Tom Rogerson & Brian Eno - Finding Shore
(2017, Dead Oceans)
modern classical / ambient
Завершая итоговый обзор релизов этого года, мы решили, что для нас альбомом декабря стала совместная работа Брайана Ино и Тома Роджерсона из экспериментальной группы Three Trapped Tigers.
“Finding Shore” начинается с погружения слушателя в пасторальное ощущение сельской идиллии: фортепиано встречается с утончёнными звуками электроники, чтобы воссоздать нечто более естественное и органичное, чем просто звуковую сумму частей альбома. Нечто, что позволит ему начать обрисовывать место, где сдружились Ино и Роджерсон.
Сначала кажется, что в “Finding Shore” не прорисовывается какое-либо конкретное настроение или атмосфера, а моменты, в которых звук почти полностью уходит в сторону эмбиента позволяют альбому словно отпасть на задний фон. Но только чтобы нехотя вернуться обратно в случайные моменты расхождения музыки обоих кудесников. И, как мы думаем, лишь после нескольких прослушиваний альбома, он начинает полноценно восприниматься и раскрывать себя.
Интересно, что альбом в каком-то смысле можно разбить на две части: вторая его половина сосредоточила в себе весьма экспериментальные композиции, в отличии от первой. Например, “Marsh Chorus” - это шесть минут синтезаторной непредсказуемости и звуков, которые напоминают полевые записи (а могут даже ими и быть). Или “Chaim Home”, на которой диссонирующие пульсации приводят альбом к его завершению.
Результат совместного творчества музыкантов одновременно создаёт впечатление музыкального пейзажа и аккомпанемента тому, чтобы провести день на фоне пейзажа, но уже настоящего. И в то время как “Finding Shore” определённо не один из самых лёгких для полноценного погружения, он, как нам кажется, несомненно останется со слушателем надолго после хотя бы двух-трёх прослушиваний. Они того стоят.
(2017, Dead Oceans)
modern classical / ambient
Завершая итоговый обзор релизов этого года, мы решили, что для нас альбомом декабря стала совместная работа Брайана Ино и Тома Роджерсона из экспериментальной группы Three Trapped Tigers.
“Finding Shore” начинается с погружения слушателя в пасторальное ощущение сельской идиллии: фортепиано встречается с утончёнными звуками электроники, чтобы воссоздать нечто более естественное и органичное, чем просто звуковую сумму частей альбома. Нечто, что позволит ему начать обрисовывать место, где сдружились Ино и Роджерсон.
Сначала кажется, что в “Finding Shore” не прорисовывается какое-либо конкретное настроение или атмосфера, а моменты, в которых звук почти полностью уходит в сторону эмбиента позволяют альбому словно отпасть на задний фон. Но только чтобы нехотя вернуться обратно в случайные моменты расхождения музыки обоих кудесников. И, как мы думаем, лишь после нескольких прослушиваний альбома, он начинает полноценно восприниматься и раскрывать себя.
Интересно, что альбом в каком-то смысле можно разбить на две части: вторая его половина сосредоточила в себе весьма экспериментальные композиции, в отличии от первой. Например, “Marsh Chorus” - это шесть минут синтезаторной непредсказуемости и звуков, которые напоминают полевые записи (а могут даже ими и быть). Или “Chaim Home”, на которой диссонирующие пульсации приводят альбом к его завершению.
Результат совместного творчества музыкантов одновременно создаёт впечатление музыкального пейзажа и аккомпанемента тому, чтобы провести день на фоне пейзажа, но уже настоящего. И в то время как “Finding Shore” определённо не один из самых лёгких для полноценного погружения, он, как нам кажется, несомненно останется со слушателем надолго после хотя бы двух-трёх прослушиваний. Они того стоят.
Hailu Mergia - Tche Belew
(1977, "Awesome Tapes From Africa" 2014 reissue)
ethio-jazz / fusion / jazz-funk
Первым в этом году слушаем альбом эфиопской группы Hailu Mergia And The Walias. Джаз, соул и фанк с эфиопскими ритмами и африканской эстетикой. Релиз опубликован в переиздании 2014-го года.
