Jackie-O Motherfucker - Fig.5
(2000, Road Cone Records)
free folk / free improvisation / post-americana
Пятый альбом экспериментаторов Jackie-O Motherfucker из Портленда (OR). Один из их самых успешных релизов и один из интереснейших вариантов для знакомства с группой.
Когда вышел “Fig. 5”, то сразу стало очевидно, что он был сильно ориентирован на импровизацию. Это интересно соотносится с тем фактом, что об альбоме писали, как об экспериментальном переосмыслении американы. Так, к примеру, "Amazing Grace"- это экстремальная импровизация, вдохновлённая одноимённым христианским гимном, когда-то ставшим традиционной песней. Кроме того, на альбоме есть ещё один пример экспериментирования с традиционными песнями, только на этот раз не духовными, а тюремными. Примером тому служит "Go Down, Old Hannah".
Помимо постоянных импровизаций, внушительного количества человек, принявших участие в записи (12 музыкантов на всём альбоме + хор на "Amazing Grace"), нетривиальной длины треков, когда один из них может длиться почти 25 минут, а следующий за ним - всего полторы, на “Fig. 5” слышатся элементы пост-рока, краутрока и даже госпела. Много музыкантов, множество различных инструментов, сплетения и переплетения жанров, музыкальных приёмов и традиций. Но остаётся ли “Fig. 5” , при всём своём разнообразии, цельным альбом, который можно слушать как единое произведение искусства?
Пожалуй, на этот вопрос нельзя ответить однозначным утверждением или отрицанием, так как ответ на вопрос о восприятии неизбежно уводит в область вкусовых суждений. Мы лишь ограничимся метафорой археологической находки. При прослушивании “Fig. 5” возникает ощущение, что этот альбом можно было бы найти в условном преломлённом пространственно-временном континууме, а музыка на нём одновременно запечатлела и старую американскую музыкальную традицию, и гипнотический кислотный фолк 60-х/70-х и уже более поздние авангардные эксперименты. Странная штука, но определённо очень интересная.
(2000, Road Cone Records)
free folk / free improvisation / post-americana
Пятый альбом экспериментаторов Jackie-O Motherfucker из Портленда (OR). Один из их самых успешных релизов и один из интереснейших вариантов для знакомства с группой.
Когда вышел “Fig. 5”, то сразу стало очевидно, что он был сильно ориентирован на импровизацию. Это интересно соотносится с тем фактом, что об альбоме писали, как об экспериментальном переосмыслении американы. Так, к примеру, "Amazing Grace"- это экстремальная импровизация, вдохновлённая одноимённым христианским гимном, когда-то ставшим традиционной песней. Кроме того, на альбоме есть ещё один пример экспериментирования с традиционными песнями, только на этот раз не духовными, а тюремными. Примером тому служит "Go Down, Old Hannah".
Помимо постоянных импровизаций, внушительного количества человек, принявших участие в записи (12 музыкантов на всём альбоме + хор на "Amazing Grace"), нетривиальной длины треков, когда один из них может длиться почти 25 минут, а следующий за ним - всего полторы, на “Fig. 5” слышатся элементы пост-рока, краутрока и даже госпела. Много музыкантов, множество различных инструментов, сплетения и переплетения жанров, музыкальных приёмов и традиций. Но остаётся ли “Fig. 5” , при всём своём разнообразии, цельным альбом, который можно слушать как единое произведение искусства?
Пожалуй, на этот вопрос нельзя ответить однозначным утверждением или отрицанием, так как ответ на вопрос о восприятии неизбежно уводит в область вкусовых суждений. Мы лишь ограничимся метафорой археологической находки. При прослушивании “Fig. 5” возникает ощущение, что этот альбом можно было бы найти в условном преломлённом пространственно-временном континууме, а музыка на нём одновременно запечатлела и старую американскую музыкальную традицию, и гипнотический кислотный фолк 60-х/70-х и уже более поздние авангардные эксперименты. Странная штука, но определённо очень интересная.
Mike Ladd - Negrophilia: The Album
(2005, Thirsty Ear)
jazz rap / instrumental hip-hop / avant-garde jazz
Рецензия от нашего друга @dannytozik. Четвёртый сольный альбом американского рэпера и продюсера Майка Лэдда, на котором он предложил своё видение джаз-рэпа.
Сегодня - об одном из альбомов Майка Лэдда, хип-хоп исполнителя, поэта и продюсера, о котором, по словам его же лейбла, вы вроде бы должны знать, но не знаете. Название альбома отсылает к книге “Negrophilia: Avant-Garde Paris and Black Culture in the 1920s”, ключевой работе Петрин Арчер-Строу (Petrine Archer-Straw), в которой она исследовала культуру чёрного населения Парижа 20-х годов и одержимость ею в литературе, моде и других сферах культуры. Но сама книга - лишь опорная точка. Майк хоть и переплетает её темы в лирические зарисовки о культурном империализме ("Brancusi sculpting Beyonce in Gold lame / Blond negress") и цивилистике, но не ограничивается этим в своём полёте идей.
Голос Майка, гармонично ложащийся в общую палитру инструментов, разливается редким флоу, пограничным с битническим споукен-вордом, который, вероятно, можно было бы услышать в джаз-клубах его родного Бостона. Альбом, задуманный одновременно электронным и инструментальным, может похвастаться ярким составом музыкантов. Постоянный (начиная с "In What Language?" 2004 года) коллаборатор Майка, Виджай Айер (Vijay Iyer), за своим фортепиано то вдаётся в импровизацию ('In Perspective'), то переплетает свою музыку с кассетными лупами Брюса Ганта ('Sam And Milli Dine Out'); барабанщик Гильермо Браун органично передаёт ритмическую эстафету сэмпловым битам Лэдда. Чисто джазовые композиции (как, например, 'The French Dig Latinos Too') чередуются с пёстрым саунд-коллажем ('Sleep Patterns Of Black Expatriots Circa 1960'), электроника соединяется с хип-хопом.
Майк Лэдд, как и многие резиденты лейбла Thirsty Ear в то время, в каком-то смысле производит в хип-хопе переход сравнимого масштаба, что и те представители африканской культуры в Париже начала прошлого века, которые вдохнули жизнь в кубизм, Art Deco и евро-джаз. Эксперимент и прежде чуждые элементы становятся успешно встроенными в музыку и переоткрывают жанр в очередной раз после футуристичного "Welcome To The Afterfuture" 2000-го и смелых проектов с The Majesticons. Сам Майк поставил альбому задачу "стать органическим фоном к цифровому ландшафту", меняющемуся изо дня в день. Решать, добился ли он этого или нет, предоставляется слушателю.
(2005, Thirsty Ear)
jazz rap / instrumental hip-hop / avant-garde jazz
Рецензия от нашего друга @dannytozik. Четвёртый сольный альбом американского рэпера и продюсера Майка Лэдда, на котором он предложил своё видение джаз-рэпа.
Сегодня - об одном из альбомов Майка Лэдда, хип-хоп исполнителя, поэта и продюсера, о котором, по словам его же лейбла, вы вроде бы должны знать, но не знаете. Название альбома отсылает к книге “Negrophilia: Avant-Garde Paris and Black Culture in the 1920s”, ключевой работе Петрин Арчер-Строу (Petrine Archer-Straw), в которой она исследовала культуру чёрного населения Парижа 20-х годов и одержимость ею в литературе, моде и других сферах культуры. Но сама книга - лишь опорная точка. Майк хоть и переплетает её темы в лирические зарисовки о культурном империализме ("Brancusi sculpting Beyonce in Gold lame / Blond negress") и цивилистике, но не ограничивается этим в своём полёте идей.
Голос Майка, гармонично ложащийся в общую палитру инструментов, разливается редким флоу, пограничным с битническим споукен-вордом, который, вероятно, можно было бы услышать в джаз-клубах его родного Бостона. Альбом, задуманный одновременно электронным и инструментальным, может похвастаться ярким составом музыкантов. Постоянный (начиная с "In What Language?" 2004 года) коллаборатор Майка, Виджай Айер (Vijay Iyer), за своим фортепиано то вдаётся в импровизацию ('In Perspective'), то переплетает свою музыку с кассетными лупами Брюса Ганта ('Sam And Milli Dine Out'); барабанщик Гильермо Браун органично передаёт ритмическую эстафету сэмпловым битам Лэдда. Чисто джазовые композиции (как, например, 'The French Dig Latinos Too') чередуются с пёстрым саунд-коллажем ('Sleep Patterns Of Black Expatriots Circa 1960'), электроника соединяется с хип-хопом.
Майк Лэдд, как и многие резиденты лейбла Thirsty Ear в то время, в каком-то смысле производит в хип-хопе переход сравнимого масштаба, что и те представители африканской культуры в Париже начала прошлого века, которые вдохнули жизнь в кубизм, Art Deco и евро-джаз. Эксперимент и прежде чуждые элементы становятся успешно встроенными в музыку и переоткрывают жанр в очередной раз после футуристичного "Welcome To The Afterfuture" 2000-го и смелых проектов с The Majesticons. Сам Майк поставил альбому задачу "стать органическим фоном к цифровому ландшафту", меняющемуся изо дня в день. Решать, добился ли он этого или нет, предоставляется слушателю.
