Yuja Wang同学昨晚上创了历史记录了，把钢琴彻底变成竞技体育了，她一晚上在一场音乐会内把Rachmaninov的四部钢琴协奏曲加上《帕格尼尼变奏》一块演了，4个半小时，包含了大量钢琴演奏中技术最难的片段。她这场音乐会是历史性的，一百年来没人敢这么干，太耗体能了，普通人的心肺功能和核心肌群都根本达不到这个强度，更别提在这样的强度下再表达音乐了。
一般说来，一场钢琴音乐会的标准时间，一个半小时左右，两个小时就很可以了，三个小时就相当长了，比如Horowitz1965年的historical return我记得也就大概3.5小时。。结果王雨佳这场将近5小时。。真是“钢琴马拉松”。她大概会开创钢琴的“竞技体育”年代，以后想当钢琴家，得先做体能测试。
指挥Yannick在演出之后在台上给她跪下了。。视频在此：https://youtu.be/cGmLTBVvlVk
一般说来，一场钢琴音乐会的标准时间，一个半小时左右，两个小时就很可以了，三个小时就相当长了，比如Horowitz1965年的historical return我记得也就大概3.5小时。。结果王雨佳这场将近5小时。。真是“钢琴马拉松”。她大概会开创钢琴的“竞技体育”年代，以后想当钢琴家，得先做体能测试。
指挥Yannick在演出之后在台上给她跪下了。。视频在此：https://youtu.be/cGmLTBVvlVk
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分享个Danish String Quartet 的live～跟之前在波士顿的曲目一毛一样！后半部分是一些北欧民歌很好听～（听了一次现场又能看到一样的youtube live的感觉好神奇～
https://m.youtube.com/watch?v=9Abof4p1KWI
#stringQuartet
https://m.youtube.com/watch?v=9Abof4p1KWI
#stringQuartet
最近跟不少朋友聊起来，有没有给孩子的“音乐类读物”？推荐这本“给孩子的音乐史“。作者肚囊极其阔绰，从京剧到Wagner，从Messiaen的鸟鸣到Charlie Parker，各种音乐门类都有触及。还广泛探讨了音乐和姊妹艺术的关系，从Kandinsky到Mondrian，到Chaplin。插图精美，选乐精良。叙事方法也跟传统音乐史类著作大不相同，强烈推荐
👍13
The Keith Jarret Interview, 有些人就算因为中风左手不灵了，他浑身每个细胞里依然是音乐。真的大师弹琴大概是不需要手的。KJ应该就是这类人。https://youtu.be/xgL30jDhoQU
YouTube
The Keith Jarrett Interview
Keith Jarrett is an American jazz pianist and composer born in Allentown, Pennsylvania in 1945. He is considered one of the most influential and accomplished jazz musicians of his generation, having recorded dozens of albums as a solo artist and as a leader…
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承接之前Ching兄推荐给孩子看的古典音乐书籍，我也斗胆推荐一个最近个人很着迷的作品，1940年 Disney 出品的 Fantasia 幻想曲（一些关注我个人社交账号的朋友可能此时已遁逃😂不好意思）
与Disney 的共同创作这部作品的是大名鼎鼎的指挥家 Leopold Stokowski～据说二人是在一间餐馆偶遇，聊着聊着就开启了这样一个耗时三年多的项目。一开始 Walt 是想为 Dukas 的 The Sorcerer’s Apprentice （魔法师的学徒）做一个以米老鼠为主角的动画，不过后来在这个短片上花费过多，仅以短片发行无法收回成本，于是把这个项目扩大为了一个长片，一共九首曲目（其中最后两首连在一起）。九首曲目和他们的主要内容分别是抽象表现主义的 Bach - Toccata and Fugue in D minor, 以自然界里的花，小蘑菇，精灵等为主角的胡桃夹子，米老鼠为主角的 Dukas - The Sorcerer’s Apprentice, 讲述地球生命诞生还有恐龙灭绝的 Rite of Spring，可以展示不同乐器声音的一条线 The Sound Track, 融合了 Mussorgsky 的 Night on Bald Mountain 和 Schubert 的 Ave Maria 的光明打败黑暗的故事。
我在之前自己的博客里主要是惊叹于这部片子在动画技术上的成就，毕竟那时也没有电脑纯靠手绘，做出这样精良的画面太难了。不过除了美术以外，这部作品在音乐上也开创了先河。为了这部片子，他们发明了可能是世界上第一套立体声音响，Fantasound，管弦乐团不同的声部会被录制在不同的音轨上，放映这部电影的影院会装上特殊的设备，声音从各个地方传来，和故事有机的结合在一起。在 Walt Disney’s Fantasia 这本书里，有这样一段描述，从这段文字中可以想象出当时的观众有多么的被惊艳到：
The church bells whose pure sound reached the devil at the top of Bald Mountain sounded at the rear of the theater so realistically that the child turned around in his seat. All he saw was the rest of the audience turning around to stare at the theater’s rear wall. And then, his seven-year-old ears were dazzled as the sound of the Ave Maria chorus started at the rear of the theater and slowly and powerfully advanced to the screen speakers to join the solo voice. It was as if the spirits of the pilgrim choristers were in procession up the side aisles of the theater. Chills went up his spine.