"Музыка должна приносить удовольствие", - сказал как-то Hailu Mergia в интервью The Washington Post. Hailu Mergia, один из самых влиятельных и талантливых эфиопских музыкантов 70-ых и 80-ых годов. А в наступившем 2018 году слушателей ждёт первый за 15 лет альбом, который выйдет 23 февраля на лейбле Awesome Tapes From Africa.
Hailu Mergia (орган, аранжировки) и его группа The Walias начали в Аддис-Абебе в начале 70-ых, играя в местных клубах. В 1977 году они записали свой самый известный альбом "Tche Belew". В то время они были практически единственной независимой эфиопской группой, которая не спонсировалась действовавшим тогда социалистическим правительством. В связи с этим группа страдала от цензуры и притеснений со стороны правительства, и в начале 80-ых музыканты уехали в США.
Альбом преимущественно инструментальный, что для эфиопской музыки нетипично. При этом на нем можно услышать хор и другие интересные решения. Например, сочетание органа и пианино, а на вибрафоне The Wailias пригласили играть известного эфиопского музыканта Mulatu Astatke. Помимо него в состав музыкантов входили Moges Habte (саксофон, флейта), Abebe Kassa (альт-саксофон), Yohannes Tekola (труба), Melake Gabrie (бас-гитара), Mahmmud Aman (гитара), Temare Haregu (гитара), Girma Beyene (пианино), Aster Aweke, Getachew Kassa, Tegest Abate (хор).
В результате у Hailu Mergia And The Walias получился сложный фанковый альбом, на котором музыканты удерживают идеальный баланс всех инструментов, и показывают, насколько сложным и продуманным может быть джаз-фанк. Все жанры в этом отношении условны, сквозь призму эфиопской народной музыки джаз, соул, свинг и фанк начинают звучать самобытно и необычно.
P.S.
Если вы любите африканскую музыку, то у создателя лейбла есть блог (https://www.awesometapes.com), где можно найти огромное количество записей различных африканских музыкантов.
(1977, "Awesome Tapes From Africa" 2014 reissue)
ethio-jazz / fusion / jazz-funk
Первым в этом году слушаем альбом эфиопской группы Hailu Mergia And The Walias. Джаз, соул и фанк с эфиопскими ритмами и африканской эстетикой. Релиз опубликован в переиздании 2014-го года.
"Музыка должна приносить удовольствие", - сказал как-то Hailu Mergia в интервью The Washington Post. Hailu Mergia, один из самых влиятельных и талантливых эфиопских музыкантов 70-ых и 80-ых годов. А в наступившем 2018 году слушателей ждёт первый за 15 лет альбом, который выйдет 23 февраля на лейбле Awesome Tapes From Africa.
Hailu Mergia (орган, аранжировки) и его группа The Walias начали в Аддис-Абебе в начале 70-ых, играя в местных клубах. В 1977 году они записали свой самый известный альбом "Tche Belew". В то время они были практически единственной независимой эфиопской группой, которая не спонсировалась действовавшим тогда социалистическим правительством. В связи с этим группа страдала от цензуры и притеснений со стороны правительства, и в начале 80-ых музыканты уехали в США.
Альбом преимущественно инструментальный, что для эфиопской музыки нетипично. При этом на нем можно услышать хор и другие интересные решения. Например, сочетание органа и пианино, а на вибрафоне The Wailias пригласили играть известного эфиопского музыканта Mulatu Astatke. Помимо него в состав музыкантов входили Moges Habte (саксофон, флейта), Abebe Kassa (альт-саксофон), Yohannes Tekola (труба), Melake Gabrie (бас-гитара), Mahmmud Aman (гитара), Temare Haregu (гитара), Girma Beyene (пианино), Aster Aweke, Getachew Kassa, Tegest Abate (хор).
В результате у Hailu Mergia And The Walias получился сложный фанковый альбом, на котором музыканты удерживают идеальный баланс всех инструментов, и показывают, насколько сложным и продуманным может быть джаз-фанк. Все жанры в этом отношении условны, сквозь призму эфиопской народной музыки джаз, соул, свинг и фанк начинают звучать самобытно и необычно.
P.S.
Если вы любите африканскую музыку, то у создателя лейбла есть блог (https://www.awesometapes.com), где можно найти огромное количество записей различных африканских музыкантов.
