СЕРТИФИКАТ ДЛЯ СЦЕНАРИСТА

Не вполне оффтоп - скорее радость и немного текущей креативной деятельности.
Долго думал, каким должен быть сертификат курсов для сценаристов. И вот, наконец, придумал, а дочка (учится на режиссера анимации) помогла воплотить.
Мне кажется, правильный формат внешнего вида сертификата для сценарного курса. Как вам?
(это очевидно демо образец - сам я свои курсы еще ни разу, увы, не заканчивал)

ОСОБЕННОСТИ СОЗДАНИЯ СЦЕНАРИЕВ ДЛЯ РЕКЛАМНЫХ РОЛИКОВ

Оформление сценариев в рекламных агентствах резко отличается от сценариев для кино, сериалов, анимации.
Впрочем, заказчиками рекламных роликов могут быть не только рекламные агентства. Трейлеры анимационных фильмов вполне себе тоже рекламный продукт, а заказчиками тут выступают студии, телеканалы.

В рамках рекламных агентств сценарии пишут копирайтеры. Это те же самые сценаристы, но которые помимо сценариев умеют создавать идеи для рекламных и промо кампаний, занимаются неймингом, работают в паре с арт-директорами над созданием реклам всех форматов: печатная, наружная, радио, теле, интернет и т.д.. Включая рекламные интеграции в кино, сериалы.

1.
Старт работы копирайтера начинается с получения ТЗ от бренд-менеджера, работающего с данным брендом.
Обычно это краткое описание, включающее в себя:
- технические параметры задачи (какие форматы рекламы будут задействованы, хронометраж ролика и т д.)
- бюджет ролика
- целевая аудитория
- задачи, которые нужно решить в рамках рекламной кампании
- обязательные элементы
- ограничения
Плюс менеджер предоставляет пакет материалов для старта работы над роликом (логотип, слоган (если есть), инфо о клиенте, инфо о продукте и т.д.).
Референсы от клиента, если есть.

2.
Далее создаются варианты концепции под эти задачи и под этот бюджет.
Они создаются внутри рекламного агентства, часто парой арт-директор и копирайтер, под руководством креативного директора.

3.
После утверждения концепции пишется 2-4 варианта сценария.
Если необходимо, арт-директор готовит и визуальную часть.

4.
Клиент выбирает вариант. Этот вариант дорабатывается.

5.
Сам сценарий пишется в двухколоночном формате, где видео описывается в одной колонке, а аудио (включая речь актеров или речь диктора) в другой

6.
Ролик почти всегда завершается пэк-шотом с продуктом и слоганом

7.
На уровне сценария и затем при финальном монтаже обычно делаются боее краткие версии ролика.
Стандарт в телевизионной рекламе 30 секунд, затем есть если необходимо 20 или 15 или 10-секундная версия, и версия 5 секунд.

Если нужно -с разу создается и радиоверсия ролика.

8.
Далее ролик снимают, производят. Пускают в эфир.
Начинают обычно кампанию с большой версии ролика, а затем в подкрепление идут короткие версии.

В случае больших кампаний создается серия роликов в одном стиле, которые сменяют по очереди друг друга.

Вот, в общем-то, и все.

ЗОЛОТОЕ ПРАВИЛО ПОВЕСТВОВАНИЯ

Вывел сам, не судите строго.

Чем сложнее ваш мир - тем проще должен быть конфликт, основа вашей истории.
Чем проще ваш мир – тем сложнее должен быть конфликт, основа вашей истории.

Исключения возможны, но все же рискованны.

==
Подробнее о том, как писать сценарии, мы будем на десятимесячном большом сценарном курсе, который стартует с сентября.

https://masterkozyrev.ru/bigcourse

Оказывается, если проголосовать бустом за канал, в нем может включиться автоперевод для иностранных пользователей, да и вообще он будет лучше показываться в поиске

В общем, если есть желание - поддержите плиз

Upd ого, а на 50 уровне, оказывается, можно отрубить будет рекламу, которую тут пихает телега в сообщество. Интересно

https://news.1rj.ru/str/boost/devanimas

СЦЕНАРНЫЕ ТАБЛИЦЫ КОЗЫРЕВА
№ 3. САСПЕНС

Продолжаю публиковать сценарные таблички собственного производства. На этот раз схема посвящена саспенсу.

