объединяет... ткань. Точнее, удивительные метаморфозы, которые происходят с этим материалом в руках талантливого художника.
Юбка колхозницы развевается на ветру, словно сшита из легкого ситца, а не отлита из стали. Платье-бутон, напротив, кажется фарфоровой статуэткой, а не нарядом из шёлка.
Тканями Вера Мухина увлеклась в 1916-м, когда режиссёр Таиров пригласил её помочь художнице-авангардистке Александре Эстер создавать декорации и костюм Пьеретты для своего спектакля «Фамира Кифаред».
Дружба с Александрой Эстер привела Веру, обучавшуюся искусству монументальной скульптуры у самого Бурделя — преемника Родена, в модельный бизнес. В 1920-м они вместе открыли в Москве модное ателье, где шили шляпки, сумки и пояса из крашеной рогожки и мочала.
Эти шляпки из мочала однажды увидела модельер Надежда Ламанова — звезда первой величины советской моды начала ХХ века, а в прошлом «Поставщица Ея Императорского Величества», — пришла в полный восторг и предложила работать вместе.
1925-й год стал самым успешным для дуэта талантливых художниц — Веры Мухиной и Надежды Ламановой. Они получили Гран-при Всемирной выставки в Париже за коллекцию элегантной женской одежды и аксессуаров. В том же году они издали альбом «Искусство в быту» с эскизами модных нарядов и инструкциями по их шитью. «Кафтан из двух Владимирских полотенец», «Домашнее платье из головного платка», спортивная юбка-штаны — модели придумывала Ламанова, эскизы и выкройки рисовала Мухина.
Вера Мухина позиционировала себя как скульптор-монументалист, вспоминая о дизайне одежды лишь как о хобби. Но это её нежное увлечение оставило поистине монументальный след в истории советской моды 20-х годов ХХ века.
Подробнее с работами Веры Мухиной можно ознакомиться по ссылке.
#Хобби
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
У них один автор — Вера Мухина.
А ещё две эти работы объединяет... ткань. Точнее, удивительные метаморфозы, которые происходят с этим материалом в руках талантливого художника.
Юбка колхозницы развевается на ветру, словно сшита из легкого ситца, а не отлита из стали. Платье-бутон, напротив, кажется фарфоровой статуэткой, а не нарядом из шёлка.
Тканями Вера Мухина увлеклась в 1916-м, когда режиссёр Таиров пригласил её помочь художнице-авангардистке Александре Эстер создавать декорации и костюм Пьеретты для своего спектакля «Фамира Кифаред».
Дружба с Александрой Эстер привела Веру, обучавшуюся искусству монументальной скульптуры у самого Бурделя — преемника Родена, в модельный бизнес. В 1920-м они вместе открыли в Москве модное ателье, где шили шляпки, сумки и пояса из крашеной рогожки и мочала.
Эти шляпки из мочала однажды увидела модельер Надежда Ламанова — звезда первой величины советской моды начала ХХ века, а в прошлом «Поставщица Ея Императорского Величества», — пришла в полный восторг и предложила работать вместе.
1925-й год стал самым успешным для дуэта талантливых художниц — Веры Мухиной и Надежды Ламановой. Они получили Гран-при Всемирной выставки в Париже за коллекцию элегантной женской одежды и аксессуаров. В том же году они издали альбом «Искусство в быту» с эскизами модных нарядов и инструкциями по их шитью. «Кафтан из двух Владимирских полотенец», «Домашнее платье из головного платка», спортивная юбка-штаны — модели придумывала Ламанова, эскизы и выкройки рисовала Мухина.
Вера Мухина позиционировала себя как скульптор-монументалист, вспоминая о дизайне одежды лишь как о хобби. Но это её нежное увлечение оставило поистине монументальный след в истории советской моды 20-х годов ХХ века.
Подробнее с работами Веры Мухиной можно ознакомиться по ссылке.
#Хобби
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤11👍4🥰3👏1
В столицу и ряд регионов России нежданно пришла метеорологическая весна. О других значимых событиях первого месяца года читайте в нашем новом дайджесте.
У Музея искусства Санкт-Петербурга ХХ–ХХI веков (МИСП, филиал Центрального выставочного зала «Манеж») появится дополнительное здание. Потребность в этом возникла из-за выросшей коллекции музея. Новое помещение площадью 2800 кв. м на набережной канала Грибоедова позволит создать современные фондохранилища и постоянную экспозицию.
Более 600 арт-объектов художники-профессионалы и любители представили на «Выставке №37» в Иркутске. На 250 кв. м экспозиции в Центре современного искусства представлены живописные полотна, фотография, керамика, объекты декоративно-прикладного творчества более чем 150 художников.
19 января 2024 года исполнилось 160 лет со дня рождения выдающегося русского художника Валентина Александровича Серова. Редакция издания «Коммерсантъ» подготовила обзорный материал-исследование о творческом пути художника и попыталась расшифровать его тайнописи.
Персональная выставка российской художницы Ларисы Прасоловой открылась в Индии. В рамках фестиваля российской культуры и русского языка, организованного Русским домом в Тривандруме и Школой искусств Кералы, была представлена экспозиция работ Ларисы Прасоловой. Открывший выставку министр общественных работ и туризма штата П.А. Мохаммед Рияс дал высокую оценку культурному проекту.
