Loren Mazzacane Connors - Hell's Kitchen Park
(1993, Black Label)
blues / minimalistic guitar / abstract
Тринадцатый сольный альбом авангардного гитариста Лорена Коннорса. Меланхоличные гитарные зарисовки об Адской Кухне - мрачном и опасном районе Манхэттена.
У Лорена Коннорса, также известного как Guitar Roberts, Loren Mazzacane Connors и Loren Matte, очень неоднозначная творческая судьба. С одной стороны, начав записывать и выпускать свою музыку ещё в конце 70-х годов, к настоящему моменту Коннорс успел записать суммарно более 9000 часов музыки и выпустить более 50 релизов (хотя подсчитать точное количество, конечно, сложно). Он успел посотрудничать с такими музыкантами, как Тёрстон Мур, Ли Ранальдо, Алан Лихт, Джим О’Рурк, Кейдзи Хайно, Джон Фэхи, Jandek, а также с авангардными поэтами и многими другими творческими личностями.
В 2013 году про Коннорса даже вышел крайне познавательный лонгрид на Pitchfork*, включающий интервью с его знакомыми (в том числе и музыкантами) и подборку ключевых альбомов. Помимо всего этого, сам Коннорс, несмотря на то, что ещё в 90-х ему диагностировали болезнь Паркинсона, вплоть до 2010-х был очень творчески продуктивен. А в 2003 году ему даже удалось записать саундтрек к фильму “Why Can’t I Stop This Uncontrollable Dancing?”.
С другой стороны, Лоренс Коннорс каким-то удивительным образом всё это время оставался аутсайдером по отношению к музыкальному миру. Неужели только коллеги по окологитарному авангарду и “хипстерские” издания вроде Pitchfork смогли разглядеть эту музыкальную жемчужину?
Альбом “Hell's Kitchen Park”, как нам кажется, является одним из лучших примеров скромной, но уникальной музыки Коннорса - призрачный блюз, в котором тоскливые гитарные наброски редко переходят отметку в 3 минуты. Кроме того, интересно, что в записи двух треков (“Child" и "Brigid’s Song”) приняла участие жена Коннорса, вокалистка Сюзанна Лэнгилл (Suzanne Langille). В общем, определённый must-listen для ценителей нетривиальной гитарной музыки.
(1993, Black Label)
blues / minimalistic guitar / abstract
Тринадцатый сольный альбом авангардного гитариста Лорена Коннорса. Меланхоличные гитарные зарисовки об Адской Кухне - мрачном и опасном районе Манхэттена.
У Лорена Коннорса, также известного как Guitar Roberts, Loren Mazzacane Connors и Loren Matte, очень неоднозначная творческая судьба. С одной стороны, начав записывать и выпускать свою музыку ещё в конце 70-х годов, к настоящему моменту Коннорс успел записать суммарно более 9000 часов музыки и выпустить более 50 релизов (хотя подсчитать точное количество, конечно, сложно). Он успел посотрудничать с такими музыкантами, как Тёрстон Мур, Ли Ранальдо, Алан Лихт, Джим О’Рурк, Кейдзи Хайно, Джон Фэхи, Jandek, а также с авангардными поэтами и многими другими творческими личностями.
В 2013 году про Коннорса даже вышел крайне познавательный лонгрид на Pitchfork*, включающий интервью с его знакомыми (в том числе и музыкантами) и подборку ключевых альбомов. Помимо всего этого, сам Коннорс, несмотря на то, что ещё в 90-х ему диагностировали болезнь Паркинсона, вплоть до 2010-х был очень творчески продуктивен. А в 2003 году ему даже удалось записать саундтрек к фильму “Why Can’t I Stop This Uncontrollable Dancing?”.
С другой стороны, Лоренс Коннорс каким-то удивительным образом всё это время оставался аутсайдером по отношению к музыкальному миру. Неужели только коллеги по окологитарному авангарду и “хипстерские” издания вроде Pitchfork смогли разглядеть эту музыкальную жемчужину?