Распространяйте, пользуйтесь, пугайте народ напряженным ожиданием.

ОТЛИЧИЯ В СХЕМАХ РАБОТЫ СЕРИАЛ\КОРОТКИЙ МЕТР\ПОЛНОМЕТРАЖНОЕ КИНО

Допустим, вы полностью автор и короткого метра, и сериала и полнометражного кино. Работаете не в рамках задания, а сами планируете свою работу.

КОРОТКИЙ МЕТР (актуально для форматов 3-10 минут, для форматов длиннее есть смысл добавлять поэпизодник):
1. Прописываете идею в виде краткого синопсиса
2. Продумываете персонажей:
- имя
- внешний вид
- характер
- арка
3. Прописываете тему или ключевую идею вашего фильма. Формулируете ее четко, в виде краткого предложения.
4. Пишете первый драфт сценария
5. Корректируете сценарий:
- хронометраж
- соответствие идее, теме
- грамотность
- разметка и оформление
- доработка диалогов
- доработка действия
- гэги
6. Создаете финальный вариант сценария
7. Создаете базовый пакет сопровождающих сценарий форматов:
- логлайн
- синопсис финальный
- поэпизодник

ВЕРТИКАЛЬНЫЙ СЕРИАЛ (актуально для форматов 3-12 минут):
1. Прописываете идею сериала в виде свободного описания
2. Создаете видение сериала:
- жанр
- технология
- целевая аудитория
3. Продумываете персонажей:
- имя
- внешний вид
- характер
- ролевая модель + роль в команде персонажей
- аксессуары
- локация персонажа
- характерные слова, фразы персонажа
3. Продумываете мир сериала
- его физические законы
- общее описание
4. Продумываете локации сериала
5. Прописываете тему или ключевую идею вашего сериала. Формулируете ее четко, в виде краткого предложения.
6. Разрабатываете движок серии и структуру серии
7. Пишете концепцию анимационного сериала, куда вносите все вышепридуманное
8. Создаете структуру сезона сериала
- темы серий
- локации для них
- персонажи в них
- специальные серии
9. Пишете синопсис и/или поэпизодник пилотной серии
10. Пишете сценарий пилотной серии
11. Корректируете концепцию, исходя из реалий пилотной серии. Сверяете пилотную серию с видением сериала
12. Пишете новые сценарии
13. Корректируете сценарии:
- хронометраж
- соответствие идее, теме
- соответствие движку
- грамотность
- разметка и оформление
- доработка диалогов
- доработка действия
- гэги
14. Для каждого сценария создаете базовый пакет сопровождающих сценарий форматов:
- логлайн
- синопсис и/или поэпизодник финальный

ПОЛНОМЕТРАЖНЫЙ ФИЛЬМ:
1. Прописываете идею фильма в виде свободного описания
2. Создаете видение фильма:
- жанр
- технология
- целевая аудитория
3. Продумываете персонажей:
- имя
- внешний вид
- характер
- арка на фильм
- ролевая модель (если фильм жанровый) + роль в команде персонажей
- аксессуары
- локация персонажа
- характерные слова, фразы персонажа
3. Продумываете мир фильма
- его физические законы
- общее описание
- география мира
4. Продумываете локации фильма
5. Прописываете тему или ключевую идею вашего фильма. Формулируете ее четко, в виде краткого предложения.
6. Пишете первую версию синопсиса фильма
7. Пишете первую версию поэпизодника
- вначале продумываете первый акт (с чего все начнется)
- затем третий акт (чем все завершится)
- и лишь затем второй акт (как все свяжется)
8. Создаете структуру полнометражного фильма
- развитие арок ключевых героев, включая антагониста, по эпизодам и актам
- локации по эпизодам и актам
- новые важные персонажи по эпизодам и актам
- моменты для песен внутри сюжета (касается фильмов, где герои поют в кадре)
9. Пишете вторую версию синопсиса, исходя из работы над структурой
10. Пишете второй драфт поэпизодника
11. Пишете сценарий первых 2-3 эпизодов
12. Корректируете характеры героев, имена, характерные фразы, исходя из первого текста
13. Пишете сценарий первого акта – акцент больше на логике происходящего
14. Пишете сценарий второго акта – акцент больше на логике происходящего
15. Пишете сценарий третьего акта – акцент больше на логике происходящего
16. Сверяетесь со структурой фильма. Корректируете и структуру и сценарий.
17. Пишете второй драфт сценария
– улучшаете проявление характеров героев
- улучшаете арки
- улучшаете экшен сцены
18. Сверяетесь со структурой фильма. Корректируете и структуру и сценарий.
19. Пишете третий драфт сценария, корректируете
- хронометраж
- соответствие идее, теме
- грамотность
- разметка и оформление
- доработка диалогов
- доработка действия
- гэги
20. Для сценария создаете базовый пакет сопровождающих сценарий форматов:
- логлайн
- синопсис
- поэпизодник