Stokowski 本人也对 Fantasound 录音技术非常着迷，觉得他们实现了指挥家的终极梦想，书中提到
Stokowski was fascinated by the mixing board - the sound control panel. For Fantasia he recorded each section separately - strings, winds, horns, etc. - and he mixed them all himself. He said this was the ultimate in conducting: he could dial up the strings or turn down the others, getting exact mixtures of sounds. With the panel he could control the entire orchestra. That little board on the Hyperion Avenue Studio’s sound stage gave him a great sense of power.
这部作品虽然花了很长时间真正立住脚跟，名利双收，但在当时最严厉的批评来自于乐评家。他们认为给古典音乐配故事的这个想法就是错的。伯恩斯坦在 YPC 的第一集也说过音乐的“故事性”，通过给《堂吉诃德》和贝多芬的《田园交响曲》配以和作曲家本意不同的故事，说明音乐的意义并不是描述故事，对于有故事的作品，故事只是附加的。个人觉得这部作品其实对伯恩斯坦的观点进行了很好的注解，有些音乐遵循了原本的故事，但是比如胡桃夹子，Rite of Spring 和 贝多芬第六交响曲都抛弃了原本的故事，但我个人认为他们给音乐带来了新的感受，很有想象力。
因为这个片子比较长，这里就只分享 Rite of Spring 的片段：
https://www.youtube.com/watch?v=5Vw-fy-Gfl8，对此片感兴趣的朋友可以移步b站观看完整版：https://www.bilibili.com/video/BV17K411T7fA
与Disney 的共同创作这部作品的是大名鼎鼎的指挥家 Leopold Stokowski～据说二人是在一间餐馆偶遇，聊着聊着就开启了这样一个耗时三年多的项目。一开始 Walt 是想为 Dukas 的 The Sorcerer’s Apprentice （魔法师的学徒）做一个以米老鼠为主角的动画，不过后来在这个短片上花费过多，仅以短片发行无法收回成本，于是把这个项目扩大为了一个长片，一共九首曲目（其中最后两首连在一起）。九首曲目和他们的主要内容分别是抽象表现主义的 Bach - Toccata and Fugue in D minor, 以自然界里的花，小蘑菇，精灵等为主角的胡桃夹子，米老鼠为主角的 Dukas - The Sorcerer’s Apprentice, 讲述地球生命诞生还有恐龙灭绝的 Rite of Spring，可以展示不同乐器声音的一条线 The Sound Track, 融合了 Mussorgsky 的 Night on Bald Mountain 和 Schubert 的 Ave Maria 的光明打败黑暗的故事。
我在之前自己的博客里主要是惊叹于这部片子在动画技术上的成就，毕竟那时也没有电脑纯靠手绘，做出这样精良的画面太难了。不过除了美术以外，这部作品在音乐上也开创了先河。为了这部片子，他们发明了可能是世界上第一套立体声音响，Fantasound，管弦乐团不同的声部会被录制在不同的音轨上，放映这部电影的影院会装上特殊的设备，声音从各个地方传来，和故事有机的结合在一起。在 Walt Disney’s Fantasia 这本书里，有这样一段描述，从这段文字中可以想象出当时的观众有多么的被惊艳到：
The church bells whose pure sound reached the devil at the top of Bald Mountain sounded at the rear of the theater so realistically that the child turned around in his seat. All he saw was the rest of the audience turning around to stare at the theater’s rear wall. And then, his seven-year-old ears were dazzled as the sound of the Ave Maria chorus started at the rear of the theater and slowly and powerfully advanced to the screen speakers to join the solo voice. It was as if the spirits of the pilgrim choristers were in procession up the side aisles of the theater. Chills went up his spine.
