Golden Oriole - Golden Oriole
(2017, Inversions Label)
noise rock / experimental rock / krautrock influenced
Сегодня слушаем норвежский экспериментальный нойз-рок от Golden Oriole. Необычный и динамичный EP с плотным звучанием и гипнотической перкуссией.
Музыканты из прибрежного Ставангера на юго-западе Норвегии играют мощный и сдавливающий, как разряженный горный воздух, нойз-рок. Golden Oriole - это дуэт гитариста Кристоффера Рииса и барабанщика Туре Варланда, которые до этого играли вместе в группе Tralten Eller Utpult и ещё раньше в Staer. Последняя была самой долгоиграющей: с 2011 по 2016 более или менее регулярно выходили EP, альбомы и синглы.
Одноименный EP у проекта Golden Oriole дебютный. Радует, что он не стал для дуэта первым и последним, как вышло, например, с их, к слову, тоже одноименным альбомом от Tralten Eller Utpult (названия, видимо, как-то не заходят). Интересно, что на фоне общего шумного звучания гитары чувствуется сильное влияние краутрока. А ещё, обратите внимание на глухую первобытную перкуссию открывающего трека The Approaching of the Disco Void (берем назад свои слова о названиях)! И вообще все эти постоянно повторяющиеся звуковые паттерны в сочетании с тяжелым саундом и таинственными электронными отзвуками заставляют забыться в этой одновременно драйвовой, мрачной и кружащей голову в лихорадочном танце музыке. Акустическая перкуссия определенно добавляет в музыку такого рода новое, более интересное звучание.
Несмотря на то что на пластинке всего три трека, прослушивание которых займёт у вас не больше 25 минут, оно того определённо стоит. Очень концентрированный EP, где резкий и пружинистый гитарный звук разбавляют шумы, скрипы или протяжный свист, похожий на отдаленный вой сирены.
(2017, Inversions Label)
noise rock / experimental rock / krautrock influenced
Сегодня слушаем норвежский экспериментальный нойз-рок от Golden Oriole. Необычный и динамичный EP с плотным звучанием и гипнотической перкуссией.
Музыканты из прибрежного Ставангера на юго-западе Норвегии играют мощный и сдавливающий, как разряженный горный воздух, нойз-рок. Golden Oriole - это дуэт гитариста Кристоффера Рииса и барабанщика Туре Варланда, которые до этого играли вместе в группе Tralten Eller Utpult и ещё раньше в Staer. Последняя была самой долгоиграющей: с 2011 по 2016 более или менее регулярно выходили EP, альбомы и синглы.
Одноименный EP у проекта Golden Oriole дебютный. Радует, что он не стал для дуэта первым и последним, как вышло, например, с их, к слову, тоже одноименным альбомом от Tralten Eller Utpult (названия, видимо, как-то не заходят). Интересно, что на фоне общего шумного звучания гитары чувствуется сильное влияние краутрока. А ещё, обратите внимание на глухую первобытную перкуссию открывающего трека The Approaching of the Disco Void (берем назад свои слова о названиях)! И вообще все эти постоянно повторяющиеся звуковые паттерны в сочетании с тяжелым саундом и таинственными электронными отзвуками заставляют забыться в этой одновременно драйвовой, мрачной и кружащей голову в лихорадочном танце музыке. Акустическая перкуссия определенно добавляет в музыку такого рода новое, более интересное звучание.
Несмотря на то что на пластинке всего три трека, прослушивание которых займёт у вас не больше 25 минут, оно того определённо стоит. Очень концентрированный EP, где резкий и пружинистый гитарный звук разбавляют шумы, скрипы или протяжный свист, похожий на отдаленный вой сирены.
Lilys - Eccsame the Photon Band
(1994, SpinART Records)
dream pop / space rock / neo-psychedelia
Акварельный дрим-поп с элементами спейс-рока и ненавязчивым флёром неопсиходелии на втором LP альбоме американской группы Lilys.
