В конце прошлой недели состоялась долгожданная презентация национальной платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданной при поддержке Президентского фонда культурных инициатив.
Более 30 деятелей искусства и культуры, руководителей профильных объединений, друзей и партнёров проекта собрались на площадке пресс-центра ТАСС.
Трансляцию презентации посмотрело более 10000 человек из самых разных городов России.
Команда проекта выражает искреннюю благодарность всем участникам, гостям и зрителям прошедшей презентации за оказанное доверие, поддержку и веру в ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.
Надеемся на самую скорую встречу с авторами, ценителями и любителями изобразительного искусства на национальной платформе.
А пока мы продолжаем делиться экспертными мнениями гостей презентации о роли ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.
Более 30 деятелей искусства и культуры, руководителей профильных объединений, друзей и партнёров проекта собрались на площадке пресс-центра ТАСС.
Трансляцию презентации посмотрело более 10000 человек из самых разных городов России.
Команда проекта выражает искреннюю благодарность всем участникам, гостям и зрителям прошедшей презентации за оказанное доверие, поддержку и веру в ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.
Надеемся на самую скорую встречу с авторами, ценителями и любителями изобразительного искусства на национальной платформе.
А пока мы продолжаем делиться экспертными мнениями гостей презентации о роли ARTISTS/ХУДОЖНИКИ.
👏12❤8🥰5
Художник Роман Ермаков: о новом арт-сообществе и создании единого творческого «банка данных», важности избавления от страха быть художниками.
Основатель сообщества иллюстраторов Illustrators.ru, руководитель дизайн-студии Coalla Валерий Гольников: о вкладе платформы в развитие арт-индустрии и роли активного участия художников в развитии проекта.
Издатель и журналист Роксолана Черноба: о социальной миссии современных художников и выстраивании диалога между авторами и государством.
«Синее золото», «индийский атрамент», «индийская лазурь» — всё это разные названия одного из самых древних натуральных красителей в мире – индиго.
5000 лет тому назад, а может, и раньше, в долине реки Инд начали культивировать растение, которое называлось «нила», что в переводе означало «тёмно-синий». Из листьев этих небольших кустарников семейства бобовых получали краситель для тканей.
Своё название «индиго», что в переводе с латыни означает «индийский», краска получила только в Средние века, когда её начали экспортировать в Европу. И чуть позже, уже по названию краски, индийская нила получила своё латинское имя «индигофера», то есть, «несущая индиго».
Но это вовсе не означает, что до индиго мир не был знаком с синим цветом. В каждом регионе были свои растения, из которых можно было получить природный синий краситель. В Европе это была вайда, родственник капусты, в Японии – разновидность гречихи аи, в Центральной Америке — кампешевое дерево, из того же семейства бобовых, что и индийская нила.
Однако все эти многочисленные и разнообразные синие красители по качеству и яркости уступали индиго. Поэтому индиго очень высоко ценился и очень дорого стоил.
Основными потребителями индиго были красильщики. Поначалу ткани, окрашенные драгоценным индиго, были доступны только членам королевских семей и очень состоятельным гражданам. Позже испанцы и французы начали культивировать индигоферу в промышленных масштабах на своих территориях в Новом Свете и тем самым сбили цену, одежда цвета индиго стала доступна почти всем. А когда выяснилось, что индиго повышает износостойкость ткани, этот краситель стали использовать для пошива разной униформы. Пехотинцы Наполеона, например, ходили в форме цвета индиго. Ткань деним, из которой в XIX веке шили штаны для моряков и железнодорожников, а сейчас шьют джинсы для нас с вами, традиционно окрашивалась индиго.
Но с художниками натуральный краситель индиго обходился жестоко: в масляных красках зеленел, в акварели полностью выцветал. Поэтому на очень многих акварелях XVIII–XIX веков небо не голубое, а розовое. И вовсе не потому, что художники «так видели», а потому что стойкий синтетический индиго ещё не был изобретён.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
5000 лет тому назад, а может, и раньше, в долине реки Инд начали культивировать растение, которое называлось «нила», что в переводе означало «тёмно-синий». Из листьев этих небольших кустарников семейства бобовых получали краситель для тканей.
Своё название «индиго», что в переводе с латыни означает «индийский», краска получила только в Средние века, когда её начали экспортировать в Европу. И чуть позже, уже по названию краски, индийская нила получила своё латинское имя «индигофера», то есть, «несущая индиго».