Stokowski 本人也对 Fantasound 录音技术非常着迷，觉得他们实现了指挥家的终极梦想，书中提到
Stokowski was fascinated by the mixing board - the sound control panel. For Fantasia he recorded each section separately - strings, winds, horns, etc. - and he mixed them all himself. He said this was the ultimate in conducting: he could dial up the strings or turn down the others, getting exact mixtures of sounds. With the panel he could control the entire orchestra. That little board on the Hyperion Avenue Studio’s sound stage gave him a great sense of power.
这部作品虽然花了很长时间真正立住脚跟，名利双收，但在当时最严厉的批评来自于乐评家。他们认为给古典音乐配故事的这个想法就是错的。伯恩斯坦在 YPC 的第一集也说过音乐的“故事性”，通过给《堂吉诃德》和贝多芬的《田园交响曲》配以和作曲家本意不同的故事，说明音乐的意义并不是描述故事，对于有故事的作品，故事只是附加的。个人觉得这部作品其实对伯恩斯坦的观点进行了很好的注解，有些音乐遵循了原本的故事，但是比如胡桃夹子，Rite of Spring 和 贝多芬第六交响曲都抛弃了原本的故事，但我个人认为他们给音乐带来了新的感受，很有想象力。
因为这个片子比较长，这里就只分享 Rite of Spring 的片段：
https://www.youtube.com/watch?v=5Vw-fy-Gfl8，对此片感兴趣的朋友可以移步b站观看完整版：https://www.bilibili.com/video/BV17K411T7fA
Albus’ Pensieve
Albus 的 Weekly Digest (2023.2.13-2023.2.21)
幻想曲 1940.
❤2👍2
晚上去听了爵士钢琴家 Hiromi 的现场，每一首都很赞～不过我个人最喜欢的是翻奏 Beatles 的 Blackbird～其实这首是有一点传统的爵士钢琴，左手很长时间一直保持着相同的和声但是右手上有着丰富的变化～而且现场的版本比起专辑版本又加了很多东西——这就是爵士现场的魅力之处了！
https://m.youtube.com/watch?v=_9kX7Z3ZT-8
#jazz #piano
https://m.youtube.com/watch?v=_9kX7Z3ZT-8
#jazz #piano
YouTube
Blackbird
Provided to YouTube by Universal Music Group
Blackbird · Hiromi
Blackbird
℗ 2019 Telarc International, a division of Concord Music Group, Inc.
Released on: 2019-08-23
Producer, Recording Producer: Hiromi
Producer, Recording Producer: Michael Bishop…
Blackbird · Hiromi
Blackbird
℗ 2019 Telarc International, a division of Concord Music Group, Inc.
Released on: 2019-08-23
Producer, Recording Producer: Hiromi
Producer, Recording Producer: Michael Bishop…
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最近的classical music input就只剩上班的时候听听wigmore hall的视频～今天听了Schiff讲解 Schubert 最后的Piano Sonata in B-Flat Major, D. 960，挺有意思～
https://m.youtube.com/watch?v=ViZu8ATTqc8
#wigmoreHall
https://m.youtube.com/watch?v=ViZu8ATTqc8
#wigmoreHall
YouTube
Sir András Schiff | Schubert Lecture-recital - Live at Wigmore Hall
These concerts are free to view but your donations are essential.
We are relying on the generosity of our audience to make these concerts possible. Together we can continue to provide work for musicians and present live music from Wigmore Hall.
If you are…
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❤3
大家好，很长时间没有发更新了，今天发一条跟以往都很不一样的哈哈～最近读了一本书：大卫·拜恩的《制造音乐》。这本书主体是介绍回顾他自己的音乐历程，不过穿插了很多他关于音乐创作的洞见。其中个人觉得很有意思的是他关于“创作的务实性”的观点。总体来说，作者不认可传统上对于创作的看法，认为创作发自某种内在情感，出自一股激昂的热情或感受，而是认为创作和场景密切相关，比想象中更为务实。
比如教堂音乐，演出场所主要是在大教堂，修道院之类，这些场所的残响时间很长，几秒前唱出的音符还回荡在空中，音符会重叠在一起～在这样的场所里，过于复杂的曲式会听起来很不和谐。于是教会音乐大多数是很长的音符，缓慢铺展，没有转调，也没有复杂和声。
莫扎特的作品，面向的场所是更为小巧的宫廷空间，而且一般房子里会挤满人，残响大幅减少。所以他作品里所有繁复精巧的细节都能清晰地送进听众耳朵里。而因为当时大家都是跟着音乐跳舞，或者聊天走动，所以为了压过宾客的声音，乐队的编制也逐渐扩大。
随着时间流逝，交响乐演奏的场地越来越大，残响效果也更大。于是作曲家开始为这些表演场所的音效创作曲子，成品逐渐强调织体，也有更多比较有震撼的桥段，如此才能顺利传到如今距离更加遥远的后排座位。
在1900年左右，古典音乐观众再也不能在表演时大呼小叫或饮食谈天。观众必须全神贯注、一动不动地端坐聆听。Alexander Ross 认为这是为了把闲杂人等（“庶民”）排除在新的交响乐厅或歌剧院外。而这种排挤策略也影响了音乐的创作。由于演奏时不会再有人说话、吃东西或跳舞，音乐可以有非常大的变化。作曲家知道观众听得见所有细节，因此他们可以创作一些轻柔安静的段落，而和声复杂的段落也能够清楚展现。
爵士独奏与即兴创作的出现，其实是为了务实地解决演奏问题。乐手在演奏时，原本“写好”的乐谱会奏完，为了延长乐曲中比较受欢迎的段落，方便意犹未尽的舞客继续摆动身躯，乐手只得一面维持原有的律动，一面在和弦变化内即兴演奏，学会如何拉长或延展乐曲中比较讨喜的片段。
而随着大家把聆听音乐的场所从音乐厅，酒吧转向自己的私人设备，音乐的创作也随之变化。极端或突兀的音量变化在个人音乐播放器上听起来会很难受（应该很多人听古典音乐会有这样的体验，一会儿听不见，一会儿有吓一跳），于是为这些迷你音乐场所写些音量相对平稳的作品。
书里还提到鸟类的叫声也是配合环境演变的。比如研究发现，旧金山的鸟类在过去40年来叫声音频略有升高，这是为了对抗越来越嘈杂的交通噪声。
按照这样的想法，作者也认为不存在“音乐的进步”一回事。“一味认定有所谓的“进步”、认定现在的音乐比以前“更好”，这是现代人典型的自以为是，是一种迷思。因为创造力并不会“进步”。”个人觉得还是挺有趣的～
#read
比如教堂音乐，演出场所主要是在大教堂，修道院之类，这些场所的残响时间很长，几秒前唱出的音符还回荡在空中，音符会重叠在一起～在这样的场所里，过于复杂的曲式会听起来很不和谐。于是教会音乐大多数是很长的音符，缓慢铺展，没有转调，也没有复杂和声。
莫扎特的作品，面向的场所是更为小巧的宫廷空间，而且一般房子里会挤满人，残响大幅减少。所以他作品里所有繁复精巧的细节都能清晰地送进听众耳朵里。而因为当时大家都是跟着音乐跳舞，或者聊天走动，所以为了压过宾客的声音，乐队的编制也逐渐扩大。
随着时间流逝，交响乐演奏的场地越来越大，残响效果也更大。于是作曲家开始为这些表演场所的音效创作曲子，成品逐渐强调织体，也有更多比较有震撼的桥段，如此才能顺利传到如今距离更加遥远的后排座位。
在1900年左右，古典音乐观众再也不能在表演时大呼小叫或饮食谈天。观众必须全神贯注、一动不动地端坐聆听。Alexander Ross 认为这是为了把闲杂人等（“庶民”）排除在新的交响乐厅或歌剧院外。而这种排挤策略也影响了音乐的创作。由于演奏时不会再有人说话、吃东西或跳舞，音乐可以有非常大的变化。作曲家知道观众听得见所有细节，因此他们可以创作一些轻柔安静的段落，而和声复杂的段落也能够清楚展现。
