Genesis Owusu - Smiling With No Teeth
(2021, House Anxiety / Ourness)
neo-soul / funk / experimental hip-hop / alternative r&b

Разношёрстный дебют артиста из Канберры – один из самых не-беззубых концептуальных альбомов начала этого года. За фееричным продакшеном стоят истории внутренних поединков с «чёрными псами», депрессией и расизмом.

«Yall don't want to hear me, you just want to dance» – André 3000, «Hey Ya!»

Мнение: хип-хоп стоит на месте или даже выдыхается. Да, я и сам люблю заценить биты Кенни Сегала, поломать голову над строчками milo или концептами clipping., но прорывные, выдающиеся релизы случаются всё реже. Ещё мнение: спасти сцену во многом может R&B (и соул, и фанк), что по сути и происходит (нет, я не про слащавые припевы в поп-рэпе). Это улавливают как Тайлер с JPEG-ом, так и Брокхэмптон на последней паре релизов. Но даже учитывая их, сложно вспомнить настолько распахивающий эти ворота возможностей релиз, как дебют Genesis Owusu (Кофи Овусу-Анса), австралийца, в детстве переехавшего из Ганы. Он безудержно смешивает и чередует жанры, до того, что бессмысленно относить работу к одному из них. Овусу хочется попробовать столько всего, что ему удаётся звучать как дюжина разных артистов, хотя при этом немного и удивляет чередование треков. Нахрапистый рэпер, лиричный бард и чертовски привлекательный преемник Принса, все там.

Фигура и энергетика Принса здесь более чем очевидны. Дженезис не стесняется своих истоков и вдохновителей, он и его альбом пропитаны почитанием Кендрика, Канье и Death Grips, но их наследие звучит на Smiling With No Teeth (SWNT) не как калька, а как трамплин для триумфа индивидуальности новой звезды. Что уж там, даёт ростки даже подсознательное влияние местной австралийской рок-сцены: например треки Black Dogs! и Drown с Кирином Джей Каллинаном. Последнего, как и всю группу, пригласил менеджер и по совместительству клавишник Эндрю Клиппел (Andrew Klippel). Drown вообще получился блистающим водоразделом альбома, благодаря харизматичному вокалу Кирина и сверкающим синтам. Но блеск обманчив, надо быть внимательным.

Smiling With No Teeth. Беззубая улыбка. Золотые импланты, подмена реального видимым. «Всё офигительно», кричит музыка Овусу. «Я в ужасе», – скрыто за текстами. Или «пошло оно всё». Чёрт, это первый позыв – заслушать The Other Black Dog (какое же божественное вхождение в альбом) и всё вокруг неё до дыр, танцевать и чувствовать сладкий релакс. Но стройная и ужасающая история внутренней жизни, распростёртая по 15 трекам, уводит музыку как минимум с лидирующей позиции; к горлу подкатывает ком. SWNT – музыкальный аналог ситуации, когда при всём ужасе происходящего человек только и может, что выдать защитную реакцию в виде улыбки. Да, Дженезис доводит троп «весёлых поп-песен с тёмным подтекстом» до абсолюта, делая из этого главный
концепт альбома. Подборки «топ 10 песен со скрытым смыслом» такого не видели.

Постоянно возникающий чёрный пёс – это многозначная метафора, издавна обозначающая депрессию. Почти вся первая часть альбома повествуется от его лица и направлена к подвластному ему Овусу, либо проходит в их диалоге. На Centrefold и Waitin' on Ya он навязчивый абьюзер, убивающий своей «заботой» и «лаской». The Other Black Dog, Gold Chains и Smiling with No Teeth с разных сторон дают прочувствовать главную тему альбома – сокрытие проблем за яркой оболочкой, как суммирует Овусу, «A tale of black dogs with golden leashes / Broken stories told facetious». Don't Need You и Drown же – взгляд на депрессию уже со стороны, и ей в лицо нужно высказать напоследок всё, что накопилось: «Party's over twin brother, I'm the winner here».

Но подождите. Избавиться от одного пса недостаточно, за поворотом всегда второй, чёртов расизм. Состоящий и из дурацких ежедневных «мелочей» вылетающих из уст других или заметных из их поведения, и систематической несправедливости. Хоть мир и движется к осознанию многих своих проблем, миллионам людей, подвергающимся несправедливостям из-за цвета кожи или убеждений, на это наплевать, они живут в стрессе и проходят через заградительные барьеры прямо сейчас. Дженезис излагает свой опыт с дискриминацией и сразу же элегантно с размаху даёт лирической сдачи, например на I Don't See Colour или Whip Cracker. Он выходит за рамки чужих определений и принимает себя без ограничений.

За двумя баталиями, с внутренней тьмой и с внешней несправедливостью, идёт будто третий завершающий акт – скорее жизнеутверждающий, с заделом на будущее. Там всё просто, «пытайся снова», «назад не особо оглядывайся», говорит себе музыкант. Но как бы он не старался, проблемы не уйдут окончательно: чтобы донести это, Дженесис добавил в уже законченный альбом последний трек Bye Bye, оставляющий нас и себя в неопределённости, в ожидании. Занавес. Концепт выдержан, музыкальная планка задана, хип-хоп спасён.

Слушать: https://open.spotify.com/album/7LI6T5cy6Et8RDZXCoCEtJ

Autechre - Confield
(2001, Warp)
experimental electronic / idm / glitch / ambient

Спустя 20 лет после его выпуска, мы разбираем Confield от лучшего* электронного дуо Autechre. Что это, просто хорошая тренировка музыкальных рецепторов, занимательный саунд-дизайновый артефакт или недостижимый пик электроники? Ответа не дадим, но поразмышляем.

Музыка... это про паттерны, не так ли? Нам нравится, когда последовательность событий во времени предсказуема, когда нам удаётся понять тот кусочек мира, на который мы устремляем своё внимание. В музыке, говорят нам люди науки, для нас есть два способа получать удовольствие: в предсказуемом паттерне искать менее ожидаемые элементы, чтобы не было скучно, либо наоборот, после нескольких запутанных аккордов всё же обнаруживать желаемое разрешение событий. Музыкальный синтаксис развивался неспешно, разнородно. Многие короли радиостанций могли регулярно находить неординарные ходы в простых мелодиях; такие умельцы завоёвывают статус легенд. Параллельно с ними академия, джаз-легенды и пионеры-электронщики часто пытались поженить хаос с мелодией, не забыв про саунд дизайн. И где-то меж всего этого акустического пространства 20 лет назад была поставлена точка, стоящая особняком как от того, что происходило в прошлом тысячелетии, так и от дальнейшего хода развития музыки. Это Confield, работа переломного периода Autechre.

Отэкр (произносить можно как хочется) всегда были, мягко сказать, хороши в паттернах и их переплетении. Не будем пропускать слона в комнате: из-за их любви к многоуровневой структуре и генеративным техникам, музыка средне-поздних Роба и Шона (Rob Brown & Sean Booth) может казаться перегруженной, неживой, местами случайной, особенно сперва. Это чертовски сложная работа – пробираться сквозь их нагромождения звуков и их взаимодействий. Спешить с выводами о «рандомности» не стоит. Наш разум пытлив, он – детектив, как говорит дедушка Линч, и если дать произведению искусства время (особенно музыке, которой не надо проходить через фильтры смыслов), оно раскроется для каждого нашего дофаминового рецептора.

Или даже не перестанет раскрываться, раз за разом по-новому, как это происходит с любым треком на Confield. Каждый из них – это уникальное пространство, в которое Отэкр запускают свой завихрённый поток звуков. Этот поток непрерывно меняется на каждом из уровней, и если что-то и повторяется, то с каждым новым витком какая-то часть этого потока меняется, пропадает или по-другому взаимодействует с соседними слоями.

Множество отрывков на Confield – это эксперименты с генеративным музыкальным языком Max / MSP (спокойный Uviol, трещащий Sim Gishel). Если упрощать, то это алгоритм, который чётко говорит музыке, когда и как меняться, какие взаимозависимости должны быть у её слоёв, что должно служить триггером для чего. Но это лишь скелет, «правила» трека, на которых базируются Роб и Шон, сначала на этапе поиска звука, где они в режиме реального времени правят алгоритм, играя на нём как на лайв-инструменте, а потом на этапе мастеринга. Конечно, это лишь пример техники – как именно создаётся иной трек угадать невозможно. Но зная процесс, можем понять, что ни единый момент не отдаётся на волю случая или не отбирается бездушным алгоритмом. Человечность и чувственность посреди еле предсказуемого хаоса это то, что отличает Отэкр на протяжении всей их дискографии. Только романтик может устроить такую битву давящего мрака и прорывающегося света, как на Pen Expers, и не дать ему угаснуть под натиском измельчающего глитча на катарсисе альбома, Lentic Catachresis.

