ДРАМАТУРГИЯ ЛОКАЦИЙ

В экранном виде локации разрабатывают художники-постановщики. Задача сценариста, автора, продумать ту часть локаций, которые важны для драматургических задач произведения.

ЛОКАЦИЯ-ДОМ
Дом – «одежда» героя, отражение его сути, его места во вселенной сериала. От того, как хорошо вы продумаете место обитания героя, зависит его восприятие зрителем.
Поселите его на чердаке – получите важную точку обзора на весь город.
Поселите его в кладовку под лестницей – получите важную черту тяжелой жизни героя внутри семья.
Будет жить герой в пещере, наполненной костями, - один характер.
Будет жить в цветочном бутоне – другой характер.
До того, как в дело вступят художники, вы как автор уже можете дать интересное место жительства для ваших главных героев.

ЛОКАЦИЯ-БИТВА
Джеки Чаном доказано, что для зрелищной битвы нужна характерная локация.
Битва в аптеке – одна битва.
Битва на льдинах во время шторма – второй тип битвы.
Битва на разрушающемся космическом корабле – третий тип битвы.
Битва в цирке – четвертый.
Просто придумав интересное место битвы можно получить много интересных гэгов, трюков, зрелищных сцен

ЛОКАЦИЯ-ПРЕДСТАВЛЕНИЕ МИРА
В начале фильма часто бывает важно показать мир, в котором идет рассказ. Здесь работают хорошо большие локации: лесной город в кронах деревьев, подземные города с пещерами, современный город с потоком машин и людей, огромный торговый центр.
По сути это череда локаций, соединенные вместе в большую заявочную сцену.
От этой локации зависит, заинтересует ли зрителя ваш фильм.

ЛОКАЦИЯ-СВИДАНИЕ
Для романтических сцен хорошо подходят природные локации: парки, берег моря, смотровая площадка, кафе на берегу реки. Пара сидит вместе на крохотном пятачке, два крохотных создания перед большим огромным миром, открытом для них двоих, для их любви.

ЛОКАЦИЯ-ЛОВУШКА
В приключенческом кино бывает важно подумать о локациях, которые и зритель и герой сазу воспринимает как ловушки: лабиринты, таинственные храмы и древние руины, логово маньяка, сети паутины.

Иногда сценаристы увлекаются героями и забывают о такой важной мелочи, как локации.

Есть простое упражнение. Вот написали вы эпизод сериала, или сценарий фильма. Теперь выпишите только локации. И подумаете, можно ли заменить «скучную» локацию на нескучную. А после замены – можно ли иначе и более зрелищно вписать действие в новую локацию.

Иногда простая перемена локаций может значительно улучшить драматургию всей картины.

НЕ БОЙТЕСЬ ОГРАНИЧЕНИЙ И ФОРМАТОВ
Есть один постоянный дискуссионный бунт, с которым я раз за разом встречаюсь. Он так или иначе касается стандартизации работы со сценариями в анимации.
При этом – любой художник-постановщик (хотя он художник!!!) с самого начала создает четкие понятные визуальные рамки произведения. Выбирает стиль, цветовую гамму, создает персонажей, ставит тз концепт-художникам и далее конролирует производство сериала с визуальной стороны.
Никого это не возмущает. Все понимают необходимость единого визуального восприятия произведения.
При этом – любой режиссер-постановщик (хотя он тоже творец!!!) с самого начала создает для каждого сериала свой стиль рассказа истории. Задает стиль монтажа, утверждает ракурсы камер, типовые мизансцены, звуковое и музыкальное решение фильма.
Никого это не смущает. Все понимают необходимость единого динамичного повествования.
Но стоит заикнуться о сценарных форматах, о стандартизации серий, о ТЗ для сценаристов – тут бывает что открывается портал в бездну обсуждений. Почему? Потому что художнику тесно в рамках стандартной истории.
Художнику-постановщику не тесно, режиссеру-постановщику не тесно, а сценаристу должно быть тесно.
Так вот. Хорошую историю можно рассказать в любом формате в любых ограничениях. Почти в любом сериале, даже самом стандартном, хорошие сценаристы раз за разом создают выдающиеся серии, фестивальные серии. Да, это не каждая серия, допускаю. Но такие серии есть.
Стандартизация помогает создавать связную драматургию в большом произведении вроде сериала, над которым часто трудится много авторов, да еще за время его существования меняются редактора, продюсеры, режиссеры.