Ben LaMar Gay - Benjamim e Edinho
(2018, International Anthem)
contemporary jazz / avant-garde / tropicália influenced
Нам нравится Бен ЛаМар Гей и тропикалия, а тут месяц назад он записал альбом, вдохновлённый этим бразильским движением. Слушаем и разбираемся, много ли на самом деле тут "тропического" саунда.
Небольшой обзор биографии и творчества Бена ЛаМара мы уже делали в прошлом году, когда писали про его альбом "Downtown Castles Can Never Block The Sun". Оставим вам в VK ссылку на пост, если захотите побольше узнать про музыканта. Всё, что вам нужно знать про музыканта для начала: этот инструменталист занимается музыкой уже многие годы, участвовал в коллаборациях со разными музыкантами чикагской сцены, но до 2018 года его полноценные сольные альбомы не выходили вообще. Видимо, Бен понял, что пришло время навёрстывать упущенное. За прошлый год, помимо "Benjamim e Edinho", он уже выпустил три альбома, а в 2019 анонсирует выход ещё трёх. Судя по всему, материала за это время накопилось на несколько лет вперёд.
"Benjamim e Edinho" - совместный альбом Бена и его давнего друга Эдино Гербера (Edinho Gerber), как вы уже, наверное, догадались по названию альбома, где использованы имена обоих музыкантов. Эдино Гербера родом из Рио де Жанейро, где Бен провёл несколько лет своей жизни; затем оба они жили в Чикаго. Эти города, на улицах которых зародилась и окрепла их дружба, имеют большое значение для "Benjamim e Edinho". В пресс-релизе говорят, что на нём "революционный, психоделический и чувственный саунд классики тропикалии пропущен через призму Чикаго". Вообще упомянуть только тропикалию было бы недостаточно, влияний гораздо больше: от аранжировок Чарльза Степни до творчества Джонса Куинси периода 70-х. Вся музыка на альбоме придумана и записана Беном и Эдино, за исключением гостевых музыкантов (Marcus Evans, Tommaso Moretti, Bia e Camila и других) на нескольких треках.
Переплавление всех этих влияний даёт впечатляющее сочетание приблюзованного вокала, джаза, электроники, гитары в бразильской традиции и хип-хопа. В общем, "Benjamim e Edinho" - это тот случай, когда экспериментальная музыка в основе своей звучит мелодично и даже по-своему просто, но при этом очень тонко продумана и сыграна, не являясь экспериментом ради эксперимента.
(2018, International Anthem)
contemporary jazz / avant-garde / tropicália influenced
Нам нравится Бен ЛаМар Гей и тропикалия, а тут месяц назад он записал альбом, вдохновлённый этим бразильским движением. Слушаем и разбираемся, много ли на самом деле тут "тропического" саунда.
Небольшой обзор биографии и творчества Бена ЛаМара мы уже делали в прошлом году, когда писали про его альбом "Downtown Castles Can Never Block The Sun". Оставим вам в VK ссылку на пост, если захотите побольше узнать про музыканта. Всё, что вам нужно знать про музыканта для начала: этот инструменталист занимается музыкой уже многие годы, участвовал в коллаборациях со разными музыкантами чикагской сцены, но до 2018 года его полноценные сольные альбомы не выходили вообще. Видимо, Бен понял, что пришло время навёрстывать упущенное. За прошлый год, помимо "Benjamim e Edinho", он уже выпустил три альбома, а в 2019 анонсирует выход ещё трёх. Судя по всему, материала за это время накопилось на несколько лет вперёд.
"Benjamim e Edinho" - совместный альбом Бена и его давнего друга Эдино Гербера (Edinho Gerber), как вы уже, наверное, догадались по названию альбома, где использованы имена обоих музыкантов. Эдино Гербера родом из Рио де Жанейро, где Бен провёл несколько лет своей жизни; затем оба они жили в Чикаго. Эти города, на улицах которых зародилась и окрепла их дружба, имеют большое значение для "Benjamim e Edinho". В пресс-релизе говорят, что на нём "революционный, психоделический и чувственный саунд классики тропикалии пропущен через призму Чикаго". Вообще упомянуть только тропикалию было бы недостаточно, влияний гораздо больше: от аранжировок Чарльза Степни до творчества Джонса Куинси периода 70-х. Вся музыка на альбоме придумана и записана Беном и Эдино, за исключением гостевых музыкантов (Marcus Evans, Tommaso Moretti, Bia e Camila и других) на нескольких треках.