Что было для меня открытием, так это что для многих Confield очень визуален; не зря при обсуждении альбома возникает столько аналогий с архитектурой, и споров про то, на что похожа VI Scose Poise: на электрон в банке или металлический дождь. Не буду спорить, слушать его только ушами сложно – гравитация звуков изменяет восприятие пространства и времени. SIm Gishel рассыпается и пытается собраться воедино, Parhelic Triangle будто застревает во временнóй петле, отматывая события то вперёд, то назад. И если в вашем воображении Confield станет вызывать объёмные картинки, это будет закономерно. Но меня всегда занимали не образы, а влияние самого звука. Чувство, возможно, объективно ложное, что у Отэкр есть потайной доступ к какой-то ещё никем не открытой музыкальной лексике, способной воздействовать на механизмы восприятия звуков с «чёрного хода». Лучше всего его как раз демонстрирует Confield – не только прекрасный путеводитель по возможностям звука и тренажёр для восприятия, но и цельное высказывание дуо без очевидных аналогов.

P.S. В плейлист с альбомом добавляем бонусный трек, лайв MCR Quarter, по названию «пятая четверть» EP Envane (1997), а по духу более близкая к Отэкрам среднего периода 2000-ых

* – субъективное мнение автора, который головой понимает, что в музыке не бывает «лучших»

Слушать:
Bandcamp
Spotify

Aesop Rock – Spirit World Field Guide
(2020, Rhymesayers Entertainment)
abstract hip-hop / experimental hip-hop

Возвращаемся к вам с прошлогодним альбомом Эзопа Рока, приоткрывшим новые грани в и до того запутанном творческом мире рэпера.

Иэн Мэттиас Бэвиц (Ian Matthias Bavitz) – заслуженный ветеран американской независимой хип-хоп-сцены, а также один из главных артистов в таком поджанре, как абстрактный хип-хоп. Учитывая всю сомнительность самого термина, это довольно занятный факт, ведь не совсем очевидно, что именно мы имеем в виду, когда называем музыку Эзопа Рока абстрактной (вернее, его тексты). Да, его поэтика выглядит довольно сложной, а система образов – запутанной и не всегда доступной для считывания. Это совершенно не секрет для слушателей Эзопа. Но что конструктивного нам в принципе может сообщить о музыке хип-хоп-артиста тег «абстрактный»? Ответ на этот вопрос неочевиден. Мы же обычно не делим поэзию на абстрактную и «конкретную» или, например, не говорим об абстрактной рок- или фолк-музыке.

Возвращаясь же непосредственно к музыке самого Эзопа Рока, мы сталкиваемся ещё с одним, не менее интересным, вопросом. Как вообще можно говорить и рассуждать о творчестве Эзопа, находясь в русскоязычном контексте? Во-первых, мы, конечно, сразу припоминанием, что Эзоп Рок – рэпер с самым объёмным словарным запасом, и кидаем собеседнику ссылку на соответствующее исследование*. Во-вторых, отсылаем собеседника на сайт genius.com (запрещён в РФ), чтобы он мог провести там час-другой за декодингом текстов Эзопа. Общую суть уловили? Так вот, кажется, будто всё это, несмотря на интерес покопаться в отсылках и смысловых слоях, иногда лишь мешает сближению с самой музыкой.

И если выносить вышеназванные аспекты за скобки, то что в таком случае представляет из себя альбом Spirit World Field Guide? А он, как нам кажется, демонстрирует ярчайший пример того, как артист искусно умеет погружать слушателя в свой универсум и, вторя названию релиза, по этому универсуму вести. Но вести не за руку, а интригующим образом кидая из одной точки в другую. Да, Spirit World Field Guide – это о путешествиях, загадочных встречах и других странных обстоятельствах этих путешествий. Разные страны, континенты, собственное сознание/подсознание Эзопа, его страхи, открытия и, например, давние воспоминания о когда-то пройденных компьютерных играх. Пространство, время, люди, животные, природные явления – на этом альбоме Эзопа Рока всё сплетается воедино в таинственном трипе. А принять в нём участие с помощью собственного воображения и ассоциативного ряда может быть куда интереснее, чем с помощью скрупулёзного разбора отсылок.

* Исследование

Слушать:
Spotify
Apple Music

Tyler, The Creator — “Call Me If You Get Lost”

Release date: 25.06.2021

Тайлер — один из важнейших представителей хип-хопа 10-ых годов, менявшийся на протяжении многих лет, музыкально и содержательно, создававший различные образы и постоянно расширявший собственные границы. Как хорошо известно, его эволюция увенчалась выходом альбома “IGOR” в 2019-ом году, возможно, лучшего альбома десятилетия, концептуального, сложного и стилистически неповторимого.