==
Подробнее и вдумчивее будем изучать написание сценария на моем первом Большом курсе сценаристов:
https://masterkozyrev.ru/bigcourse

КРИВАЯ ДОРОЖКА
Зрителю не интересно, если герой просто идет по дороге. Мы – авторы – постоянно должны героя с прямой дорожки сбивать. Там, где дорога непредсказуема – там начинается зрительский интерес.

Что если герой упадет в яму? Хорошо. Зрителю интересно будет смотреть, как герой попытается выкарабкаться.
А что если в яму упадет крокодил? Еще лучше. Герою тем более надо как-то выкарабкаться, а может до того еще и победить крокодила.
А что если пока герой был в яме наверху случился зомби-апокалипсис? В яму превратился весь мир. Как выкарабкается герой?
А если герой все это время нес щенка в рюкзаке. Надо еще и чтобы он щеночка сохранил и сам выжил.
А если щеночку срочно нужна операция? И надо добежать до ветеринарной клиники.
А что если врач-ветеринар сидит на дереве и отказывается выполнять операцию, пока ты не затащишь на дерево его любимую бабушку, прикованную к кровати?
А что если одновременно прорывает плотину и вода затапливает город?
А что если бабушка оказывается в воздушном кармане под водой, а тебе надо взломать ближайший магазин для аквалангистов, чтобы добраться до нее?
А что если кислородный баллон исправный только один и у тебя только одна попытка?
А что если помимо зомби, ходящих по дну, из моря заплыли акулы?

Как же хорошо-то! Пишешь себе, сталкивая героя все дальше и дальше со скучной прямой тропы. И делаешь кино, интересное зрителю.

ЭМОЦИИ И ВОЗРАСТ
Возрастные особенности зрителя можно классифицировать и следующим образом (грубо формулирую, т.к. конечно и подростки иногда куда более взрослые и дети куда более смышленые бывают).
Малыши – воспринимают эмоцию здесь и сейчас прямо от того, что видят на экране.
Дети – способны воспринимать также и эмоции, вызванные сюжетом, историей.
Подростки – способны воспринимать еще и эмоции, вызванные взглядами, позами, одеждой персонажей, музыкой.
Взрослые – способны понимать и то, что не было показано на экране, но осталось за кадром.

ТЕМП АНИМАЦИОННОГО СЦЕНАРИЯ
В анимационном (да и любом) сценарии важно не забывать время от времени менять темп повествования. Плохо, если описание действия одинаковое и в динамичных сценах и в сценах романтичных или созерцательных.

Приведу пример в почти сценарном формате, с описанием действия.
==
СЦЕНА СОЗЕРЦАТЕЛЬНАЯ
Утро. Светлый сосновый лес. Через прямые стволы деревьев пробиваются солнечные лучи. Птицы летают в кронах. По мху идет, мягко ступая, величественный олень. Его рога на время перекрывают солнце.
==
А вот если бы это была та же самая сцена, но драматичный момент.
==
СЦЕНА ДИНАМИЧНАЯ
Мелькают прямые стволы деревьев. Олень мчится по утреннему сосновому лесу. Ветка в глаза. Другая ветка. Упавший ствол. Прыжок оленя. Солнце, на мгновение перекрытое рогами. Мох сминается под копытом. Ноздри оленя тяжело дышат, выдыхая пар. Встревоженные птицы с криками взмывают над кронами.
==