У Lilys, пожалуй, один из самых длинных списков "бывшие музыканты", среди которых встречаются внезапные и интересные имена вроде Ariel Pink или барабанщика Аарона Сперске (Aaron Sperske), который также играл с Father John Misty, Haunted Graffiti и даже Эллиоттом Смитом. А перечислять список всех, кто когда-либо приложил руку к созданию музыки Lilys - задача явно не для ленивых. Но без Курта Хисли (Kurt Heasley) группы бы попросту не было. Курт с 1988 года и до сих пор является единственным постоянным участником и вдохновителем группы.
Звучание группы очень ёмко определил Роберт Кристгау, сказав, что Lilys - это "amplified watercolors". Одной этой фразы достаточно, чтобы описать то, что вы услышите на "Eccsame the Photon Band" (кстати, обратите внимание на обложку - цвета тоже размытые, как акварельные пятна). Даже на треках, где музыканты позволяют себе звучать чуть громче вроде трека The Hermit Crab, всё равно чувствуется это постоянное стремление музыки к сгущению, переливу одного цвета в другой. Текстура музыки получается вязкой, и при этом очень интересной, благодаря удачному смешению жанров. Иногда в эту голубоватую дрим-поп и шугейз дымку Lilys добавляют тёмно-фиолетовые разводы от спейс-рока (Hubble), а кое-где слышно чуть больший уклон в нойз. В общем, "Eccsame the Photon Band" звучит очень целостно и нетривиально.
В композиции альбома обращают на себя внимание четыре отрывка "incidental" (в большинстве изданий они обозначены как "Unnoscriptd"). Они выбиваются из общей неземной атмосферы альбома своей непосредственностью: появляясь на альбоме через каждые несколько треков, они словно возвращают слушателя обратно на землю. На них слышны голоса музыкантов, какие-то кусочки джемов, типичное для работы в студии "alright let's go". Без них эта пластинка не была бы такой живой и цепляющей.
(1994, SpinART Records)
dream pop / space rock / neo-psychedelia
Акварельный дрим-поп с элементами спейс-рока и ненавязчивым флёром неопсиходелии на втором LP альбоме американской группы Lilys.
У Lilys, пожалуй, один из самых длинных списков "бывшие музыканты", среди которых встречаются внезапные и интересные имена вроде Ariel Pink или барабанщика Аарона Сперске (Aaron Sperske), который также играл с Father John Misty, Haunted Graffiti и даже Эллиоттом Смитом. А перечислять список всех, кто когда-либо приложил руку к созданию музыки Lilys - задача явно не для ленивых. Но без Курта Хисли (Kurt Heasley) группы бы попросту не было. Курт с 1988 года и до сих пор является единственным постоянным участником и вдохновителем группы.
Звучание группы очень ёмко определил Роберт Кристгау, сказав, что Lilys - это "amplified watercolors". Одной этой фразы достаточно, чтобы описать то, что вы услышите на "Eccsame the Photon Band" (кстати, обратите внимание на обложку - цвета тоже размытые, как акварельные пятна). Даже на треках, где музыканты позволяют себе звучать чуть громче вроде трека The Hermit Crab, всё равно чувствуется это постоянное стремление музыки к сгущению, переливу одного цвета в другой. Текстура музыки получается вязкой, и при этом очень интересной, благодаря удачному смешению жанров. Иногда в эту голубоватую дрим-поп и шугейз дымку Lilys добавляют тёмно-фиолетовые разводы от спейс-рока (Hubble), а кое-где слышно чуть больший уклон в нойз. В общем, "Eccsame the Photon Band" звучит очень целостно и нетривиально.
В композиции альбома обращают на себя внимание четыре отрывка "incidental" (в большинстве изданий они обозначены как "Unnoscriptd"). Они выбиваются из общей неземной атмосферы альбома своей непосредственностью: появляясь на альбоме через каждые несколько треков, они словно возвращают слушателя обратно на землю. На них слышны голоса музыкантов, какие-то кусочки джемов, типичное для работы в студии "alright let's go". Без них эта пластинка не была бы такой живой и цепляющей.
Charalambides - Joy Shapes
(2004, Kranky)
psychedelic folk / avant-garde / post-rock
Техасская группа Charalambides исследует границы человеческого восприятия музыки с психоделическими инструментальными партиями и надрывным женским вокалом.
