The West Coast Pop Art Experimental Band - Part One
(1967, Reprise)
psychedelic rock / 60s
Первая полноценная пластинка группы психоделических безумцев из Калифорнии, группы с весьма необычной историей, группы почему-то не сыскавшей крупного успеха в своё время.
"Part One", будучи первым релизом группы на лейбле "Reprise", многими считается квинтэссенцией их творчества. Виной тому во многом является тот факт, что альбом был самым песенно-ориентированным во всей дискографии коллектива. И в то же самое время он был чрезвычайно странным - почти что на уровне "стилистической шизофрении". Однако когда ты углубляешься в его прослушивание, большая часть пластинки на проверку оказывается вполне привязчивыми поп-песнями длительностью 2-3 минуты. В те времена WCPAEB звучали довольно обычно - вполне талантливые и похожие на Byrds фолк-рокеры ("Transparent Day" и "Here's Where You Belong"). Или в некоторых моментах, как гаражная группа, близкая по звучанию к Kinks ("If You Want This Love"). А иногда даже можно услышать что-то ("Will You Walk With Me") близкое к барокко-попу. К слову, финальную песню ("High Coin") альбома сочинил и вовсе Ван Дайк Паркс.
Конечно, на альбоме не обходится без странной тревожности, а иногда и паранойи, хотя и место эта тревожность находит себе в приятных мелодиях. Как, например, на "Shifting Sands" с шипящими перегруженными гитарами; или на "I Won't Hurt You" с её басом-сердцебиением и отдалённым вокалом; и, наконец, "Leiyla", где в юношеский гаражный рок внезапно вторгается диалог, взятый откуда-то вроде вампирского фильма категории Б.
Завершить наш небольшой обзор мы хотим, акцентировав внимание на кавере на Фрэнка Заппу ("Help, I'm a Rock"), который всё-таки говорит о доле прикольной фриковости в музыке группы. А продолжает эту линию "1906", которая смахивает на саундтрек к кислотному бэд-трипу, с повторяющимся рефреном "I don't feel well". В общем, WCPAEB - однозначный must-listen для любителей психоделии. "Утерянная классика" психоделического рока.
(1967, Reprise)
psychedelic rock / 60s
Первая полноценная пластинка группы психоделических безумцев из Калифорнии, группы с весьма необычной историей, группы почему-то не сыскавшей крупного успеха в своё время.
"Part One", будучи первым релизом группы на лейбле "Reprise", многими считается квинтэссенцией их творчества. Виной тому во многом является тот факт, что альбом был самым песенно-ориентированным во всей дискографии коллектива. И в то же самое время он был чрезвычайно странным - почти что на уровне "стилистической шизофрении". Однако когда ты углубляешься в его прослушивание, большая часть пластинки на проверку оказывается вполне привязчивыми поп-песнями длительностью 2-3 минуты. В те времена WCPAEB звучали довольно обычно - вполне талантливые и похожие на Byrds фолк-рокеры ("Transparent Day" и "Here's Where You Belong"). Или в некоторых моментах, как гаражная группа, близкая по звучанию к Kinks ("If You Want This Love"). А иногда даже можно услышать что-то ("Will You Walk With Me") близкое к барокко-попу. К слову, финальную песню ("High Coin") альбома сочинил и вовсе Ван Дайк Паркс.
Конечно, на альбоме не обходится без странной тревожности, а иногда и паранойи, хотя и место эта тревожность находит себе в приятных мелодиях. Как, например, на "Shifting Sands" с шипящими перегруженными гитарами; или на "I Won't Hurt You" с её басом-сердцебиением и отдалённым вокалом; и, наконец, "Leiyla", где в юношеский гаражный рок внезапно вторгается диалог, взятый откуда-то вроде вампирского фильма категории Б.
Завершить наш небольшой обзор мы хотим, акцентировав внимание на кавере на Фрэнка Заппу ("Help, I'm a Rock"), который всё-таки говорит о доле прикольной фриковости в музыке группы. А продолжает эту линию "1906", которая смахивает на саундтрек к кислотному бэд-трипу, с повторяющимся рефреном "I don't feel well". В общем, WCPAEB - однозначный must-listen для любителей психоделии. "Утерянная классика" психоделического рока.
