Елизавета Фролова, сооснователь ярмарки Art Russia, о потенциале творческого сообщества России и важности взаимодействия.

Своим названием художественное направление импрессионизм, возникшее в последней трети XIX века, обязано картине художника Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. Impression, soleil levant) и язвительной насмешке парижского критика Луи Леруа, который обозвал молодых художников, выступавших вместе с Моне против традиций классицизма и реализма, «впечатлянтами» (фр. impressionnistes).

Картина находится в музее Мармоттан-Моне в Париже.

#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Советский художник Юрий Злотников считается одним из первых абстракционистов-шестидесятников, кто соединил в своих работах творчество и науку. Продолжая традиции русского авангарда, художник использовал знания из общей биологии для воздействия на чувства зрителей через определённый ритм деталей, штрихов и линий в своих картинах.

Злотникова вдохновляли научные достижения в области математики, кибернетики, биологии и психологии. Более того, художник вместе с учёными проводил совместные эксперименты, целью которых было выяснить, как мозг зрителей воспринимает сигналы, которые автор посылает своими картинами.

Название серии картин Злотникова «Сигнальная система» звучит как название раздела из учебника общей биологии. И это не случайно.

В биологии сигнальная система — это общая система рефлекторных связей, которая формируется в коре больших полушарий головного мозга и объединяет сенсорную систему и понятийную. Обе системы работают на то, чтобы человек мог воспринимать сигналы из внешнего мира, например потрогать что-то и осознать, что это такое. Само понятие сигнальной системы ввел русский физиолог Иван Петрович Павлов.

Цель «Сигнальной системы» Злотникова, по словам самого художника, —

осознать язык не словесный, а его чувственный эквивалент. Отсюда — система сигнала, информация в пространство, не связанное с линейностью письменности.

Юрий Злотников романтизировал научный прогресс, относился к научным открытиям с благоговейным восторгом. Особенно его интересовали психология и кибернетика. Наверное, именно поэтому его «Сигнальная система» напоминает что-то, что мог бы нарисовать ИИ.

К концу «оттепели» классик русского авангарда разочаровался в абстракционизме и, хотя не до конца разорвал с ним свои связи, в более поздних работах чаще обращался к библейским мотивам и мифологии.

Работы Юрия Злотникова представлены в галерее pop/off/art, основанной в 2004 году в Москве искусствоведом Сергеем Поповым. Посмотреть картины Злотникова можно и на выставках. Так, в июне прошлого года цикл «Сигнальная система» выставлялся в Третьяковской картинной галерее на Крымском Валу.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Как изобразить Масленицу?

Приход весны ежегодно знаменует один из древнейших славянских праздников — Масленица. А когда-то давно, до крещения Руси, это событие и вовсе означало приход нового календарного года. Поэтому традиция изображения Масленицы в отечественном искусстве очень давняя.

Команда проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданного при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, проследила образ Масленицы в русской живописи. Предлагаем насладиться работами художников, изображавших этот праздник.

Среди них:

•⁠ ⁠Борис Кустодиев;
•⁠ ⁠Василий Суриков;
•⁠ ⁠Павел Филонов;
•⁠ ⁠Петр Грузинский;
•⁠ ⁠Юрий Верещагин
и другие.

Все подробности здесь.

В посте изображена картина Семёна Кожина «Масленица. Проводы зимы. XVII в.». Ознакомиться с произведением можно по ссылке.

#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Выдающийся современный русский художник Олег Ланг, создавший свой уникальный стиль, никогда не был востребован на родине. И его потрясающий пластический язык общения со зрителем большинству стал понятен только сейчас.

Ланг с трудом закончил художественный институт имени Сурикова, куда его вообще не хотели принимать, мотивируя тем, что Ланг — сформировавшийся художник и его нечему учить. С получением диплома тоже возникли проблемы, его дипломную работу оценили всего лишь на три балла. Что не помешало этой дипломной картине много лет спустя стать гордостью Суриковки.

Рисунки Ланга при всей своей кажущейся простоте отсылают одновременно к примитивизму и к брутальности «новых фовистов». А сюжеты его картин — это детские воспоминания, крупные потрясения в истории, гнетущая повседневность и классические мотивы. Зарубежные эксперты сравнивали работы Ланга с Базелицем, Баскией и Дюбюффе.

Удивительно, что многие советские художники, работавшие в том же стиле, продавали свои картины на Западе за сотни тысяч долларов, а Ланг постоянно бедствовал. По словам его жены, денег зачастую хватало только на новые краски и холсты.

Даже первая персональная выставка была омрачена рядом неприятностей. Сначала выяснилось, что у Ланга недостаточно картин, поэтому он срочно взялся писать новые, перенервничал и поймал так называемый «творческий ступор». А когда в августе 1991 года выставка наконец открылась, на неё практически никто не пришёл, потому что время её открытия неудачно совпало с путчем.

Одним из немногих посетителей выставки был арт-дилер Сергей Попов. Вечером он поехал к Лангу в мастерскую. Попили чай, посмотрели работы, а когда уже уходили, то заметили, что над мастерской горит второй этаж.

Однако, вопреки всем козням судьбы, Ланг всё-таки вошёл в историю мирового искусства и успел почувствовать вкус славы и признания. В 2012 году, за год до смерти, Ланг был включён в альбом «500 художников. Энциклопедия русской живописи ХХ века».

С работой Олега Ланга «Дачники» можно познакомиться в музее современного искусства Эрарта.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В конце прошлой недели состоялась долгожданная презентация национальной платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданной при поддержке Президентского фонда культурных инициатив.