Альбом “Hell's Kitchen Park”, как нам кажется, является одним из лучших примеров скромной, но уникальной музыки Коннорса - призрачный блюз, в котором тоскливые гитарные наброски редко переходят отметку в 3 минуты. Кроме того, интересно, что в записи двух треков (“Child" и "Brigid’s Song”) приняла участие жена Коннорса, вокалистка Сюзанна Лэнгилл (Suzanne Langille). В общем, определённый must-listen для ценителей нетривиальной гитарной музыки.
Cave - Release
(2014, Drag City)
psychedelic rock / neo-kraut
В ожидании шестого альбома от чикагской группы Cave переслушиваем их пятый альбом с простым и минималистичным названием "Release". Густой психоделический рок в краутроковом трансе.
На самом деле такое, казалось бы, до странности прямолинейное название альбома объясняется довольно просто: на "Release" музыканты собрали невыпущенный материал, начиная с 2007 года, и упаковали под однотонной простой обложкой. Однако по ней лучше не судить.
Пробираясь к биографии группы Cave, приходится немного повоевать с поисковиками: нет, спасибо, меня интересует не Nick Cave (хотя, он, конечно, тоже хорош). Но, на самом деле, биография музыкантов многого вам не расскажет: это квинтет, в котором играют Купер Крейн (Cooper Crain) - гитара, орган; Джереми Фриз (Jeremy Freeze) - гитара; Дэн Браунинг (Dan Browning) - бас; Рекс МакМарри (Rex McMurry) - ударные и мультиинструменталист Роб Фрайе (Rob Frye). Cave всегда играли преимущественно инструментальную музыку, добавляя вокал скорее ради дополнительных ритмических акцентов, чем как полноценный смысловой элемент.
"Release" отличается от других альбомов тем, что на нем можно проследить, как менялось и эволюционировало звучание группы (держим в голове, что это всё треки разных лет). Cave испытали большое влияние корифеев краутрока вроде Neu! и Can, а также психоделического рока, отсюда монотонные, медитативные ритмические рисунки и космическая атмосфера музыки в целом. Инопланетные танцы под веществами из других миров.
"Release" - именно тот альбом, с которого хорошо начинать знакомство с Cave, потому что он позволяет составить представление о звучании группы в целом. От их ухода с головой в толщу психоделического звука (The Ride) к более структурированным (Party Legs). При этом в обоих воплощениях Cave звучат интересно и мощно.
(2014, Drag City)
psychedelic rock / neo-kraut
В ожидании шестого альбома от чикагской группы Cave переслушиваем их пятый альбом с простым и минималистичным названием "Release". Густой психоделический рок в краутроковом трансе.
На самом деле такое, казалось бы, до странности прямолинейное название альбома объясняется довольно просто: на "Release" музыканты собрали невыпущенный материал, начиная с 2007 года, и упаковали под однотонной простой обложкой. Однако по ней лучше не судить.
Пробираясь к биографии группы Cave, приходится немного повоевать с поисковиками: нет, спасибо, меня интересует не Nick Cave (хотя, он, конечно, тоже хорош). Но, на самом деле, биография музыкантов многого вам не расскажет: это квинтет, в котором играют Купер Крейн (Cooper Crain) - гитара, орган; Джереми Фриз (Jeremy Freeze) - гитара; Дэн Браунинг (Dan Browning) - бас; Рекс МакМарри (Rex McMurry) - ударные и мультиинструменталист Роб Фрайе (Rob Frye). Cave всегда играли преимущественно инструментальную музыку, добавляя вокал скорее ради дополнительных ритмических акцентов, чем как полноценный смысловой элемент.
"Release" отличается от других альбомов тем, что на нем можно проследить, как менялось и эволюционировало звучание группы (держим в голове, что это всё треки разных лет). Cave испытали большое влияние корифеев краутрока вроде Neu! и Can, а также психоделического рока, отсюда монотонные, медитативные ритмические рисунки и космическая атмосфера музыки в целом. Инопланетные танцы под веществами из других миров.
"Release" - именно тот альбом, с которого хорошо начинать знакомство с Cave, потому что он позволяет составить представление о звучании группы в целом. От их ухода с головой в толщу психоделического звука (The Ride) к более структурированным (Party Legs). При этом в обоих воплощениях Cave звучат интересно и мощно.