Richard Youngs - The Rest Is Scenery
(2016, Glass Redux)
experimental rock / folktronica / experimental folk
Сегодня слушаем один из многочисленных альбомов британского мультижанрового мультиинструменталиста Ричарда Янгса. Разберёмся, как из примитивного аккорда Em сделать концептуальный альбом.
О Ричарде Янгсе определенно стоит сказать несколько слов. Начавший играть на пианино ещё в раннем детстве, он постепенно отходил от классической музыки, привитой ему родительскими вкусами, и искал себя. Pink Floyd, Public Image Ltd., Cabaret Voltaire, Van Der Graaf Generator... Вдохновляясь этими музыкантами, Янгс начал записывать свою музыку. Он никогда особо не играл в группах, большинство его совместных альбомов - это дуэты, и редко когда выступал даже в родном Глазго, потому что все эти выступления были для него мучительно нервирующими. В его дискографии можно найти самые разные альбомы, от чистого экспериментала, фолка, прог-рока до акустики и а-капелла. В общем, складывается впечатление, что Янгс попробовал себя практически во всём.
Разбираться в дискографии Ричарда Янгса - не самое благодарное дело. Ну, скажем, "The Rest Is Scenery" - четвёртый альбом Янгса за 2016 год. Сам Янгс отшучивался в одном из интервью, что было бы странно столкнуться с человеком, который послушал все его записи. За свою творческую жизнь, а начал он в начале 90-ых, он выпустил такое количество сольных альбомов, EP, компиляций, что когда ты впервые открываешь его дискографию, испытываешь закономерное чувство замешательства. С какого из них начать? Без понятия. Но послушать предлагаем именно замечательный "The Rest Is Scenery".
Этот альбом сам Янгс назвал не особо техничным, зато очень концептуальным ("It’s high concept, low technique"). По идее Янгса, весь альбом строится на аккорде Em в разных его вариациях. Даже если это другие аккорды, то Янгс апеллирует к тому, что использует каподастр и пальцы у него всё равно стоят в той же позиции, в какой и на Em. И так композиционно альбом закольцовывается, тональность постепенно повышается от Em и снова возвращается к нему же на последней композиции. На словах это звучит примитивно, но включите альбом и вы поймете, насколько нетривиально и интересно можно развернуть такую, казалось бы, ограничивающую концепцию. Дополнительные инструменты, приглашённые вокалисты (Madeleine Hynes, Frances McKee, Sorley Youngs) - всё это очень оживляет альбом и делает его удивительно мелодичным.
(2016, Glass Redux)
experimental rock / folktronica / experimental folk
Сегодня слушаем один из многочисленных альбомов британского мультижанрового мультиинструменталиста Ричарда Янгса. Разберёмся, как из примитивного аккорда Em сделать концептуальный альбом.
О Ричарде Янгсе определенно стоит сказать несколько слов. Начавший играть на пианино ещё в раннем детстве, он постепенно отходил от классической музыки, привитой ему родительскими вкусами, и искал себя. Pink Floyd, Public Image Ltd., Cabaret Voltaire, Van Der Graaf Generator... Вдохновляясь этими музыкантами, Янгс начал записывать свою музыку. Он никогда особо не играл в группах, большинство его совместных альбомов - это дуэты, и редко когда выступал даже в родном Глазго, потому что все эти выступления были для него мучительно нервирующими. В его дискографии можно найти самые разные альбомы, от чистого экспериментала, фолка, прог-рока до акустики и а-капелла. В общем, складывается впечатление, что Янгс попробовал себя практически во всём.
Разбираться в дискографии Ричарда Янгса - не самое благодарное дело. Ну, скажем, "The Rest Is Scenery" - четвёртый альбом Янгса за 2016 год. Сам Янгс отшучивался в одном из интервью, что было бы странно столкнуться с человеком, который послушал все его записи. За свою творческую жизнь, а начал он в начале 90-ых, он выпустил такое количество сольных альбомов, EP, компиляций, что когда ты впервые открываешь его дискографию, испытываешь закономерное чувство замешательства. С какого из них начать? Без понятия. Но послушать предлагаем именно замечательный "The Rest Is Scenery".
