No Age - Everything in Between
(2010, Sub Pop)
noise rock / experimental rock / art punk
В ожидании нового альбома от нойз-рок группы No Age, который выйдет уже в этом месяце, переслушиваем их третий альбом, отлично выдерживающий баланс цепляющих песен и шумных экспериментов.
No Age - дуэт гитариста Рэнди Рэнделла (Randy Randall) и барабанщика-вокалиста Дина Аллена Спанта (Dean Allen Spunt). Оба музыканта до этого играли в хардкор-панк группе Wives. Помимо непосредственно группы музыканты занимаются сторонними арт-проектами вроде перфомансов и мультимедиа-инсталляций. Например, один из перфомансов музыканты делали совместно с современным художником Дугом Эйткеном и актрисой Хлоей Севиньи.
"Everything in Between" - их второй релиз на знаменитом Sub Pop. И надо сказать, No Age не стали принципиально изменять концепцию альбома, к которой они пришли ещё при создании предыдущих релизов ("Weirdo Rippers", 2007; "Nouns", 2008). Они всё так же экспериментируют с дисторшеном и ритмами, грамотно комбинируя подход "интересно, как это будет звучать" в значении сносящего потока нойза и более композиционно структурированные, более традиционные цепляющие рок-песни. Этот баланс выдержан с какой-то выверенной точностью. Песни вроде "Fever Dreaming" могут звучать вполне типично, в духе поп-панка, который вполне можно было бы услышать по радио, но лишь до тех пор, пока гитара не начинает внезапно скрежетать, напоминая, что не всё так очевидно и предсказуемо.
Именно за этот баланс музыку No Age и любят. Интересно, что умышленно или нет, на "Everything in Between" музыканты во многом добиваются чисто лоу-файное звучание, когда грязный гитарный звук вполне может заглушать вокал, когда слов, которые полупоёт-полувыкрикивает Дин Спант практически не разобрать. При этом No Age добавляют дополнительные инструменты, благодаря чему альбом звучит более разнообразно (например, фортепиано на "Positive Amputation"). В общем, "Everything in Between" определенно заслуживает внимания всех, кто неравнодушен к нойз-року, панку, арт-року и экспериментальному подходу к их комбинированию.
(2010, Sub Pop)
noise rock / experimental rock / art punk
В ожидании нового альбома от нойз-рок группы No Age, который выйдет уже в этом месяце, переслушиваем их третий альбом, отлично выдерживающий баланс цепляющих песен и шумных экспериментов.
No Age - дуэт гитариста Рэнди Рэнделла (Randy Randall) и барабанщика-вокалиста Дина Аллена Спанта (Dean Allen Spunt). Оба музыканта до этого играли в хардкор-панк группе Wives. Помимо непосредственно группы музыканты занимаются сторонними арт-проектами вроде перфомансов и мультимедиа-инсталляций. Например, один из перфомансов музыканты делали совместно с современным художником Дугом Эйткеном и актрисой Хлоей Севиньи.
"Everything in Between" - их второй релиз на знаменитом Sub Pop. И надо сказать, No Age не стали принципиально изменять концепцию альбома, к которой они пришли ещё при создании предыдущих релизов ("Weirdo Rippers", 2007; "Nouns", 2008). Они всё так же экспериментируют с дисторшеном и ритмами, грамотно комбинируя подход "интересно, как это будет звучать" в значении сносящего потока нойза и более композиционно структурированные, более традиционные цепляющие рок-песни. Этот баланс выдержан с какой-то выверенной точностью. Песни вроде "Fever Dreaming" могут звучать вполне типично, в духе поп-панка, который вполне можно было бы услышать по радио, но лишь до тех пор, пока гитара не начинает внезапно скрежетать, напоминая, что не всё так очевидно и предсказуемо.
Именно за этот баланс музыку No Age и любят. Интересно, что умышленно или нет, на "Everything in Between" музыканты во многом добиваются чисто лоу-файное звучание, когда грязный гитарный звук вполне может заглушать вокал, когда слов, которые полупоёт-полувыкрикивает Дин Спант практически не разобрать. При этом No Age добавляют дополнительные инструменты, благодаря чему альбом звучит более разнообразно (например, фортепиано на "Positive Amputation"). В общем, "Everything in Between" определенно заслуживает внимания всех, кто неравнодушен к нойз-року, панку, арт-року и экспериментальному подходу к их комбинированию.