Lizzy Mercier Descloux - Zulu Rock
(1984, ZE Records)
worldbeat / new wave / funk / african music influenced
Третий альбом Лиззи Мерсье-Деклу, один из лучших альбомов в жанре worldbeat, на котором она скрестила французский поп и африканскую этническую музыку.
Мы начали знакомство с француженкой Лиззи Мерсье-Деклу с её дебютного EP 78 года (тогда это еще была группа Rosa Yemen* ), на котором она исследовала музыкальную форму, делая минималистичный и одновременно с этим эксцентричный ноу-вэйв. Позже музыкальный вектор Лиззи сместился кардинально. Прежним осталась только любовь к экспериментам и новаторский подход к музыке. Поэтому после ноу-вэйва и пост-панка девушка обратила своё внимание на этническую музыку и фанк. Эта перемена прослеживалась еще на её втором LP "Mambo Nassau", однако в полной мере реализовалась на "Zulu Rock", где worldbeat окончательно вступил в свои права.
На Zulu Rock переплетаются, казалось бы, сложно сочетаемые музыкальные и культурные традиции - французская и южноафриканская. Записи этого альбома предшествовало путешествие Мерсье-Деклу по Африке. И сам альбом, что важно заметить, был записан на Satbel Studio в Южной Африке, часть позднее была дозаписана уже в Лондоне. В записи приняло участие огромное количество музыкантов, благодаря чему звучание у нее очень разнообразно, можно услышать и орган, и саксофон, и аккордеон, и трубу, и арфу.
Но что особенно сильно ощущается на этом альбоме, так это концентрированный и захватывающий кайф, который музыканты испытывают от музыки и танца. Это слышно по звонкому вокалу Лиззи, запевающей на "Mais où Sont Passées Les Gazelles ?" или "Dolby Sisters Saliva Brothers" , за которой слова подхватывает мужской и женский хор, по повторяющимся народным мотивам, по обилию тянущего в танец фанка. На альбоме песни на английском и французском языках (мы выкладываем переиздание, на котором есть бонус-треки с переводом некоторых песен на французский). При прослушивании постепенно ты начинаешь и сам ловить этот фанк и народный порыв и проникаешься этим Танцем Жизни.
(1984, ZE Records)
worldbeat / new wave / funk / african music influenced
Третий альбом Лиззи Мерсье-Деклу, один из лучших альбомов в жанре worldbeat, на котором она скрестила французский поп и африканскую этническую музыку.
Мы начали знакомство с француженкой Лиззи Мерсье-Деклу с её дебютного EP 78 года (тогда это еще была группа Rosa Yemen* ), на котором она исследовала музыкальную форму, делая минималистичный и одновременно с этим эксцентричный ноу-вэйв. Позже музыкальный вектор Лиззи сместился кардинально. Прежним осталась только любовь к экспериментам и новаторский подход к музыке. Поэтому после ноу-вэйва и пост-панка девушка обратила своё внимание на этническую музыку и фанк. Эта перемена прослеживалась еще на её втором LP "Mambo Nassau", однако в полной мере реализовалась на "Zulu Rock", где worldbeat окончательно вступил в свои права.
На Zulu Rock переплетаются, казалось бы, сложно сочетаемые музыкальные и культурные традиции - французская и южноафриканская. Записи этого альбома предшествовало путешествие Мерсье-Деклу по Африке. И сам альбом, что важно заметить, был записан на Satbel Studio в Южной Африке, часть позднее была дозаписана уже в Лондоне. В записи приняло участие огромное количество музыкантов, благодаря чему звучание у нее очень разнообразно, можно услышать и орган, и саксофон, и аккордеон, и трубу, и арфу.
Но что особенно сильно ощущается на этом альбоме, так это концентрированный и захватывающий кайф, который музыканты испытывают от музыки и танца. Это слышно по звонкому вокалу Лиззи, запевающей на "Mais où Sont Passées Les Gazelles ?" или "Dolby Sisters Saliva Brothers" , за которой слова подхватывает мужской и женский хор, по повторяющимся народным мотивам, по обилию тянущего в танец фанка. На альбоме песни на английском и французском языках (мы выкладываем переиздание, на котором есть бонус-треки с переводом некоторых песен на французский). При прослушивании постепенно ты начинаешь и сам ловить этот фанк и народный порыв и проникаешься этим Танцем Жизни.