Этот альбом сам Янгс назвал не особо техничным, зато очень концептуальным ("It’s high concept, low technique"). По идее Янгса, весь альбом строится на аккорде Em в разных его вариациях. Даже если это другие аккорды, то Янгс апеллирует к тому, что использует каподастр и пальцы у него всё равно стоят в той же позиции, в какой и на Em. И так композиционно альбом закольцовывается, тональность постепенно повышается от Em и снова возвращается к нему же на последней композиции. На словах это звучит примитивно, но включите альбом и вы поймете, насколько нетривиально и интересно можно развернуть такую, казалось бы, ограничивающую концепцию. Дополнительные инструменты, приглашённые вокалисты (Madeleine Hynes, Frances McKee, Sorley Youngs) - всё это очень оживляет альбом и делает его удивительно мелодичным.
Gong - Flying Teapot
(1973, Virgin)
psychedelic rock / progressive rock
Третий студийный альбом культовой психоделической прог-группы, который открывает трилогию Radio Gnome Invisible. Альбомы этой трилогии являются очень важными для мифологии Gong.
Альбом был спродюсирован знаменитым импресарио Джорджо Гомельским, работавшим в том числе с Yardbirds, Брайаном Огером и Magma. Будучи относительно ранним релизом в дискографии группы, “Flying Teapot” (как и вся трилогия) представляет собой один из интереснейших альбомов Gong того периода, когда Дэвид Аллен руководил группой. Название пластинки очевидным образом отсылает к “чайнику” философа Бертрана Рассела. Однако не только к нему - но обо всём по порядку.
С музыкальной точки зрения “Летающий чайник” является записью предельно эклектичной. С одной стороны, здесь есть длинные джемовые треки и короткие экспериментальные зарисовки. С другой же, о музыкальном разнообразии говорит появление джазовых элементов в музыке Gong - таких как игра на саксофоне и иногда приджазованная ритм-секция. С третьей стороны, на этой пластинке нашлось место и необычным инструментам с абсолютно упоротыми названиями. Мы просто приведём тут некоторых из них: spermguitar, sidereal slideguitar, aluminium croonguitar, stumblestrum.
Так вот, та самая мифология Gong - это забавная коллекция повторяющихся персонажей и аллегорическим тем, которые пронизывают альбомы группы. Персонажи часто были основаны на чём-то, или использовались как псевдонимы для участников группы. Группы, история которой уходит к видению, которое Аллен испытал во время полнолуния на пасху в 1966 году. В этой мифологии также часты отсылки к производству и потреблению "чая". А это слово долгое время использовалось для описания каннабиса, особенно в 1940-50-х годах.
(1973, Virgin)
psychedelic rock / progressive rock
Третий студийный альбом культовой психоделической прог-группы, который открывает трилогию Radio Gnome Invisible. Альбомы этой трилогии являются очень важными для мифологии Gong.
Альбом был спродюсирован знаменитым импресарио Джорджо Гомельским, работавшим в том числе с Yardbirds, Брайаном Огером и Magma. Будучи относительно ранним релизом в дискографии группы, “Flying Teapot” (как и вся трилогия) представляет собой один из интереснейших альбомов Gong того периода, когда Дэвид Аллен руководил группой. Название пластинки очевидным образом отсылает к “чайнику” философа Бертрана Рассела. Однако не только к нему - но обо всём по порядку.
С музыкальной точки зрения “Летающий чайник” является записью предельно эклектичной. С одной стороны, здесь есть длинные джемовые треки и короткие экспериментальные зарисовки. С другой же, о музыкальном разнообразии говорит появление джазовых элементов в музыке Gong - таких как игра на саксофоне и иногда приджазованная ритм-секция. С третьей стороны, на этой пластинке нашлось место и необычным инструментам с абсолютно упоротыми названиями. Мы просто приведём тут некоторых из них: spermguitar, sidereal slideguitar, aluminium croonguitar, stumblestrum.
Так вот, та самая мифология Gong - это забавная коллекция повторяющихся персонажей и аллегорическим тем, которые пронизывают альбомы группы. Персонажи часто были основаны на чём-то, или использовались как псевдонимы для участников группы. Группы, история которой уходит к видению, которое Аллен испытал во время полнолуния на пасху в 1966 году. В этой мифологии также часты отсылки к производству и потреблению "чая". А это слово долгое время использовалось для описания каннабиса, особенно в 1940-50-х годах.