Sleaford Mods - Divide and Exit
(2014, Harbinger Sound)
post-punk / spoken word / experimental hip-hop
Слушаем седьмой альбом ошеломляющего британского дуэта Sleaford Mods, музыка которого одинаково агрессивна, юмористична, чутка к социальным проблемам и беспощадна к высшим мира сего.
Sleaford Mods - проект без преувеличения удивительный. С одной стороны, их музыка предельно минималистична. Рваные мелодии Эндрю Фирна (Andrew Fearn) под постпанковые биты, которые сопровождает речитатив вокалиста Джейсона Уилльямсона (Jason Williamson), иногда срывающийся на крикливый вокал, приправленный сильным восточно-мидлендским акцентом. Содержание песен - едкий юмор, сатира, озлобленность на меры жёсткой экономии в Великобритании и львиная доля харизмы.
С другой же стороны, спектр влияний на Sleaford Mods крайне широк: от The Fall до Wu-Tang Clan, от The Streets до Guns N’Roses, от рейв-культуры до блэк-метала. Общим знаменателем в этом музыкальном сплаве множества ингредиентов очевидным образом является, пожалуй, то, что мы иногда называем “английскость”. Субкультура модов, британский панк и далее - не нужно лишний раз объяснять, насколько эти элементы британской культуры пропитаны очень своеобразным эстетизмом.
Получается, что очень удачное сплетение различных концептуальных элементов и источников вдохновения в случае “Слифордских модов” на выходе даёт музыку, которая самым прямым образом выражает в себе сегодняшний Zeitgeist. При этом звучание самой музыки не скатывается в безвкусный эклектизм, а удивительным образом остаётся предельно индивидуалистическим. В общем, для всех любителей британской музыки - однозначный must-listen. И не только для них.
P.S.
А ещё обязательно зацените их лайвы. Спойлерить не будем, но на выступлениях Sleaford Mods ведут себя очень забавно.
(2014, Harbinger Sound)
post-punk / spoken word / experimental hip-hop
Слушаем седьмой альбом ошеломляющего британского дуэта Sleaford Mods, музыка которого одинаково агрессивна, юмористична, чутка к социальным проблемам и беспощадна к высшим мира сего.
Sleaford Mods - проект без преувеличения удивительный. С одной стороны, их музыка предельно минималистична. Рваные мелодии Эндрю Фирна (Andrew Fearn) под постпанковые биты, которые сопровождает речитатив вокалиста Джейсона Уилльямсона (Jason Williamson), иногда срывающийся на крикливый вокал, приправленный сильным восточно-мидлендским акцентом. Содержание песен - едкий юмор, сатира, озлобленность на меры жёсткой экономии в Великобритании и львиная доля харизмы.
С другой же стороны, спектр влияний на Sleaford Mods крайне широк: от The Fall до Wu-Tang Clan, от The Streets до Guns N’Roses, от рейв-культуры до блэк-метала. Общим знаменателем в этом музыкальном сплаве множества ингредиентов очевидным образом является, пожалуй, то, что мы иногда называем “английскость”. Субкультура модов, британский панк и далее - не нужно лишний раз объяснять, насколько эти элементы британской культуры пропитаны очень своеобразным эстетизмом.
Получается, что очень удачное сплетение различных концептуальных элементов и источников вдохновения в случае “Слифордских модов” на выходе даёт музыку, которая самым прямым образом выражает в себе сегодняшний Zeitgeist. При этом звучание самой музыки не скатывается в безвкусный эклектизм, а удивительным образом остаётся предельно индивидуалистическим. В общем, для всех любителей британской музыки - однозначный must-listen. И не только для них.
P.S.
А ещё обязательно зацените их лайвы. Спойлерить не будем, но на выступлениях Sleaford Mods ведут себя очень забавно.