В Международном выставочном комплексе ART-SPACE (Москва) начала свою работу выставка «Эмоции в цвете». Посетителям выставки представлена возможность вместе с художниками, фотографами и скульпторами исследовать все грани цвета и его влияния на каждого из нас.
Третьяковская галерея анонсировала масштабные выставочные проекты за рубежом. Летом в Пекине в Национальном музее Китая будет представлена экспозиция работ одного из любимейших китайцами художника Ильи Репина. На конец текущего года запланировано открытие выставки в Омане. Третьяковская галерея познакомит жителей султаната с русским авангардом. Экспозиция станет частью фестиваля «Русские сезоны».
#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
У Музея искусства Санкт-Петербурга ХХ–ХХI веков (МИСП, филиал Центрального выставочного зала «Манеж») появится дополнительное здание. Потребность в этом возникла из-за выросшей коллекции музея. Новое помещение площадью 2800 кв. м на набережной канала Грибоедова позволит создать современные фондохранилища и постоянную экспозицию.
Более 600 арт-объектов художники-профессионалы и любители представили на «Выставке №37» в Иркутске. На 250 кв. м экспозиции в Центре современного искусства представлены живописные полотна, фотография, керамика, объекты декоративно-прикладного творчества более чем 150 художников.
19 января 2024 года исполнилось 160 лет со дня рождения выдающегося русского художника Валентина Александровича Серова. Редакция издания «Коммерсантъ» подготовила обзорный материал-исследование о творческом пути художника и попыталась расшифровать его тайнописи.
Персональная выставка российской художницы Ларисы Прасоловой открылась в Индии. В рамках фестиваля российской культуры и русского языка, организованного Русским домом в Тривандруме и Школой искусств Кералы, была представлена экспозиция работ Ларисы Прасоловой. Открывший выставку министр общественных работ и туризма штата П.А. Мохаммед Рияс дал высокую оценку культурному проекту.
В Международном выставочном комплексе ART-SPACE (Москва) начала свою работу выставка «Эмоции в цвете». Посетителям выставки представлена возможность вместе с художниками, фотографами и скульпторами исследовать все грани цвета и его влияния на каждого из нас.
Третьяковская галерея анонсировала масштабные выставочные проекты за рубежом. Летом в Пекине в Национальном музее Китая будет представлена экспозиция работ одного из любимейших китайцами художника Ильи Репина. На конец текущего года запланировано открытие выставки в Омане. Третьяковская галерея познакомит жителей султаната с русским авангардом. Экспозиция станет частью фестиваля «Русские сезоны».
#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8👏5👍4
Художникам — Таврида!
Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, нацелена на всестороннее развитие единого творческого арт-сообщества России.
«Одна из основных наших задач — поиск и поддержка молодых талантов. Такие авторы-визионеры создают образ нашего будущего», — отмечает художник и идеолог платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероника Коржевская.
Для достижения этих целей проект заключил соглашение с арт-кластером «Таврида» — настоящим городом для креаторов, развивающих творческие индустрии в Крыму и других регионах России.
ARTISTS/ХУДОЖНИКИ и «Таврида» будут содействовать популяризации достижений молодых творцов в сфере культуры и искусства, заниматься просветительской деятельностью и помогать распространению научных знаний, разрабатывать учебно-методические и научно-популярные материалы.
Уверены, сотрудничество будет плодотворным!
#жизньARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, нацелена на всестороннее развитие единого творческого арт-сообщества России.
«Одна из основных наших задач — поиск и поддержка молодых талантов. Такие авторы-визионеры создают образ нашего будущего», — отмечает художник и идеолог платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероника Коржевская.
Для достижения этих целей проект заключил соглашение с арт-кластером «Таврида» — настоящим городом для креаторов, развивающих творческие индустрии в Крыму и других регионах России.
ARTISTS/ХУДОЖНИКИ и «Таврида» будут содействовать популяризации достижений молодых творцов в сфере культуры и искусства, заниматься просветительской деятельностью и помогать распространению научных знаний, разрабатывать учебно-методические и научно-популярные материалы.
Уверены, сотрудничество будет плодотворным!
#жизньARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤11👏8🥰6👍1👎1
Среди искусствоведов ходит шутка, что количество полотен, которые приписывают Айвазовскому, он не только не смог бы написать за всю свою жизнь, но даже не успел бы оставить на них свою подпись. Потому что таких картин по самым скромным подсчетам 60 тысяч! Сколько из них являются фальшивкой – до сих пор остаётся загадкой.
Почему копиисты выбрали своей мишенью именно Айвазовского? Аргументами послужил целый ряд факторов.
Во-первых, трудоголизм Айвазовского. Он действительно писал очень много картин, так что если где-то на рынке искусства появится одна лишняя, то никто и не заметит.
Во-вторых, постоянство Айвазовского. Когда художник всё время работает с одной и той же темой, его становится всё легче и легче подделывать.
В-третьих, востребованность. Любой уважающий себя человек хотел иметь у себя дома картину Айвазовского. Все галереи и выставки хотели иметь картины Айвазовского. Да и стоили сами картины приличных денег, так что стимул их подделывать был.