ПУТЕШЕСТВИЕ – САМЫЙ ПРОСТОЙ СЮЖЕТ ДЛЯ ПЕРВОГО ПОЛНОМЕТРАЖНОГО ФИЛЬМА

Для первого сценария полнометражного фильма я рекомендую сюжет-путешествие. С таким типом сюжета легче всего справиться даже новичку.
У таких сюжетов тоже есть разные версии, давайте их быстро рассмотрим.
1. Путешествие-сбор артефактов
Герой идет кого-то спасать от кого-то. По пути помогает встречным. Те передают герою артефакты, которые в финале ему пригодятся для победы над злодеем.
В таком сюжете герою даже и меняться-то необязательно, но можно к финалу его сделать более зрелым.
2. Путешествие-рост героя
Герой идет что-то побеждать. По дороге встречает препятствия помельче. Преодолевая их, постепенно растет, чтобы к финалу победить злодея.
3. Путешествие-развилки
Герой идет что-то победить. Но перед ним развилки. Герой выбирает неверные пути, пока не найдет верный, чтобы победить.
4. Путешествие-дорога
Здесь ценностью является сама дорога. Герой встречает настолько интересных персонажей, что к финалу в общем-то и не важно куда там герой шел, ведь та цель не важной оказывается, а важным становится все то, что было встречено по дороге.
5. Путешествие-дорога домой
Почти то же самое. Герой отправляется за какой-то мечтой, но где-то в финале пути понимает, что все, что ему было нужно – все время было рядом с ним дома. Дорога здесь нужна, чтобы осознать ценность того, что было рядом с героем и что он ранее не ценил или не замечал.
6. Путешествие-изгнание
Героя изгоняют из дома. Ему нужно поблуждать и стать более зрелым, чтобы вернуться домой сильным и вернуть себе дом.
7. Путешествие в новый дом
Герой ищет землю обетованную, мечту. По дороге почти теряет веру в то, что такое место вообще существует. Но, меняясь, получает возможность найти ключ к той двери, что откроет ему дорогу в лучшую землю.
8. Путешествие-жертва
Герой идет кого-то спасти. По дороге совершает много всего, чтобы к нему привязался зритель. А в финале жертвует своей жизнью ради спасения кого-то (как вариант – своих спутников, или своей родины). В качестве хэппи энда может вернуться к жизни, но не факт.
9. Путешествие-головоломка
Путешествие, в ходе которого герой должен разгадывать загадки и искать пути пройти на следующий уровень, где уже встретится с боссом соблазнов и загадок.
10. Путешествие проводника
Герой работает проводником. Ему поручают особо ценный груз. В процессе доставки герой привязывается к грузу и вмешивается в события, чтобы «посылка» не попала в ненужные руки.
Я перечислил, конечно, далеко не все варианты сюжетов-путешествий. Но все они годятся для первого фильма начинающего сценариста.

ВНУТРЕННИЙ МИР ГЕРОЯ

Не убирайте из сериалов монологи.

В прокрустово ложе пяти-шестиминутных серий вертикальных сериалов сюжет укладывается таким плотным слоем, что зрителю бывает трудно увидеть внутренний мир героев.
Герои куда-то бегут, мчатся, прыгают, летят. О чем-то конфликтуют. Разрешают конфликты. Ведут диалоги. Но, бывает, посмотрев и сезон и два, мы так и не знаем, каков наш главный герой. О чем он мечтает? Чего он боится? Чем вдохновляется?

Монолог – прекрасный инструмент малыми средствами без всяких спецсерий открыть зрителю вашего персонажа. Ненадолго, секунд на 20, остановите сюжет. Дайте герою выговориться.

Ценность этого сравнима с разницей между «- как дела? - нормально!» и «-что с тобой? – дай плечо, всплакну, что-то совсем нелегко на сердце сегодня дружище».

Монолог – открытая дверь любви к персонажу.

Я видел неоднократно, что в современных сериалах уже почти неприлично в сценарии увидеть монолог. Все стремятся к репликам-коротышам. Длинные или сокращают, или разбивают между другими персонажами. И настолько часто это делают, что сценаристы на проектах банально привыкают так писать и даже не пытаются сделать серию чуть-чуть иначе.

Монолог не отменяет комедии. Ничто не мешает посреди монолога наворотить вокруг нелепости (возвышенная речь в невозвышенной обстановке), сверхусилить пафос, доведя его до абсурда, ну или просто добавить нелепицу в финале глубокой речи.

Пусть герои заговорят. А мы послушаем.

ЭТИКА ЗАКАЗЧИКА ПО ОТНОШЕНИЮ К ИСПОЛНИТЕЛЮ-ФРИЛАНСЕРУ

Мне приходилось быть и заказчиком и исполнителем в анимации (исполнителем чаще), поэтому постепенно выработал для себя некоторые этические принципы по работе с фрилансерами.

Не всегда есть возможность повлиять на их исполнение всеми коллегами (созаказчиками), но я всегда настаиваю на их исполнении или по крайней мере напоминаю о необходимости исполнения.

1. Задание исполнителю должно быть
- продумано
- зафиксировано в тексте и примерах
- согласовано
до того, как перейдет к исполнителю

2. Задание исполнителю не должно меняться в процессе

3. Если выясняется, что задание надо изменить – сторона заказчика должна уйти на круг согласования и лишь потом вернуться к нему снова + обговорить с исполнителем изменившийся объем или сроки или сам факт изменения тз (технического/творческого задания)

4. Исключение – процесс девелопмента, разработки. Когда исполнитель сразу знает, что идет разработка и есть оговоренное время участия в штурмах, поисках, переделках

5. Исполнитель сразу должен знать объём работ ближайший и гарантированный. И объем возможный будущий не гарантированный

6. Есть одно лицо, которое собирает комментарии и передает их исполнителю. Все остальные верифицируют эти комментарии до передачи

7. Бережем время исполнителя и собираемся лишь на минимально необходимое число встреч. Встречи не должны выходить за тайминг одного часа. Либо если необходим большой штурм (для полнометражного кино это актуально) – под это выделяется отдельный слот в календаре, на целый день, например, с перерывом. Участие в штурмах и встречах оговаривается с исполнителем заранее.

8. Если исполнитель не справляется – есть обратная связь о том, почему работа с ним завершена.

9. Атмосфера работы доброжелательная.

10. Обязательно выделяем то, что нравится в сделанной работе. Комментарии должны быть понятными исполнителю, конкретными, точными, чтобы их легко было отработать. Не противоречивыми

11. Финансовые и договорные обязательства обговариваются сразу, после первого брифинга, ввода в суть проекта.