Но это вовсе не означает, что до индиго мир не был знаком с синим цветом. В каждом регионе были свои растения, из которых можно было получить природный синий краситель. В Европе это была вайда, родственник капусты, в Японии – разновидность гречихи аи, в Центральной Америке — кампешевое дерево, из того же семейства бобовых, что и индийская нила.
Однако все эти многочисленные и разнообразные синие красители по качеству и яркости уступали индиго. Поэтому индиго очень высоко ценился и очень дорого стоил.
Основными потребителями индиго были красильщики. Поначалу ткани, окрашенные драгоценным индиго, были доступны только членам королевских семей и очень состоятельным гражданам. Позже испанцы и французы начали культивировать индигоферу в промышленных масштабах на своих территориях в Новом Свете и тем самым сбили цену, одежда цвета индиго стала доступна почти всем. А когда выяснилось, что индиго повышает износостойкость ткани, этот краситель стали использовать для пошива разной униформы. Пехотинцы Наполеона, например, ходили в форме цвета индиго. Ткань деним, из которой в XIX веке шили штаны для моряков и железнодорожников, а сейчас шьют джинсы для нас с вами, традиционно окрашивалась индиго.
Но с художниками натуральный краситель индиго обходился жестоко: в масляных красках зеленел, в акварели полностью выцветал. Поэтому на очень многих акварелях XVIII–XIX веков небо не голубое, а розовое. И вовсе не потому, что художники «так видели», а потому что стойкий синтетический индиго ещё не был изобретён.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤11🔥8👍5👏1
Уважаемые художники!
Проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ запускает рубрику «Права художника».
Мы попросили ведущих российских юристов в сфере интеллектуальной собственности помочь художникам разобраться в хитросплетениях и тонкостях темы. Теперь все желающие могут задать свои вопросы экспертам в специальном чат-боте.
Интеллектуальная собственность — это один из главных активов творческого человека.
Благодаря современным технологиям созданное однажды произведение, будь то картина, иллюстрация, фотография, скульптура или арт-объект, может не только жить бесконечно, но и перерождаться бесчисленное множество раз в новых формах воплощения, становиться основой или частью совершенно новых творческих продуктов.
Перед художниками сегодня открыт мир огромных возможностей. Но как надёжно обезопасить, грамотно защитить и эффективно монетизировать своё творчество, знают немногие.
Авторские права, товарные знаки, лицензирование, договор авторского заказа, свободное использование произведений, цитирование и заимствование, депонирование, общественное достояние — это лишь малая часть тем и понятий, которые важно знать и понимать каждому современному художнику.
Первым экспертом нашей новой рубрики выступит Екатерина Кошевая, руководитель юридической службы благотворительного фонда «Я в помощь», преподаватель РГГУ и Университета «Синергия», лектор платформы «Культура.РФ», автор Telegram-канала «Культурный юрист Кошевая».
➡️ Чтобы задать свой вопрос Екатерине, перейдите в наш чат-бот и следуйте инструкциям. Ответы будут опубликованы в нашем канале, следите за новостями!
Проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ запускает рубрику «Права художника».
Мы попросили ведущих российских юристов в сфере интеллектуальной собственности помочь художникам разобраться в хитросплетениях и тонкостях темы. Теперь все желающие могут задать свои вопросы экспертам в специальном чат-боте.
Интеллектуальная собственность — это один из главных активов творческого человека.
Благодаря современным технологиям созданное однажды произведение, будь то картина, иллюстрация, фотография, скульптура или арт-объект, может не только жить бесконечно, но и перерождаться бесчисленное множество раз в новых формах воплощения, становиться основой или частью совершенно новых творческих продуктов.
Перед художниками сегодня открыт мир огромных возможностей. Но как надёжно обезопасить, грамотно защитить и эффективно монетизировать своё творчество, знают немногие.
Авторские права, товарные знаки, лицензирование, договор авторского заказа, свободное использование произведений, цитирование и заимствование, депонирование, общественное достояние — это лишь малая часть тем и понятий, которые важно знать и понимать каждому современному художнику.
Первым экспертом нашей новой рубрики выступит Екатерина Кошевая, руководитель юридической службы благотворительного фонда «Я в помощь», преподаватель РГГУ и Университета «Синергия», лектор платформы «Культура.РФ», автор Telegram-канала «Культурный юрист Кошевая».