Zazou/Bikaye/CY1 - Noir Et Blanc
(1983, Crammed Discs)
world music / electronic / modular synth
Сегодня обратимся к переизданной в прошлом году пластинке, о которой журнал International Musician написал, что это - "Фела Кути-встречающий-Kraftwerk-на-танцплощадке".
Итак, перед нами своего рода шедевр, совместивший африканскую и европейскую ритмику с технологическим фьюжном. Альбом "Noir Et Blanc" отражает успешную встречу звукового алхимика Hector Zazou, вокалиста Bony Bikaye, и безумных исполнителей на модульных синтезаторах (Claude Micheli и Guillaume Loizillo), известных нам как CY1.
На своём дебютном альбоме Zazou выступал в качестве режиссёра, не исполнив ни единой ноты, но обеспечивая максимальную эффективность и динамизм аранжировок. CY1 отвечали за пульсацию; их синтезаторы жужжали и гудели в полиритмических конфигурациях (которые, разумеется, не пытались воспроизвести популярные африканские ритмы). А предлагали новые синтезированные альтернативы, которые иллюстрируют настоящую сложность африканской танцевальной музыки тех лет.
Больше всего поражает, что "Noir Et Blanc", стремясь к своим целям, при этом никогда не пытается разрушить традиции африканской музыки. Напротив, музыканты отдают дань красоте диаспоры, используя современные инструменты, чтобы играть музыку, которая им так дорога Эстетически этот альбом - предок Congotronics релизов лейбла Crammed Discs, серии альбомов и коллекций, созданных для того, чтобы осветить деятельность борющихся музыкантов Конго и дать им платформу, где они могли бы петь во весь голос Но пока серия Congotronics Records продолжает пускать корни в землю, “Noir Et Blanc” остаётся заманчивой небесной вестью, которая звучит, словно само будущее.
(1983, Crammed Discs)
world music / electronic / modular synth
Сегодня обратимся к переизданной в прошлом году пластинке, о которой журнал International Musician написал, что это - "Фела Кути-встречающий-Kraftwerk-на-танцплощадке".
Итак, перед нами своего рода шедевр, совместивший африканскую и европейскую ритмику с технологическим фьюжном. Альбом "Noir Et Blanc" отражает успешную встречу звукового алхимика Hector Zazou, вокалиста Bony Bikaye, и безумных исполнителей на модульных синтезаторах (Claude Micheli и Guillaume Loizillo), известных нам как CY1.
На своём дебютном альбоме Zazou выступал в качестве режиссёра, не исполнив ни единой ноты, но обеспечивая максимальную эффективность и динамизм аранжировок. CY1 отвечали за пульсацию; их синтезаторы жужжали и гудели в полиритмических конфигурациях (которые, разумеется, не пытались воспроизвести популярные африканские ритмы). А предлагали новые синтезированные альтернативы, которые иллюстрируют настоящую сложность африканской танцевальной музыки тех лет.
Больше всего поражает, что "Noir Et Blanc", стремясь к своим целям, при этом никогда не пытается разрушить традиции африканской музыки. Напротив, музыканты отдают дань красоте диаспоры, используя современные инструменты, чтобы играть музыку, которая им так дорога Эстетически этот альбом - предок Congotronics релизов лейбла Crammed Discs, серии альбомов и коллекций, созданных для того, чтобы осветить деятельность борющихся музыкантов Конго и дать им платформу, где они могли бы петь во весь голос Но пока серия Congotronics Records продолжает пускать корни в землю, “Noir Et Blanc” остаётся заманчивой небесной вестью, которая звучит, словно само будущее.
Duster - Contemporary Movement
(2000, Up Records)
slowcore /sadcore / space rock influenced
Слушаем второй и последний альбом из дискографии американской группы Duster. Спейс-рок, от которого осталась лишь оболочка рассеивающегося гитарного звука, превратившийся в лиричный слоукор.
Duster своей биографией ничем не выделяются на фоне ещё сотен подобных групп, которые на сломе 20 и 21 века создавали свои инди-группы. За не очень долгое существование Duster мультиинструменталисты Клэй Партон (Clay Parton), Кэнаан Дав Эмбер (Canaan Dove Amber), и Джейсон Албертини (Jason Albertini) успели выпустить только два полноценных альбома. Все свои альбомы музыканты выпустили на своей студии Low Earth Orbit, на которой впоследствии записывались альбомы групп, которые музыканты создали после распада Duster (например, Helvetia, El Buzzard).
На "Contemporary Movement" получилась музыка на стыке спэйс-рока, слоукора и меланхоличного пустынного сэдкора. Этот альбом погружает в себя с первого же трека, его тёплый гитарный звук и лирика, которая через абстрактность образов очень точно передаёт чувства. Монотонный вокал поверх словно распылённого, делэящегося, кажется, куда-то в бесконечность (на "Travelogue" или "Get The Dutch" это особенно сильно чувствуется) даёт все основания для отсылок к спейс-року при том, что тематически на этом альбоме Duster в общем-то напрямую космические темы не развивают. Лирика на этом альбоме напротив оказывается несколько приземленной, но при этом глубоко интимной, уносящей нас за собой вглубь чьего-то личного космоса. По общей атмосфере альбом тяготеет скорее к сэдкору.
Гитара на "Contemporary Movement" звучит удивительно мелодично, при всей рассеянности звука, органичность её заключается в зацикливании одних фраз, по большей части простых и запоминающихся ("Unrecovery", "Cooking"). Очарование этого альбома кроется в интуитивной простоте мелодий и какой-то предельной близости, даже диалогичности музыки Duster: "Go forth / Sorting dreams of truth / Friends, should I, or should I not?"("Travelogue"). "Contemporary Movement" обладает удивительным свойством не отпускать слушателя, его не хочется выключать, зато хочется глубже погружаться в пучину рассеивающегося звука и абстрактных образов.
(2000, Up Records)
slowcore /sadcore / space rock influenced
Слушаем второй и последний альбом из дискографии американской группы Duster. Спейс-рок, от которого осталась лишь оболочка рассеивающегося гитарного звука, превратившийся в лиричный слоукор.
Duster своей биографией ничем не выделяются на фоне ещё сотен подобных групп, которые на сломе 20 и 21 века создавали свои инди-группы. За не очень долгое существование Duster мультиинструменталисты Клэй Партон (Clay Parton), Кэнаан Дав Эмбер (Canaan Dove Amber), и Джейсон Албертини (Jason Albertini) успели выпустить только два полноценных альбома. Все свои альбомы музыканты выпустили на своей студии Low Earth Orbit, на которой впоследствии записывались альбомы групп, которые музыканты создали после распада Duster (например, Helvetia, El Buzzard).
На "Contemporary Movement" получилась музыка на стыке спэйс-рока, слоукора и меланхоличного пустынного сэдкора. Этот альбом погружает в себя с первого же трека, его тёплый гитарный звук и лирика, которая через абстрактность образов очень точно передаёт чувства. Монотонный вокал поверх словно распылённого, делэящегося, кажется, куда-то в бесконечность (на "Travelogue" или "Get The Dutch" это особенно сильно чувствуется) даёт все основания для отсылок к спейс-року при том, что тематически на этом альбоме Duster в общем-то напрямую космические темы не развивают. Лирика на этом альбоме напротив оказывается несколько приземленной, но при этом глубоко интимной, уносящей нас за собой вглубь чьего-то личного космоса. По общей атмосфере альбом тяготеет скорее к сэдкору.
Гитара на "Contemporary Movement" звучит удивительно мелодично, при всей рассеянности звука, органичность её заключается в зацикливании одних фраз, по большей части простых и запоминающихся ("Unrecovery", "Cooking"). Очарование этого альбома кроется в интуитивной простоте мелодий и какой-то предельной близости, даже диалогичности музыки Duster: "Go forth / Sorting dreams of truth / Friends, should I, or should I not?"("Travelogue"). "Contemporary Movement" обладает удивительным свойством не отпускать слушателя, его не хочется выключать, зато хочется глубже погружаться в пучину рассеивающегося звука и абстрактных образов.
Jóhann Jóhannsson - IBM 1401, A User's Manual
(2006, 4AD)
сontemporary classical / electronic / hauntology
Четвёртый студийный альбом исландского композитора и продюсера, в первую очередь известного по саундтрекам к фильмам Дени Вельнёва.
На этом же альбоме раскрывается личная музыкальная история Йохана Йоханнссона. На его первом релизе, вышедшем на 4AD, Йоханнссон обратился к ностальгии по устаревшим технологиям. За “IBM 1401 - A User's Manual” стоит целая предыстория, в итоге приведшая к самому альбому. Отец композитора в своё время работал в IDM инженером по техобслуживанию информационной-вычислительной системы 1401. Это была ранняя и популярная модель компьютера для расчётов, появившаяся в Исландии в 60-х. Кроме того, его отец был музыкантом, и он придумал, как запрограммировать память компьютера таким образом, чтобы он излучал электромагнитные волны в определённой последовательности. И эти волны могли быть пойманы радиоприёмником. Когда IBM 1401 был снят с эксплуатации, отец Йоханнссона в качестве прощальной церемонии сочинил и записал несколько коротких мелодий.
Йохан Йоханнссон нашёл старые отцовские кассеты и приступил к сочинению своего рода элегии по IBM 1401, используя часть отцовских мелодий в качестве отправной точки. В конечном счёте этот процесс дошёл до стадии создания полноценного альбома, и даже с оркестром. Среди всей музыки композитора этот альбом получился, пожалуй, одним из самых драматичных и трогательных. Бурное звучание кинематографичных струнных возвышается и опадает, чтобы передать эстафету тонким электронным решениям. Звучат кассеты с начиткой инструкции к компьютеру, а иногда и голос, обработанный вокодером. Общее впечатление от этой музыки - действительно необычное.
Конечно, слушателям, присыщенным приторными голливудскими саундтреками, такая музыка может показаться слишком замороченной. Но это не важно. Ведь на “IBM 1401 - A User's Manual” Йоханнссону удалось воссоздать ту самую ностальгию по будущему, о котором мечтали в недавнем прошлом.
(2006, 4AD)
сontemporary classical / electronic / hauntology
Четвёртый студийный альбом исландского композитора и продюсера, в первую очередь известного по саундтрекам к фильмам Дени Вельнёва.
На этом же альбоме раскрывается личная музыкальная история Йохана Йоханнссона. На его первом релизе, вышедшем на 4AD, Йоханнссон обратился к ностальгии по устаревшим технологиям. За “IBM 1401 - A User's Manual” стоит целая предыстория, в итоге приведшая к самому альбому. Отец композитора в своё время работал в IDM инженером по техобслуживанию информационной-вычислительной системы 1401. Это была ранняя и популярная модель компьютера для расчётов, появившаяся в Исландии в 60-х. Кроме того, его отец был музыкантом, и он придумал, как запрограммировать память компьютера таким образом, чтобы он излучал электромагнитные волны в определённой последовательности. И эти волны могли быть пойманы радиоприёмником. Когда IBM 1401 был снят с эксплуатации, отец Йоханнссона в качестве прощальной церемонии сочинил и записал несколько коротких мелодий.
Йохан Йоханнссон нашёл старые отцовские кассеты и приступил к сочинению своего рода элегии по IBM 1401, используя часть отцовских мелодий в качестве отправной точки. В конечном счёте этот процесс дошёл до стадии создания полноценного альбома, и даже с оркестром. Среди всей музыки композитора этот альбом получился, пожалуй, одним из самых драматичных и трогательных. Бурное звучание кинематографичных струнных возвышается и опадает, чтобы передать эстафету тонким электронным решениям. Звучат кассеты с начиткой инструкции к компьютеру, а иногда и голос, обработанный вокодером. Общее впечатление от этой музыки - действительно необычное.
Конечно, слушателям, присыщенным приторными голливудскими саундтреками, такая музыка может показаться слишком замороченной. Но это не важно. Ведь на “IBM 1401 - A User's Manual” Йоханнссону удалось воссоздать ту самую ностальгию по будущему, о котором мечтали в недавнем прошлом.
Jenny Hval & Susanna - Meshes of Voice
(2014, SusannaSonata)
avant-garde / chamber pop / experimental
Слушаем совместную работу Енню Вал и Сусанны Валлумрёд. Аллегоричный альбом, с трудом поддающийся жанровому определению, но существующий где-то на стыке авангарда, авторской песни и экспериментальной музыки.
Релиз, вдохновлённый готической архитектурой Антонио Гауди и чёрно-белым сюрреализмом немого фильма Майи Дерен "Полуденные тени" (Meshes of the Afternoon, 1943), который завораживает, притягивает и пугает одновременно, предоставляя, конечно, полную свободу интерпретаций. И альбом "Meshes of Voice" каком-то смысле проделывает тот же путь.
На альбоме прекрасно сработавшийся дуэт составляют две норвежских исполнительницы: Сусанна Валлумрёд (Susanna Wallumrød), известная по проекту Susanna and the Magical Orchestra, и Енню Вал, пожалуй, одна из самых известных и любимых всеми авангардисток современности. Столкновение на одной пластинке творческой силы столь неординарных артисток a priori интригует и заставляет ждать чего-то удивляющего и нетривиального. Так вот, ожидания эти полностью оправдываются.
"Meshes of Voice" с его призрачной и таинственной атмосферой, на котором два прекрасных голоса смешиваются и дают нам заглянуть в приоткрытую дверь, за которой начинается нездешний мир. Основной нарратив альбома - поиск потерянной души. Они ищут её в нойзовых вставках, фортепианных переливах, мифологических отсылках, электронных семплах, вкраплениях цитры, фисгармонии и других акустических инструментов и, конечно, слиянии двух самобытных голосов. Вокал Сусанны, мягкий, грамотно-выстроенный, в чём-то джазовый, и голос Вал, сильной в импровизационных пассажах. Енню и Сусанна здесь соединили не только свой композиторский и исполнительский талант, лирика тоже сочинена в равной степени ими обеими. Кстати, очень советуем почитать тексты песен, для полного погружения в содержание альбома*.
(2014, SusannaSonata)
avant-garde / chamber pop / experimental
Слушаем совместную работу Енню Вал и Сусанны Валлумрёд. Аллегоричный альбом, с трудом поддающийся жанровому определению, но существующий где-то на стыке авангарда, авторской песни и экспериментальной музыки.
Релиз, вдохновлённый готической архитектурой Антонио Гауди и чёрно-белым сюрреализмом немого фильма Майи Дерен "Полуденные тени" (Meshes of the Afternoon, 1943), который завораживает, притягивает и пугает одновременно, предоставляя, конечно, полную свободу интерпретаций. И альбом "Meshes of Voice" каком-то смысле проделывает тот же путь.
На альбоме прекрасно сработавшийся дуэт составляют две норвежских исполнительницы: Сусанна Валлумрёд (Susanna Wallumrød), известная по проекту Susanna and the Magical Orchestra, и Енню Вал, пожалуй, одна из самых известных и любимых всеми авангардисток современности. Столкновение на одной пластинке творческой силы столь неординарных артисток a priori интригует и заставляет ждать чего-то удивляющего и нетривиального. Так вот, ожидания эти полностью оправдываются.
"Meshes of Voice" с его призрачной и таинственной атмосферой, на котором два прекрасных голоса смешиваются и дают нам заглянуть в приоткрытую дверь, за которой начинается нездешний мир. Основной нарратив альбома - поиск потерянной души. Они ищут её в нойзовых вставках, фортепианных переливах, мифологических отсылках, электронных семплах, вкраплениях цитры, фисгармонии и других акустических инструментов и, конечно, слиянии двух самобытных голосов. Вокал Сусанны, мягкий, грамотно-выстроенный, в чём-то джазовый, и голос Вал, сильной в импровизационных пассажах. Енню и Сусанна здесь соединили не только свой композиторский и исполнительский талант, лирика тоже сочинена в равной степени ими обеими. Кстати, очень советуем почитать тексты песен, для полного погружения в содержание альбома*.