Тайлер — рэпер, певец, музыкант, продюсер, актёр, режиссёр, дизайнер. Он — человек многих искусств. Именно поэтому выход его новых работ сопровождается сменой образа — в большей степени визуального — и атрибутов, выдержанными в едином стиле клипов и тизеров, а сама музыка в результате оказывается кинематографичной. Таким образом, при помощи органично сочетающихся видов искусства, Тайлер и создаёт каждый раз отдельный, новый мир.

В этом отношении, он — настоящий декадент. Но не в привычном смысле этого слова, а в исконном. Как настоящий декадент, он — созерцательный бездельник (здесь речь, скорее, про мироощущение); потомок разочарованных романтиков, сбегающий от реальности, отвергающий современность, с её канонами и её моралью; и — что самое главное — эстет, окружающий себя предметами искусства, тканями, камнями, создавая собственный микрокосмос в рамках комнаты. Неслучайно же, что новый образ Тайлера получил фамилию одного из величайших поэтов, Шарля Бодлера, по сути, предтечи декаданса (больше здесь не будет ни единого упоминания Бодлера, ведь поверхностно о нём говорить нельзя, а претенциозно говорить общие слова — безвкусно).

Шестой альбом Тайлера, “Call Me If You Get Lost”, — это и есть та самая метафорическая комната, в которой заперся Тайлер. И, кажется, другого выхода после “IGOR” (до которого творчество Тайлера развивалось, в сущности, последовательно) у него и не было. “CMIYGL” — это шкатулка с украшениями разных эпох, которые либо Тайлер сам создал, либо ему их подарили. Ведь здесь, конечно, слышен его узнаваемый стиль, вдохновлённый в огромной степени джазом, но, помимо этого, нашли здесь место и отголоски иных влияний.

Начать стоит с того, что даже обложка записи — это часть «коллекции» эстета, прямая отсылка к культовому арту дебюта ODB. В целом же, альбом звучит неоднородно, разнообразно, даже дёргано — да и ещё на протяжении всего альбома мы слышим навязчивые восклицания от культового DJ Drama. И дело в том, что альбом намеренно выполнен как микстейп из 90- и 00-ых. В этом и был замысел Тайлера, это-то и позволило ему поместить много различного материала так, что звучит он целостно и органично. Хотя, безусловно, продакшн и фирменный почерк также влияет на восприятие работы в подобном ключе.

Пара слов о Тайлере и трансформациях в его творческом образе и самой музыке. Наши друзья из канала Одиннадцатое Небо недавно опубликовали обзор на альбом Тайлера Call Me If You Get Lost. Прочитав это ревью, я вот к какому наблюдению пришёл. Насколько же велик разрыв между Тайлером последних трёх релизов и Тайлером времён альбома Goblin (которому, кстати, в этом году исполнилось уже 10 лет). Понятное дело, что любой артист может претерпеть крупные изменения в ходе своего творческого пути. Это едва ли вопрос для обсуждения. 

Тут же в первую очередь интересна трансформация самого творческого образа. Tyler, The Creator 2011 года – это трикстер, это лидер тусовки Odd Future и это ещё подросток, но уже ставший одним из главных антигероев хип-хопа того времени. Тайлер той эпохи – это KILL PEOPLE BURN SHIT FUCK SCHOOL. Это предельное насилие в текстах, это обвинения в гомофобии и мизогинии и это жесточайший стёб над всем и вся. Тайлер сегодня – большой артист с многогранной и тонкой личностью, обладатель «Грэмми» за лучший хип-хоп-альбом, а на Call Me If You Get Lost он и вовсе, не стесняясь патетики, ассоциирует себя с Шарлем Бодлером. Вот уж чего я точно не ожидал в 2011 году, так это такого расклада дел.

Подписчики из Москвы! Если вы любите хип-хоп и/или французское кино, то обратите внимание, что в это воскресенье (22.08) я представлю ретроспективу культового фильма «Ненависть» (1995) и расскажу о его связи с французским рэпом. Залетайте на обсуждение и сеанс – буду рад вам!