Gong - Angels Egg
(1973, Virgin)
progressive rock / psychedelic rock
Продолжаем слушать трилогию Radio Gnome Invisible. Сегодня у нас на очереди второй альбом из неё, центральный, как в трилогии, так и в раннем в творчестве Gong в целом.
В комментариях к рецензии на этот альбом на одном из англоязычных ресурсов написали, что "Angel's Egg" - это "Dark Side of The Moon" в альтернативной Вселенной. Разве что более лёгкий. Возможно, это громко сказано, но "Angel's Egg" определенно заслуживает внимания всех любителей прог-рока. На этом альбоме заметно больше композиций, чем на первой части - 14, по большей части коротких, вместо 6 на "Flying Teapot". Кроме того в составе группы произошли некоторые изменения (несмотря на то, что первые две части трилогии вышли в одном году) - пришёл басист Майк Хоулетт (Mike Howlett) и барабанщик Пьер Мерлен (Pierre Mowrlen). Таким образом, именно в период "Angel's Egg" окончательно сформировался классический состав Gong.
Альбом - очень искусный по технике игры и очень разнообразный инструментально. Каждый из треков строится на прочном каркасе мелодии, интересных вокальных партиях (иногда и вовсе неожиданных, как на "Prostitute Poem", например) и запутанных, причудливых джазовых импровизациях. И при всём этом в такую идеально выстроенную композицию альбома иногда вклиниваются песни в духе "Givin My Luv To You", сначала сбивающие с толку своей простой, ведь такую песню и, что самое интересное, именно в таком исполнении вполне можно было бы услышать на шумных посиделках в каком-нибудь баре. В общем, иногда можно и вовсе подумать, что слушаешь нечто вроде масштабной рок-оперы. Но это мимолётное ощущение, потому что уже в следующий момент осознаёшь, что композиции на альбоме едва ли можно связать какой-то общей линией. Скорее, то можно было бы назвать абсурдистской прог-рок оперой.
И в этом ключе, если вернуться к аналогии с параллельной реальностью, в ней, перевернутой с ног на голову, этот блестяще и не на шутку сумасшедшая пластинка вполне могла бы стать вторым "Dark Side of The Moon", в чём они определённо сошлись бы, так это в исключительной профессиональности исполнения и невероятном ощущении от прослушивания.
(1973, Virgin)
progressive rock / psychedelic rock
Продолжаем слушать трилогию Radio Gnome Invisible. Сегодня у нас на очереди второй альбом из неё, центральный, как в трилогии, так и в раннем в творчестве Gong в целом.
В комментариях к рецензии на этот альбом на одном из англоязычных ресурсов написали, что "Angel's Egg" - это "Dark Side of The Moon" в альтернативной Вселенной. Разве что более лёгкий. Возможно, это громко сказано, но "Angel's Egg" определенно заслуживает внимания всех любителей прог-рока. На этом альбоме заметно больше композиций, чем на первой части - 14, по большей части коротких, вместо 6 на "Flying Teapot". Кроме того в составе группы произошли некоторые изменения (несмотря на то, что первые две части трилогии вышли в одном году) - пришёл басист Майк Хоулетт (Mike Howlett) и барабанщик Пьер Мерлен (Pierre Mowrlen). Таким образом, именно в период "Angel's Egg" окончательно сформировался классический состав Gong.
Альбом - очень искусный по технике игры и очень разнообразный инструментально. Каждый из треков строится на прочном каркасе мелодии, интересных вокальных партиях (иногда и вовсе неожиданных, как на "Prostitute Poem", например) и запутанных, причудливых джазовых импровизациях. И при всём этом в такую идеально выстроенную композицию альбома иногда вклиниваются песни в духе "Givin My Luv To You", сначала сбивающие с толку своей простой, ведь такую песню и, что самое интересное, именно в таком исполнении вполне можно было бы услышать на шумных посиделках в каком-нибудь баре. В общем, иногда можно и вовсе подумать, что слушаешь нечто вроде масштабной рок-оперы. Но это мимолётное ощущение, потому что уже в следующий момент осознаёшь, что композиции на альбоме едва ли можно связать какой-то общей линией. Скорее, то можно было бы назвать абсурдистской прог-рок оперой.