Die Wilde Jagd - Uhrwald Orange
(2018, Bureau B)
krautrock / neo-kraut / psychedelic
Призрачная охота в дремучих немецких лесах на втором альбоме группы Die Wilde Jagd. Современный краутрок такой, каким он должен быть.
Название группы Die Wilde Jagd отсылает к образу Дикой Охоты из средневековой немецкой и скандинавской мифологии. Это полчище призрачных всадников со сворой собак, которое собирает души людей. Вообще музыканты явно любят поэтичные названия, в прошлом воплощении группа назвалась Der Räuber Und Der Prinz (нем. Разбойник и принц), и вероятнее всего это отсылка к одноименной песне DAF. Справедливости ради, обозначение "группа" не совсем уместно, потому что Die Wilde Jagd - это дуэт из Дюссельдорфа, в котором Себастьян Ли Филипп (Sebastian Lee Philipp) создает альбомы совместно с продюсером Ральфом Беком (Ralf Beck). Хотя и "дуэт" здесь - это скорее дань уважения к продюсеру Беку, без которого музыка Себастьяна Ли Филиппа вряд ли звучала бы настолько круто.
Первый же трек этого альбома даёт слушателю понять, что ключевым образом на звучание группы повлиял краутрок. Пожалуй, Die Wilde Jagd - именно та группа, которая, продолжая традиции этого жанра, отстаивает своё самобытное звучание. Пятнадцатиминутая "Flederboy" выдерживает один бит на протяжении всего трека, но при этом её никак не получится назвать монотонной: на повторяющийся паттерн наслаиваются дополнительные электронные эффекты, эхо и мелодические вставки. Филипп включает в треки самые разные элементы - от средиземноморским мандолин и североафриканского кракеба до природных полевых записей из Португалии.
Это одна из интересных особенностей "Uhrwald Orange": слушая этот альбом, ты сам не замечаешь, как он затягивает тебя и при всей кажущейся простоте композиции заставляет внимательно следить за малейшим изменением звучания. В большинстве своём альбом инструментальный - треков с вокалом всего три. Вокал на "Uhrwald Orange" тоже монотонный, четко попадающий в ритмический рисунок песни. Сильнее всего альбом выделяется благодаря своему специфическому звучанию, которое помогают создать винтажные аналоговые синтезаторы, драм-машины и другое оборудование на студии Бека.
(2018, Bureau B)
krautrock / neo-kraut / psychedelic
Призрачная охота в дремучих немецких лесах на втором альбоме группы Die Wilde Jagd. Современный краутрок такой, каким он должен быть.
Название группы Die Wilde Jagd отсылает к образу Дикой Охоты из средневековой немецкой и скандинавской мифологии. Это полчище призрачных всадников со сворой собак, которое собирает души людей. Вообще музыканты явно любят поэтичные названия, в прошлом воплощении группа назвалась Der Räuber Und Der Prinz (нем. Разбойник и принц), и вероятнее всего это отсылка к одноименной песне DAF. Справедливости ради, обозначение "группа" не совсем уместно, потому что Die Wilde Jagd - это дуэт из Дюссельдорфа, в котором Себастьян Ли Филипп (Sebastian Lee Philipp) создает альбомы совместно с продюсером Ральфом Беком (Ralf Beck). Хотя и "дуэт" здесь - это скорее дань уважения к продюсеру Беку, без которого музыка Себастьяна Ли Филиппа вряд ли звучала бы настолько круто.
Первый же трек этого альбома даёт слушателю понять, что ключевым образом на звучание группы повлиял краутрок. Пожалуй, Die Wilde Jagd - именно та группа, которая, продолжая традиции этого жанра, отстаивает своё самобытное звучание. Пятнадцатиминутая "Flederboy" выдерживает один бит на протяжении всего трека, но при этом её никак не получится назвать монотонной: на повторяющийся паттерн наслаиваются дополнительные электронные эффекты, эхо и мелодические вставки. Филипп включает в треки самые разные элементы - от средиземноморским мандолин и североафриканского кракеба до природных полевых записей из Португалии.