Charalambides родилась из дуэта Кристины и Тома Картеров в начале 90-х. Сначала они играли музыку просто для своего удовольствия, но позже к ним присоединился Кайл Силфер (Kyle Silfer), и так началась история группы. В разные периоды Charalambides то снова становились дуэтом, то возвращались к трио. На момент выхода "Joy Shapes" с Картерами играла также Хизер Ли Мюррей (Heather Leigh Murray), добавившая от себя вокал и игру на псалтерионе и слайд-гитаре.
"Joy Shapes" - непростая для прослушивания музыка, которая всегда балансирует где-то на грани. Особенно тревожным кажется надрывный высокий вокал Кристины. Но что всегда было визитной карточкой Charalambides, так это их психоделические многослойные инструментальные партии, которые заставляют слушателя потерять ощущение времени и пространства. Чувствуешь себя словно в зеркальной комнате, где твоё отражения снова с снова выглядывает из-за угла бесконечного зеркального коридора. К этой ассоциации располагает большое количество переливающихся звенящих звуков (Natural Night, Stroke) - на альбоме также можно услышать звучание различные колокольчиков. Всё кажется каким-то стеклянным - гладким, но в то же время острым. Импровизации, мистицизм, пугающая лирика, женский вокал, который не вплетается в музыку - он, скорее, существует почти что вне её.
Так что "Joy Shapes" определенно испытает вас на прочность, но те, кто смогут это испытание пройти, погрузятся в пространство, где музыка звучит завораживающе и пугающе, как служба в потустороннем оккультном храме.
(2004, Kranky)
psychedelic folk / avant-garde / post-rock
Техасская группа Charalambides исследует границы человеческого восприятия музыки с психоделическими инструментальными партиями и надрывным женским вокалом.
Charalambides родилась из дуэта Кристины и Тома Картеров в начале 90-х. Сначала они играли музыку просто для своего удовольствия, но позже к ним присоединился Кайл Силфер (Kyle Silfer), и так началась история группы. В разные периоды Charalambides то снова становились дуэтом, то возвращались к трио. На момент выхода "Joy Shapes" с Картерами играла также Хизер Ли Мюррей (Heather Leigh Murray), добавившая от себя вокал и игру на псалтерионе и слайд-гитаре.
"Joy Shapes" - непростая для прослушивания музыка, которая всегда балансирует где-то на грани. Особенно тревожным кажется надрывный высокий вокал Кристины. Но что всегда было визитной карточкой Charalambides, так это их психоделические многослойные инструментальные партии, которые заставляют слушателя потерять ощущение времени и пространства. Чувствуешь себя словно в зеркальной комнате, где твоё отражения снова с снова выглядывает из-за угла бесконечного зеркального коридора. К этой ассоциации располагает большое количество переливающихся звенящих звуков (Natural Night, Stroke) - на альбоме также можно услышать звучание различные колокольчиков. Всё кажется каким-то стеклянным - гладким, но в то же время острым. Импровизации, мистицизм, пугающая лирика, женский вокал, который не вплетается в музыку - он, скорее, существует почти что вне её.
Так что "Joy Shapes" определенно испытает вас на прочность, но те, кто смогут это испытание пройти, погрузятся в пространство, где музыка звучит завораживающе и пугающе, как служба в потустороннем оккультном храме.
Loren Mazzacane Connors - Hell's Kitchen Park
(1993, Black Label)
blues / minimalistic guitar / abstract
Тринадцатый сольный альбом авангардного гитариста Лорена Коннорса. Меланхоличные гитарные зарисовки об Адской Кухне - мрачном и опасном районе Манхэттена.
У Лорена Коннорса, также известного как Guitar Roberts, Loren Mazzacane Connors и Loren Matte, очень неоднозначная творческая судьба. С одной стороны, начав записывать и выпускать свою музыку ещё в конце 70-х годов, к настоящему моменту Коннорс успел записать суммарно более 9000 часов музыки и выпустить более 50 релизов (хотя подсчитать точное количество, конечно, сложно). Он успел посотрудничать с такими музыкантами, как Тёрстон Мур, Ли Ранальдо, Алан Лихт, Джим О’Рурк, Кейдзи Хайно, Джон Фэхи, Jandek, а также с авангардными поэтами и многими другими творческими личностями.