И там и там описание, но в первом случае оно плавное, словно наш взгляд скользит по пейзажу. Во втором случае описание стремится к рваному монтажу, т.к. у нас динамика, бег.
Внутри одного большого текста у нас могут быть и моменты спокойные и моменты атак, драк, бега, экшена. Описание действия (да и диалогов!) в такие моменты обязано меняться.
Сценарий – описанное действие. Самим описанием мы должны подсказывать зрителю, что наступил напряженный момент в фильме. Действие сжимается в экшен-сценах. Слова и действия становятся более рублеными. Сценарий сжимается в пружину.
И наоборот в спокойные моменты сценарий расправляется. В нем появляется много места простору, почти литературному описанию событий. Мы можем подольше поговорить, реплики делать подлиннее. Действие можем растянуть, успокоить. Даем зрителю расслабиться перед следующим напряженным моментом.

Темп поддерживает драматургию, создавая в необходимых точках сценария или напряжение или расслабленность и покой.

ГЭГМЕН НА ПОЛНОМЕТРАЖНОМ ФИЛЬМЕ

Вчера был на предпремьерном показе фильма «Доктор Динозавров» производства анимационной компании ЯРКО и Централ Партнершип. Это с одной стороны еще один фильм, в котором можно увидеть меня в титрах в качестве гэгмена, а с другой стороны – особенная и родная работа, ведь фактически мне повезло поучаствовать в работе с коллегами с самых начальных стадий сценарного девелопмента.

Очень-очень рекомендую сходить на «Доктора Динозаврова». Это прекрасная работа коллег (отдельно, т.к. блог у меня сценарный, отмечу Макса Волкова – крутой и по-настоящему комедийный сценарист и режиссер и креативного продюсера Дмитрия Аверкиева т.к. блог у меня все же и про девелопмент, а организован девеломент этого фильма был на мой взгляд идеально). С юмором для всех (буквально всех) аудиторий от детей до подростков и взрослых. Широкая кинотеатральная уже на следующей неделе. Ну и, помимо прочего, посмотрите, мои гэги 😊

Первый анимационный фильм, на котором я работал как гэгмен, был «Белка и Стрелка». С тех пор случилось уже около 10 («около» потому, что пара проектов зависли в непонятном недовышедшем статусе) полнометражных работ, которые я и/или докторил и/или обшучивал.

Но как же «обгэгивать» полнометражное кино? Как сделать полнометражный фильм более смешным?

1. Самое главное (это часто упускают) – закладывать юмор на уровень видения фильма. Уже в процессе девелопмента продумывать и персонажей и сюжетные фрагменты с комедийной точки зрения.
Попробую пояснить. У нас в индустрии иногда настолько по-честному заботятся об арках, конфликтах, страданиях, что банально забывают о комедии. И вот ты сидишь на полном метре – вроде события происходят, а тебе не смешно. А фильм формально в категории комедии. И максимум, что комедийного тебе предлагают – это как персонажи орут и падают. Но орать и падать это не комедия, друзья. Если вы на стадии разработки фильма не заложили КОМЕДИЙНЫЕ конфликты, КОМЕДИЙНЫЕ ситуации (есть такая комедия положений, помните?) – то сколько ты гэгов ни напихай – они будут не органичны и фильм не будет восприниматься с юмором.

2. Хорошо продумать речевые особенности персонажей. И эту работу необходимо вести вплоть до читок! Вначале надо продумать, чем речь одного отличается от другого (эту работу отчасти делают все). А затем (и это забывают иногда сделать) подумать – а есть ли какая-то речь, которая будет звучать забавно? Поверьте, такое есть смысл искать не на уровне даже сценария только, но и на уровне вариантов читки героя. И такие читки, вот ведь парадокс, читки с поиском интонации речи персонажа, надо вести ДО написания сценария! Я на всех своих курсах прошу сценаристов самим вслух читать сценарии. Для чего? Для того, чтобы найти персонажам хорошую интонацию, стиль речи уже в начале работы над сценарием, чтобы потом уже не править все тексты во всем сценарии, а уже глубже прорабатывать то комедийное в речи героев, что удалось найти.

3. Далее надо писать сценарий и передавать его гэгмену, на читки и на обшучивание. Там – добавлять гэги в текст.