В-четвертых, Айвазовский многие свои картины попросту дарил. И эти подарки, разумеется, никем не учитывались.
Стоит отметить, что количество заказов у Айвазовского значительно превышало его возможности, так что первые копиисты появились уже при жизни художника, хотя обычно это просто неслыханно.
Наверное, самым известным копиистом Айвазовского был легендарный петербургский «Ванька-пьяница». К сожалению, история не сохранила реальные имя и фамилию умельца. Современники говорили про него, что он «намастырился писать марины как у Айвазовского». Разумеется, художественные салоны и галереи с огромным рвением покупали его работы, чтобы потом выдать их за работы самого Айвазовского и продать в три раза дороже.
Однако, несмотря на весь масштаб фальсификаций, Айвазовский находится лишь на третьем месте по количеству подделок, уступая Константину Коровину и Исааку Левитану.
Изображение создано с помощью Midjourney.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Почему копиисты выбрали своей мишенью именно Айвазовского? Аргументами послужил целый ряд факторов.
Во-первых, трудоголизм Айвазовского. Он действительно писал очень много картин, так что если где-то на рынке искусства появится одна лишняя, то никто и не заметит.
Во-вторых, постоянство Айвазовского. Когда художник всё время работает с одной и той же темой, его становится всё легче и легче подделывать.
В-третьих, востребованность. Любой уважающий себя человек хотел иметь у себя дома картину Айвазовского. Все галереи и выставки хотели иметь картины Айвазовского. Да и стоили сами картины приличных денег, так что стимул их подделывать был.
В-четвертых, Айвазовский многие свои картины попросту дарил. И эти подарки, разумеется, никем не учитывались.
Стоит отметить, что количество заказов у Айвазовского значительно превышало его возможности, так что первые копиисты появились уже при жизни художника, хотя обычно это просто неслыханно.
Наверное, самым известным копиистом Айвазовского был легендарный петербургский «Ванька-пьяница». К сожалению, история не сохранила реальные имя и фамилию умельца. Современники говорили про него, что он «намастырился писать марины как у Айвазовского». Разумеется, художественные салоны и галереи с огромным рвением покупали его работы, чтобы потом выдать их за работы самого Айвазовского и продать в три раза дороже.
Однако, несмотря на весь масштаб фальсификаций, Айвазовский находится лишь на третьем месте по количеству подделок, уступая Константину Коровину и Исааку Левитану.
Изображение создано с помощью Midjourney.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤15😱6🤔4👍2
В декабре весь мир, затаив дыхание, ожидал двух новостей: оглашения списка нобелевских лауреатов и официального объявления цвета года по версии Pantone.
«Цвет года» был придуман в компании в 1999 году. Тогда мир, забыв правила счисления и слегка запутавшись в нулях, посчитал, что стоит на пороге нового тысячелетия. Pantone решил внести свою лепту в масштабное празднование миллениума и объявил, что главным цветом наступающего ХХI века будет безмятежный лазурно-голубой.
В 2000 году новое тысячелетие не наступило, но традиция объявлять цвет года осталась.
Изначально в самой компании к этому мероприятию относились как к шуточному, однако мир высокой моды при поддержке широкой общественности буквально заставил Pantone подойти к выбору цвета года со всей ответственностью.
Сегодня выбору цвета года предшествует очень серьёзная работа. Психологи, социологи и экономисты компании анализируют все значимые события года, социальные настроения людей во всем мире, их психологическое состояние. Выделяют насущные проблемы и даже учитывают экологическую обстановку.
Цвет года не может быть выбран случайно. Известно, что цвет оказывает сильное психологическое воздействие на состояние человека, и даже может влиять на его поступки. Поэтому цвет года не просто даёт направление миру высокой моды и дизайна, он должен учитывать текущие события в мире, глобальные тенденции в культуре, настроения в обществе.
Специальная комиссия Pantone дважды в год устраивает конфиденциальные встречи, на которых обсуждает промежуточные итоги. Окончательный выбор цвета следующего года происходит в декабре.
2025 год будет у нас шоколадно-коричневым. Pantone уверен, что 17-1230 Mocha Mousse создаст нам ощущение тепла и комфорта. Благодаря «Шоколадному муссу» мы обретём внутренний покой.
Но если версия Pantone навевает вам какие-то иные ассоциации, вы можете выбрать для себя цвет года в других цветовых системах. Например, по версии World Global Style Network и Coloro, 2025-й будет окрашен в Future Dusk — «Грядущие сумерки».
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
«Цвет года» был придуман в компании в 1999 году. Тогда мир, забыв правила счисления и слегка запутавшись в нулях, посчитал, что стоит на пороге нового тысячелетия. Pantone решил внести свою лепту в масштабное празднование миллениума и объявил, что главным цветом наступающего ХХI века будет безмятежный лазурно-голубой.
В 2000 году новое тысячелетие не наступило, но традиция объявлять цвет года осталась.
Изначально в самой компании к этому мероприятию относились как к шуточному, однако мир высокой моды при поддержке широкой общественности буквально заставил Pantone подойти к выбору цвета года со всей ответственностью.