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
🔥23❤11👏9👍2
В 1819 году швейцарец Франсуа-Луи Кайе решил попробовать использовать для изготовления шоколада пресс, с помощью которого на его фабрике отжимали масло из какао-бобов. Получилась первая в мире шоколадная плитка. По размерам она была как слиток золота, да и стоила соответствующе — шоколад был невероятно дорогим удовольствием.
В 1839 году немецкий промышленник Франц Штольверк открыл шоколадную фабрику, на которой из шоколада начали отливать фигурки. Шоколад заливался в пряничные формы, а когда застывал — получались человечки, домики или звери. Шоколад всё ещё стоил невероятных денег, поэтому фигурки делались небольшими партиями и только под заказ.
Массовый потребитель смог насладиться шоколадными плитками и фигурками лишь в 1873 году, когда открылась британская фабрика J.S.Fry&Sons. Именно эта фабрика популяризировала концепцию шоколадного яйца.
В России шоколадные фигурки первым стал создавать купец Алексей Абрикосов. После революции «Фабрично-торговое товарищество А.И. Абрикосова и сыновей» стало концерном «Бабаевский», но фигурки выпускать не перестало. Традиция эта сохраняется до сих пор: в каждом сладком Бабаевском новогоднем подарке есть либо шоколадный Дед Мороз, либо шоколадный заяц.
Шоколад — это не только лакомство, некоторые современные художники и скульпторы воспринимают его как материал для работы. Например, итальянский шоколатье Мирко Делла Веккья создаёт из шоколада грандиозные копии архитектурных сооружений. В его портфолио уже есть Пизанская башня, Триумфальная арка, Парфенон, Колизей и многое другое. В своё время он попал в книгу рекордов Гиннесса сначала за самую тяжёлую фигуру из шоколада — Миланский собор весом в 5 тонн, а затем и за самую высокую — 8-метровую колокольню Сан-Марко.
Сегодня титул шоколадного скульптора-«тяжеловеса» принадлежит Франсуа Милле, который к предполагаемому концу света в 2012 году создал майянскую пирамиду Кукулькана весом в 8 тонн. Правда, конец наступил только для пирамиды, которую разобрали и съели после презентации.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
В 1839 году немецкий промышленник Франц Штольверк открыл шоколадную фабрику, на которой из шоколада начали отливать фигурки. Шоколад заливался в пряничные формы, а когда застывал — получались человечки, домики или звери. Шоколад всё ещё стоил невероятных денег, поэтому фигурки делались небольшими партиями и только под заказ.
Массовый потребитель смог насладиться шоколадными плитками и фигурками лишь в 1873 году, когда открылась британская фабрика J.S.Fry&Sons. Именно эта фабрика популяризировала концепцию шоколадного яйца.
В России шоколадные фигурки первым стал создавать купец Алексей Абрикосов. После революции «Фабрично-торговое товарищество А.И. Абрикосова и сыновей» стало концерном «Бабаевский», но фигурки выпускать не перестало. Традиция эта сохраняется до сих пор: в каждом сладком Бабаевском новогоднем подарке есть либо шоколадный Дед Мороз, либо шоколадный заяц.
Шоколад — это не только лакомство, некоторые современные художники и скульпторы воспринимают его как материал для работы. Например, итальянский шоколатье Мирко Делла Веккья создаёт из шоколада грандиозные копии архитектурных сооружений. В его портфолио уже есть Пизанская башня, Триумфальная арка, Парфенон, Колизей и многое другое. В своё время он попал в книгу рекордов Гиннесса сначала за самую тяжёлую фигуру из шоколада — Миланский собор весом в 5 тонн, а затем и за самую высокую — 8-метровую колокольню Сан-Марко.
Сегодня титул шоколадного скульптора-«тяжеловеса» принадлежит Франсуа Милле, который к предполагаемому концу света в 2012 году создал майянскую пирамиду Кукулькана весом в 8 тонн. Правда, конец наступил только для пирамиды, которую разобрали и съели после презентации.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤10👍8🔥4🥰4
Двух великих итальянских художников эпохи Возрождения, самых ярких и самых известных, звали Микеланджело. Гения итальянского Ренессанса — Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони. Реформатора периода барокко — Микеланджело Меризи да Караваджо. Первый вошёл в историю живописи с одним именем, второй — с одной фамилией.
🔵 Портрет Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони кисти художника Даниеле да Вольтерра находится в Метрополитен-музее, в Нью-Йорке.