4. Далее аниматик. Там тоже подключается (в идеале) гэгмен и добавляет юмор. Ибо иногда режиссеры забывают добавить паузы, забывают подставить верную музыку или звук. А продюсеры и лиды производства гэги частенько режут, чтобы уложиться в хронометраж. Я в такие моменты спрашиваю – а ради чего тогда эта двухминутная сцена в фильме, если она не смешная? Ради того, чтобы ее произвести? И ведь катастрофа у таких фильмов случается прямо в зале, когда на моментах, которые были запланированы как комедийные, зал вообще не смеется. И фильм, не набравший зрительской любви и кассы, спускают на цифровые платформы.

5. В идеале и на финальном монтаже рядом бы гэгмена иметь.

Сразу оговорюсь, что вроде бы все это должны уметь режиссеры анимации. Но вот ведь какая штука – в таланте Чаплина тоже ведь никто не сомневается из нас? Однако ящик с карточками, ящик, в который ВСЕ члены съемочной группы (даже уборщицы) могли положить-предложить свой гэг он имел.

Ибо вопрос не в личностях и в профессиях, а в том, как должно быть организовано производство комедийного фильма.

Давайте, коллеги, делать наше полнометражное комедийное кино действительно смешным.
(И еще раз зову на премьеру «Доктора Динозаврова»!)

ГЭГ-ЗАРЯДКА: ДИНОЗАВРЫ

Меня много просили о каких-то активностях в моем блоге. И я, поверьте, не оставил это в игноре.

Придумал вот такую простую вещь – гэг-зарядка. Иногда (скорее всего, в пятницу), я буду объявлять в моем блоге-гэг-зарядку. Будем все вместе тренироваться писать гэги.

Правила гэг-зарядки просты
1. Я объявляю тему гэг-зарядки (какой гэг нужно придумать) и ее условия
2. Мы пишем пятницу и выходные в комментариях гэги
3. Разумеется, придерживаемся ныне строгих в РФ законодательных ограничений
4. Я в понедельник-вторник даю свои комментарии по гэг-зарядке.

Итак, премьера рубрики ГЭГ-ЗАРЯДКА!

ГЭГ-ЗАРЯДКА: ДИНОЗАВРЫ

УСЛОВИЕ: Утро в лесу времен динозавров. Представим, что наши герои идут по лесу и смотрят вправо-влево и видят эти сценки.
Придумываем гэги на тему: утро в лесу времен динозавров.
КОЛИЧЕСТВО: 10 гэгов (это важное ограничение, ведь суть зарядки – тренировка. Легко придумать один гэг, а для тренировки комедийных мышц надо хотя бы десять). В одном комментарии пишите сразу десять гэгов.

Поехали!
(итоги подводим в понедельник)

НАБОЛЕВШЕЕ ИНДУСТРИАЛЬНОЕ. О «ЖДЕМ ХОРОШИХ АВТОРОВ»

Вчера был весь день на «Слете аниматоров». И сегодня буду на втором дне. На всех почти анимационных мероприятиях последнего времени нет-нет, да заходит разговор о вопросах анимационного образования в России. И обязательно в дискуссиях нет-нет, да посетуют на отсутствие хороших авторов.

И у меня все вскипает внутри и я хочу защитить нашего сценарного брата-сестру-автора.

Первое и самое главное. Коллеги, а откуда сценаристам в анимации научиться писать сценарии для индустрии, если ни одна студия до сих пор не публикует свои сценарии? Киносценариев – пруд пруди в интернете. А найди-те ка сценарии российских анимационных проектов!
Я все понимаю. Всякие NDA, всякие договора со сценаристами об отчуждении прав, всякие договора с издательствами о том, чтобы писать по историям книжки. Но вы разве не понимаете, что этим не даете развиваться анимационному образованию сценаристов?

Аниматики – легко есть в интернете. Раскадровки – есть. Чуть ли ни весь процесс создания мультфильма можно найти, кроме… сценария. Как людям научиться что-то делать, если нет образцов того, что и как нужно писать?