Сегодня выбору цвета года предшествует очень серьёзная работа. Психологи, социологи и экономисты компании анализируют все значимые события года, социальные настроения людей во всем мире, их психологическое состояние. Выделяют насущные проблемы и даже учитывают экологическую обстановку.
Цвет года не может быть выбран случайно. Известно, что цвет оказывает сильное психологическое воздействие на состояние человека, и даже может влиять на его поступки. Поэтому цвет года не просто даёт направление миру высокой моды и дизайна, он должен учитывать текущие события в мире, глобальные тенденции в культуре, настроения в обществе.
Специальная комиссия Pantone дважды в год устраивает конфиденциальные встречи, на которых обсуждает промежуточные итоги. Окончательный выбор цвета следующего года происходит в декабре.
2025 год будет у нас шоколадно-коричневым. Pantone уверен, что 17-1230 Mocha Mousse создаст нам ощущение тепла и комфорта. Благодаря «Шоколадному муссу» мы обретём внутренний покой.
Но если версия Pantone навевает вам какие-то иные ассоциации, вы можете выбрать для себя цвет года в других цветовых системах. Например, по версии World Global Style Network и Coloro, 2025-й будет окрашен в Future Dusk — «Грядущие сумерки».
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8🥰4👍3🔥1💩1🥴1
Когда мы читаем про немецкого гравёра, иллюстратора, художника и энтомолога XVII века, мы никак не ожидаем увидеть, что его зовут Мария Сибилла Мериан. Никакого сексизма, но для типичной женщины того времени увлечения у неё были, мягко говоря, нетипичные.
Гравировкой Мария увлеклась ещё в детстве, потому что гравёром был её отец Маттеус Мериан. Но рисованию и основам живописи её обучал отчим — голландский художник Якоб Маррель. А поскольку лучше всего у девочки получались цветы, то вторым её наставником стал знаменитый голландский мастер цветочных натюрмортов Абрахам Миньон.
Замуж Мария вышла тоже за художника и вместе с ним работала в мастерской в Нюрнберге. Там она увлеклась росписью по ткани и придумала стойкие краски, которые не боялись ни солнца, ни стирки. Скатерти Марии, вручную расписанные цветами и птицами, пользовались огромным спросом.
Затем её новым увлечением стали насекомые. Мария приступила к систематическому изучению энтомологии и начала готовить свою первую большую работу «Книгу о гусеницах».
Во время своей экспедиции в Суринам, где Мария Сибилла собрала самое полное на тот момент обозрение насекомых Южной Америки, она запечатлела на гравюре паука-птицееда, который обедал колибри.
Общественность восприняла работу неоднозначно — не из-за качества самой картины, а из-за содержания. Никто попросту не поверил, что паук может съесть птицу. Позже учёные подтвердили: да, может, ловит и ест.
Считается, что именно эта гравюра популяризировала название «птицеед».
За книгой о гусеницах последовала «Книга цветов», в которой были собраны разные цветочные узоры. Эту работу Мария выполнила по заказу жительниц Нюрнберга, увлекавшихся вышиванием.
Петр I во время своего путешествия по Европе увидел в Амстердаме работы художницы и купил целый альбом за баснословные по тем временам 3000 гульденов.
Мария Сибилла Мериан оставила после себя такое богатое наследие, что её портрет поместили на банкноту в 500 марок. Скорее всего, она и сегодня смотрела бы на нас с этой банкноты, если бы в Германии в ходу всё ещё были марки.
Место хранения произведения: Санкт-Петербургский филиал Архива РАН
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Гравировкой Мария увлеклась ещё в детстве, потому что гравёром был её отец Маттеус Мериан. Но рисованию и основам живописи её обучал отчим — голландский художник Якоб Маррель. А поскольку лучше всего у девочки получались цветы, то вторым её наставником стал знаменитый голландский мастер цветочных натюрмортов Абрахам Миньон.
Замуж Мария вышла тоже за художника и вместе с ним работала в мастерской в Нюрнберге. Там она увлеклась росписью по ткани и придумала стойкие краски, которые не боялись ни солнца, ни стирки. Скатерти Марии, вручную расписанные цветами и птицами, пользовались огромным спросом.
Затем её новым увлечением стали насекомые. Мария приступила к систематическому изучению энтомологии и начала готовить свою первую большую работу «Книгу о гусеницах».
Во время своей экспедиции в Суринам, где Мария Сибилла собрала самое полное на тот момент обозрение насекомых Южной Америки, она запечатлела на гравюре паука-птицееда, который обедал колибри.
Общественность восприняла работу неоднозначно — не из-за качества самой картины, а из-за содержания. Никто попросту не поверил, что паук может съесть птицу. Позже учёные подтвердили: да, может, ловит и ест.
Считается, что именно эта гравюра популяризировала название «птицеед».
За книгой о гусеницах последовала «Книга цветов», в которой были собраны разные цветочные узоры. Эту работу Мария выполнила по заказу жительниц Нюрнберга, увлекавшихся вышиванием.
Петр I во время своего путешествия по Европе увидел в Амстердаме работы художницы и купил целый альбом за баснословные по тем временам 3000 гульденов.