🔵 Портрет Микеланджело Меризи да Караваджо кисти художника Оттавио Леони находится в Библиотеке Маручеллиана, во Флоренции.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤9🔥6👏5👍1
ARTISTS/ХУДОЖНИКИ поздравляет представительниц всех творческих профессий с 8 Марта!
Природой и Богом вы награждены особым взглядом на мир. Но именно ваш художественный талант даёт человечеству шанс и удовольствие увидеть вашими глазами всю палитру красок и чувств этого мира.
Наша команда благодарна вам за сотрудничество, за то, что вы предоставляете нам возможность быть с вами и в праздники, и в будни. Желаем вдохновения, быть любимыми, удачливыми, и пусть в вашей жизни царит гармония!
В подборке представлены работы резидента платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Глеба Жукова.
Природой и Богом вы награждены особым взглядом на мир. Но именно ваш художественный талант даёт человечеству шанс и удовольствие увидеть вашими глазами всю палитру красок и чувств этого мира.
Наша команда благодарна вам за сотрудничество, за то, что вы предоставляете нам возможность быть с вами и в праздники, и в будни. Желаем вдохновения, быть любимыми, удачливыми, и пусть в вашей жизни царит гармония!
В подборке представлены работы резидента платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Глеба Жукова.
❤17🥰6💘5
В круг интересов русского учёного-энциклопедиста Михаила Васильевича Ломоносова входили не только естественные науки, философия и литература, но и живопись.
Рисованию Ломоносов обучался в Германии, параллельно с изучением химии и горного дела. Однако заниматься живописью всерьёз не собирался, пока однажды не увидел в доме графа Воронцова несколько мозаичных картин, привезённых из Италии. Ломоносов тут же загорелся идеей создания мозаик. Но поскольку итальянские мастера хранили свои секреты изготовления смальты в тайне, а в самой России технологии мозаичного набора были давно утрачены, Ломоносову пришлось всё изобретать заново.
На создание разноцветной смальты у Ломоносова ушло 3 года. За это время он провёл 3000 экспериментов, добиваясь получения широкой цветовой палитры своих «каменных красок» путём добавления в стекло оксидов разных металлов (и попутно создал «Теорию трёх цветов», по сути, заложив основу трихроматической теории цветовосприятия человека).
В 1752 году, когда были разработаны рецептуры непрозрачной смальты высокой плотности и склеивающего раствора, Ломоносов приступил к созданию своего первого мозаичного панно — в подарок императрице Елизавете на именины.
Как писал сам Ломоносов:
Императрице подарок понравился и в 1753 году она пожаловала Ломоносову земельный надел в Усть-Рудице под строительство фабрики «для делания изобретённых им разноцветных стёкол и из них бисеру и всяких других галантерейных вещей и уборов».
За 10 лет Ломоносов вместе со своими помощниками — художниками Матвеем Васильевым и Ефимом Мельниковым — создал 40 мозаик. 23 из них сохранились до наших дней. Шесть работ находятся в Эрмитаже, а самое масштабное мозаичное полотно Ломоносова «Полтавская баталия», размером 4,81 на 6,44 м и собранное из 1 млн 30 тысяч кубиков смальты, украшает парадную лестницу Петербургской академии наук.
В посте изображена мозаика М.В. Ломоносова «Портрет Петра I». Произведение хранится в Эрмитаже.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Рисованию Ломоносов обучался в Германии, параллельно с изучением химии и горного дела. Однако заниматься живописью всерьёз не собирался, пока однажды не увидел в доме графа Воронцова несколько мозаичных картин, привезённых из Италии. Ломоносов тут же загорелся идеей создания мозаик. Но поскольку итальянские мастера хранили свои секреты изготовления смальты в тайне, а в самой России технологии мозаичного набора были давно утрачены, Ломоносову пришлось всё изобретать заново.
На создание разноцветной смальты у Ломоносова ушло 3 года. За это время он провёл 3000 экспериментов, добиваясь получения широкой цветовой палитры своих «каменных красок» путём добавления в стекло оксидов разных металлов (и попутно создал «Теорию трёх цветов», по сути, заложив основу трихроматической теории цветовосприятия человека).
В 1752 году, когда были разработаны рецептуры непрозрачной смальты высокой плотности и склеивающего раствора, Ломоносов приступил к созданию своего первого мозаичного панно — в подарок императрице Елизавете на именины.
Как писал сам Ломоносов:
Образ был составлен с оригинала славного римского живописца Солимена, а всех составных кусков поставлено больше 4000, а для изготовления составов делано 2184 опыта в стеклянной печи.