Дорогие мои любимые студии, я много работал с вами и работаю и у меня тридцать лет за спиной, никто вам это не скажет прямо, а я наверное своим опытом чуть-чуть это заслужил. Давайте начнем публиковать сценарии!
Сценарии серий и фильмов проектов «Смешарики», «Простоквашино», «Маша и Медведь», «Крутиксы», «Шушумагия», «Мимимишки», «Фиксики», «Малышарики», «Оранжевая корова», «Атомный лес», «Петя и Волк», «Живой гараж», «Бодо Бородо», «Ну, погоди! Каникулы!», «Умка», «Сказочный патруль», «Киберслав», «Три богатыря», «Финник», «Дух моей общаги», «Белка и Стрелка», «Барбоскины», «Три кота» и т.д. и т.п.

Вы можете миллион раз рассказать человеку, который хочет писать сценарии, про три акта, про заявку, про идею. Но он не сможет научиться писать, если не будет много, МНОГО читать сценарии.

Есть ведь проекты устоявшиеся, не секретные. Ну по одной серии из каждого проекта публикуйте, пожалуйста, студии. А?

Пусть авторы видят, чем отличается сценарий серии для малышей от сценария серии для школьников. Сценарий музыкальной серии от сценария серии образовательной.

Нет ни одного ВУЗа в России, который обучал бы сценаристов анимации. Ну так давайте как индустрия поможем людям хотя бы самообучиться. Начните выкладывать сценарии. Книги ли издавайте, в блогах ли студий вывешивайте, но пожалуйста, давайте поможем индустрии стать более зрелой.

Да, можно раздобыть сценарий какого-то зарубежного проекта. Но если честно, мне грустно, что невозможно начинающему сценаристу увидеть сценарий ни одного российского.

Ну и второе (там далеко вверху я лишь первый пункт начал). Наши авторы в этих странных условиях самообразования все равно хороши. И я знаю, что при должной организации девелопмента любую задачу сегодня авторы в России решить смогут. И подростковый сериал напишут, и комедию, и ужастик.
Так что хотелось бы защитить коллег и этим фактом – даже в условиях самообразования хорошие авторы в России в анимации все равно есть.

БОЛЬШОЙ СЦЕНАРНЫЙ КУРС

На «Слете аниматоров» часть коллег подходила и спрашивала о моей сценарной мастерской. Напишу поподробнее о том, что в ней происходит. 16 сентября впервые стартует самый продолжительный и самый анимационный из моих курсов «Большой сценарный курс».

Впервые я решил собрать в одном курсе ВСЁ, что нужно писать анимационному сценаристу сегодня, работая с современными студиями.
Помимо основ драматургии и навыков написания анимационного сценария мы изучим особенности сценариев для каждой из ключевых технологий в анимации (кукольная, 3д, 2д, пластилиновая и т.д.). В современном мире все персонажи это бренды, как и названия проектов. Так что отдельно прокачаем нейминг персонажей и анимационных проектов. Обязательно потренируемся писать стихи к песням. Отдельно будем изучать написание диалогов, написание хорошего действия. Вплоть до того, что потренируемся расписывать битвы и погони. Потренируемся создавать сильные монологи (может кто-то мечтал поделать монологи злодеев? На курсе это можно будет опробовать).
Ну и как же без гэгов? Гэги будем тоже тренироваться писать.

Это странный курс, который одинаково будет удобен и тем, кто только хочет научиться писать сценарии, и тем, кто уже пишет хорошо, но хочет писать лучше или писать по-анимационному.

И, самое главное. Это тот самый курс, который можно будет проходить… каждый год. Т.к. важная часть курса – это индивидуальные проекты учащихся и моя работа с ними. Вы буквально можете хоть каждый год приходить на курс и создавать в его рамках хоть сериал, хоть полный метр, хоть короткометражку, хоть несколько проектов сразу.
Все – в том темпе, который подходит каждому. С меня – обратная связь по всему, что будет написано за время курса и помощь в написании.

Например, и в рамках апрельского комедийного интенсива и в рамках сценарного сериального курса были созданы проекты, которые уже рассматриваются на ведущих студиях (не пишу даже студиях страны, т.к. один из проектов уже питчингуется и в Европе). А часть студий ждет и выпускников моего курса по полнометражному кино с их сценариями (выпуск будет как раз в сентябре).
В общем, есть предварительная договоренность с анимационными студиями о том, что проекты участников курса будут рассмотрены.

Я весь курс сделал сам, веду сам. Эта мастерская сама по себе – авторский проект. Я просто хочу передать знания, накопленные за 30 лет, пока у меня есть такая возможность. Буду рад поделиться всем, что знаю.
Записываться можно здесь (я понимаю, что у нас в анимации нет ни у кого миллионов, поэтому сделал оплату на курсе помесячной, чтобы это было хотя бы отчасти посильно и для тех, кто хочет только соприкоснуться с анимацией, и тех, кто в ней работает, но хочет больше понимать в анимационном сценарии):
https://masterkozyrev.ru/bigcourse

А НЕ ПОРА ЛИ БАЗОВОЙ СДЕЛАТЬ НЕ ТРЕХАКТНУЮ СИСТЕМУ ПОВЕСТВОВАНИЯ, А ПЯТИЧАСТНУЮ

Трехактная система повествования привычна, удобна и логична. Все варианты изменений актности повествования в любом случае отталкиваются от нее.

Напомню, что в первом акте обычно спрятана экспозиция и завязка истории, во втором акте развитие конфликта, а в третьем акте обычно у нас развязка, катарсис. Или если говорить проще, трехактная система повествования, это начало, середина и конец истории.

Почему в кино устоялась трехактное повествование? Ну хотя бы потому, что оно довольно удобно и логично. ТАК И МНЕ КАЗАЛОСЬ ДО НЕДАВНИХ ПОР. А теперь не кажется.

Каждый раз в преподавании сценаристам и в реальной студийной практике я натыкался на то, что все же участники сценарной разработки не всегда понимали задачи каждого из актов и не всегда понимали, где что завершалось. И я все больше думаю, что пора бы нам эту схему с актами упростить.

Давайте простыми словами все проговорим. В большинстве историй нам нужна экспозиция. Нам нужно показать, кто герои, в каком мире они живут. Это логичная часть структуры фильма.
Ну давайте ее так и выделим – ЭКСПОЗИЦИЯ (ранее она располагалась в 1 акте)
Затем нам нужна завязка истории. Некое поворотное событие, после которого герои принимают решение все исправить, отправиться в путь, что-то там победить или что-то там вызволить. Тут тоже виден цельный внятный кусочек истории – ЗАВЯЗКА (ранее она располагалась в 1 акте).
Далее идет РАЗВИТИЕ СОБЫТИЙ – тут внутри может быть спрятано много отдельных кусочков, но события набирают оборот таким образом, что герои движутся к решению проблемы, к финалу. Это то, что составляло и составляет 2 акт.
Далее нам нужен катарсис (ой, кульминация!), он же РАЗВЯЗКА – некая финальная битва, в которой герой проявит себя измененным, где он победит и свои внутренние проблемы и внешних антагонистов. Это конечно всегда в 3 акте располагалось.
Но далее мы ведь все почти всегда пишем ПОСТПОЗИЦИЮ. Показываем тот самый новый измененный мир который победил зло. Наши герои живут счастливо, женятся и их славят в веках. Ну или сбежали из страшного путешествия и вернулись домой. Такой финал почти всегда есть в наших историях. Ну или если финал плохой – наше зло вот-вот упадет на новое безмятежное место. Этот кусок тоже был в третьем акте всегда.

И вот у меня вопрос. А чего мы мучаемся? Может просто делить базово истории на эти логичные пять частей:
- экспозиция
- завязка
- развитие конфликта
- развязка
- постпозиция
М?

При этом я не сторонник что-то массово менять. У нас в индустрии терминология не во всем устоялась. Но тем не менее, я все больше убеждаюсь, что 99% реальных историй, по крайней мере полнометражных, всегда укладываются в эту схему из пяти частей.

ТИПИЧНЫЕ ОШИБКИ НА ПИТЧИНГЕ
Попробую собрать в один пост типичные ошибки авторов на питчингах их сериалов, коротких метров, полнометражных фильмов.

1. НЕ ЯСНО, О ЧЕМ ИСТОРИЯ
Иногда авторы придумывают персонажей, мир, но забывают придумать сюжет. И когда их спрашивают – о чем история – не могут внятно сформулировать.
И здесь важна не только история, но и собственно драматургия вашей истории. Подумайте, на чем выстроены конфликты, каковы арки героев, как будет развиваться ваша история.