Подробная инфа и билеты по ссылке:
http://illuzion-cinema.ru/event-4347/

Eli Keszler – Icons
(2021, LuckyMe)
electroacoustic / field recordings / ambient jazz / free improvisation

На недавнем сольном альбоме Icons перкусионнист Илай Кеслер расслабляет кисти, расширяет пространство и даёт звуку раздышаться. Это нуарный портрет почти застывшего Манхэттена и самого музыканта, не без красочных всплесков.

До 21 года Илай Кеслер был для многих, с одной стороны, мастером своего инструмента – тихой, но интенсивно бурлящей перкуссии, борцом с предсказуемостью. С другой, концептуальным саунд-артистом, изобретающим звуковые установки, человеком «времени и места». Его стиль, сравнимый с пуантилизмом* в живописи, кстати, перекликающийся с его же графическими работами, очень узнаваем. Icons же сильно расширяют эту сложившуюся картинку.

Замедлившийся, но всё же живущий притаившейся жизнью Нью-Йорк. В опустевшем городе более отчётливо слышен каждый звук, эхом отлетающий от стен. Таким же образом, чтобы дать раскрыться всем музыкальным идеям, Илай расчищает пространство треков. Такое ощущение лёгкой встревоженности, недосказанности и пробелов ярче всего передаётся фильм-нуаром и «медленным» кинематографом. Кеслер проносит это же ощущение через Icons. Совершенно нормально потеряться в нём, забыться в мыслях, повторяя этот круг раз за разом.

Разнообразие источников звука между пустотами на Icons становится значительно шире, чем на прошлых альбомах Кеслера. Стандартная ударная установка не перестаёт быть фундаментом, при этом она смягчается и часто замедляется, а на главных позициях появляются звонкие металлические перкуссионные или духовые инструменты. Характерные высокоскоростные перестукивания появляются лишь к третьему треку. Город также становится полноправным инструментом: записи улиц, голосов (случайных и нет), воскресных служб и метро выстраиваются в обрывочную прогулку по тоскующему Манхэттену.

Icons показывают не только изменение структуры звука, но и смену оптики Кеслера как артиста. Взгляда и на мир (город) вокруг, и на собственные средства выражения. Это тот еле заметный для слушателя, но явно важный для Илая переход от статуса мастера к статусу художника в ещё более широком смысле. Высота мастерства перкуссии, взятая на прошлых этапах творчества, на Icons уже не основная прелесть альбома, а лишь часть общей мозаики звучания. Тут Кеслер впервые обращается к «канону», классическим, барочным гармониям, отрывкам институализированной музыки западной культуры. При этом он помещает их посреди абстракции, затуманивая и задвигая старую иконографию в угол, как ту же статую на обложке. Кивок в сторону постмодерна, не отменяющий того, что ничего похожего на Icons мы не слышали.

* – манера художественного письма раздельными мазками правильной, точечной или прямоугольной, формы

Слушать: Bandcamp | Spotify | Apple | Яндекс | VK

Nick Storring - Newfoundout
(2021, mappa)
chamber jazz / modern classical / musique concrète / experimental jazz / electroacoustic

Заново найденные подходы к созданию музыки на недавно вышедшем альбоме Newfoundout композитора Ника Сторринга отчасти ломают представления об инструментальных и сольных сочинениях.

В одном из прошлых текстов* я приводил две формулы получения удовольствия от музыки: «ищи неожиданное в предсказуемом» и «ищи предсказуемое в хаотичном». Но при недолгом рассмотрении становится очевидным существование целого пласта, назовём это более широко, аудио-искусства, который под них не попадает. Это музыка либо глубоко импровизационная, где важны не паттерны, а сила экспрессии исполнителя, либо наоборот исключительно монотонная (дроун, нойз), не меняющая тональность, и возможно играющая только на уровне громкости и глубины. Но изредка попадаются и такие еле поддающиеся описанию диковины, как Newfoundout канадца Ника Сторринга.

Выбор тегов к музыке Ника — дело ни благородное, ни лёгкое. Сразу же: это не то, чтобы джаз и далеко не страта классики. Камерность (chamber) — тоже не совсем тот эпитет, ведь так обозначают мини-ансамбли, а Сторринг играет исключительно один, сводя множество дорожек из десятков собственноручно записанных инструментов. Музыка звучит как электроакустика, но электронной обработки по словам Ника здесь относительно мало. Найти референсы трудно и среди его коллег-музыкантов. Можно сказать, что Ник в чём-то наследует принцип игры на found objects (неочевидных предметах быта) от Matmos. Или что ему удаётся в чисто инструментальной работе воспроизвести идеи электронщиков-первопроходцев**. Но в итоге Newfoundout — это всё же музыкальный опыт, который сложно связать со знакомыми мысленными паттернами (тегами и сравнениями).