12. Фрилансер должен быть ознакомлен с финальной работой. По возможности, важно не забыть позвать на премьеру или прислать ссылку на вышедшую серию.

ИТОГИ И ПЛАНЫ
Небольшие профессиональные итоги и планы, пожалуй, подведу и я.

В этом году умудрялся плотно вести блог для сценаристов анимации. Надеюсь, он был вам полезен. Блог буду продолжать вести и далее.

Выступил на «Слете аниматоров» и впервые представил свою табличку физических гэгов. Я сейчас навожу красоту и в этом году планирую часть своих анимационных подходов представлять в виде визуализаций-табличек. Надеюсь, это поможет и сценаристам и студиям создавать более качественный контент быстрее.

В минувшем году хороший отклик у зрителей и у фестивалей были от короткометражек «Школа елок» и «Волк думающий», в работе над которыми я принимал участие. Я сейчас размышляю над сценариями новых короткометражек и буду искать режиссеров, которым будут они интересны.

Отдельная радость – впервые поучаствовал в фильме о природе. Писал текст для главного героя в документальном фильме «Огненный лис». Фильм стал самым кассовым документальным фильмом в истории в российском прокате, собирает награды и номинирован на «Золотой орел».

Впервые поучаствовал во франшизе «Иван Царевич и Серый Волк». Обшутил шестую часть фильма и прямо сейчас она в прокате в кинотеатрах. Обожаю работать с «Мельницей».

Флэшбэки из прошлого не отпускают. Игра «Братья Пилоты в поисках Полосатого Слона», в разработке которой я принимал участие, второй год подряд номинирована в российский Зал славы игр.

Отдельный глобальный и даже не годичный, а трехгодичный итог – завершаются мои задачи в ЯРКО. Мне повезло работать с самого начала студии и я получил опыт создания сценарного и креативного девелопмента с нуля с запуском более чем десятка проектов. Рад, что в ЯРКО изначально была выстроена атмосфера разумного подхода к девелопменту, часть моих идей была принята и внедрена в продакшен, а я имел возможность наблюдать внедрение идей моих коллег из виздева, режразработки и других департаментов. Успел придумать три сериала: «Шушумагия» (в соавторстве с Димой Аверкиевым и Стефой Двояк), «Тикабо» (в нем работал как шоураннер, три сезона), «Живой гараж» (шоураннер два сезона»). И участвовал или в разработке концепций или как гэгмен практически на всех проектах студии, включая будущую крутейшую премьеру – «Доктор Динозавров».
По проекту «Живой гараж» выпустили хорошо завирусившийся танцевальный клип «Танец Тимми», впереди еще ряд музыкальных премьер по проекту.
Отдельно рад, что неплохо показал себя и как поэт-песенник. В Яндекс.Музыке по всем проектам, для которых я писал тексты, песни по моим текстам занимают первые строчки по прослушиваниям (так что если вам нужны тексты песен – обращайтесь!).

Теперь к планам. Хочу больше внимания уделить созданию анимационных вселенных. Поэтому пойду сразу несколькими путями. Продолжу сотрудничество с анимационными студиями. Но еще планирую писать художественные книги (потому что считаю, что издательства скоро будут играть большую роль в анимационных франшизах). И также буду искать возможности стартовать некоторые идеи в гейм-деве (потому что считаю, что он в долгосрочной перспективе может легче заходить на международные рынки франшиз). Плюс часть идей направлю в игровое кино.
В идеале хочется, чтобы все это было в одном месте. Посмотрим, удастся ли такое место найти.

Самое главное на ближайший год – хочу передавать свои знания. Я хоть и действующий творец, но я не вечен. А вокруг пока что пустыня в образовании анимационных сценаристов. Поэтому продолжу вести этот блог. Бесплатно, без закрытых постов, без подписки.
Но в новом году я стартую ряд небольших курсов и один глобальный. Хочу рассказывать о юморе в анимации и, если угодно, готовить новых гэгменов для индустрии. Хочу рассказывать о том, как писать сценарии в анимации, со спецификой именно анимационной. Хочу рассказывать о том, как создавать анимационные заявки. Думаю актуален будет курс об анимационном девелопменте. Ну и остальное тоже проанонсирую позже.
И, конечно, найду теперь время чтобы завершить свою книгу о сценарном девелопменте и анимационном сценарии от гэга до студийного уровня.
Это сейчас самое главное для меня на этот год – передать знания, которые у меня накопились за эти 30 лет в анимации.

Такие вот итоги, такие вот планы.

С наступающим Новым годом, аниматоры!

ЗАЯВКИ-СКЕТЧИ
Любопытно, что к сценарным заявкам, идеям, у сценаристов бывает такое особенное отношение, что, мол, заявка должна вызреть, идею надо придумать и хорошо если за всю жизнь придумаешь одну хорошую идею.
Однако, креативность можно прокачивать и совсем иным подходом – пробовать создавать в короткое время сразу много заявок. Набросков идей, по крайней мере. Ровно так работают художники, делая упражнения на рисование множества скетчей в короткое время.
Первый пост в блоге в 2025 году начну с предложения сделать небольшую креативную зарядку. Попробуйте в течении буквально десяти минут накидывать сразу по десять и более разных идей.
Но для начала такого набрасывания накидывайте какой-нибудь простенький скелет:
- кто?
- в каком мире?
- должны сделать что?
Конечно, такой скелет все еще остается слишком общим. Поэтому все, что вам надо – это чуть сузить скелетик и обрастить его сухожилиями.
- кто? (Две противоположности: Буратино и Уголек, Волк и Красная шапочка, богач и бедняк, гаишник и угонщик / и т.д.)
- в каком мире? В мире (кораблей на планете без суши / в огромной многоэтажке постапокалиптического мира / сказок, захвативших реальный мир и т.д.)
- должны сделать что? (доставить необычный груз: корову, царя, гнома-невидимку / и т.д.)
Не нужно пока придумывать твисты, сложные сюжеты. Просто научитесь быстро создавать интересные группы героев, любопытные миры и нелепые задания. Твисты и сложности можно накрутить попозже.
У хорошего автора в реальном отделе девелопмента анимационной студии должен быть навык в стиле «к концу дня нужно несколько заявок по теме …».