В 2013 году про Коннорса даже вышел крайне познавательный лонгрид на Pitchfork*, включающий интервью с его знакомыми (в том числе и музыкантами) и подборку ключевых альбомов. Помимо всего этого, сам Коннорс, несмотря на то, что ещё в 90-х ему диагностировали болезнь Паркинсона, вплоть до 2010-х был очень творчески продуктивен. А в 2003 году ему даже удалось записать саундтрек к фильму “Why Can’t I Stop This Uncontrollable Dancing?”.
С другой стороны, Лоренс Коннорс каким-то удивительным образом всё это время оставался аутсайдером по отношению к музыкальному миру. Неужели только коллеги по окологитарному авангарду и “хипстерские” издания вроде Pitchfork смогли разглядеть эту музыкальную жемчужину?
Альбом “Hell's Kitchen Park”, как нам кажется, является одним из лучших примеров скромной, но уникальной музыки Коннорса - призрачный блюз, в котором тоскливые гитарные наброски редко переходят отметку в 3 минуты. Кроме того, интересно, что в записи двух треков (“Child" и "Brigid’s Song”) приняла участие жена Коннорса, вокалистка Сюзанна Лэнгилл (Suzanne Langille). В общем, определённый must-listen для ценителей нетривиальной гитарной музыки.
(1993, Black Label)
blues / minimalistic guitar / abstract
Тринадцатый сольный альбом авангардного гитариста Лорена Коннорса. Меланхоличные гитарные зарисовки об Адской Кухне - мрачном и опасном районе Манхэттена.
У Лорена Коннорса, также известного как Guitar Roberts, Loren Mazzacane Connors и Loren Matte, очень неоднозначная творческая судьба. С одной стороны, начав записывать и выпускать свою музыку ещё в конце 70-х годов, к настоящему моменту Коннорс успел записать суммарно более 9000 часов музыки и выпустить более 50 релизов (хотя подсчитать точное количество, конечно, сложно). Он успел посотрудничать с такими музыкантами, как Тёрстон Мур, Ли Ранальдо, Алан Лихт, Джим О’Рурк, Кейдзи Хайно, Джон Фэхи, Jandek, а также с авангардными поэтами и многими другими творческими личностями.
В 2013 году про Коннорса даже вышел крайне познавательный лонгрид на Pitchfork*, включающий интервью с его знакомыми (в том числе и музыкантами) и подборку ключевых альбомов. Помимо всего этого, сам Коннорс, несмотря на то, что ещё в 90-х ему диагностировали болезнь Паркинсона, вплоть до 2010-х был очень творчески продуктивен. А в 2003 году ему даже удалось записать саундтрек к фильму “Why Can’t I Stop This Uncontrollable Dancing?”.
С другой стороны, Лоренс Коннорс каким-то удивительным образом всё это время оставался аутсайдером по отношению к музыкальному миру. Неужели только коллеги по окологитарному авангарду и “хипстерские” издания вроде Pitchfork смогли разглядеть эту музыкальную жемчужину?
Альбом “Hell's Kitchen Park”, как нам кажется, является одним из лучших примеров скромной, но уникальной музыки Коннорса - призрачный блюз, в котором тоскливые гитарные наброски редко переходят отметку в 3 минуты. Кроме того, интересно, что в записи двух треков (“Child" и "Brigid’s Song”) приняла участие жена Коннорса, вокалистка Сюзанна Лэнгилл (Suzanne Langille). В общем, определённый must-listen для ценителей нетривиальной гитарной музыки.
Cave - Release
(2014, Drag City)
psychedelic rock / neo-kraut
В ожидании шестого альбома от чикагской группы Cave переслушиваем их пятый альбом с простым и минималистичным названием "Release". Густой психоделический рок в краутроковом трансе.
На самом деле такое, казалось бы, до странности прямолинейное название альбома объясняется довольно просто: на "Release" музыканты собрали невыпущенный материал, начиная с 2007 года, и упаковали под однотонной простой обложкой. Однако по ней лучше не судить.