Императрице подарок понравился и в 1753 году она пожаловала Ломоносову земельный надел в Усть-Рудице под строительство фабрики «для делания изобретённых им разноцветных стёкол и из них бисеру и всяких других галантерейных вещей и уборов».
За 10 лет Ломоносов вместе со своими помощниками — художниками Матвеем Васильевым и Ефимом Мельниковым — создал 40 мозаик. 23 из них сохранились до наших дней. Шесть работ находятся в Эрмитаже, а самое масштабное мозаичное полотно Ломоносова «Полтавская баталия», размером 4,81 на 6,44 м и собранное из 1 млн 30 тысяч кубиков смальты, украшает парадную лестницу Петербургской академии наук.
В посте изображена мозаика М.В. Ломоносова «Портрет Петра I». Произведение хранится в Эрмитаже.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤15🔥6👍5👀1
Тунеядец, но с работой. Бомж, но с жильём. Никому не известный победитель конкурсов и фестивалей. Запад был от его картин в восторге, а на родине он жил впроголодь. Речь идет о художнике-авангардисте Анатолии Звереве.
На самом деле, у Зверева было жильё, но он чаще ночевал у друзей и одевался в то, что ему давали.
Постоянной работы у художника тоже не было. Он не принимал никакие государственные заказы, не работал официально и не вступал в профсоюзы. Он жил сам по себе и работал на себя. Это был личный выбор художника.
Работы Зверева получили невероятное признание на Западе. Они выставлялись в Нью-Йоркском музее современного искусства, их репродукции публиковал на своих страницах американский журнал Life. Роберт Фальк восторженно отзывался о творчестве Зверева, заявляя, что каждое прикосновение его кисти священно. Великий Сикейрос подарил ему свой мастихин. Говорят, что сам Пикассо считал Зверева великим русским рисовальщиком. Но на родине художник, который вел маргинальный образ жизни, считался тунеядцем, легко мог получить за это срок и сесть в тюрьму.
Наверное, никто так и не узнал бы про Зверева, если бы не его покровитель и, как сказали бы сегодня, продюсер Георгий Костаки. Он первым разглядел в маляре, расписывавшим детские площадки, гениального экспрессиониста.
Единственная прижизненная выставка Зверева в России состоялась в 1984 году в Московском Горкоме художников-графиков на Малой Грузинской за год до смерти художника. Умер он так же, как и жил. При невыясненных обстоятельствах.
За свою жизнь Зверев создал предположительно 30 000 работ. Почему предположительно? Потому что его работы очень сложно атрибутировать – они создавались в разных условиях, разными материалами, с использованием разных школ и техник. Он рисовал маслом, гуашью, акварелью, тушью, глиной и даже вареньем. Работал не только кистью или пером, но и тряпками, а иногда и пальцами.
Сегодня Зверева называют гениальным русским художником и московской легендой. А его работы есть не только в музеях Америки, но и в музеях России.
В посте изображена картина Анатолия Зверева «Дн Кихот». Работа находится в коллекции: «Русская живопись ХХ века»Ирины Олих. Ознакомиться с произведением можно по ссылке.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
На самом деле, у Зверева было жильё, но он чаще ночевал у друзей и одевался в то, что ему давали.
Постоянной работы у художника тоже не было. Он не принимал никакие государственные заказы, не работал официально и не вступал в профсоюзы. Он жил сам по себе и работал на себя. Это был личный выбор художника.
Работы Зверева получили невероятное признание на Западе. Они выставлялись в Нью-Йоркском музее современного искусства, их репродукции публиковал на своих страницах американский журнал Life. Роберт Фальк восторженно отзывался о творчестве Зверева, заявляя, что каждое прикосновение его кисти священно. Великий Сикейрос подарил ему свой мастихин. Говорят, что сам Пикассо считал Зверева великим русским рисовальщиком. Но на родине художник, который вел маргинальный образ жизни, считался тунеядцем, легко мог получить за это срок и сесть в тюрьму.
Наверное, никто так и не узнал бы про Зверева, если бы не его покровитель и, как сказали бы сегодня, продюсер Георгий Костаки. Он первым разглядел в маляре, расписывавшим детские площадки, гениального экспрессиониста.
Единственная прижизненная выставка Зверева в России состоялась в 1984 году в Московском Горкоме художников-графиков на Малой Грузинской за год до смерти художника. Умер он так же, как и жил. При невыясненных обстоятельствах.