И в этом ключе, если вернуться к аналогии с параллельной реальностью, в ней, перевернутой с ног на голову, этот блестяще и не на шутку сумасшедшая пластинка вполне могла бы стать вторым "Dark Side of The Moon", в чём они определённо сошлись бы, так это в исключительной профессиональности исполнения и невероятном ощущении от прослушивания.
Gong - You
(1974, Virgin)
progressive rock / psychedelic rock
Сегодня мы завершаем разговор о трилогии “Radio Gnome Invisible”, слушая заключительный в ней альбом “You”. Пластинка попала в топ-50 прог-роковых альбомов*, и вообще является одним из наиболее ярких релизов Gong.
С музыкальной точки зрения “You” стал логичным продолжением двух предыдущих релизов в трилогии. Альбом состоит преимущественно из длительных инструментальных джемов и коротких композиций, непосредственно рассказывающих саму историю трилогии, о которой ещё будет написано ниже. Нужно сказать, что в записи этого альбома особо важной стала роль гитариста группы Стивена Хиллэджа (Stephen Hillage), который на “You” стал центральным музыкантом. А вот для Дэвида Аллена этот альбом стал на долгое время последним, вплоть до его возвращения в группу в 1992-м году.
Что же представляет собой история, на которой строится трилогия “Radio Gnome Invisible” и вся мифология Gong в целом? Основным её персонаж является герой Зиро (Zero the Hero), с которым приключаются различные психоделические приключения. На первых двух альбомах трилогии основной сюжетной линией является то, как Зиро, начинающий видеть психоделические видения с космическими образами, с помощью кошки (которая оказывается ведьмой) в итоге попадает в открытый космос. Затем он отправляется на планету Гонг и проводит время с местной проституткой, которая знакомит его с богиней Луны - Селеной. Пожалуй, этих строк уже должно быть достаточно, чтобы вы смогли оценить уровень абсурда и психоделии в этой истории.
Во время своих космических странствий Зиро встретит самых разных персонажей - богов, инопланетян и так далее. Он также попадёт в Невидимый Храм Гонг (One Invisible Temple of Gong). Но полную историю лучше всё же заценить самому/самой, для полного погружения в оголтелую психоделию музыки Gong. Наконец, на этом альбоме Зиро в итоге попадает в навеянный буддизмом круговорот перерождений, из которого он не может выбраться. История оказывается одновременно угарной и жутковатой. Словом, то, что как раз и нужно для музыки Gong.
* По версии журнала Rolling Stone.
(1974, Virgin)
progressive rock / psychedelic rock
Сегодня мы завершаем разговор о трилогии “Radio Gnome Invisible”, слушая заключительный в ней альбом “You”. Пластинка попала в топ-50 прог-роковых альбомов*, и вообще является одним из наиболее ярких релизов Gong.
С музыкальной точки зрения “You” стал логичным продолжением двух предыдущих релизов в трилогии. Альбом состоит преимущественно из длительных инструментальных джемов и коротких композиций, непосредственно рассказывающих саму историю трилогии, о которой ещё будет написано ниже. Нужно сказать, что в записи этого альбома особо важной стала роль гитариста группы Стивена Хиллэджа (Stephen Hillage), который на “You” стал центральным музыкантом. А вот для Дэвида Аллена этот альбом стал на долгое время последним, вплоть до его возвращения в группу в 1992-м году.
Что же представляет собой история, на которой строится трилогия “Radio Gnome Invisible” и вся мифология Gong в целом? Основным её персонаж является герой Зиро (Zero the Hero), с которым приключаются различные психоделические приключения. На первых двух альбомах трилогии основной сюжетной линией является то, как Зиро, начинающий видеть психоделические видения с космическими образами, с помощью кошки (которая оказывается ведьмой) в итоге попадает в открытый космос. Затем он отправляется на планету Гонг и проводит время с местной проституткой, которая знакомит его с богиней Луны - Селеной. Пожалуй, этих строк уже должно быть достаточно, чтобы вы смогли оценить уровень абсурда и психоделии в этой истории.
Во время своих космических странствий Зиро встретит самых разных персонажей - богов, инопланетян и так далее. Он также попадёт в Невидимый Храм Гонг (One Invisible Temple of Gong). Но полную историю лучше всё же заценить самому/самой, для полного погружения в оголтелую психоделию музыки Gong. Наконец, на этом альбоме Зиро в итоге попадает в навеянный буддизмом круговорот перерождений, из которого он не может выбраться. История оказывается одновременно угарной и жутковатой. Словом, то, что как раз и нужно для музыки Gong.
* По версии журнала Rolling Stone.
Humcrush - Rest At Worlds End
(2008, Rune Grammofon)
free jazz / future jazz / abstract
Слушаем третий альбом норвежского дуэта Humcrush, на котором музыканты исследуют возможности скрещивания джаза и электроники и погружаются в разнообразие звуковых ландшафтов.
Humcrush - это перкуссионист и электронщик Томас Стрёнен (Thomas Strønen) и клавишник Столе Сторлёккен (Ståle Storløkken). Они довольно известны в мире джазовой музыки, по крайней мере на норвежской сцене. Ståle Storløkken кто-то может знать по его участию в группах Supersilent, BigBang или Elephant9, а Томаса по проектам Food и внушительному списку коллобараций. Вместе они с 2004 года создают музыку на стыке джаза и электроники, которую, откровенно говоря, нельзя считать ни тем, ни другим. Домашним лейблом дуэта считается Rune Grammofon, норвежский лейбл для экспериментальной электронной музыки и джаза, на котором, кстати, выходили некоторые альбомы Biosphere, Susanna and the Magical Orchestra, Arve Henriksen и Jenny Hval.
Да, музыку Humcrush можно считать своего рода футуристическим джазом, где перкуссия смешивается с электроникой, местами переходит в нойз, кое-где уступает место мелодии. Получается одновременно очень современно, но вместе с тем оригинально. Большинство композиций на “Rest At Worlds End” представляют собой музыкальные миниатюры, которые, несмотря на свою импровизационную природу, сочетаются друг с другом очень гармонично, если не логично. Все треки на “Rest At Worlds End” были записаны вживую на нескольких европейских концертах Humcrush. В это сложно поверить из-за очень хорошего, чистого звука на записи и нетипичной для концертной атмосферы тишины.
“Rest At Worlds End” получился абстрактным, относительно нойзовым и звучит по-хорошему грубовато. О жанрах в случае с Humcrush говорить трудно. По-джазовому импровизационный по своей природе альбом может биться в конвульсиях абстрактного нойза или опускаться в недра эмбиента, а местами напоминать даже глитч-техно. При всём этом альбом остаётся уникальным и самобытным, по-северному мрачноватым и экспериментальным.
(2008, Rune Grammofon)
free jazz / future jazz / abstract
Слушаем третий альбом норвежского дуэта Humcrush, на котором музыканты исследуют возможности скрещивания джаза и электроники и погружаются в разнообразие звуковых ландшафтов.
Humcrush - это перкуссионист и электронщик Томас Стрёнен (Thomas Strønen) и клавишник Столе Сторлёккен (Ståle Storløkken). Они довольно известны в мире джазовой музыки, по крайней мере на норвежской сцене. Ståle Storløkken кто-то может знать по его участию в группах Supersilent, BigBang или Elephant9, а Томаса по проектам Food и внушительному списку коллобараций. Вместе они с 2004 года создают музыку на стыке джаза и электроники, которую, откровенно говоря, нельзя считать ни тем, ни другим. Домашним лейблом дуэта считается Rune Grammofon, норвежский лейбл для экспериментальной электронной музыки и джаза, на котором, кстати, выходили некоторые альбомы Biosphere, Susanna and the Magical Orchestra, Arve Henriksen и Jenny Hval.
Да, музыку Humcrush можно считать своего рода футуристическим джазом, где перкуссия смешивается с электроникой, местами переходит в нойз, кое-где уступает место мелодии. Получается одновременно очень современно, но вместе с тем оригинально. Большинство композиций на “Rest At Worlds End” представляют собой музыкальные миниатюры, которые, несмотря на свою импровизационную природу, сочетаются друг с другом очень гармонично, если не логично. Все треки на “Rest At Worlds End” были записаны вживую на нескольких европейских концертах Humcrush. В это сложно поверить из-за очень хорошего, чистого звука на записи и нетипичной для концертной атмосферы тишины.