Семь композиций невозможно назвать треками в полном смысле — это некие последовательности сотен микро-актов, идеально складывающихся в один поток. При этом Ник через такую структуру будто отрицает понятия нарратива, настроения или некого протагониста в музыке. Историю не стоит искать и в названиях — да, каждый трек носит имя одного из городов-призраков в Онтарио, но Ник не связывает это с музыкой. Dome и его Extention состоят по большей части из несвойственной виолончелисту Сторрингу перкуссии (цимбал) и пустот. Паузы, которые часто заполняются тонкими, еле слышными отголосками струн или звенящих инструментов, а иногда полной тишиной, выступают ещё одним инструментом. Узоры Frood и Vroomnation нанизаны на ритмический паттерн, когда как композиции между ними более расплывчаты и протяжны, построены вокруг струнных. Грандиозный финал же вбирает в себя все особенности альбома и к концу сжимается в один сгусток энергии. Он оставляет слушателя с ощущением сложного пройденного пути и приятного головокружения, не даёт вспомнить почти ни единого момента и озадачивает, как многие добротные авторские произведения. Становится понятно, что паттерны не всегда являются ответом.

* – https://news.1rj.ru/str/that_exploded/1063
** – Dome, например, посвящён его другу и повлиявшему на него электронщику Ною Крешевскому [Noah Creshevsky]

Слушать: Bandcamp | Spotify | Apple | Яндекс | VK

Grouper – Shade
(2021, Kranky)
drone folk / psychedelic folk / singer-songwriter / ambient

Недавний альбом Grouper как предлог поговорить об ускользающей силе музыки Лиз Харрис.

Последняя на сегодняшний день студийная работа Grouper, основного проекта Лиз Харрис (Liz Harris), – это та самая музыка, благодаря которой американская авторка-исполнительница стала известной и даже приобрела культовый статус в узких кругах. Призрачное звучание, гитара под тоннами реверберации и голос самой Лиз как неизменный элемент музыки Grouper. Кто-то скажет, что песни Лиз Харрис близки к психофолку или, например, дрим-попу (и, в принципе, не будет не прав), кто-то поумничает, заметив, что это скорее дроун-фолк и так далее. На в действительности же все эти жанровые терзания и теговое замешательство лишь отдаляют от приближения к сути Grouper.

Но можно ли в самом деле уловить эту самую суть? Не разделить эмоциональные оттенки музыки Лиз вместе с ней и не полюбоваться её звучанием, а именно понять, что представляет собой Grouper, что конкретно Лиз Харрис предлагает слушателю под видом расплывчатых гипнагогических песен под акустическую гитару с массой примочек. Вопрос неоднозначный, потому что музыка Grouper – и это как раз становится предельно ясно на альбоме Shade – является своего рода иллюзорным эстетическим высказыванием, миражом, галлюцинацией.

Нет, Лиз Харрис не обманывает слушателя. Речь здесь совершенно не об искренности и аутентичности. В рамках проекта Grouper Лиз и не может его обмануть, поскольку существует на грани как минимум двух эстетических аффектов. С одной стороны, это сближение со слушателем, достигаемое за счёт простоты и откровенности, присущих авторской песне. Одновременно с этим Лиз никогда не приближается к нам вплотную, постоянно скрываясь за эффектом отдаления, за сильно реверберированным звучанием своей гитары и своего голоса. Очень легко можно представить, будто песни Grouper мы могли бы слышать где-то во сне. Именно в промежутке этих двух аффектов, между которыми балансирует Лиз Харрис, и рождается тот уникальный саунд, который позволяет песням Grouper так глубоко оседать в голове, не заставляя ассоциировать себя с переживаниями героини этих песен.

Слушать: Bandcamp| Spotify | Apple | Яндекс

Друзья, с Новым Годом! Подводим итоги 2021-го, публикуем наш большой коллективный материал о неожиданных альбомах уходящего года:

https://telegra.ph/10-neozhidannyh-albomov-2021-12-31

Наш новый текст про творчество саксофониста Патрика Широиши в 2021-ом году и про альбом Hidemi в частности:

https://telegra.ph/Patrick-Shiroishi---Hidemi-01-19

Делимся немного запоздалым топом альбомов за 2021 год от одного из наших авторов!

https://vk.com/@dannytozik-favourite-albums-2021

Подписываемся под коллективным обращением.