Awesome Tapes From Africa
Home - Awesome Tapes From Africa
Awesome Tapes From Africa - blog, label and dj project. Making the music industry more inclusive of African music worldwide.
Grouper - Dragging a Dead Deer Up a Hill
(2008, Type Records)
drone folk / psychedelic folk / ambient
Сегодня слушаем пятый альбом Лиз Харрис. Релиз, как нам кажется, из лучшего творческого периода Лиза - тот самый эмбиентоподобный фолк, за который все и полюбили Grouper.
Одновременно завораживающий и пугающий, "Dragging a Dead Deer Up a Hill" словно уводит за собой в тёмную чащу, где за каждым поворотом скрываются образы из детских снов. Сюрреалистическая обложка с маленькой девочкой в чёрной шляпе, с задумчивым выражением лица и словно отсутствующим взглядом - идеально отражает атмосферу альбома. К слову, эта девочка на обложке и есть сама Лиз. В детстве она часто наряжалась в ведьм и вампиров. А фотографию сделала её мама.
Звучание альбома, помимо акустической гитары, в основном строится на рассеивающемся звуке, эхе, скрипах, шумах, которые одновременно заполняют звуковое пространство и оставляют в нём достаточно "воздуха". Это звучание можно сравнить с туманом, который ложится в низинах, обволакивая собой всё. И вот, спускаясь в такую низину, где дальше, чем на расстояние вытянутой руки, ничего не видно, слышишь полушепчущий вокал Grouper, в котором слова разобрать сложно - это похоже на колыбельную, на повторяющееся заклинание, на пение, которое ты слышал когда-то совсем давно или во сне. Интересно, что и сами треки часто отсылают к теме сна ("Heavy Water/I'd Rather Be Sleeping" и "We've All Gone To Sleep"). Тем не менее, в сравнении с предыдущими альбомами Grouper, на "Dragging a Dead Deer Up a Hill" песни становятся более структурированными, сплошное эхо всё же уступает место мелодии.
Несколько песен ( "Stuck" и "Heavy Water") Харрис написала, придя домой часа в три утра и используя лишь акустическую гитару и микрофон. Звук получился отличным от того, что Лиз делала раньше, и это сказалось на большинстве песен с альбома. Акустическая гитара, отчётливый скрип струн при скольжении по грифу, естественные шумы высокий отдалённый голос Харрис. Атмосфера полусна-полуяви хорошо передаётся благодаря этому эффекту и осознанию того, что большинство песен Grouper написаны глубоко заполночь.
(2008, Type Records)
drone folk / psychedelic folk / ambient
Сегодня слушаем пятый альбом Лиз Харрис. Релиз, как нам кажется, из лучшего творческого периода Лиза - тот самый эмбиентоподобный фолк, за который все и полюбили Grouper.
Одновременно завораживающий и пугающий, "Dragging a Dead Deer Up a Hill" словно уводит за собой в тёмную чащу, где за каждым поворотом скрываются образы из детских снов. Сюрреалистическая обложка с маленькой девочкой в чёрной шляпе, с задумчивым выражением лица и словно отсутствующим взглядом - идеально отражает атмосферу альбома. К слову, эта девочка на обложке и есть сама Лиз. В детстве она часто наряжалась в ведьм и вампиров. А фотографию сделала её мама.
Звучание альбома, помимо акустической гитары, в основном строится на рассеивающемся звуке, эхе, скрипах, шумах, которые одновременно заполняют звуковое пространство и оставляют в нём достаточно "воздуха". Это звучание можно сравнить с туманом, который ложится в низинах, обволакивая собой всё. И вот, спускаясь в такую низину, где дальше, чем на расстояние вытянутой руки, ничего не видно, слышишь полушепчущий вокал Grouper, в котором слова разобрать сложно - это похоже на колыбельную, на повторяющееся заклинание, на пение, которое ты слышал когда-то совсем давно или во сне. Интересно, что и сами треки часто отсылают к теме сна ("Heavy Water/I'd Rather Be Sleeping" и "We've All Gone To Sleep"). Тем не менее, в сравнении с предыдущими альбомами Grouper, на "Dragging a Dead Deer Up a Hill" песни становятся более структурированными, сплошное эхо всё же уступает место мелодии.