2. ОТСУТСТВИЕ ДВИЖКА
Близкая к этому проблема. Касается сериалов. Из презентации не ясно, про что будет каждая серия. Что делают герои каждую серию? Важно и придумать движок и четко заявить его в заявке, описав, что делают герои каждую серию, на чем строится драматургия каждой серии.
Это критически важно для вертикальных сериалов и частично важно для горизонтальных, т.к. для зрителя каждую серию все же что-то должно происходить.
Так что задайте себе простой вопрос – что делают герои в каждой серии?

3. ПРОБЛЕМЫ С ЦЕЛЕВОЙ АУДИТОРИЕЙ
Авторы иногда не внятно формулируют целевую аудиторию картины, проекта. Там, где есть довольно типовые ответы вроде («12-16 лет» или «18+ аудитория, увлекающаяся космической фантастикой») авторы иногда дают какие-то странные, взятые с потолка параметры целевой аудитории.
Сразу дам подсказку, как тут быть. Попробуйте представить свой фильм как товар в супермаркете. Где он будет лежать? В детских товарах? В товарах для охоты и рыбалки? В хозтоварах? В товарах для автолюбителей?
Попробуйте представить свою аудиторию более четко, как маркетолог. Не бойтесь сузить ее и обозначить. Никакое четкое фокусирование аудитории не мешало никаким продуктам выходить за рамки этой аудитории.

4. НЕСООТВЕТСТВИЕ КАРТИНКИ И СЮЖЕТА ВАШЕЙ АУДИТОРИИ
Частая штука – картинки, изображения на презентации не совпадают с заявленной аудиторией. Например, персонажи выглядят как для сериала для детей, а история брутальная и для взрослых.
Важно выровнять ц/а в презентации так, чтобы визуал соответствовал сюжету.

5. ПОХОЖЕСТЬ НА ДРУГИЕ ПРОЕКТЫ
Если в самом начале вы не провели работу по исследованию рынка и по аналогичным проектам – вы можете попасть в ситуацию, когда ваш проект будет слишком похож на один из текущих проектов.
Для того, чтобы этого не было – в самом начале посмотрите, что есть похожего на рынке и на уровне заявки отстройтесь от конкурента, скорректировав имена героев, название проекта, идею, внешний вид проекта.

6. ВИДЕНИЕ НА СЕЗОН
Если вы подаете на сериал – у вас должна быть структура сезона. Видение на все серии проекта. Вы ведь ищете финансирования на весь ваш проект.

7. СЛАБЫЕ АРГУМЕНТЫ ПО АКТУАЛЬНОСТИ
Немаловажная вещь – убедить жюри в том, что ваш проект актуален. Часть питчингующих упускают возможность всерьез подкрепить актуальность своего проекта цифрами, исследованиями (хотя бы теми, что доступны на рынке).

8. РЕАЛИСТИЧНОСТЬ РЕАЛИЗАЦИИ
Важно продумать и производство, технологию. Быть уверенным, что ваш проект будет реально создать в нашей стране.

9. ОТСУТСТВИЕ ЯРКИХ ГЕРОЕВ
Анимация — это территория персонажей-брендов. Впрочем, как и вообще масс-медиа. Подчас в презентациях есть просто герои, но трудно понять, чем они так уж привлекательны. Нет ни интересной идеи персонажа, ни интересного характера.
Прокачивайте своих героев.

10. ЛИЦЕНЗИОННЫЙ ПОТЕНЦИАЛ
Лицензионный потенциал вашего проекта это не принт на футболке. Это внешний вид вашего персонажа, это комплект персонажей, выглядящий круто, это локации героев, это аксессуары героев, это сюжет, поддерживающий яркие образы героев.

11. СООТВЕТСТВИЕ ТЕМЕ ПИТЧИНГА
Подчас на питчинги тематические приносят проекты, созданные не для этого питчинга, но подкрученные под него. Если уж так делаете – всерьез доработайте ваш проект и докажите, что сам сюжет поддерживает тему питчинга, а не с боку припеку добавлен в спешке.

12. НЕЙМИНГ
Имена персонажей, название проекта – все это тоже должно быть уникальным, ярким. Ибо это все надо брендировать, лицензировать, да и зрителю надо как-то отличать ваш проект от сотен других.

Вроде бы все вспомнил. Или что-то забыл?