За свою жизнь Зверев создал предположительно 30 000 работ. Почему предположительно? Потому что его работы очень сложно атрибутировать – они создавались в разных условиях, разными материалами, с использованием разных школ и техник. Он рисовал маслом, гуашью, акварелью, тушью, глиной и даже вареньем. Работал не только кистью или пером, но и тряпками, а иногда и пальцами.
Сегодня Зверева называют гениальным русским художником и московской легендой. А его работы есть не только в музеях Америки, но и в музеях России.
В посте изображена картина Анатолия Зверева «Дн Кихот». Работа находится в коллекции: «Русская живопись ХХ века»Ирины Олих. Ознакомиться с произведением можно по ссылке.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍12👏7❤🔥6❤3🤯1
До того как в Средние века Европу захватила и покорила индиго, синяя краска из Индии, там единовластно царствовала вайда.
Вайда – это сорняковое растение с мелкими жёлтыми цветами, родственник капусты: очень плодовитое, практически неистребимое, но обладающее рядом ценных качеств.
Растения служили прекрасным кормом для домашнего скота. Из семян вайды получали масло, похожее по своим свойствам на льняное. Из корней и листьев делали лечебные отвары, обладающие противовоспалительным и кровоостанавливающим эффектом. Но главным достоинством вайды был синий пигмент, который добывали из листьев молодых растений и использовали в основном для окрашивания тканей.
Процесс окрашивания тканей вайдой был сложным, зловонным, но отчасти волшебным. Листья нужно было измельчить, замочить в горячей воде, дать им перебродить, процедить раствор, добавить в него отруби и мочу, заложить в эту жёлтую жижу ткань и оставить на несколько дней. Волшебство начиналось, когда ткань доставали и развешивали на верёвках. Под воздействием кислорода жёлтая ткань начинала синеть и в конце сушки приобретала очень интенсивный цвет.
Правда, процесс стирки запускал волшебство в обратном порядке, и рано или поздно яркая синяя ткань (или изделие из неё) превращалась в линялую тряпку.
Вайду использовали не только для окрашивания тканей. В Британии со времён вторжения римлян существовал обычай раскрашивать себя перед сражениями вайдой для устрашения противника и как превентивное средство для заживления ран. Именно поэтому лицо предводителя шотландцев из фильма «Храброе сердце» в исполнении Мела Гибсона выкрашено в синий цвет.
А вот художники вайду не любили, в живописи этот краситель не прижился. Максимум, что можно было получить из вайды, – тускло-синюю акварель, поэтому живописцы во все времена, начиная с античных, полагались только на ультрамарин, лазурит или египетскую фритту.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Вайда – это сорняковое растение с мелкими жёлтыми цветами, родственник капусты: очень плодовитое, практически неистребимое, но обладающее рядом ценных качеств.
Растения служили прекрасным кормом для домашнего скота. Из семян вайды получали масло, похожее по своим свойствам на льняное. Из корней и листьев делали лечебные отвары, обладающие противовоспалительным и кровоостанавливающим эффектом. Но главным достоинством вайды был синий пигмент, который добывали из листьев молодых растений и использовали в основном для окрашивания тканей.
Процесс окрашивания тканей вайдой был сложным, зловонным, но отчасти волшебным. Листья нужно было измельчить, замочить в горячей воде, дать им перебродить, процедить раствор, добавить в него отруби и мочу, заложить в эту жёлтую жижу ткань и оставить на несколько дней. Волшебство начиналось, когда ткань доставали и развешивали на верёвках. Под воздействием кислорода жёлтая ткань начинала синеть и в конце сушки приобретала очень интенсивный цвет.
Правда, процесс стирки запускал волшебство в обратном порядке, и рано или поздно яркая синяя ткань (или изделие из неё) превращалась в линялую тряпку.
Вайду использовали не только для окрашивания тканей. В Британии со времён вторжения римлян существовал обычай раскрашивать себя перед сражениями вайдой для устрашения противника и как превентивное средство для заживления ран. Именно поэтому лицо предводителя шотландцев из фильма «Храброе сердце» в исполнении Мела Гибсона выкрашено в синий цвет.
А вот художники вайду не любили, в живописи этот краситель не прижился. Максимум, что можно было получить из вайды, – тускло-синюю акварель, поэтому живописцы во все времена, начиная с античных, полагались только на ультрамарин, лазурит или египетскую фритту.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍11❤6🔥6👏1