Более 30 деятелей искусства и культуры, руководителей профильных объединений, друзей и партнёров проекта собрались на площадке пресс-центра ТАСС.

Трансляцию презентации посмотрело более 10000 человек из самых разных городов России.

Команда проекта выражает искреннюю благодарность всем участникам, гостям и зрителям прошедшей презентации за оказанное доверие, поддержку и веру в ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.

Надеемся на самую скорую встречу с авторами, ценителями и любителями изобразительного искусства на национальной платформе.

А пока мы продолжаем делиться экспертными мнениями гостей презентации о роли ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.

Художник Роман Ермаков: о новом арт-сообществе и создании единого творческого «банка данных», важности избавления от страха быть художниками.

Художник Дмитрий Сухов: о новых возможностях для творцов из регионов.

Основатель сообщества иллюстраторов Illustrators.ru, руководитель дизайн-студии Coalla Валерий Гольников: о вкладе платформы в развитие арт-индустрии и роли активного участия художников в развитии проекта.

Издатель и журналист Роксолана Черноба: о социальной миссии современных художников и выстраивании диалога между авторами и государством.

«Синее золото», «индийский атрамент», «индийская лазурь» — всё это разные названия одного из самых древних натуральных красителей в мире – индиго.

5000 лет тому назад, а может, и раньше, в долине реки Инд начали культивировать растение, которое называлось «нила», что в переводе означало «тёмно-синий». Из листьев этих небольших кустарников семейства бобовых получали краситель для тканей.

Своё название «индиго», что в переводе с латыни означает «индийский», краска получила только в Средние века, когда её начали экспортировать в Европу. И чуть позже, уже по названию краски, индийская нила получила своё латинское имя «индигофера», то есть, «несущая индиго».

Но это вовсе не означает, что до индиго мир не был знаком с синим цветом. В каждом регионе были свои растения, из которых можно было получить природный синий краситель. В Европе это была вайда, родственник капусты, в Японии – разновидность гречихи аи, в Центральной Америке — кампешевое дерево, из того же семейства бобовых, что и индийская нила.

Однако все эти многочисленные и разнообразные синие красители по качеству и яркости уступали индиго. Поэтому индиго очень высоко ценился и очень дорого стоил.

Основными потребителями индиго были красильщики. Поначалу ткани, окрашенные драгоценным индиго, были доступны только членам королевских семей и очень состоятельным гражданам. Позже испанцы и французы начали культивировать индигоферу в промышленных масштабах на своих территориях в Новом Свете и тем самым сбили цену, одежда цвета индиго стала доступна почти всем. А когда выяснилось, что индиго повышает износостойкость ткани, этот краситель стали использовать для пошива разной униформы. Пехотинцы Наполеона, например, ходили в форме цвета индиго. Ткань деним, из которой в XIX веке шили штаны для моряков и железнодорожников, а сейчас шьют джинсы для нас с вами, традиционно окрашивалась индиго.

Но с художниками натуральный краситель индиго обходился жестоко: в масляных красках зеленел, в акварели полностью выцветал. Поэтому на очень многих акварелях XVIII–XIX веков небо не голубое, а розовое. И вовсе не потому, что художники «так видели», а потому что стойкий синтетический индиго ещё не был изобретён.

#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В 1819 году швейцарец Франсуа-Луи Кайе решил попробовать использовать для изготовления шоколада пресс, с помощью которого на его фабрике отжимали масло из какао-бобов. Получилась первая в мире шоколадная плитка. По размерам она была как слиток золота, да и стоила соответствующе — шоколад был невероятно дорогим удовольствием.

В 1839 году немецкий промышленник Франц Штольверк открыл шоколадную фабрику, на которой из шоколада начали отливать фигурки. Шоколад заливался в пряничные формы, а когда застывал — получались человечки, домики или звери. Шоколад всё ещё стоил невероятных денег, поэтому фигурки делались небольшими партиями и только под заказ.

Массовый потребитель смог насладиться шоколадными плитками и фигурками лишь в 1873 году, когда открылась британская фабрика J.S.Fry&Sons. Именно эта фабрика популяризировала концепцию шоколадного яйца.

В России шоколадные фигурки первым стал создавать купец Алексей Абрикосов. После революции «Фабрично-торговое товарищество А.И. Абрикосова и сыновей» стало концерном «Бабаевский», но фигурки выпускать не перестало. Традиция эта сохраняется до сих пор: в каждом сладком Бабаевском новогоднем подарке есть либо шоколадный Дед Мороз, либо шоколадный заяц.

Шоколад — это не только лакомство, некоторые современные художники и скульпторы воспринимают его как материал для работы. Например, итальянский шоколатье Мирко Делла Веккья создаёт из шоколада грандиозные копии архитектурных сооружений. В его портфолио уже есть Пизанская башня, Триумфальная арка, Парфенон, Колизей и многое другое. В своё время он попал в книгу рекордов Гиннесса сначала за самую тяжёлую фигуру из шоколада — Миланский собор весом в 5 тонн, а затем и за самую высокую — 8-метровую колокольню Сан-Марко.

Сегодня титул шоколадного скульптора-«тяжеловеса» принадлежит Франсуа Милле, который к предполагаемому концу света в 2012 году создал майянскую пирамиду Кукулькана весом в 8 тонн. Правда, конец наступил только для пирамиды, которую разобрали и съели после презентации.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд