THOUSAND YARD STARE. Пишу по горячим следам. Вчера посетил выставку Олега Савунова с указанным названием.
Сразу оговорюсь, что всё сказанное здесь является моим личным мнением.
Естественно я предлагаю вам ознакомиться с кураторским текстом который есть на двух фотографиях.
Дальше интерпретирую свой опыт. После того как я ознакомился с текстом я подумал об относительности измерений человеческого опыта, и о том запутанном времени в котором мы живем сегодня. Есть точка откуда мы смотрим на мир и наш контекст и бэкграунд. Поэтому я подхожу к первым работам висящим вместе и начинаю погружаться в изображения, пытаясь сопоставить свой опыт проживания с предъявленными автором изображениями. Те кто бывал на заброшенных, разрушенных или превращенных в мемориалы фортах Кронштадта или Владивостока меня поймут. Здесь меня скорее уносит в воспоминания о путешествии по Приморью Дальнего Востока, возвышенности над морем, бесконечный горизонт и ветер. Именно возвышенность передает нам чувство возвышенного романтического (простите за тавтологию) взгляда индивида в бесконечный простор бытия. Далее на более крупных планах автор нам как бы дает детали, которые на первый взгляд могли бы нам что-то разъяснить, но происходит наоборот. Такие элементы есть в любых руинах. Но я не успокаиваюсь, начинаю рассматривать самую большую по площади фотографию и нахожу там занятную деталь, которая раскрывает нам всю интригу места. Но я верю в то, что это не случайно, по крайней мере этого принципа я придерживаюсь сам: всё что есть в произведении оставлено автором - оставлено там намеренно. Здесь возникает новый слой произведения, новая параллель, которая интерпретируется зрителем относительно его опыта.
Следуя дальше мы видим детали пейзажа и руин, дороги днём и ночью. Возникают животные, как полноправные обитатели покинутых мест. Есть ещё одновременно странный и смешной отчего жутковатый портрет лошади в маске, который говорит нам больше о прошлом людей, нежели о настоящем всех остальных присутствующих зверей.
В итоге, складывается ощущение исчезающих следов человеческой деятельности, где руины превращаются в пейзаж. Это кстати подчеркивает и архитектура выставки выполненная из профилей и отрезов гипрока. Но зацепленный в начале нюанс не дает возможности в полной мере отстраниться и погрузиться в созерцание возвышенного. Возможно здесь и возникает эффект «THOUSAND YARD STARE» - происходит погружение не в детали ландшафта, а в размышления и в текущий контекст.
Читателю же я предлагаю самому, разгадать таинственный контекст. Подсказка спрятана в изображениях приложенных к посту.
Пара слов о самих изображениях, точнее об их исполнении. Автор в частном разговоре сказал, что он не придавал принципиального значения выбору техники и снимал доступными из возможных способов. Отчего есть снимки и аналоговые и цифровые. Если бы этого разговора не было я бы подумал, что такое мерцание (а оно заметно) тоже задумка автора. Но позволю здесь вставить свое мнение, я бы выбрал цифру как взгляд из современности, ее звенящую и гиперреалистичную детализацию и резкость, которая травмирует взгляд словно нож.
И отдельный респект автору за то, что самостоятельно изготовил рамы для оформления работ, вышло очень здорово.
П. С. Спасибо Стасу за компанию.
Сразу оговорюсь, что всё сказанное здесь является моим личным мнением.
Естественно я предлагаю вам ознакомиться с кураторским текстом который есть на двух фотографиях.
Дальше интерпретирую свой опыт. После того как я ознакомился с текстом я подумал об относительности измерений человеческого опыта, и о том запутанном времени в котором мы живем сегодня. Есть точка откуда мы смотрим на мир и наш контекст и бэкграунд. Поэтому я подхожу к первым работам висящим вместе и начинаю погружаться в изображения, пытаясь сопоставить свой опыт проживания с предъявленными автором изображениями. Те кто бывал на заброшенных, разрушенных или превращенных в мемориалы фортах Кронштадта или Владивостока меня поймут. Здесь меня скорее уносит в воспоминания о путешествии по Приморью Дальнего Востока, возвышенности над морем, бесконечный горизонт и ветер. Именно возвышенность передает нам чувство возвышенного романтического (простите за тавтологию) взгляда индивида в бесконечный простор бытия. Далее на более крупных планах автор нам как бы дает детали, которые на первый взгляд могли бы нам что-то разъяснить, но происходит наоборот. Такие элементы есть в любых руинах. Но я не успокаиваюсь, начинаю рассматривать самую большую по площади фотографию и нахожу там занятную деталь, которая раскрывает нам всю интригу места. Но я верю в то, что это не случайно, по крайней мере этого принципа я придерживаюсь сам: всё что есть в произведении оставлено автором - оставлено там намеренно. Здесь возникает новый слой произведения, новая параллель, которая интерпретируется зрителем относительно его опыта.
Следуя дальше мы видим детали пейзажа и руин, дороги днём и ночью. Возникают животные, как полноправные обитатели покинутых мест. Есть ещё одновременно странный и смешной отчего жутковатый портрет лошади в маске, который говорит нам больше о прошлом людей, нежели о настоящем всех остальных присутствующих зверей.
В итоге, складывается ощущение исчезающих следов человеческой деятельности, где руины превращаются в пейзаж. Это кстати подчеркивает и архитектура выставки выполненная из профилей и отрезов гипрока. Но зацепленный в начале нюанс не дает возможности в полной мере отстраниться и погрузиться в созерцание возвышенного. Возможно здесь и возникает эффект «THOUSAND YARD STARE» - происходит погружение не в детали ландшафта, а в размышления и в текущий контекст.
Читателю же я предлагаю самому, разгадать таинственный контекст. Подсказка спрятана в изображениях приложенных к посту.
Пара слов о самих изображениях, точнее об их исполнении. Автор в частном разговоре сказал, что он не придавал принципиального значения выбору техники и снимал доступными из возможных способов. Отчего есть снимки и аналоговые и цифровые. Если бы этого разговора не было я бы подумал, что такое мерцание (а оно заметно) тоже задумка автора. Но позволю здесь вставить свое мнение, я бы выбрал цифру как взгляд из современности, ее звенящую и гиперреалистичную детализацию и резкость, которая травмирует взгляд словно нож.
И отдельный респект автору за то, что самостоятельно изготовил рамы для оформления работ, вышло очень здорово.
П. С. Спасибо Стасу за компанию.
👏6
Концептуализация через оппозиции
«Художник больше не утверждает мир — он ставит его под вопрос.»
Не так давно куратор практики показал мне инструмент, который, как оказалось, — одна из базовых вещей для всех, кто работает в поле современного искусства.
Это метод концептуализации через оппозиции.
Суть проста, но мощна:
1️⃣ Тезис — утверждение, «норма» или культурная установка.
2️⃣ Антитезис — её опровержение, искажение или отрицание.
3️⃣ Синтез — в искусстве часто не достигается, оставаясь как поле напряжения.
📷 Пример:
Тезис: Фотография фиксирует реальность.
Антитезис: Фотография конструирует реальность.
Синтез: Фотография становится критическим языком, показывающим границы видимого.
Любое явление или форма уже содержат собственное противоречие.
Если поставить эти полюса рядом — между ними рождается смысл,
который невозможно выразить иначе.
Почему это важно:
• Это структура мысли, не требующая сюжета.
• Она помогает избежать банального «за» или «против».
• Через противоречие рождается многослойность — смысл начинает вибрировать, как свет между зеркалами.
• Противоречие — то, что заставляет зрителя остановиться и думать.
Классическое искусство стремилось к целостности.
Современное — к разрыву, несовпадению, сомнению.
Именно в этом — сила антитезы.
⸻
💡 Попробуйте: выберите одну установку своей практики и поставьте ей антипод.
Посмотрите, что откроется между ними.
«Художник больше не утверждает мир — он ставит его под вопрос.»
Не так давно куратор практики показал мне инструмент, который, как оказалось, — одна из базовых вещей для всех, кто работает в поле современного искусства.
Это метод концептуализации через оппозиции.
Суть проста, но мощна:
1️⃣ Тезис — утверждение, «норма» или культурная установка.
2️⃣ Антитезис — её опровержение, искажение или отрицание.
3️⃣ Синтез — в искусстве часто не достигается, оставаясь как поле напряжения.
📷 Пример:
Тезис: Фотография фиксирует реальность.
Антитезис: Фотография конструирует реальность.
Синтез: Фотография становится критическим языком, показывающим границы видимого.
Любое явление или форма уже содержат собственное противоречие.
Если поставить эти полюса рядом — между ними рождается смысл,
который невозможно выразить иначе.
Почему это важно:
• Это структура мысли, не требующая сюжета.
• Она помогает избежать банального «за» или «против».
• Через противоречие рождается многослойность — смысл начинает вибрировать, как свет между зеркалами.
• Противоречие — то, что заставляет зрителя остановиться и думать.
Классическое искусство стремилось к целостности.
Современное — к разрыву, несовпадению, сомнению.
Именно в этом — сила антитезы.
⸻
💡 Попробуйте: выберите одну установку своей практики и поставьте ей антипод.
Посмотрите, что откроется между ними.
❤3🔥2👍1
Очевидное невероятное.
Возможно я сейчас какую-то глупую вещь напишу, но тем не менее мне хочется поразмышлять и зафиксировать кое какие выводы.Возможно они будут полезны начинающим художникам.
Так вот. Если мы исторически окунемся в реку времени и посмотрим на путь фотографии длинной в ~185 лет, то обнаружим, что большую часть она была связана с аналоговыми процессами. Примерно до 90-х прошлого века, пока не появилась цифровая фотография. Следующий этап, и мы тому свидетели это алгоритмический/нейросетевой сдвиг. Итого получается:
~ 150 лет - аналоговая
~ 30 лет - цифровая
~ 5 лет - алгоритмическая.
И здесь мне хотелось бы поговорить скорее не об исторических этапах, а скорее о разных формах, используемых художниками. То есть, когда сегодня художник обращается к той или иной технологии фотографии, он использует форму (аналоговую, цифровую, алгоритмическую). И здесь, на этапе выбора формы и встает вопрос: если я выбираю ту или иную технологию, думаю ли я о том, как это влияет на будущее высказывание? Или я просто привык и мне нравится в той форме, которую я собираюсь использовать?
То есть на данный момент "технология" может и возможно, должна использоваться как часть концепции, идеи для усиления высказывания. Для аналогии приходит в голову мысль о фотокниге или книге художника, где мы подбираем форму, порядок, текстуру и цвет бумаги и так далее для того, чтобы целостно упаковать свою идею.
Не исключено, что в проекте можно использовать разные виды "технологии". Это поможет обогатить идею, добавить новые временные или смысловые слои.
Такие мысли на сегодня, что скажете?
Изображения:
Анастасия Тайлакова - старая цифровая камера
Виталий Северов - плёнка
Дмитрий Печурин - современная цифровая камера
Федор Максимишин - нейрогенерация
Денис Шулепов - стилл записи с VHS
Возможно я сейчас какую-то глупую вещь напишу, но тем не менее мне хочется поразмышлять и зафиксировать кое какие выводы.Возможно они будут полезны начинающим художникам.
Так вот. Если мы исторически окунемся в реку времени и посмотрим на путь фотографии длинной в ~185 лет, то обнаружим, что большую часть она была связана с аналоговыми процессами. Примерно до 90-х прошлого века, пока не появилась цифровая фотография. Следующий этап, и мы тому свидетели это алгоритмический/нейросетевой сдвиг. Итого получается:
~ 150 лет - аналоговая
~ 30 лет - цифровая
~ 5 лет - алгоритмическая.
И здесь мне хотелось бы поговорить скорее не об исторических этапах, а скорее о разных формах, используемых художниками. То есть, когда сегодня художник обращается к той или иной технологии фотографии, он использует форму (аналоговую, цифровую, алгоритмическую). И здесь, на этапе выбора формы и встает вопрос: если я выбираю ту или иную технологию, думаю ли я о том, как это влияет на будущее высказывание? Или я просто привык и мне нравится в той форме, которую я собираюсь использовать?
То есть на данный момент "технология" может и возможно, должна использоваться как часть концепции, идеи для усиления высказывания. Для аналогии приходит в голову мысль о фотокниге или книге художника, где мы подбираем форму, порядок, текстуру и цвет бумаги и так далее для того, чтобы целостно упаковать свою идею.
Не исключено, что в проекте можно использовать разные виды "технологии". Это поможет обогатить идею, добавить новые временные или смысловые слои.
Такие мысли на сегодня, что скажете?
Изображения:
Анастасия Тайлакова - старая цифровая камера
Виталий Северов - плёнка
Дмитрий Печурин - современная цифровая камера
Федор Максимишин - нейрогенерация
Денис Шулепов - стилл записи с VHS
❤8👍2👻1
📸 Lucas Foglia — Human Nature
Проект, который пытается поймать тонкую границу между человеком и природой — там, где мы вроде бы наблюдатели, но на самом деле часть одной системы.
Фоглия ездит по фермам, городам, заповедникам и лабораториям, где люди измеряют, как природа влияет на мозг. На его снимках нет романтики дикости, скорее — ощущение того, что дикая природа и человек теперь спаяны одной инфраструктурой.
Мне кажется, в этом проекте есть что-то от попытки вернуть себе способность чувствовать связь с внешним миром — не как «вдохновение», а как факт существования.
Какое высказывание вам ближе?
Человек это:
- гармоничный этап эволюции
- тупиковая случайная ошибка
*На сайте фотографа есть описания фотографий по канонам документалистики.
🌿 lucasfoglia.com/human-nature
Проект, который пытается поймать тонкую границу между человеком и природой — там, где мы вроде бы наблюдатели, но на самом деле часть одной системы.
Фоглия ездит по фермам, городам, заповедникам и лабораториям, где люди измеряют, как природа влияет на мозг. На его снимках нет романтики дикости, скорее — ощущение того, что дикая природа и человек теперь спаяны одной инфраструктурой.
Мне кажется, в этом проекте есть что-то от попытки вернуть себе способность чувствовать связь с внешним миром — не как «вдохновение», а как факт существования.
Какое высказывание вам ближе?
Человек это:
- гармоничный этап эволюции
- тупиковая случайная ошибка
*На сайте фотографа есть описания фотографий по канонам документалистики.
🌿 lucasfoglia.com/human-nature
👍3❤2