Это одна из интересных особенностей "Uhrwald Orange": слушая этот альбом, ты сам не замечаешь, как он затягивает тебя и при всей кажущейся простоте композиции заставляет внимательно следить за малейшим изменением звучания. В большинстве своём альбом инструментальный - треков с вокалом всего три. Вокал на "Uhrwald Orange" тоже монотонный, четко попадающий в ритмический рисунок песни. Сильнее всего альбом выделяется благодаря своему специфическому звучанию, которое помогают создать винтажные аналоговые синтезаторы, драм-машины и другое оборудование на студии Бека.
Caterina Barbieri - Patterns Of Consciousness
(2017, Important Records)
progressive electronic / minimalism / modular
Второй альбом композитора Катерины Барбьери, на котором она исследует структуру человеческого сознания с помощью минимализма и модульных синтезаторов.
Катерина Барбьери - берлинский композитор итальянского происхождения, чьё творчество преимущественно сфокусировано на темах искусственного интеллекта и объектно-ориентированного восприятия звука. Сама Катерина называет свою музыку минимализмом - хотя, конечно, это не тот привычный околоакадемический минимализм, о котором мы обычно думаем, когда слышим это слово. Впрочем, основные принципы у этой версии минимализма те же самые. В своём творчестве Катерина исследует психофизические эффекты повторений различных структур и паттернов в музыке, раскрывая полифонический и полиритмический потенциал секвенсоров и модульных синтезаторов (в первую очередь, знаменитого Buchla 200).
Альбом “Patterns Of Consciousness”, как и первый релиз Катерины, вышел на независимом американском лейбле Important Records, который специализируется главным образом на современной классической, экспериментальной и электронной музыке. Несмотря на то что первый альбом Катерины также был синтезаторным, “Patterns Of Consciousness” унёс её в эту степь гораздо дальше. На контрасте с первым релизом пропали все вокальные вкрапления, элементы техно и дроуна. А осталась чистая синтезаторная алхимия, которая, в первую очередь, отсылает к kosmische musik 70-х годов.
Сама Катерина описывает этот альбом как попытку использовать музыкальные паттерны, чтобы изменить состояние сознания [слушателя]. Пожалуй, если слушать “Patterns Of Consciousness” целиком, становится понятно, что эта попытка удалась. Протяжные растянутые саундскейпы с гипнотическими синтезаторными арпеджио и сложными мелодическими алгоритмами захватывающе погружают в себя и действительно могут привести к каким-то необычным состояниям.
(2017, Important Records)
progressive electronic / minimalism / modular
Второй альбом композитора Катерины Барбьери, на котором она исследует структуру человеческого сознания с помощью минимализма и модульных синтезаторов.
Катерина Барбьери - берлинский композитор итальянского происхождения, чьё творчество преимущественно сфокусировано на темах искусственного интеллекта и объектно-ориентированного восприятия звука. Сама Катерина называет свою музыку минимализмом - хотя, конечно, это не тот привычный околоакадемический минимализм, о котором мы обычно думаем, когда слышим это слово. Впрочем, основные принципы у этой версии минимализма те же самые. В своём творчестве Катерина исследует психофизические эффекты повторений различных структур и паттернов в музыке, раскрывая полифонический и полиритмический потенциал секвенсоров и модульных синтезаторов (в первую очередь, знаменитого Buchla 200).
Альбом “Patterns Of Consciousness”, как и первый релиз Катерины, вышел на независимом американском лейбле Important Records, который специализируется главным образом на современной классической, экспериментальной и электронной музыке. Несмотря на то что первый альбом Катерины также был синтезаторным, “Patterns Of Consciousness” унёс её в эту степь гораздо дальше. На контрасте с первым релизом пропали все вокальные вкрапления, элементы техно и дроуна. А осталась чистая синтезаторная алхимия, которая, в первую очередь, отсылает к kosmische musik 70-х годов.