Несколько песен ( "Stuck" и "Heavy Water") Харрис написала, придя домой часа в три утра и используя лишь акустическую гитару и микрофон. Звук получился отличным от того, что Лиз делала раньше, и это сказалось на большинстве песен с альбома. Акустическая гитара, отчётливый скрип струн при скольжении по грифу, естественные шумы высокий отдалённый голос Харрис. Атмосфера полусна-полуяви хорошо передаётся благодаря этому эффекту и осознанию того, что большинство песен Grouper написаны глубоко заполночь.
No Age - Everything in Between
(2010, Sub Pop)
noise rock / experimental rock / art punk
В ожидании нового альбома от нойз-рок группы No Age, который выйдет уже в этом месяце, переслушиваем их третий альбом, отлично выдерживающий баланс цепляющих песен и шумных экспериментов.
No Age - дуэт гитариста Рэнди Рэнделла (Randy Randall) и барабанщика-вокалиста Дина Аллена Спанта (Dean Allen Spunt). Оба музыканта до этого играли в хардкор-панк группе Wives. Помимо непосредственно группы музыканты занимаются сторонними арт-проектами вроде перфомансов и мультимедиа-инсталляций. Например, один из перфомансов музыканты делали совместно с современным художником Дугом Эйткеном и актрисой Хлоей Севиньи.
"Everything in Between" - их второй релиз на знаменитом Sub Pop. И надо сказать, No Age не стали принципиально изменять концепцию альбома, к которой они пришли ещё при создании предыдущих релизов ("Weirdo Rippers", 2007; "Nouns", 2008). Они всё так же экспериментируют с дисторшеном и ритмами, грамотно комбинируя подход "интересно, как это будет звучать" в значении сносящего потока нойза и более композиционно структурированные, более традиционные цепляющие рок-песни. Этот баланс выдержан с какой-то выверенной точностью. Песни вроде "Fever Dreaming" могут звучать вполне типично, в духе поп-панка, который вполне можно было бы услышать по радио, но лишь до тех пор, пока гитара не начинает внезапно скрежетать, напоминая, что не всё так очевидно и предсказуемо.
Именно за этот баланс музыку No Age и любят. Интересно, что умышленно или нет, на "Everything in Between" музыканты во многом добиваются чисто лоу-файное звучание, когда грязный гитарный звук вполне может заглушать вокал, когда слов, которые полупоёт-полувыкрикивает Дин Спант практически не разобрать. При этом No Age добавляют дополнительные инструменты, благодаря чему альбом звучит более разнообразно (например, фортепиано на "Positive Amputation"). В общем, "Everything in Between" определенно заслуживает внимания всех, кто неравнодушен к нойз-року, панку, арт-року и экспериментальному подходу к их комбинированию.
(2010, Sub Pop)
noise rock / experimental rock / art punk
В ожидании нового альбома от нойз-рок группы No Age, который выйдет уже в этом месяце, переслушиваем их третий альбом, отлично выдерживающий баланс цепляющих песен и шумных экспериментов.
No Age - дуэт гитариста Рэнди Рэнделла (Randy Randall) и барабанщика-вокалиста Дина Аллена Спанта (Dean Allen Spunt). Оба музыканта до этого играли в хардкор-панк группе Wives. Помимо непосредственно группы музыканты занимаются сторонними арт-проектами вроде перфомансов и мультимедиа-инсталляций. Например, один из перфомансов музыканты делали совместно с современным художником Дугом Эйткеном и актрисой Хлоей Севиньи.
"Everything in Between" - их второй релиз на знаменитом Sub Pop. И надо сказать, No Age не стали принципиально изменять концепцию альбома, к которой они пришли ещё при создании предыдущих релизов ("Weirdo Rippers", 2007; "Nouns", 2008). Они всё так же экспериментируют с дисторшеном и ритмами, грамотно комбинируя подход "интересно, как это будет звучать" в значении сносящего потока нойза и более композиционно структурированные, более традиционные цепляющие рок-песни. Этот баланс выдержан с какой-то выверенной точностью. Песни вроде "Fever Dreaming" могут звучать вполне типично, в духе поп-панка, который вполне можно было бы услышать по радио, но лишь до тех пор, пока гитара не начинает внезапно скрежетать, напоминая, что не всё так очевидно и предсказуемо.