ТРЕНИРУЕМ ПОНИМАНИЕ ЦЕЛЕВОЙ АУДИТОРИИ
Моя новая авторская разработка – тренинг для понимания целевой аудитории.
Шаг 1. Придумаем идею (вне целевой аудитории) сериала
Допустим, семья робких интеллигентных космических кораблей отправляется на пикник в одну туристически привлекательную галактику, но попадает в эпицентр межзвездной войны. Семью случайно принимают за банду известных кораблей-пиратов. Так что незадачливой семье, чтобы выбраться домой, придется попритворяться пиратами и повыполнять разнообразные сложные задания и надеяться, что их не раскроют до того, как дорога домой откроется.

Шаг 2. Делаем сериал для аудитории 0-3
Семья космических кораблей узнает окружающий мир, учится умываться, одеваться и правильно переходить галактику. И все это через веселые песни и танцы.

Шаг 3. Делаем сериал для аудитории 4-6, мальчики
Семья изобретателей-космических кораблей спасает жителей разных планет, приходит к ним на помощь, помогая создать роботов, которые решают самые разные проблемы: от орошения до строительства. Забавный коварный корабль-пират пытается им помешать и строит коварных роботов. Но т.к. пират плохо учился в школе – все его роботы в итоге больше наносят вреда пирату, чем нашим героям.

Шаг 4. Делаем сериал для аудитории 4-6, девочки
Няшные котики-единороги живут каждый на своей планете. Один на цветочной. Другой на сладкой. Третья на танцевальной и т.д. Котики-единороги летают друг к другу в гости верхом на космических кораблях, словно на лошадках. Каждую серию они танцуют, пекут вкусняшки и играют.

Шаг 5. Делаем сериал для аудитории 6-8, девочки
В мире милых котов-единорогов случились неприятности. Солнце Дружбы гаснет. Коты-единороги верхом на диких грациозных космических кораблях отправляются по ближайшим планетам на поиски поссорившихся, чтобы их помирить.

Шаг 6. Делаем сериал для аудитории 6-8, мальчики
В семье космических кораблей не подозревают, что их дочка-корабль тайно участвует в космических гонках. Она ведь вроде бы такая тихоня и так любит заумные книжки. Но каково же будет удивление гонщицы, когда она поймет, что главный антагонист-злодей, нарушающий все возможные правила в гонках… это ее собственный брат! Смогут ли главные соперники на гоночной арене соревноваться друг с другом и на трассе и в собственной семье?

Шаг 7. Делаем сериал для аудитории 8-12, девочки
В школе космических кораблей новичку непросто. Ее не принимают, ее обижают. Главная героиня недавно потеряла родителей и живет с бабушкой и дедушкой, перевелась на другую планету. Серая мышка класса однажды вечером находит трансформатор, преображающий ее в суперкорабль, который может сражаться со злодеями-кораблями-монстрами, периодически атакующими галактику. Сможет ли героиня сдержать свою суперсилу и не начать использовать ее для вреда одноклассникам?



Шаг 8. Делаем сериал для аудитории 8-12, мальчики (сойдет наша базовая история)
Семья робких интеллигентных космических кораблей отправляется на пикник в одну туристически привлекательную галактику, но попадает в эпицентр межзвездной войны. Семью случайно принимают за банду известных кораблей-пиратов. Так что незадачливой семье, чтобы выбраться домой, придется попритворяться пиратами и повыполнять разнообразные сложные задания и надеяться, что их не раскроют до того, как дорога домой откроется.

Шаг 9. Делаем сериал для аудитории 12+, подростки
Прошли миллионы лет после исчезновения человечества. Разумные космические корабли, используя автоматические ремонтные базы, смогли пережить своих создателей. Постепенно каждый корабль приобрел черты своего капитана. И внешние и внутренние.
Века мира после исчезновения людей грозят уйти в прошлое. Ведь внутри кораблей начинает просыпаться не только память их капитанов, но и их чувства, их эмоции, их страсти, их конфликты и их любовь. Смогут ли корабли построить лучший мир, или скатятся в конфликт, унесший жизни их создателей?
Как и миллионы лет назад, конфликт начинается с запретной любви одного юноши-корабля, бродяжничающего по бескрайним мирам космоса и аристократки-корабля-принцессы, дочери главы могущественного клана.

Как видим, в этом упражнении подход простой. Вначале придумывается какой-то интересный мир. Затем пытаемся найти в рамках этого мира хорошую историю для разных целевых аудиторий.
Как минимум удастся прокачать креативные мышцы. Как максимум – создать несколько версий заявок.

ЭКСПОЗИЦИЯ БРУТАЛЬНОГО МОЛЧАЛИВОГО ГЕРОЯ
Не представляет особых трудностей экспозиция болтливого персонажа. Он сам о себе все расскажет за полминуты действия. Но что если наш герой молчалив, брутален, за словом в карман не лезет? Таких героев много и в анимации и в кино.
Часть сценаристов и режиссеров допускают ошибку с такими героями. Думают, что самой брутальности достаточно. Вот герой поиграл мышцами, раскидал врагов, молчаливо посидел у костра, поел мамонта… Но проходит одна серия, вторая, третья, а к нашему герою не появляется у зрителя никакой привязанности. Формально герой отыгрывает свою ролевую модель, но не попадает в сердечко зрителя. Почему? Вы не смогли правильно заявить героя, не раскрыли его.
А герой-то (допустим) главный! Критически важно, чтобы зритель понимал его мотивы, будь это мотивы любви или мотивы мести. Хотелось бы и популярности для персонажа. А какая ж популярность, если героя никто полюбить не может?

Давайте рассмотрим способы экспозиции подобных персонажей.
1. Экспозиция через говорливого или эмоционального напарника.
Если наш герой молчалив, как скала, то говорить за него должен его напарник. На фоне зашкаливающей яркости напарника можно будет лучше разглядеть все тени нашего главного героя. Его редкие улыбки, его недовольно сложенные брови, его вспышки гнева с просьбой помолчать – все это будет работать на раскрытие эмоционального облика нашего героя.

2. Экспозиция через беззащитного и слабого
Похожий тип экспозиции, но наш напарник или друг или спутник героя намеренно слаб, беззащитен, наивен, юн, неподготовлен для полного насилия мира. И тогда наш герой постоянно должен бросаться на помощь этому беззащитному. Вовремя поставлять ему руку для помощи, защищать от стрел своей спиной, нести его через опасности на своих грубых ладонях. Грубый молчун, который нежен к слабому – это хорошо и быстрым образом проявляет нашего героя.

3. Экспозиция через заботу
Наш гигант может любить что-то. Покажем это зрителю! Киллер может любить цветок, чудовище может любить музыку, огромное может бережно хранить что-то малое. Небольшая сцена с нашим героем, заботящимся (когда его никто не видит) о чем-то хрупком – хороший путь показать, что наш герой не так прост.

4. Экспозиция через слабость
Если пораньше показать, что у нашего непобедимого вояки все же есть какая-то слабость, - зрителю будет легче проассоциировать себя с главным героем. Тогда будет понятно, что смелость героя не по умолчанию – это все же часть его работы над собой. И ему тоже есть что преодолевать.

5. Экспозиция через потерю
Это очень тонкий пункт. Иногда к нему подходят формально. Быстро показывают кого-то, кого герой потерял. Но не дают возможность зрителю тоже полюбить потерянного (а значит и принять боль героя близко к сердцу!). В общем, здесь следуем простому правилу – никого важного не теряем до того, пока зритель тоже не полюбит его и не почувствует для себя важным. Хорошо бы чтобы к моменту потери зритель так же рыдал над потерей, как и наш герой. Тогда все будет достоверным и мотивы героя будут яснее.

Конечно, можно идти и иными путями. Например, раскрыть нашего героя только в финале. Но все же с главными героями это риск. Риск, что зритель просто не будет смотреть ничего далее первой серии. Даже про крутого и брутального персонажа.
Это понимают многие создатели успешных историй про опасные путешествия говорливых эмоциональных напарников и напарниц героических брутальных молчунов

СТРОИТЕЛЬСТВО ЛИЧНОГО БРЕНДА СЦЕНАРИСТА
Сценаристы не публичные люди. Сценаристы анимации и вовсе не просто не публичные люди, а еще присыпанные общей медийной невнимательностью к именам в анимации. А ведь от нашего имени зависит позовут ли нас вообще куда-то на проект.
Вот несколько простых вещей, которые я рекомендую делать всем сценаристам, хоть начинающим, хоть не начинающим.

1. Представляйтесь на встречах не по имени, а по имени-фамилии.
Не важно, что на зум встрече или очной встрече все коллеги по студии или по проекту представились «я Аня», «а я Вася». Всегда называйте свои имя и фамилию. Т.к. именно сейчас, в этом месте сидят люди, которые в следующий раз или позовут вас в новый проект, или не позовут, т.к. фамилию вашу забыли, а по имени вас не нагуглишь.
Нравится нам или нет, но все имена в анимации мы запоминаем по фамилии: Константин Бронзит, Антон Дьяков, Дмитрий Яковенко, Дарина Шмидт, Александр Архипов, Мария Большакова, Ульяна Стратонитская, Станистав Метельский и т.д. При всем уважении ко всем этим фамилиям, вряд ли мы кого вспомним по имени, кроме совсем редких имен. Именно по фамилиям наш мозг чуть-чуть быстрее запоминает профессионалов индустрии: режиссеров, сценаристов, звукорежиссеров, композиторов, арт-директоров. Ровно так же это работает и с вашей фамилией, уважаемый сценарист. Так что как бы вы ни были скромны, ровно в этот момент того редкого случая, когда вас вытащили из писательской конуры в пространство общения более чем с одним коллегой – пользуйтесь моментом. Называйте и имя и фамилию.