Сама Катерина описывает этот альбом как попытку использовать музыкальные паттерны, чтобы изменить состояние сознания [слушателя]. Пожалуй, если слушать “Patterns Of Consciousness” целиком, становится понятно, что эта попытка удалась. Протяжные растянутые саундскейпы с гипнотическими синтезаторными арпеджио и сложными мелодическими алгоритмами захватывающе погружают в себя и действительно могут привести к каким-то необычным состояниям.
Haunted House - Up In Flames
(1999, Erstwhile Records)
blues / post-rock
Сегодня слушаем первый альбом группы Haunted House, собранной культовым Лореном Коннорсом. Live-альбом, ставший для группы дебютным релизом, так и хочется окрестить жанром ghostly blues.
Haunted House - это Лорен Коннорс (Loren Connors), про которого мы недавно* писали, гитарист Эндрю Бёрнс (Andrew Burnes), Нил Мюргей (Neel Murgai) - перкуссия, а также вечная спутница Коннорса, вокалистка Сюзанна Лэнгилл (Suzanne Langille). И хотя автор двух из всего трёх треков на альбоме (который длится почти целый час) - Сюзанна Лэнгилл, большую часть внимания на себя привлекает её супруг, чья гитара на альбоме является главным источником музыки и призрачной атмосферы.
Первые 11 минут альбома мы слышим исключительно гитару Коннорса, в какой-то момент другие инструменты постепенно начинают подключаться, а с появлением зыбкого вокала Лэнгилл музыка на треке “Been So Long” достигает своей кульминации. Медленный, примитивистский и кажущийся даже немного заторможенным стиль гитарной игры Коннорса, а также структура треков, которая предполагает крещендо и кульминацию, - всё это приводит к сравнениям с отцами пост-рока, Godspeed You Black Emperor! Однако этот повод для сравнений, пожалуй, внешний. Сутью Haunted House всё-таки остаётся, хоть растянутый и деформированный, но всё же блюз.
Завершает альбом "Blue Ghost Blues", призрачная интерпретация песни знаменитого Лонни Джонсона (Lonnie Johnson). Оригинал песни впервые был записан в 1927 году, вариант от Haunted House - спустя более семидесяти лет. Когда слушаешь этот трек, да и альбом “Up In Flames” в целом, создаётся впечатление, что именно так должен звучать белый блюз, созданный в 90-х.
(1999, Erstwhile Records)
blues / post-rock
Сегодня слушаем первый альбом группы Haunted House, собранной культовым Лореном Коннорсом. Live-альбом, ставший для группы дебютным релизом, так и хочется окрестить жанром ghostly blues.
Haunted House - это Лорен Коннорс (Loren Connors), про которого мы недавно* писали, гитарист Эндрю Бёрнс (Andrew Burnes), Нил Мюргей (Neel Murgai) - перкуссия, а также вечная спутница Коннорса, вокалистка Сюзанна Лэнгилл (Suzanne Langille). И хотя автор двух из всего трёх треков на альбоме (который длится почти целый час) - Сюзанна Лэнгилл, большую часть внимания на себя привлекает её супруг, чья гитара на альбоме является главным источником музыки и призрачной атмосферы.
Первые 11 минут альбома мы слышим исключительно гитару Коннорса, в какой-то момент другие инструменты постепенно начинают подключаться, а с появлением зыбкого вокала Лэнгилл музыка на треке “Been So Long” достигает своей кульминации. Медленный, примитивистский и кажущийся даже немного заторможенным стиль гитарной игры Коннорса, а также структура треков, которая предполагает крещендо и кульминацию, - всё это приводит к сравнениям с отцами пост-рока, Godspeed You Black Emperor! Однако этот повод для сравнений, пожалуй, внешний. Сутью Haunted House всё-таки остаётся, хоть растянутый и деформированный, но всё же блюз.
Завершает альбом "Blue Ghost Blues", призрачная интерпретация песни знаменитого Лонни Джонсона (Lonnie Johnson). Оригинал песни впервые был записан в 1927 году, вариант от Haunted House - спустя более семидесяти лет. Когда слушаешь этот трек, да и альбом “Up In Flames” в целом, создаётся впечатление, что именно так должен звучать белый блюз, созданный в 90-х.