Именно за этот баланс музыку No Age и любят. Интересно, что умышленно или нет, на "Everything in Between" музыканты во многом добиваются чисто лоу-файное звучание, когда грязный гитарный звук вполне может заглушать вокал, когда слов, которые полупоёт-полувыкрикивает Дин Спант практически не разобрать. При этом No Age добавляют дополнительные инструменты, благодаря чему альбом звучит более разнообразно (например, фортепиано на "Positive Amputation"). В общем, "Everything in Between" определенно заслуживает внимания всех, кто неравнодушен к нойз-року, панку, арт-року и экспериментальному подходу к их комбинированию.
Sleaford Mods - Divide and Exit
(2014, Harbinger Sound)
post-punk / spoken word / experimental hip-hop
Слушаем седьмой альбом ошеломляющего британского дуэта Sleaford Mods, музыка которого одинаково агрессивна, юмористична, чутка к социальным проблемам и беспощадна к высшим мира сего.
Sleaford Mods - проект без преувеличения удивительный. С одной стороны, их музыка предельно минималистична. Рваные мелодии Эндрю Фирна (Andrew Fearn) под постпанковые биты, которые сопровождает речитатив вокалиста Джейсона Уилльямсона (Jason Williamson), иногда срывающийся на крикливый вокал, приправленный сильным восточно-мидлендским акцентом. Содержание песен - едкий юмор, сатира, озлобленность на меры жёсткой экономии в Великобритании и львиная доля харизмы.
С другой же стороны, спектр влияний на Sleaford Mods крайне широк: от The Fall до Wu-Tang Clan, от The Streets до Guns N’Roses, от рейв-культуры до блэк-метала. Общим знаменателем в этом музыкальном сплаве множества ингредиентов очевидным образом является, пожалуй, то, что мы иногда называем “английскость”. Субкультура модов, британский панк и далее - не нужно лишний раз объяснять, насколько эти элементы британской культуры пропитаны очень своеобразным эстетизмом.
Получается, что очень удачное сплетение различных концептуальных элементов и источников вдохновения в случае “Слифордских модов” на выходе даёт музыку, которая самым прямым образом выражает в себе сегодняшний Zeitgeist. При этом звучание самой музыки не скатывается в безвкусный эклектизм, а удивительным образом остаётся предельно индивидуалистическим. В общем, для всех любителей британской музыки - однозначный must-listen. И не только для них.
P.S.
А ещё обязательно зацените их лайвы. Спойлерить не будем, но на выступлениях Sleaford Mods ведут себя очень забавно.
(2014, Harbinger Sound)
post-punk / spoken word / experimental hip-hop
Слушаем седьмой альбом ошеломляющего британского дуэта Sleaford Mods, музыка которого одинаково агрессивна, юмористична, чутка к социальным проблемам и беспощадна к высшим мира сего.
Sleaford Mods - проект без преувеличения удивительный. С одной стороны, их музыка предельно минималистична. Рваные мелодии Эндрю Фирна (Andrew Fearn) под постпанковые биты, которые сопровождает речитатив вокалиста Джейсона Уилльямсона (Jason Williamson), иногда срывающийся на крикливый вокал, приправленный сильным восточно-мидлендским акцентом. Содержание песен - едкий юмор, сатира, озлобленность на меры жёсткой экономии в Великобритании и львиная доля харизмы.
С другой же стороны, спектр влияний на Sleaford Mods крайне широк: от The Fall до Wu-Tang Clan, от The Streets до Guns N’Roses, от рейв-культуры до блэк-метала. Общим знаменателем в этом музыкальном сплаве множества ингредиентов очевидным образом является, пожалуй, то, что мы иногда называем “английскость”. Субкультура модов, британский панк и далее - не нужно лишний раз объяснять, насколько эти элементы британской культуры пропитаны очень своеобразным эстетизмом.
Получается, что очень удачное сплетение различных концептуальных элементов и источников вдохновения в случае “Слифордских модов” на выходе даёт музыку, которая самым прямым образом выражает в себе сегодняшний Zeitgeist. При этом звучание самой музыки не скатывается в безвкусный эклектизм, а удивительным образом остаётся предельно индивидуалистическим. В общем, для всех любителей британской музыки - однозначный must-listen. И не только для них.