2. Придется завести хотя бы один аккаунт по своей профессии
Жили вы были не тужили, писали про дни рождения, про детей, про родителей, про машинки и про котиков. Но вот пришло время, когда вы хотите, чтобы вас, наконец, зафрендил анимационный продюсер. И что ему френдить? Котиков?
Если уж вы сценарист – хотя бы один аккаунт в одной хотя бы социальной сети заведите только под свою профессию. Так вы соберете первоначальный круг профессионалов, которые вас знают и, глядишь, позовут в проект. Или которым вы сможете написать по поводу своей новой идеи.

3. Следите за тем, чтобы вас добавляли в титры
Не со зла, но бывает, что студии могут забыть добавить вас в титры. Меня однажды одна крупная студия позвала на премьеру фильма, где я активно и много гэгил, но… но в титрах меня указать забыли. Коллеги когда это увидели, извинялись. Было неудобно. Но тем не менее это бывает и как правило не со зла.
На одном сериале меня тоже забыли добавить в титры в первых сериях. Я об этом сказал – меня стали добавлять даже в серии, где я не участвовал как гэгмен. Да уж, не без перебора, но такая наша жизнь.
Нет тебя в титрах = нет тебя в кинопоиске и в википедии и на аниматоре.ру и в книге Сергея Капкова.
И не ленитесь писать на кинопоиск, на прочие сайты, где можно добавлять инфо о себе и пополнять фильмографию.

4. Прокачивайте и (да почему нет?) выпячивайте свои наиболее сильные качества
Особенно это важно на старте, пока вас плохо знают. Умеете делать что-то хорошо? Говорите об этом! «Я классно пишу диалоги» или «умею писать полные метры за три дня». Особенно на старте важно, чтобы вас за что-то запомнили.
В начале сценарного пути меня конечно часто запоминали как гэгмена. Сейчас я по факту могу делать в сценарном деле абсолютно все. Но даже сейчас стараюсь подчеркивать что-то, что у меня правда получается хорошо – что умею быстро создавать интересные заявки или докторить полные метры за считанные дни, например. Потому что когда говоришь «я могу делать все» - это не запоминается. Так уж устроен мозг человека. Нужно свое уникальное торговое предложение – чем ты отличаешься от других сценаристов на рынке, чем именно ты можешь усилить команду.

5. Старайтесь давать интервью
Даже если это микросайт вашего знакомого, в котором всего десяток подписчиков. С чего-то надо начинать.

6. В идеале бы еще и почту иметь в стиле имяфамилия@почтаком, а не котик1968чтаком, но сейчас уже по почте почти никто не пишет.

Вот, примерно так. Разумеется, советы касаются не только сценаристов. Всем удачи в построении своего бренда!

АНТАГОНИСТ И ЕСТЬ ГЛАВНЫЙ ГЕРОЙ
Пост не объясняющий, а запутывающий.

Обычно антагонист – противовес главному герою. Он ему противостоит, создает препятствия, с ним и происходит у героя один из ключевых конфликтов. Антагонист является важной фигурой в комплекте персонажей фильма или сериала.
А теперь – страшная правда. В реальности антагонист довольно часто и является главным героем!

Ну вот смотрите – в классическом «Ну, погоди!» неужели Заяц тянет на главного героя? Да не особо. Частенько мы даже не знаем, как он начинает свой день. А Волка мы и в майке-алкоголичке видели, и на пляже в семейниках, и в гараже с мотоциклом.
В общем-то, в «Ну, погоди!» скорее Заяц противостоит главному герою. Заяц, пожалуй, антагонист, разрушающий план Волка. Назвать Волка главным героем мешает нам только то, что он злодей. А по драматургическим канонам наоборот он ближе к герою-то.

При этом в «Томе и Джерри» у двух героев равное экранное время, местами переваливающее в сторону мышки Джерри. Поэтому здесь пара работает как надо – антагонист и протагонист примерно хорошо работают. Вот только, если подумать, Джерри-то паразит! Ворует еду. А кот-то защищает хозяина, честно работает котом. То есть Том-то и есть протагонист! Весело, да?

В комедийных фильмах, в сказках, антагонист незаметно или намеренно имеет право стать главным героем. По своему экранному времени, по раскрытию героя, по симпатии зрителя. И это не страшно.

Так что же? Начнем называть антагонистов главными героями? Я думаю, нет. Драматургия все же немного и наука. Тут не так и много устойчивых терминов. Лучше не путать все окончательно.

Просто знайте, что антагонист вполне может быть главным героем. А главный герой, если подумать, не всегда протагонист.

Надеюсь, не разобрались :)

ДОТРОНЬСЯ ДО ДУШИ
Сложность сериального формата для сценариста и, особенно, для создателей сериала в том, что сериал может мгновенно забронзоветь. Особенно вертикальные сериалы для детей. Характеры персонажей определены, отточена нарративная часть. Герои ясным образом совершают ошибки, ясным образом их исправляют, ясным образом в финале получают урок.
И сериал становится пластиковым.

Мы ни разу не видим героев в минуты настоящей слабости. Когда они растеряны и не знают, что делать. Или когда в ужасе от того, что натворили. Или когда не могут справиться со своими эмоциями. Да что там говорить – персонажи сериалов почти перестали плакать!

Они покрыты коркой идеальности, даже если персонажи недотепы и им каждую серию преподают урок. Перед зрителем проживает свою серию формальный недотепа, который с равной степенью бодрости и глупость совершает и через полминуты извиняется за глупость. И всё хорошо, все смеются.

Такие идеальные персонажи не идеальны на самом деле. Они не достоверны. Они не открывают свое сердце для зрителя. Они не трогают его душу.

Чтобы тронуть чью-то душу – надо показать свою.