Мария Сибилла Мериан оставила после себя такое богатое наследие, что её портрет поместили на банкноту в 500 марок. Скорее всего, она и сегодня смотрела бы на нас с этой банкноты, если бы в Германии в ходу всё ещё были марки.
Место хранения произведения: Санкт-Петербургский филиал Архива РАН
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤11👍6🔥5
Тёплый февраль открываем небольшой подборкой анонсов. Выставки, ярмарки, презентации и показы – всё для вдохновения и расширения творческих горизонтов.
🟣 АРТ МИР – 2025
На Нижегородской ярмарке проходит 8-я мультикультурная выставка живописи, графики, скульптуры, керамики, фотографии, антиквариата и новых видов искусств «АРТ МИР».
Главная тема выставки этого года – «Объединяя традиции». Проекты художников, представленные в экспозиции, направлены на изучение традиционной культуры, глубинное познание таких понятий как родной дом, родная земля, свои корни и истоки.
Дата: до 9 февраля
🟣 Специальный показ коллекции произведений дагерротипии шведского художника Карла Петера Мазера
В Парадных сенях Главного здания Исторического музея представлена коллекция дагерротипов художника и дагерротиписта К.П. Мазера, работавшего в России с 1838 по 1854 г.
В 2024 году Исторический музей приобрел ещё один, ранее неизвестный дагерротип работы мастера – девятое по счёту произведение дагерротипии Карла Петера Мазера в музейном собрании.
Дата: до 24 февраля
🟣 Ускользающая красота
Галерея MOIKA 104 Gallery в Санкт-Петербурге приглашает на персональную выставку Яны Беспаловой.
Выставка посвящена серии работ, где метафора телесности и чувственности, воспринимаемых не как статичные образы, а как текучие, изменчивые ощущения. В ней исследуется природа физического опыта, который одновременно ощутим и неуловим, оставляя следы не в форме, а в текстуре, цвете и движении мазка.
Дата: 5 февраля – 25 февраля
🟣 «Возвращение воина. Уникальная италийская фреска IV века до н.э. из собрания Воронежского областного художественного музея имени И.Н. Крамского»
ГМИИ им. А.С. Пушкина впервые продемонстрирует ценный античный экспонат широкой публике и расскажет о пути фрески – от гробницы-цисты на юге Италии до реставрационной мастерской Всероссийского художественного научно-реставрационного центра имени академика И.Э. Грабаря.
Дата: 4 февраля–30 марта
🟣 Между Ветхим и Новым
Центральный музей древнерусской культуры и искусства имени Андрея Рублева впервые покажет широкой публике недавно приобретённую в собрание икону первой четверти XVIII века «Сретение Господне».
Её композиция значительно отличается от византийских и древнерусских изводов и восходит к иконографической традиции Западной Европы.
Икона экспонируется вместе с гравюрой того же сюжета, входящей в состав иллюстраций новозаветной части Библии Пискатора 1650 года.
Дата: 6 февраля – 9 марта
🟣 ОТКРЫТЫЙ МИР. Современное искусство Екатеринбурга и Уральского региона
Культурно-исторический фонд «Связь времен» и Музей Фаберже запускают масштабный выставочный проект «ОТКРЫТЫЙ МИР», раскрывающий многообразие и уникальность современного искусства российских регионов.
Первая из выставок откроется в Музее Фаберже 15 февраля и познакомит зрителей с представителями уральской арт-сцены второй половины XX – начала XXI века.
Дата: 15 февраля–16 марта
🟣 Свет незримого мира
Ярославский художественный музей приглашает на выставку Игоря Купряшина. Творчество художника – особое явление в искусстве 1960–1970-х. Его невозможно причислить к какому-либо направлению или кругу художников того времени.
На выставке из собрания Ярославского художественного музея представлена часть творческого наследия мастера: пейзажи и портреты, наполненные преклонением перед красотой мира, смелостью, глубиной, оригинальностью мышления Игоря Купряшина и его непреходящей преданностью искусству.
Дата: до 4 мая
🟣 Любовь в авангарде. Михаил Матюшин и Елена Гуро
В Центре «Зотов» откроется выставка «Любовь в авангарде. Михаил Матюшин и Елена Гуро», посвящённая двум важнейшим фигурам русского авангарда и их взаимовлиянию – в творчестве и в жизни.
Экспозиция целиком построена на работах великой пары, объединяя их живописные, скульптурные и графические произведения, аудиозаписи музыки Матюшина и актёрского чтения поэзии Гуро, рукописи, фотографии и книжные издания.
Дата: 21 февраля – 25 мая
#Анонсы
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
На Нижегородской ярмарке проходит 8-я мультикультурная выставка живописи, графики, скульптуры, керамики, фотографии, антиквариата и новых видов искусств «АРТ МИР».
Главная тема выставки этого года – «Объединяя традиции». Проекты художников, представленные в экспозиции, направлены на изучение традиционной культуры, глубинное познание таких понятий как родной дом, родная земля, свои корни и истоки.
Дата: до 9 февраля
В Парадных сенях Главного здания Исторического музея представлена коллекция дагерротипов художника и дагерротиписта К.П. Мазера, работавшего в России с 1838 по 1854 г.
В 2024 году Исторический музей приобрел ещё один, ранее неизвестный дагерротип работы мастера – девятое по счёту произведение дагерротипии Карла Петера Мазера в музейном собрании.