P.S.
А ещё обязательно зацените их лайвы. Спойлерить не будем, но на выступлениях Sleaford Mods ведут себя очень забавно.
Zazou/Bikaye/CY1 - Noir Et Blanc
(1983, Crammed Discs)
world music / electronic / modular synth
Сегодня обратимся к переизданной в прошлом году пластинке, о которой журнал International Musician написал, что это - "Фела Кути-встречающий-Kraftwerk-на-танцплощадке".
Итак, перед нами своего рода шедевр, совместивший африканскую и европейскую ритмику с технологическим фьюжном. Альбом "Noir Et Blanc" отражает успешную встречу звукового алхимика Hector Zazou, вокалиста Bony Bikaye, и безумных исполнителей на модульных синтезаторах (Claude Micheli и Guillaume Loizillo), известных нам как CY1.
На своём дебютном альбоме Zazou выступал в качестве режиссёра, не исполнив ни единой ноты, но обеспечивая максимальную эффективность и динамизм аранжировок. CY1 отвечали за пульсацию; их синтезаторы жужжали и гудели в полиритмических конфигурациях (которые, разумеется, не пытались воспроизвести популярные африканские ритмы). А предлагали новые синтезированные альтернативы, которые иллюстрируют настоящую сложность африканской танцевальной музыки тех лет.
Больше всего поражает, что "Noir Et Blanc", стремясь к своим целям, при этом никогда не пытается разрушить традиции африканской музыки. Напротив, музыканты отдают дань красоте диаспоры, используя современные инструменты, чтобы играть музыку, которая им так дорога Эстетически этот альбом - предок Congotronics релизов лейбла Crammed Discs, серии альбомов и коллекций, созданных для того, чтобы осветить деятельность борющихся музыкантов Конго и дать им платформу, где они могли бы петь во весь голос Но пока серия Congotronics Records продолжает пускать корни в землю, “Noir Et Blanc” остаётся заманчивой небесной вестью, которая звучит, словно само будущее.
(1983, Crammed Discs)
world music / electronic / modular synth
Сегодня обратимся к переизданной в прошлом году пластинке, о которой журнал International Musician написал, что это - "Фела Кути-встречающий-Kraftwerk-на-танцплощадке".
Итак, перед нами своего рода шедевр, совместивший африканскую и европейскую ритмику с технологическим фьюжном. Альбом "Noir Et Blanc" отражает успешную встречу звукового алхимика Hector Zazou, вокалиста Bony Bikaye, и безумных исполнителей на модульных синтезаторах (Claude Micheli и Guillaume Loizillo), известных нам как CY1.
На своём дебютном альбоме Zazou выступал в качестве режиссёра, не исполнив ни единой ноты, но обеспечивая максимальную эффективность и динамизм аранжировок. CY1 отвечали за пульсацию; их синтезаторы жужжали и гудели в полиритмических конфигурациях (которые, разумеется, не пытались воспроизвести популярные африканские ритмы). А предлагали новые синтезированные альтернативы, которые иллюстрируют настоящую сложность африканской танцевальной музыки тех лет.
Больше всего поражает, что "Noir Et Blanc", стремясь к своим целям, при этом никогда не пытается разрушить традиции африканской музыки. Напротив, музыканты отдают дань красоте диаспоры, используя современные инструменты, чтобы играть музыку, которая им так дорога Эстетически этот альбом - предок Congotronics релизов лейбла Crammed Discs, серии альбомов и коллекций, созданных для того, чтобы осветить деятельность борющихся музыкантов Конго и дать им платформу, где они могли бы петь во весь голос Но пока серия Congotronics Records продолжает пускать корни в землю, “Noir Et Blanc” остаётся заманчивой небесной вестью, которая звучит, словно само будущее.
Duster - Contemporary Movement
(2000, Up Records)
slowcore /sadcore / space rock influenced
Слушаем второй и последний альбом из дискографии американской группы Duster. Спейс-рок, от которого осталась лишь оболочка рассеивающегося гитарного звука, превратившийся в лиричный слоукор.