爵士独奏与即兴创作的出现，其实是为了务实地解决演奏问题。乐手在演奏时，原本“写好”的乐谱会奏完，为了延长乐曲中比较受欢迎的段落，方便意犹未尽的舞客继续摆动身躯，乐手只得一面维持原有的律动，一面在和弦变化内即兴演奏，学会如何拉长或延展乐曲中比较讨喜的片段。
而随着大家把聆听音乐的场所从音乐厅，酒吧转向自己的私人设备，音乐的创作也随之变化。极端或突兀的音量变化在个人音乐播放器上听起来会很难受（应该很多人听古典音乐会有这样的体验，一会儿听不见，一会儿有吓一跳），于是为这些迷你音乐场所写些音量相对平稳的作品。
书里还提到鸟类的叫声也是配合环境演变的。比如研究发现，旧金山的鸟类在过去40年来叫声音频略有升高，这是为了对抗越来越嘈杂的交通噪声。
按照这样的想法，作者也认为不存在“音乐的进步”一回事。“一味认定有所谓的“进步”、认定现在的音乐比以前“更好”，这是现代人典型的自以为是，是一种迷思。因为创造力并不会“进步”。”个人觉得还是挺有趣的～
#read
❤22
继续关于《制造音乐》的分享～关于业余创作者～
另外一个我很喜欢的部分是作者对业余创作者的宣扬。他自己本人也算是业余创作者起家，一直也没有什么非常专业的音乐训练。他认为演奏技巧只是音乐的一方面，更重要的是大量的经验。比如古典音乐的乐手他们有着非常高超的技巧，但是因为平常对于流行或者放克接触不多，看似简单的节奏他们的演奏会缺乏某种韵味。所以他认为无论是否专业，每个人都有潜力进行创作。
然而他认为官方在艺术教育的目标长期以来并不是鼓励大家创作，培养大家的创造力，而是教导大众认识所谓的伟大作品。然而这种教育的目的其实是创造一种文化阶级，把创作限制在某些“天才”手里，而只鼓励普通大众消费。他认为“让人学会创作音乐、绘画、摄影、写作或任何形式的艺术作品，不管质量如何，都比让他们理解并欣赏毕加索、安迪·沃霍尔或莎士比亚的作品更重要，更别提当代的歌剧。”
创作和自己制造音乐的消亡另一方面也深受录音技术的影响。书中提到早期的留声机有录音的功能，谁都可以录制自己的作品，而且大家互相交换唱片。然而没过多久这种录音功能被移除了。他猜测这种反参与、不民主的作为是新成立的唱片公司促成的。那些唱片公司宣称，他们不是使坏，纯粹只是想营销“高质量”的录音，好提升顾客乃至国家的音乐品位。“另外，随着录音技术和流媒体的发展，音乐也越来越容易被获取。过去很多人接触音乐的机会很少，除非自己在家里演奏。然而现在“人们不需要费力学习、经常练习，也不必经过学艺的漫长过程，就能在家里听到音乐”。不过个人觉得近年来随着电脑的普及，创作录制自己的音乐变得容易了不少，可能是一点积极的方面吧。
最后由书中的一个quote收尾吧：
某些非洲部族的语言里，“艺”与“玩”用的是同一个字。即使在英语里，我们也是“玩”（play）乐器。这种看待艺术与表演的态度跟西方推崇不朽佳作与伟大作品的观念恰恰相反。
#read
另外一个我很喜欢的部分是作者对业余创作者的宣扬。他自己本人也算是业余创作者起家，一直也没有什么非常专业的音乐训练。他认为演奏技巧只是音乐的一方面，更重要的是大量的经验。比如古典音乐的乐手他们有着非常高超的技巧，但是因为平常对于流行或者放克接触不多，看似简单的节奏他们的演奏会缺乏某种韵味。所以他认为无论是否专业，每个人都有潜力进行创作。
然而他认为官方在艺术教育的目标长期以来并不是鼓励大家创作，培养大家的创造力，而是教导大众认识所谓的伟大作品。然而这种教育的目的其实是创造一种文化阶级，把创作限制在某些“天才”手里，而只鼓励普通大众消费。他认为“让人学会创作音乐、绘画、摄影、写作或任何形式的艺术作品，不管质量如何，都比让他们理解并欣赏毕加索、安迪·沃霍尔或莎士比亚的作品更重要，更别提当代的歌剧。”
创作和自己制造音乐的消亡另一方面也深受录音技术的影响。书中提到早期的留声机有录音的功能，谁都可以录制自己的作品，而且大家互相交换唱片。然而没过多久这种录音功能被移除了。他猜测这种反参与、不民主的作为是新成立的唱片公司促成的。那些唱片公司宣称，他们不是使坏，纯粹只是想营销“高质量”的录音，好提升顾客乃至国家的音乐品位。“另外，随着录音技术和流媒体的发展，音乐也越来越容易被获取。过去很多人接触音乐的机会很少，除非自己在家里演奏。然而现在“人们不需要费力学习、经常练习，也不必经过学艺的漫长过程，就能在家里听到音乐”。不过个人觉得近年来随着电脑的普及，创作录制自己的音乐变得容易了不少，可能是一点积极的方面吧。
最后由书中的一个quote收尾吧：
某些非洲部族的语言里，“艺”与“玩”用的是同一个字。即使在英语里，我们也是“玩”（play）乐器。这种看待艺术与表演的态度跟西方推崇不朽佳作与伟大作品的观念恰恰相反。
#read
❤10
最后一个关于《制造音乐》的分享～关于“音乐有道德性吗”，可能有些激进hhh～
作者在书中还探讨了所谓的音乐的道德性问题。他说，“一般来说，我们从小被灌输的观念是，古典音乐——也许还包括某些类型的爵士乐，含有一种道德疗效；而嘻哈与舞曲——当然还有重金属音乐，则是完全欠缺正面的道德要素。”正是因为这种观念，某些音乐被人认为很高级，有品位，而另一些音乐被认为不高级，不正经。作者认为这种观念本质上是一种傲慢：“这种假设高级艺术让生命更有价值的论点，其实是对那些不接触这种艺术形式的普罗大众的一种根深蒂固的傲慢……并且假设他们的人生不那么有价值、不那么充实。艺术这个宗教让人性更为卑劣，因为它鼓励人们去贬低那些被视为欠缺艺术涵养的人。”而且他认为很多文化场所比如歌剧院，博物馆，音乐厅，芭蕾舞团虽然常年来在宣扬“大众化”，但是“通常是上行下效的文化：我们要你们大家都来看、都来听、都来欣赏，不过，千万别以为你自己做得出来。”
另外他还说到，“歌剧院、芭蕾舞团与大型美术馆拿到的赞助款往往比通俗艺术和流行音乐场地更多，而且不完全是官方资金，主要是因为20世纪一些社会经济地位优越的人士认定这类机构更具教化功能。”这种“某些音乐具有道德疗效”的观念如此根深蒂固，使得这些“高级艺术”成为了富人提高社会地位的手段。书中还提到了一个例子，让我很震惊：
2010年洛杉矶歌剧院制作瓦格纳的歌剧《指环》（Ring Cycle），耗资3100万美元。百老汇秀通常成本没那么高，除了最近的《蜘蛛侠》。U2上一次巡回演唱会的预算差不多就是这样，但那是在体育馆里举行的大型演出，观众人数可观。以《蜘蛛侠》与U2这两场表演来说，作曲者都还在人世，想必有一部分门票收入落入了他们的口袋，这也是制作费居高不下的原因之一。瓦格纳已经过世很久了，所以《指环》高额的制作费应该不是因为他的代理人狮子大开口（好吧，那是四部歌剧组成的长篇史诗）。洛杉矶歌剧院最后亏损600万美元，原因在于“高价位入场券导致需求减弱”。
当然，作者也举出了鼓励音乐创作改善了某些街区的“问题少年”问题之类的例子，仿佛证明音乐还是有提高人的道德功用的。然而，与其这是反映了音乐提升了人的道德，不如说是创作让这些少年发现了生命中还是有如此好玩和有意义的事情，而让犯罪黯然失色。但是目前专业艺术世界走的“精英路线”正如前文所说是不鼓励业余创作的，书中也提到有在监狱里教犯人创作音乐的项目，而“那些受刑人员出狱后往往很难继续从事艺术创作，因为他们发现专业艺术世界走的是精英路线，而那些“漂亮的建筑物”更令人胆怯。”
总的来说我还是挺认可作者的观点的，这也引发了对于这个古典音乐频道的思考。这个频道的内容可以多激发我自己和大家的创造性吗？而不是看起来只是在介绍“伟大作品”？不过目前我还没有很好的想法🫠可能因为最近没啥子创造力哈哈哈哈哈～
#read
作者在书中还探讨了所谓的音乐的道德性问题。他说，“一般来说，我们从小被灌输的观念是，古典音乐——也许还包括某些类型的爵士乐，含有一种道德疗效；而嘻哈与舞曲——当然还有重金属音乐，则是完全欠缺正面的道德要素。”正是因为这种观念，某些音乐被人认为很高级，有品位，而另一些音乐被认为不高级，不正经。作者认为这种观念本质上是一种傲慢：“这种假设高级艺术让生命更有价值的论点，其实是对那些不接触这种艺术形式的普罗大众的一种根深蒂固的傲慢……并且假设他们的人生不那么有价值、不那么充实。艺术这个宗教让人性更为卑劣，因为它鼓励人们去贬低那些被视为欠缺艺术涵养的人。”而且他认为很多文化场所比如歌剧院，博物馆，音乐厅，芭蕾舞团虽然常年来在宣扬“大众化”，但是“通常是上行下效的文化：我们要你们大家都来看、都来听、都来欣赏，不过，千万别以为你自己做得出来。”
另外他还说到，“歌剧院、芭蕾舞团与大型美术馆拿到的赞助款往往比通俗艺术和流行音乐场地更多，而且不完全是官方资金，主要是因为20世纪一些社会经济地位优越的人士认定这类机构更具教化功能。”这种“某些音乐具有道德疗效”的观念如此根深蒂固，使得这些“高级艺术”成为了富人提高社会地位的手段。书中还提到了一个例子，让我很震惊：
2010年洛杉矶歌剧院制作瓦格纳的歌剧《指环》（Ring Cycle），耗资3100万美元。百老汇秀通常成本没那么高，除了最近的《蜘蛛侠》。U2上一次巡回演唱会的预算差不多就是这样，但那是在体育馆里举行的大型演出，观众人数可观。以《蜘蛛侠》与U2这两场表演来说，作曲者都还在人世，想必有一部分门票收入落入了他们的口袋，这也是制作费居高不下的原因之一。瓦格纳已经过世很久了，所以《指环》高额的制作费应该不是因为他的代理人狮子大开口（好吧，那是四部歌剧组成的长篇史诗）。洛杉矶歌剧院最后亏损600万美元，原因在于“高价位入场券导致需求减弱”。
当然，作者也举出了鼓励音乐创作改善了某些街区的“问题少年”问题之类的例子，仿佛证明音乐还是有提高人的道德功用的。然而，与其这是反映了音乐提升了人的道德，不如说是创作让这些少年发现了生命中还是有如此好玩和有意义的事情，而让犯罪黯然失色。但是目前专业艺术世界走的“精英路线”正如前文所说是不鼓励业余创作的，书中也提到有在监狱里教犯人创作音乐的项目，而“那些受刑人员出狱后往往很难继续从事艺术创作，因为他们发现专业艺术世界走的是精英路线，而那些“漂亮的建筑物”更令人胆怯。”
总的来说我还是挺认可作者的观点的，这也引发了对于这个古典音乐频道的思考。这个频道的内容可以多激发我自己和大家的创造性吗？而不是看起来只是在介绍“伟大作品”？不过目前我还没有很好的想法🫠可能因为最近没啥子创造力哈哈哈哈哈～
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👍10❤2
今天才知道可能都快听烂的Canon in D很长时间其实都无人问津，1919年才被出版，1940年获得了第一版录音。而它真正火起来，是1960年代末期Jean-François Paillard的录音。这个版本速度降慢很多，处理也比较浪漫化，可能这也是促成了它成为结婚曲目……
分享一下这两个版本的录音🤣
1940年：https://m.youtube.com/watch?v=kZnMuNsshF4
1968年: https://m.youtube.com/watch?v=1wiRRv80ehM
分享一下这两个版本的录音🤣
1940年：https://m.youtube.com/watch?v=kZnMuNsshF4
1968年: https://m.youtube.com/watch?v=1wiRRv80ehM
YouTube
Pachelbel's Canon (Arthur Fiedler, 1940)
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