Дата: до 24 февраля
Галерея MOIKA 104 Gallery в Санкт-Петербурге приглашает на персональную выставку Яны Беспаловой.
Выставка посвящена серии работ, где метафора телесности и чувственности, воспринимаемых не как статичные образы, а как текучие, изменчивые ощущения. В ней исследуется природа физического опыта, который одновременно ощутим и неуловим, оставляя следы не в форме, а в текстуре, цвете и движении мазка.
Дата: 5 февраля – 25 февраля
ГМИИ им. А.С. Пушкина впервые продемонстрирует ценный античный экспонат широкой публике и расскажет о пути фрески – от гробницы-цисты на юге Италии до реставрационной мастерской Всероссийского художественного научно-реставрационного центра имени академика И.Э. Грабаря.
Дата: 4 февраля–30 марта
Центральный музей древнерусской культуры и искусства имени Андрея Рублева впервые покажет широкой публике недавно приобретённую в собрание икону первой четверти XVIII века «Сретение Господне».
Её композиция значительно отличается от византийских и древнерусских изводов и восходит к иконографической традиции Западной Европы.
Икона экспонируется вместе с гравюрой того же сюжета, входящей в состав иллюстраций новозаветной части Библии Пискатора 1650 года.
Дата: 6 февраля – 9 марта
Культурно-исторический фонд «Связь времен» и Музей Фаберже запускают масштабный выставочный проект «ОТКРЫТЫЙ МИР», раскрывающий многообразие и уникальность современного искусства российских регионов.
Первая из выставок откроется в Музее Фаберже 15 февраля и познакомит зрителей с представителями уральской арт-сцены второй половины XX – начала XXI века.
Дата: 15 февраля–16 марта
Ярославский художественный музей приглашает на выставку Игоря Купряшина. Творчество художника – особое явление в искусстве 1960–1970-х. Его невозможно причислить к какому-либо направлению или кругу художников того времени.
На выставке из собрания Ярославского художественного музея представлена часть творческого наследия мастера: пейзажи и портреты, наполненные преклонением перед красотой мира, смелостью, глубиной, оригинальностью мышления Игоря Купряшина и его непреходящей преданностью искусству.
Дата: до 4 мая
В Центре «Зотов» откроется выставка «Любовь в авангарде. Михаил Матюшин и Елена Гуро», посвящённая двум важнейшим фигурам русского авангарда и их взаимовлиянию – в творчестве и в жизни.
Экспозиция целиком построена на работах великой пары, объединяя их живописные, скульптурные и графические произведения, аудиозаписи музыки Матюшина и актёрского чтения поэзии Гуро, рукописи, фотографии и книжные издания.
Дата: 21 февраля – 25 мая
#Анонсы
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤8👍7👏4🥰1
Среди креативного сообщества Борислав Володин известен как руководитель Национального открытого чемпионата творческих компетенций ArtMasters — одного из главных образовательных проектов в сфере творческих индустрий.
Он также является членом экспертного совета национальной платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданной при поддержке Президентского фонда культурных инициатив.
Рады поделиться интервью с Бориславом Володиным! Поговорили о поиске талантливых креаторов, важности командной работы в творческой сфере, пользе нейросетей и креативной инфраструктуре в регионах.
Читайте материал здесь.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Он также является членом экспертного совета национальной платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданной при поддержке Президентского фонда культурных инициатив.
Рады поделиться интервью с Бориславом Володиным! Поговорили о поиске талантливых креаторов, важности командной работы в творческой сфере, пользе нейросетей и креативной инфраструктуре в регионах.
Читайте материал здесь.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9👍5🔥3
Художник чаще всего ассоциируется с духом бунтарства и противостоянием системе. Однако встречаются и те, кто искренне любит свою страну, рисуя при этом далеко не самые патриотичные картины. Таким был советский художник, представитель так называемого «сурового стиля» — Гелий Михайлович Коржев.
Творить Гелий Коржев начал в послевоенное время. Одной из первых его картин стала «Эвакуация». Позже Коржев отошёл от полотен со множеством персонажей, но на поиски своей темы у него ушло много лет.
В годы поиска он работал над выставочными панно, рисовал открытки и иллюстрации для книг и даже устроился преподавать. Кстати, педагогическая карьера Коржева в итоге сложилась очень удачно, но сам себя он всю жизнь считал не профессором, а художником.
Нашел свою тему Коржев только в 1954 году, когда показал на Первой молодёжной выставке картину «В дни войны». Картину сочли настолько глубокой, что Коржева сразу же приняли в Московский союз художников. С этого момента основой творчества Коржева стало изображение советских людей такими, какими они были. Герои его картин не позируют во дворцах, они заняты своими делами и выглядят реалистично.
Найдя свою тему, Коржев получил всеобщее признание: ему дали звание народного художника СССР, удостоили ордена Ленина. Правда, ни одной личной выставки провести не дали.
Ближе к 1970-м годам в творчестве художника начали проскакивать ноты разочарования, а когда СССР развалился, Коржев и вовсе впал в настоящую депрессию. Он считал, что утрачивается ценность искусства и на смену ей приходит бездушная коммерция. Именно поэтому он так и не принял ни одной награды от нового правительства.