Пробираясь к биографии группы Cave, приходится немного повоевать с поисковиками: нет, спасибо, меня интересует не Nick Cave (хотя, он, конечно, тоже хорош). Но, на самом деле, биография музыкантов многого вам не расскажет: это квинтет, в котором играют Купер Крейн (Cooper Crain) - гитара, орган; Джереми Фриз (Jeremy Freeze) - гитара; Дэн Браунинг (Dan Browning) - бас; Рекс МакМарри (Rex McMurry) - ударные и мультиинструменталист Роб Фрайе (Rob Frye). Cave всегда играли преимущественно инструментальную музыку, добавляя вокал скорее ради дополнительных ритмических акцентов, чем как полноценный смысловой элемент.
"Release" отличается от других альбомов тем, что на нем можно проследить, как менялось и эволюционировало звучание группы (держим в голове, что это всё треки разных лет). Cave испытали большое влияние корифеев краутрока вроде Neu! и Can, а также психоделического рока, отсюда монотонные, медитативные ритмические рисунки и космическая атмосфера музыки в целом. Инопланетные танцы под веществами из других миров.
"Release" - именно тот альбом, с которого хорошо начинать знакомство с Cave, потому что он позволяет составить представление о звучании группы в целом. От их ухода с головой в толщу психоделического звука (The Ride) к более структурированным (Party Legs). При этом в обоих воплощениях Cave звучат интересно и мощно.
(2014, Drag City)
psychedelic rock / neo-kraut
В ожидании шестого альбома от чикагской группы Cave переслушиваем их пятый альбом с простым и минималистичным названием "Release". Густой психоделический рок в краутроковом трансе.
На самом деле такое, казалось бы, до странности прямолинейное название альбома объясняется довольно просто: на "Release" музыканты собрали невыпущенный материал, начиная с 2007 года, и упаковали под однотонной простой обложкой. Однако по ней лучше не судить.
Пробираясь к биографии группы Cave, приходится немного повоевать с поисковиками: нет, спасибо, меня интересует не Nick Cave (хотя, он, конечно, тоже хорош). Но, на самом деле, биография музыкантов многого вам не расскажет: это квинтет, в котором играют Купер Крейн (Cooper Crain) - гитара, орган; Джереми Фриз (Jeremy Freeze) - гитара; Дэн Браунинг (Dan Browning) - бас; Рекс МакМарри (Rex McMurry) - ударные и мультиинструменталист Роб Фрайе (Rob Frye). Cave всегда играли преимущественно инструментальную музыку, добавляя вокал скорее ради дополнительных ритмических акцентов, чем как полноценный смысловой элемент.
"Release" отличается от других альбомов тем, что на нем можно проследить, как менялось и эволюционировало звучание группы (держим в голове, что это всё треки разных лет). Cave испытали большое влияние корифеев краутрока вроде Neu! и Can, а также психоделического рока, отсюда монотонные, медитативные ритмические рисунки и космическая атмосфера музыки в целом. Инопланетные танцы под веществами из других миров.
"Release" - именно тот альбом, с которого хорошо начинать знакомство с Cave, потому что он позволяет составить представление о звучании группы в целом. От их ухода с головой в толщу психоделического звука (The Ride) к более структурированным (Party Legs). При этом в обоих воплощениях Cave звучат интересно и мощно.
Lizzy Mercier Descloux - Zulu Rock
(1984, ZE Records)
worldbeat / new wave / funk / african music influenced
Третий альбом Лиззи Мерсье-Деклу, один из лучших альбомов в жанре worldbeat, на котором она скрестила французский поп и африканскую этническую музыку.
Мы начали знакомство с француженкой Лиззи Мерсье-Деклу с её дебютного EP 78 года (тогда это еще была группа Rosa Yemen* ), на котором она исследовала музыкальную форму, делая минималистичный и одновременно с этим эксцентричный ноу-вэйв. Позже музыкальный вектор Лиззи сместился кардинально. Прежним осталась только любовь к экспериментам и новаторский подход к музыке. Поэтому после ноу-вэйва и пост-панка девушка обратила своё внимание на этническую музыку и фанк. Эта перемена прослеживалась еще на её втором LP "Mambo Nassau", однако в полной мере реализовалась на "Zulu Rock", где worldbeat окончательно вступил в свои права.
На Zulu Rock переплетаются, казалось бы, сложно сочетаемые музыкальные и культурные традиции - французская и южноафриканская. Записи этого альбома предшествовало путешествие Мерсье-Деклу по Африке. И сам альбом, что важно заметить, был записан на Satbel Studio в Южной Африке, часть позднее была дозаписана уже в Лондоне. В записи приняло участие огромное количество музыкантов, благодаря чему звучание у нее очень разнообразно, можно услышать и орган, и саксофон, и аккордеон, и трубу, и арфу.
Но что особенно сильно ощущается на этом альбоме, так это концентрированный и захватывающий кайф, который музыканты испытывают от музыки и танца. Это слышно по звонкому вокалу Лиззи, запевающей на "Mais où Sont Passées Les Gazelles ?" или "Dolby Sisters Saliva Brothers" , за которой слова подхватывает мужской и женский хор, по повторяющимся народным мотивам, по обилию тянущего в танец фанка. На альбоме песни на английском и французском языках (мы выкладываем переиздание, на котором есть бонус-треки с переводом некоторых песен на французский). При прослушивании постепенно ты начинаешь и сам ловить этот фанк и народный порыв и проникаешься этим Танцем Жизни.
(1984, ZE Records)
worldbeat / new wave / funk / african music influenced
Третий альбом Лиззи Мерсье-Деклу, один из лучших альбомов в жанре worldbeat, на котором она скрестила французский поп и африканскую этническую музыку.
Мы начали знакомство с француженкой Лиззи Мерсье-Деклу с её дебютного EP 78 года (тогда это еще была группа Rosa Yemen* ), на котором она исследовала музыкальную форму, делая минималистичный и одновременно с этим эксцентричный ноу-вэйв. Позже музыкальный вектор Лиззи сместился кардинально. Прежним осталась только любовь к экспериментам и новаторский подход к музыке. Поэтому после ноу-вэйва и пост-панка девушка обратила своё внимание на этническую музыку и фанк. Эта перемена прослеживалась еще на её втором LP "Mambo Nassau", однако в полной мере реализовалась на "Zulu Rock", где worldbeat окончательно вступил в свои права.
На Zulu Rock переплетаются, казалось бы, сложно сочетаемые музыкальные и культурные традиции - французская и южноафриканская. Записи этого альбома предшествовало путешествие Мерсье-Деклу по Африке. И сам альбом, что важно заметить, был записан на Satbel Studio в Южной Африке, часть позднее была дозаписана уже в Лондоне. В записи приняло участие огромное количество музыкантов, благодаря чему звучание у нее очень разнообразно, можно услышать и орган, и саксофон, и аккордеон, и трубу, и арфу.
Но что особенно сильно ощущается на этом альбоме, так это концентрированный и захватывающий кайф, который музыканты испытывают от музыки и танца. Это слышно по звонкому вокалу Лиззи, запевающей на "Mais où Sont Passées Les Gazelles ?" или "Dolby Sisters Saliva Brothers" , за которой слова подхватывает мужской и женский хор, по повторяющимся народным мотивам, по обилию тянущего в танец фанка. На альбоме песни на английском и французском языках (мы выкладываем переиздание, на котором есть бонус-треки с переводом некоторых песен на французский). При прослушивании постепенно ты начинаешь и сам ловить этот фанк и народный порыв и проникаешься этим Танцем Жизни.
Die Wilde Jagd - Uhrwald Orange
(2018, Bureau B)
krautrock / neo-kraut / psychedelic
Призрачная охота в дремучих немецких лесах на втором альбоме группы Die Wilde Jagd. Современный краутрок такой, каким он должен быть.