Atmosphere - Overcast!
(1997, Rhymesayers Entertainment)
alternative hip-hop / backpack rap / indie rap
Сегодня обратимся к классике альтернативного рэпа в лице дуэта Atmosphere, и их дебютного альбома, который был выпущен на небезызвестном Rhymesayers Ent., сооснователями которого являются музыканты.
После бесчисленных рэперов, говоривших о себе, как о “поэтах”, лирика Slug’a заставляла тех рэперов выглядеть скорее как Доктор Зойс, и совсем не как Шекспир. Его внимание к деталям и умение находить странные, абсурдистские аспекты повседневной жизни сделали его будто бы одновременно рэпером и параноидальным блогером. А первые строчки, которые мы слышим на “Overcast!” после пугающих скрипок на треке “1597” звучат так:
“Henceforth, step within my psychoanalysis
Calluses upon my mind make me strain for my lines”
Слегка неординарное мировоззрение Slug’a просвечивается через классический для фанатов дуэта трек “Scapegoat”*. Клавишные Ant’а, выдающие тревожный медленный темп, совмещённый с нужным количеством перегруза, музыкально предвещают то, что затем станет одним из незабываемо правдивых описаний человеческого поведения, представленных в хип-хопе. Заслуживающее уважения перечисление всего, что мы виним в собственных проблемах рано или поздно задевают за живое.
Такой подход к содержанию творчества сильно выделял Slug’а из множества рэперов на изломе веков. Так и сейчас, он сидит в стороне, неоднократно исследовавший глубокие страсти и печали, что могут быть в человеческой жизни. И хотя группа порою попадала в категорию эмо-рэпа (нет, не того эмо-рэпа, что популярен сейчас - а скорее хип-хоп аналога мидвест-эмо тех лет), духовное и чувственное начало редко упоминаются в одном ряду c Atmosphere. Да и в любом случае мы же пониманием, что можно называть эту музыку эмо-рэпом, инди-рэпом и т.д., но сами альбомы Atmosphere до сих пор звучат аутентично и искренне - а именно это в конечном итоге и важно.
(1997, Rhymesayers Entertainment)
alternative hip-hop / backpack rap / indie rap
Сегодня обратимся к классике альтернативного рэпа в лице дуэта Atmosphere, и их дебютного альбома, который был выпущен на небезызвестном Rhymesayers Ent., сооснователями которого являются музыканты.
После бесчисленных рэперов, говоривших о себе, как о “поэтах”, лирика Slug’a заставляла тех рэперов выглядеть скорее как Доктор Зойс, и совсем не как Шекспир. Его внимание к деталям и умение находить странные, абсурдистские аспекты повседневной жизни сделали его будто бы одновременно рэпером и параноидальным блогером. А первые строчки, которые мы слышим на “Overcast!” после пугающих скрипок на треке “1597” звучат так:
“Henceforth, step within my psychoanalysis
Calluses upon my mind make me strain for my lines”
Слегка неординарное мировоззрение Slug’a просвечивается через классический для фанатов дуэта трек “Scapegoat”*. Клавишные Ant’а, выдающие тревожный медленный темп, совмещённый с нужным количеством перегруза, музыкально предвещают то, что затем станет одним из незабываемо правдивых описаний человеческого поведения, представленных в хип-хопе. Заслуживающее уважения перечисление всего, что мы виним в собственных проблемах рано или поздно задевают за живое.
Такой подход к содержанию творчества сильно выделял Slug’а из множества рэперов на изломе веков. Так и сейчас, он сидит в стороне, неоднократно исследовавший глубокие страсти и печали, что могут быть в человеческой жизни. И хотя группа порою попадала в категорию эмо-рэпа (нет, не того эмо-рэпа, что популярен сейчас - а скорее хип-хоп аналога мидвест-эмо тех лет), духовное и чувственное начало редко упоминаются в одном ряду c Atmosphere. Да и в любом случае мы же пониманием, что можно называть эту музыку эмо-рэпом, инди-рэпом и т.д., но сами альбомы Atmosphere до сих пор звучат аутентично и искренне - а именно это в конечном итоге и важно.