После распада СССР с картин Коржева пропали люди: их заменили деформированные создания, которых художник прозвал «тюрликами». По его версии, они захватили власть и заставили людей забыть о человечности, чести и совести взамен на материальные блага.
Произведение хранится частном собрании. Ознакомиться с эскизом к одноименной картине можно в Государственном музее искусств Узбекистана. В онлайн-формате с эскизом можно ознакомиться по ссылке.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Творить Гелий Коржев начал в послевоенное время. Одной из первых его картин стала «Эвакуация». Позже Коржев отошёл от полотен со множеством персонажей, но на поиски своей темы у него ушло много лет.
В годы поиска он работал над выставочными панно, рисовал открытки и иллюстрации для книг и даже устроился преподавать. Кстати, педагогическая карьера Коржева в итоге сложилась очень удачно, но сам себя он всю жизнь считал не профессором, а художником.
Нашел свою тему Коржев только в 1954 году, когда показал на Первой молодёжной выставке картину «В дни войны». Картину сочли настолько глубокой, что Коржева сразу же приняли в Московский союз художников. С этого момента основой творчества Коржева стало изображение советских людей такими, какими они были. Герои его картин не позируют во дворцах, они заняты своими делами и выглядят реалистично.
Найдя свою тему, Коржев получил всеобщее признание: ему дали звание народного художника СССР, удостоили ордена Ленина. Правда, ни одной личной выставки провести не дали.
Ближе к 1970-м годам в творчестве художника начали проскакивать ноты разочарования, а когда СССР развалился, Коржев и вовсе впал в настоящую депрессию. Он считал, что утрачивается ценность искусства и на смену ей приходит бездушная коммерция. Именно поэтому он так и не принял ни одной награды от нового правительства.
После распада СССР с картин Коржева пропали люди: их заменили деформированные создания, которых художник прозвал «тюрликами». По его версии, они захватили власть и заставили людей забыть о человечности, чести и совести взамен на материальные блага.
Произведение хранится частном собрании. Ознакомиться с эскизом к одноименной картине можно в Государственном музее искусств Узбекистана. В онлайн-формате с эскизом можно ознакомиться по ссылке.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤15👍6🥰4
В 1980-х годах в Русском музее в Петербурге (тогда еще Ленинграде) произошла загадочная история.
Оказалось, что в запасниках музея хранятся вовсе не оригиналы рисунков Филонова, а искусно выполненные копии. Оригиналы же находятся в Музее современного искусства Центра Жоржа Помпиду во Франции. При этом французский музей эти рисунки честно купил, не подозревая о том, что они краденые. СССР тогда решил не предавать эту историю огласке, поэтому уголовное дело было возбуждено только в 1990 году.
Рисунки Павла Филонова попали в Русский музей в 1977 году от его сестры, но поскольку авангард тогда был не в почёте, их убрали в запасники. Эти запасники и стали своего рода сундуком с сокровищами для аферистов. Любому сотруднику музея не составляло никакого труда достать картину из запасника, сделать копию, а потом поменять их местами, чтобы чуть позже продать оригинал куда-нибудь за границу.
Оперативники установили наблюдение за всеми сотрудниками и искусствоведами, которые имели к этим запасникам доступ или интересовались творчеством Филонова. Среди подозреваемых оказался Виктор Тимофеев — весьма известный человек в мире теневого искусства.
Вскоре спецслужбы зафиксировали встречу Тимофеева с Моисеем Поташинским — известным контрабандистом художественных ценностей, который как раз в 1989 году вышел из тюрьмы. Тут уже начали следить за самим Поташинским, и оказалось, что он тайно встречается с сотрудницей Русского музея Татьяной Кароль.
Выяснилось, что Тимофеев благодаря своим обширным связям искал покупателей среди зарубежных дипломатов, Кароль тайно выносила рисунки из музея, а Поташинский помогал переправлять всё это через границу. Поташинский считал, что на него вышли случайно. В одном из своих интервью того времени он рассказал, что продал рисунки некоему коллекционеру, а тот пошёл в Русский музей, чтобы выяснить, оригиналы у него или новодел. Тут-то и выяснилось, что оригиналы по-хорошему должны быть в музее, но никак не в руках коллекционера.
Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Оказалось, что в запасниках музея хранятся вовсе не оригиналы рисунков Филонова, а искусно выполненные копии. Оригиналы же находятся в Музее современного искусства Центра Жоржа Помпиду во Франции. При этом французский музей эти рисунки честно купил, не подозревая о том, что они краденые. СССР тогда решил не предавать эту историю огласке, поэтому уголовное дело было возбуждено только в 1990 году.
Рисунки Павла Филонова попали в Русский музей в 1977 году от его сестры, но поскольку авангард тогда был не в почёте, их убрали в запасники. Эти запасники и стали своего рода сундуком с сокровищами для аферистов. Любому сотруднику музея не составляло никакого труда достать картину из запасника, сделать копию, а потом поменять их местами, чтобы чуть позже продать оригинал куда-нибудь за границу.
Оперативники установили наблюдение за всеми сотрудниками и искусствоведами, которые имели к этим запасникам доступ или интересовались творчеством Филонова. Среди подозреваемых оказался Виктор Тимофеев — весьма известный человек в мире теневого искусства.
Вскоре спецслужбы зафиксировали встречу Тимофеева с Моисеем Поташинским — известным контрабандистом художественных ценностей, который как раз в 1989 году вышел из тюрьмы. Тут уже начали следить за самим Поташинским, и оказалось, что он тайно встречается с сотрудницей Русского музея Татьяной Кароль.
Выяснилось, что Тимофеев благодаря своим обширным связям искал покупателей среди зарубежных дипломатов, Кароль тайно выносила рисунки из музея, а Поташинский помогал переправлять всё это через границу. Поташинский считал, что на него вышли случайно. В одном из своих интервью того времени он рассказал, что продал рисунки некоему коллекционеру, а тот пошёл в Русский музей, чтобы выяснить, оригиналы у него или новодел. Тут-то и выяснилось, что оригиналы по-хорошему должны быть в музее, но никак не в руках коллекционера.
Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9👍6😱5🔥4
Что мы знаем о самых первых в мире художниках и их работах?
Что жили они в Восточной Индонезии на острове Сулавеси, относились к роду Homo sapiens, умели добывать огонь, мастерить оружие для охоты и кисти для рисования, а также добывать природные пигменты и создавать из них краску.
Один компонент этой краски – цветная глина – буквально лежал у них под ногами. За вторым – животным жиром – приходилось побегать по джунглям с копьём.
Как первобытные художники догадались, что красная глина, смешанная с растопленным животным жиром, превращается в податливую пластичную массу, которая легко наносится на стены пещеры и радует глаз своей долговечностью, доподлинно не известно.
Самая старая картинная галерея была обнаружена археологами в 2018 году в индонезийской пещере Леанг Карампуанг.
Возраст рисунков на стенах этой пещеры составляет 51 200 лет. По результатам исследований, проведенных в 2024 году, живопись Леанг Карампуанга является «древнейшим известным изображением повествования и самым ранним примером фигуративного искусства в истории человечества».
Сюжет первой в истории человечества картины прост: охота на бородавчатую свинью. При этом сама свинья изображена очень реалистично и с невероятной анатомической точностью. Охотники же, по словам исследователей, похожи на фигурки из палочек. Кроме того, они не вполне люди, скорее териантропы, то есть гибриды человека и животного. У одного из этих охотников ученые рассмотрели голову птицы, у другого — хвост циветты. И этот факт говорит о том, что у наших далеких предков было абстрактное мышление и развитое воображение — качества, совершенно необходимые для творчества.
Пещерная или наскальная живопись не такая уж редкость. Образцы первобытного искусства времён палеолита находят в пещерах по всему миру.
Творчески одарённые неандертальцы, денисовцы и Homo sapiens рисовали не только разноцветной глиной, но и древесными углем, мелом, разными минеральными пигментами. При этом они умели смешивать красители с разными вяжущими веществами: древесной смолой, растительным жиром и даже молоком.
В посте изображен петроглиф с острова Еловый. Ознакомиться с петроглифом можно на сайте музея-заповедника «Петроглифы Канозера».
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Что жили они в Восточной Индонезии на острове Сулавеси, относились к роду Homo sapiens, умели добывать огонь, мастерить оружие для охоты и кисти для рисования, а также добывать природные пигменты и создавать из них краску.
Один компонент этой краски – цветная глина – буквально лежал у них под ногами. За вторым – животным жиром – приходилось побегать по джунглям с копьём.
Как первобытные художники догадались, что красная глина, смешанная с растопленным животным жиром, превращается в податливую пластичную массу, которая легко наносится на стены пещеры и радует глаз своей долговечностью, доподлинно не известно.
Самая старая картинная галерея была обнаружена археологами в 2018 году в индонезийской пещере Леанг Карампуанг.
Возраст рисунков на стенах этой пещеры составляет 51 200 лет. По результатам исследований, проведенных в 2024 году, живопись Леанг Карампуанга является «древнейшим известным изображением повествования и самым ранним примером фигуративного искусства в истории человечества».
Сюжет первой в истории человечества картины прост: охота на бородавчатую свинью. При этом сама свинья изображена очень реалистично и с невероятной анатомической точностью. Охотники же, по словам исследователей, похожи на фигурки из палочек. Кроме того, они не вполне люди, скорее териантропы, то есть гибриды человека и животного. У одного из этих охотников ученые рассмотрели голову птицы, у другого — хвост циветты. И этот факт говорит о том, что у наших далеких предков было абстрактное мышление и развитое воображение — качества, совершенно необходимые для творчества.
Пещерная или наскальная живопись не такая уж редкость. Образцы первобытного искусства времён палеолита находят в пещерах по всему миру.
Творчески одарённые неандертальцы, денисовцы и Homo sapiens рисовали не только разноцветной глиной, но и древесными углем, мелом, разными минеральными пигментами. При этом они умели смешивать красители с разными вяжущими веществами: древесной смолой, растительным жиром и даже молоком.
В посте изображен петроглиф с острова Еловый. Ознакомиться с петроглифом можно на сайте музея-заповедника «Петроглифы Канозера».
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍10🔥6🥰3👏1