The Necks - Body
(2018, Northern Spy)
avant-jazz / minimalistic jazz / krautrock influenced
Полтора года назад мы уже писали про релиз австралийской группы The Necks. Продолжаем традицию обзором их нового альбома, который выводит минималистичный джаз на другой уровень.
"Body" - юбилейный, двадцатый, альбом этого инструментального трио, и в каком-то смысле он подытоживает предыдущие годы творчества группы. Если вы ждали от этого релиза каких-то кардинальных изменений в звучании The Necks, то нет, ничего из ряда вон для них здесь нет. Но это тот альбом, на котором музыкантам, возможно, лучше всего удалось развернуться во всех элементах, которые были в их альбомах и до этого - минималистической цикличности, краутроковых проигрышах, обилии фортепиано и баса с вкраплениями электроники. У The Necks есть своя универсальная формула, которой они остаются преданы: они берут за основу простую музыкальную фразу и разворачивают её, добавляя другие инструменты, увеличивая интенсивность и напряжение. Они могут развивать этот паттерн двадцать минут или час, как в случае с состоящим из одного 56-минутного трека "Body", но подход The Necks остается неизменным.
Однако это описание может ввести вас в заблуждение, если вы никогда прежде не слушали The Necks. "Body" совсем не монотонный и не однообразный: условно альбом можно разделить на 4 части (вы отчетливо услышите переходы между ними), и за час он успевает от драматичных фортепианных глиссандо развиться до спокойного эмбиентно-электронного отрывка и вылиться в динамичный массивный рок на грани пост-рока и краута. Сами Necks описали свой альбом в 10 словах: "Episodic, Driving, Dynamic, Layered, Celebratory, Soaring, Rocking out, Buoyant, Sustained, Perfectly paced" (эпизодический, энергичный, динамичный, многослойный, праздничный, парящий/головокружительный, отрывной, оживленный, непрерывный идеально выверенный).
Спокойствие и напряжение, транс и драйв, тихий эмбиент и напирающий пост-рок - этот альбом сочетает в себе эти, казалось бы, противоположности так искусно, что они кажутся совершенно естественными.
(2018, Northern Spy)
avant-jazz / minimalistic jazz / krautrock influenced
Полтора года назад мы уже писали про релиз австралийской группы The Necks. Продолжаем традицию обзором их нового альбома, который выводит минималистичный джаз на другой уровень.
"Body" - юбилейный, двадцатый, альбом этого инструментального трио, и в каком-то смысле он подытоживает предыдущие годы творчества группы. Если вы ждали от этого релиза каких-то кардинальных изменений в звучании The Necks, то нет, ничего из ряда вон для них здесь нет. Но это тот альбом, на котором музыкантам, возможно, лучше всего удалось развернуться во всех элементах, которые были в их альбомах и до этого - минималистической цикличности, краутроковых проигрышах, обилии фортепиано и баса с вкраплениями электроники. У The Necks есть своя универсальная формула, которой они остаются преданы: они берут за основу простую музыкальную фразу и разворачивают её, добавляя другие инструменты, увеличивая интенсивность и напряжение. Они могут развивать этот паттерн двадцать минут или час, как в случае с состоящим из одного 56-минутного трека "Body", но подход The Necks остается неизменным.
Однако это описание может ввести вас в заблуждение, если вы никогда прежде не слушали The Necks. "Body" совсем не монотонный и не однообразный: условно альбом можно разделить на 4 части (вы отчетливо услышите переходы между ними), и за час он успевает от драматичных фортепианных глиссандо развиться до спокойного эмбиентно-электронного отрывка и вылиться в динамичный массивный рок на грани пост-рока и краута. Сами Necks описали свой альбом в 10 словах: "Episodic, Driving, Dynamic, Layered, Celebratory, Soaring, Rocking out, Buoyant, Sustained, Perfectly paced" (эпизодический, энергичный, динамичный, многослойный, праздничный, парящий/головокружительный, отрывной, оживленный, непрерывный идеально выверенный).
Спокойствие и напряжение, транс и драйв, тихий эмбиент и напирающий пост-рок - этот альбом сочетает в себе эти, казалось бы, противоположности так искусно, что они кажутся совершенно естественными.