“Rest At Worlds End” получился абстрактным, относительно нойзовым и звучит по-хорошему грубовато. О жанрах в случае с Humcrush говорить трудно. По-джазовому импровизационный по своей природе альбом может биться в конвульсиях абстрактного нойза или опускаться в недра эмбиента, а местами напоминать даже глитч-техно. При всём этом альбом остаётся уникальным и самобытным, по-северному мрачноватым и экспериментальным.
Milford Graves - Meditation Among Us
(1977, Kitty)
free jazz / avant-jazz
Сегодня послушаем одну из интереснейших фри-джазовых пластинок 70-х годов. Альбом 1977-го года авангардного джазмена Милфорда Грейвса, который кажется нам наиболее интересным в его дискографии.
Милфорд Грейвс - американский джазовый барабанщик и перкуссионист, известный во многом из-за своего вклада в развитие авангардного джаза в 60-х, когда он играл с квартетом New York Art Quartet. Более того, иногда Грейвса даже считают одним из пионеров фри-джаза благодаря тому, что он освободил джазовую перкуссию от её ритмической функции. Грейвс также известен игрой и сотрудничеством с такими мэтрами джаза, как Pharoah Sanders, Albert Ayler, Kenny Clarke и многими другими, включая, например, Джона Зорна. Помимо этого, Грейвс известен своей преподавательской деятельностью и исследованиями того, как музыка влияет на человеческий организм.
Пластинка “Meditation Among Us” стала результатом совместной работы Милфорда Грейвса с японским джазовым квартетом, который включал в себя трубача Тошинори Кондо (Toshinori Kondo), саксофониста Каору Абе (Kaoru Abe), барабанщика и пианиста Тоши Тсучитори (Toshi Tsuchitori) и басиста Мотохару Йошизава (Motoharu Yoshizawa). На альбоме всего два (зато каких) трека; авторство принадлежит Грейвсу. Хотя, судя по звучанию треков, они представляют собой самые настоящие фри-джазовые импровизации.
Постоянная интенсивность подачи - за это мы особенно любим “Meditation Among Us”. Но не только за это. Тональная импровизация, высокая скорость игры и неожиданные музыкальные решения - здесь есть всё это. И, несмотря на то, что на альбоме уместилось всего два трека, на каждом из них музыкантам удивительным образом удалось продемонстрировать, насколько разным может быть фри-джаз в рамках одной пластики.
(1977, Kitty)
free jazz / avant-jazz
Сегодня послушаем одну из интереснейших фри-джазовых пластинок 70-х годов. Альбом 1977-го года авангардного джазмена Милфорда Грейвса, который кажется нам наиболее интересным в его дискографии.
Милфорд Грейвс - американский джазовый барабанщик и перкуссионист, известный во многом из-за своего вклада в развитие авангардного джаза в 60-х, когда он играл с квартетом New York Art Quartet. Более того, иногда Грейвса даже считают одним из пионеров фри-джаза благодаря тому, что он освободил джазовую перкуссию от её ритмической функции. Грейвс также известен игрой и сотрудничеством с такими мэтрами джаза, как Pharoah Sanders, Albert Ayler, Kenny Clarke и многими другими, включая, например, Джона Зорна. Помимо этого, Грейвс известен своей преподавательской деятельностью и исследованиями того, как музыка влияет на человеческий организм.
Пластинка “Meditation Among Us” стала результатом совместной работы Милфорда Грейвса с японским джазовым квартетом, который включал в себя трубача Тошинори Кондо (Toshinori Kondo), саксофониста Каору Абе (Kaoru Abe), барабанщика и пианиста Тоши Тсучитори (Toshi Tsuchitori) и басиста Мотохару Йошизава (Motoharu Yoshizawa). На альбоме всего два (зато каких) трека; авторство принадлежит Грейвсу. Хотя, судя по звучанию треков, они представляют собой самые настоящие фри-джазовые импровизации.
Постоянная интенсивность подачи - за это мы особенно любим “Meditation Among Us”. Но не только за это. Тональная импровизация, высокая скорость игры и неожиданные музыкальные решения - здесь есть всё это. И, несмотря на то, что на альбоме уместилось всего два трека, на каждом из них музыкантам удивительным образом удалось продемонстрировать, насколько разным может быть фри-джаз в рамках одной пластики.