Сложнейшая задача автора в сериале – не дать персонажам покрыться коркой формальной канвы повествования. Не гоните персонажей по движку серии. Остановитесь иногда. Сделайте паузу. Покажите, что на самом деле чувствует герой.

Много лет спустя, когда ребенок вырастет, он будет помнить те слова героя, которые затронули его сердце. И не бойтесь малышей! В каждом возрасте можно понять что-то, что затрагивает сердце. Что-то можно сказать трехлетнему зрителю. Что-то пятилетнему. И уж совсем много можно сказать семилетнему.

В следующий раз, когда у вас перед глазами будет эти пять или шесть страниц сценария, посмотрите на сценарий еще раз и задайте себе вопрос – могу ли я что-то такое сказать в этой серии, что затронет сердце ребенка и заставит его этот момент, эти слова вспоминать хотя бы какую-то часть своей жизни, а может быть и всю жизнь.

Можно сдавать сценарии, а можно создавать. И помогать детям расти.

ИНТЕРВЬЮ

Вышло развернутое интервью со мной. Рассказал о своем тридцатилетнем пути в анимации, работе с анимационными студиями, о том, как создавал игры.

https://vk.com/@foryourenjoyment-intervu-s-talantami-nashei-animacii-oleg-kozyrev

ОСНОВНЫЕ ОШИБКИ АВТОРОВ СВОИХ СЕРИАЛОВ
Не буду ввязываться в бесконечные споры о том, какие сериалы лучше – коммерческие или авторские. Но опишу основные проблемы сериалов, которые пишет сам автор. Точнее – типичные возможные ошибки авторов таких проектов.

1. Автор спешит рассказать историю, не давая зрителю насладиться миром
Дайте зрителю время насладиться вашей идеей. Богатые на фантазию и Миядзаки, и Беннетт с Гюттнером дают зрителю время удивиться, рассмотреть, потрогать их миры.

2. Автор забывает раскрыть героя
Автор прописал характер героя где-то там в концепции проекта и забывает вставить в серию достаточно сюжетных моментов, раскрывающих этот характер. И зритель банально не успевает полюбить или узнать героя так, как его знает автор.
То есть для автора герой целостный потому, что герой имеет цельный образ в голове создателя. Но для зрителя герой не целостный, т.к. зрителю не дали увидеть этот образ.

3. Автор увлекается неожиданным
Авторы иногда так любят удивлять, делать нешаблонные ходы, что в итоге ломают драматургию и не дают зрителю вообще возможности подключиться к сюжету, к сопереживанию.

4. Автор упускает ценность серии
Иногда авторы упускают ценность каждой отдельной серии. Т.к. автор видит общую картину – он надеется, что зритель вот там в будущем удивится, да восхитится, да все поймет. Но проблема в том, что если зритель серию за серией не будет получать вознаграждения в виде зрелища, в виде эмоционального переживания, - зритель просто бросит сериал, не досмотрев до той самой великой серии, которая все перевернет и объяснит.

5. Автор перенасыщает историю персонажами
Авторы иногда могут скатиться в обилие персонажей. Их может стать так много, что снижается ценность тех персонажей, с кем зритель уже знаком. Экранного времени на всех не хватит и история начинает провисать, превращается просто в смену мельтешащих кадров с говорящими головами.

6. Автор не отслеживает целевую аудиторию
Бывает, что автора колбасит между аудиториями. И он и той аудитории подмигивает и другой – и в итоге история расбаллансируется и автор теряет аудиторию всю.

ИЗМЕНЕНИЕ ТРЕНДА НА СЦЕНАРНЫЕ ЗАЯВКИ
В минувшем году заметил заметно изменившиеся требования продюсеров, руководителей студий к входящим заявкам. Хочу этим с вами поделиться, вдруг кому пригодится такое знание.
Итак, раньше все требовали полноценную текстовую заявку, например, на сериал. Второй вариант – та же заявка могла быть в виде презентации (особенно если предварительно авторы успели продумать визуальную составляющую проекта).

Теперь все чаще просят заявку в виде презентации буквально на два слайда, не больше. С описанием идеи, мира и персонажей.

Это логично и разумно по двум причинам.
1. Такая преза заменяет логлайн и экономит время продюсера. Если идея заинтересовала – запросит полный пакет разработок по проекту.

2. Сам продюсер собирает пакет из таких двухслайдовых заявок, заинтересовавших лично его, но пришедших от разных авторов, и несет показывать эти идеи выше (или дальше). И, условно говоря, на проходящей периодически встрече за час, например, успевают отсмотреть десяток таких двухслайдовых презентаций и выбрать проекты, которые заинтересовали всех.

Итого.
Помимо заявки и/или презентации авторам есть смысл иметь под рукой двухслайдовую версию проекта.

АНИМАЦИОННАЯ ДРАМАТУРГИЯ. ШАГ ПЕРВЫЙ
Было время учиться и накапливать знания. Пришло время их передавать. Этот год у меня определенно будет переломным по части фиксации всего, что за тридцать лет в анимации накопилось.

Я запускаю сегодня свою мастерскую и первый полноценный онлайн-курс. Данный курс называется «Разработка анимационного сериала: от гэга до пилотной серии». Мне всегда казалось важным все же отталкиваться от практики. Так что все свои знания о сериалах я вложил в этот курс, но при этом оставил курс практичным. На выходе будем создавать заявки и пилотные серии сериалов.
Мастерскую решил открывать на платформе онлайн-обучения Skillspace. Пока что она показалась наиболее удобной для моего формата курсов.