Название группы Die Wilde Jagd отсылает к образу Дикой Охоты из средневековой немецкой и скандинавской мифологии. Это полчище призрачных всадников со сворой собак, которое собирает души людей. Вообще музыканты явно любят поэтичные названия, в прошлом воплощении группа назвалась Der Räuber Und Der Prinz (нем. Разбойник и принц), и вероятнее всего это отсылка к одноименной песне DAF. Справедливости ради, обозначение "группа" не совсем уместно, потому что Die Wilde Jagd - это дуэт из Дюссельдорфа, в котором Себастьян Ли Филипп (Sebastian Lee Philipp) создает альбомы совместно с продюсером Ральфом Беком (Ralf Beck). Хотя и "дуэт" здесь - это скорее дань уважения к продюсеру Беку, без которого музыка Себастьяна Ли Филиппа вряд ли звучала бы настолько круто.
Первый же трек этого альбома даёт слушателю понять, что ключевым образом на звучание группы повлиял краутрок. Пожалуй, Die Wilde Jagd - именно та группа, которая, продолжая традиции этого жанра, отстаивает своё самобытное звучание. Пятнадцатиминутая "Flederboy" выдерживает один бит на протяжении всего трека, но при этом её никак не получится назвать монотонной: на повторяющийся паттерн наслаиваются дополнительные электронные эффекты, эхо и мелодические вставки. Филипп включает в треки самые разные элементы - от средиземноморским мандолин и североафриканского кракеба до природных полевых записей из Португалии.
Это одна из интересных особенностей "Uhrwald Orange": слушая этот альбом, ты сам не замечаешь, как он затягивает тебя и при всей кажущейся простоте композиции заставляет внимательно следить за малейшим изменением звучания. В большинстве своём альбом инструментальный - треков с вокалом всего три. Вокал на "Uhrwald Orange" тоже монотонный, четко попадающий в ритмический рисунок песни. Сильнее всего альбом выделяется благодаря своему специфическому звучанию, которое помогают создать винтажные аналоговые синтезаторы, драм-машины и другое оборудование на студии Бека.
(2018, Bureau B)
krautrock / neo-kraut / psychedelic
Призрачная охота в дремучих немецких лесах на втором альбоме группы Die Wilde Jagd. Современный краутрок такой, каким он должен быть.
Название группы Die Wilde Jagd отсылает к образу Дикой Охоты из средневековой немецкой и скандинавской мифологии. Это полчище призрачных всадников со сворой собак, которое собирает души людей. Вообще музыканты явно любят поэтичные названия, в прошлом воплощении группа назвалась Der Räuber Und Der Prinz (нем. Разбойник и принц), и вероятнее всего это отсылка к одноименной песне DAF. Справедливости ради, обозначение "группа" не совсем уместно, потому что Die Wilde Jagd - это дуэт из Дюссельдорфа, в котором Себастьян Ли Филипп (Sebastian Lee Philipp) создает альбомы совместно с продюсером Ральфом Беком (Ralf Beck). Хотя и "дуэт" здесь - это скорее дань уважения к продюсеру Беку, без которого музыка Себастьяна Ли Филиппа вряд ли звучала бы настолько круто.
Первый же трек этого альбома даёт слушателю понять, что ключевым образом на звучание группы повлиял краутрок. Пожалуй, Die Wilde Jagd - именно та группа, которая, продолжая традиции этого жанра, отстаивает своё самобытное звучание. Пятнадцатиминутая "Flederboy" выдерживает один бит на протяжении всего трека, но при этом её никак не получится назвать монотонной: на повторяющийся паттерн наслаиваются дополнительные электронные эффекты, эхо и мелодические вставки. Филипп включает в треки самые разные элементы - от средиземноморским мандолин и североафриканского кракеба до природных полевых записей из Португалии.
Это одна из интересных особенностей "Uhrwald Orange": слушая этот альбом, ты сам не замечаешь, как он затягивает тебя и при всей кажущейся простоте композиции заставляет внимательно следить за малейшим изменением звучания. В большинстве своём альбом инструментальный - треков с вокалом всего три. Вокал на "Uhrwald Orange" тоже монотонный, четко попадающий в ритмический рисунок песни. Сильнее всего альбом выделяется благодаря своему специфическому звучанию, которое помогают создать винтажные аналоговые синтезаторы, драм-машины и другое оборудование на студии Бека.