Duster своей биографией ничем не выделяются на фоне ещё сотен подобных групп, которые на сломе 20 и 21 века создавали свои инди-группы. За не очень долгое существование Duster мультиинструменталисты Клэй Партон (Clay Parton), Кэнаан Дав Эмбер (Canaan Dove Amber), и Джейсон Албертини (Jason Albertini) успели выпустить только два полноценных альбома. Все свои альбомы музыканты выпустили на своей студии Low Earth Orbit, на которой впоследствии записывались альбомы групп, которые музыканты создали после распада Duster (например, Helvetia, El Buzzard).
На "Contemporary Movement" получилась музыка на стыке спэйс-рока, слоукора и меланхоличного пустынного сэдкора. Этот альбом погружает в себя с первого же трека, его тёплый гитарный звук и лирика, которая через абстрактность образов очень точно передаёт чувства. Монотонный вокал поверх словно распылённого, делэящегося, кажется, куда-то в бесконечность (на "Travelogue" или "Get The Dutch" это особенно сильно чувствуется) даёт все основания для отсылок к спейс-року при том, что тематически на этом альбоме Duster в общем-то напрямую космические темы не развивают. Лирика на этом альбоме напротив оказывается несколько приземленной, но при этом глубоко интимной, уносящей нас за собой вглубь чьего-то личного космоса. По общей атмосфере альбом тяготеет скорее к сэдкору.
Гитара на "Contemporary Movement" звучит удивительно мелодично, при всей рассеянности звука, органичность её заключается в зацикливании одних фраз, по большей части простых и запоминающихся ("Unrecovery", "Cooking"). Очарование этого альбома кроется в интуитивной простоте мелодий и какой-то предельной близости, даже диалогичности музыки Duster: "Go forth / Sorting dreams of truth / Friends, should I, or should I not?"("Travelogue"). "Contemporary Movement" обладает удивительным свойством не отпускать слушателя, его не хочется выключать, зато хочется глубже погружаться в пучину рассеивающегося звука и абстрактных образов.
(2000, Up Records)
slowcore /sadcore / space rock influenced
Слушаем второй и последний альбом из дискографии американской группы Duster. Спейс-рок, от которого осталась лишь оболочка рассеивающегося гитарного звука, превратившийся в лиричный слоукор.
Duster своей биографией ничем не выделяются на фоне ещё сотен подобных групп, которые на сломе 20 и 21 века создавали свои инди-группы. За не очень долгое существование Duster мультиинструменталисты Клэй Партон (Clay Parton), Кэнаан Дав Эмбер (Canaan Dove Amber), и Джейсон Албертини (Jason Albertini) успели выпустить только два полноценных альбома. Все свои альбомы музыканты выпустили на своей студии Low Earth Orbit, на которой впоследствии записывались альбомы групп, которые музыканты создали после распада Duster (например, Helvetia, El Buzzard).
На "Contemporary Movement" получилась музыка на стыке спэйс-рока, слоукора и меланхоличного пустынного сэдкора. Этот альбом погружает в себя с первого же трека, его тёплый гитарный звук и лирика, которая через абстрактность образов очень точно передаёт чувства. Монотонный вокал поверх словно распылённого, делэящегося, кажется, куда-то в бесконечность (на "Travelogue" или "Get The Dutch" это особенно сильно чувствуется) даёт все основания для отсылок к спейс-року при том, что тематически на этом альбоме Duster в общем-то напрямую космические темы не развивают. Лирика на этом альбоме напротив оказывается несколько приземленной, но при этом глубоко интимной, уносящей нас за собой вглубь чьего-то личного космоса. По общей атмосфере альбом тяготеет скорее к сэдкору.
Гитара на "Contemporary Movement" звучит удивительно мелодично, при всей рассеянности звука, органичность её заключается в зацикливании одних фраз, по большей части простых и запоминающихся ("Unrecovery", "Cooking"). Очарование этого альбома кроется в интуитивной простоте мелодий и какой-то предельной близости, даже диалогичности музыки Duster: "Go forth / Sorting dreams of truth / Friends, should I, or should I not?"("Travelogue"). "Contemporary Movement" обладает удивительным свойством не отпускать слушателя, его не хочется выключать, зато хочется глубже погружаться в пучину рассеивающегося звука и абстрактных образов.