Постарался не растягивать занятия, каждое будет суперсодержательным и компактным. Огромное число тем упаковал всего в 4 месяца.
С самых первых шагов в анимации меня беспокоило, что для современных сценаристов в анимации не так много есть учебных материалов. Поэтому пришлось самому их начать создавать. На курсах слушатели первыми увидят мои наработки, которые готовлю для своей большой книги по анимационной драматургии и разработке.

И вот сформулировал 7 принципов моей мастерской вообще и данного курса в частности.
1. Идем от практики к теории, а не наоборот. Сперва понимание предмета анимации, а потом осмысление. Вот почему начинаем с гэгов, а затем переходим к драматургии.
2. Не усложняем драматургию, а упрощаем. В анимационной драматургии много неустоявшихся терминов и мало (можно сказать, что нет) образовательной литературы. Автор курса помогает участникам курса увидеть главное, отсеять второстепенное.
3. Визуализируем! Сценарный девелопмент это не только про текст, но и про визуализацию идей. Учимся работать с шаблонами, онлайн-досками, презентациями, чтобы наиболее эффективно организовывать сценарный процесс и личный и в командах.
4. Экономия и эффективность - наш метод. Не льем воду на встречах. Экономим время друг друга. Курсы компактные, содержат много информации - всю суть тридцатилетнего опыта мастера. На самих курсах учимся наиболее эффективно и наглядно формировать и представлять свои идеи, экономно и сбалансированно работать в творческих командах.
5. Знания лучше усваиваются в небольших командах. Поэтому на курсе группы не превышают 15 человек - примерно такое число профессионалов максимально собирается на мозговые штурмы в реальных анимационных студиях. Небольшой состав группы помогает получать и обратную связь от мастера и получать навык работы в команде.
6. Сценарий не существует вне производства. Поэтому мы изучаем современные реалии работы студий с заявками, сценариями, самими сценаристами. Изучаем то, что нужно студиям и зрителям сегодня. Учимся понимать особенности анимационных технологий (перекладка, 3д, кукольная и т.д.)
7. Развиваем не просто креативность, а быструю креативность. Аниматоры умеют быстро и много рисовать. Сценаристы анимации должны уметь быстро и много писать. Художники в анимации умеют создавать множество эскизов, искать варианты художественного решения. Авторы в анимации должны уметь создавать множество заявок, сюжетов в короткое время.

Не буду делать вид, что не волнуюсь. Создание курса это тоже творчество. Буду рад, если кому-то оно окажется нужным.
(upd на курс добавлена возможность оплаты частями, в рассрочку)
Ссылка на курс:
https://olegkozyrev.skillspace.ru/l/test-kurs-1-458fc5-5352ba

ВИЗУАЛИЗАЦИЯ СЦЕНАРНОЙ РАЗРАБОТКИ / РАБОТА С ОНЛАЙН-ДОСКАМИ
Многие годы мне вполне хватало доковского текстового файла, чтобы описывать свои идеи. В редких случаях использовал презентации. Но онлайн-доски, появившиеся в последние годы, продемонстрировали свои плюсы для авторов. Попробую описать часть возможностей онлайн-досок для сценарной разработки.

1. Визуализация сюжета, арок полнометражного фильма
Именно на онлайн-доске легко формировать историю по актам, видеть вступление и развитие ключевых персонажей, хорошо планировать визуальную часть историю в аспекте локаций. Можно грамотно планировать музыкальные фрагменты истории, битвы, экспозицию.

2. Планирование производства для творческих групп
На онлайн-доске идеально вписываются таблички графика этапов, внутри которых можно что-то править, корректировать, добавлять новые графы, новые департаменты. А доступ к онлайн-доске самих этих департаментов дает возможность убедиться, что все правильно понимают сроки – от сценаристов до PR.

3. Разработка мира
Конечно, мало что подходит для поиска интересного анимационного мира, как онлайн-доска. Здесь можно привести примеры конкурентов, поискать референсы и, наконец, искать пути собственного визуального решения. Автор может работать с художниками постановщиками, арт-директорами, концепт-артистами на такой доске.

4. Разработка персонажа
На онлайн-досках можно создавать профиль персонажа. Причем речь не только о визуальной стороне героя, но и искать его имя, характер и т.д.

5. Планирование структуры сезона сериала
Доски идеально подходят для планирования структуры сезона сериала. Здесь можно видеть все сюжеты всех серий. Планировать специальные и «бутылочные» серии. Планировать количество героев, локации и т.д.

6. Предметно разбирать пилотные серии и особенные серии
Например, хорошо на онлайн-досках работать с битматиками – видом раскадровок, где вначале планируются только самые важные сцены будущего фильма/серии.

И т.д.
Конечно, с уходом из РФ Миро, работать с онлайн-досками стало сложнее. Пока еще ни один из аналогов не приблизился к Миро-функционалу. Сам я пока что использую Яндекс доску (называется Яндекс.Концепт) – просто по причине большей доступности для всех. Ведь суть онлайн-доски – возможность работать в команде. Если вы знаете какие-то лучшие аналоги – дайте знать. Но пока все, что я смотрел, сильно проигрывают по количеству встроенных шаблонов, либо по платности.
PS
Подробнее о том, как работать с онлайн-досками, а также примерами шаблонов такой работы, я буду делиться на своем курсе «Разработка анимационного сериала: от гэга до пилотной серии», который стартует с 18 февраля. Ссылочка есть в закрепе в группе.