Переплавление всех этих влияний даёт впечатляющее сочетание приблюзованного вокала, джаза, электроники, гитары в бразильской традиции и хип-хопа. В общем, "Benjamim e Edinho" - это тот случай, когда экспериментальная музыка в основе своей звучит мелодично и даже по-своему просто, но при этом очень тонко продумана и сыграна, не являясь экспериментом ради эксперимента.
👍1
Рубрика отличные новости. Тут на днях стало известно, что уже в апреле Sunn O))) выпускают новый альбом, первый за четыре года. И не просто альбом, а альбом, записанный в сотрудничестве со Стивом Альбини в его студии Electrical Audio studio. Уже есть название, треклист, обложка и превью-отрывок одной из композиций. В создании альбома приняли гостевое участие разные музыканты, включая, в частности, Гиду Валтисдоттир из Múm. По словам самих Санн, альбом "сталкивает друг с другом идеи романтизма XIX века и абстрактного экспрессионизма XX века". Life Metal выйдет на лейбле Southern Lord. Очень ждём)))
https://www.youtube.com/watch?time_continue=2&v=s4miK2kxrHM
https://www.youtube.com/watch?time_continue=2&v=s4miK2kxrHM
YouTube
SUNN O))) - LIFE METAL preview
At the very beginning of 2018, Sunn O))) co-founders Stephen O'Malley & Greg Anderson set out on a path toward a new album production. They were both determi...
Supersilent - 6
(2003, Rune Grammofon)
free improvisation / EAI / avant-garde jazz
Четвёртый альбом одной из интереснейших норвежских импровизационных групп. Одна из самых доступных для восприятия пластинок группы и в то же время самая признанная критиками.
Supersilent - коллектив действительно уникальный. В каком-то смысле его даже можно назвать супергруппой. Все участники коллектива весьма успешно задействованы в большом количестве других групп и коллабораций, представляя собой авангард (простите за каламбур) норвежского джаза, импровизационной и экспериментальной музыки. В общем-то, даже нет нужды перечислять названия музыкальных проектов, которыми занимались или до сих пор занимаются участники Supersilent (проще будет загуглить); их имена говорят сами за себя. На момент записи альбома “6” группа состояла из Арве Хенриксена (труба, перкуссия, вокал), Хельге Стена, более известного как Deathprod (электрогитара, синты и прочая электроника), Столе Стурлёккена (синты) и Ярле Веспестада (ударные).
Группа была образована в 1997 году для выступления на Бергенском джазовом фестивале и с тех пор, претерпев небольшие изменения в составе (Ярле Веспестад покинул коллектив, сконцентрировавшись на работе в других проектах), выпустила суммарно 12 различных релизов и один концертный фильм. Supersilent, конечно, тесно связаны с тусовкой вокруг Rune Grammofon, одного из ключевых для Норвегии лейблов в области авангардного джаза, экспериментальной электроники и импровизационной музыки.
И да, вся музыка, которую записывают Supersilent, - полностью импровизационная. Это особенно ярко характеризует группу, потому что на ранних этапах знакомства с их музыкой, иногда сталкиваешься с недоумением и одновременно восхищением - “неужели всё это в самом деле является свободной импровизацией?”. К слову, если говорить точно, то “6” - третий студийный релиз группы. Альбом “5” был в записан в формате лайва. Впрочем, в случае с Supersilent довольно сложно провести границу (да и нужно ли оно?) между студийной и живой записью. Пожалуй, основной разницей тут является только факт записи в студии или на сцене. Что до самой музыки, то она в любом случае каждый раз демонстрирует высочайший уровень коллективной импровизации, тонкого и отчасти отстранённого исполнения (в “скандинавской” манере), а также необычных звуковых текстур.
(2003, Rune Grammofon)
free improvisation / EAI / avant-garde jazz
Четвёртый альбом одной из интереснейших норвежских импровизационных групп. Одна из самых доступных для восприятия пластинок группы и в то же время самая признанная критиками.
Supersilent - коллектив действительно уникальный. В каком-то смысле его даже можно назвать супергруппой. Все участники коллектива весьма успешно задействованы в большом количестве других групп и коллабораций, представляя собой авангард (простите за каламбур) норвежского джаза, импровизационной и экспериментальной музыки. В общем-то, даже нет нужды перечислять названия музыкальных проектов, которыми занимались или до сих пор занимаются участники Supersilent (проще будет загуглить); их имена говорят сами за себя. На момент записи альбома “6” группа состояла из Арве Хенриксена (труба, перкуссия, вокал), Хельге Стена, более известного как Deathprod (электрогитара, синты и прочая электроника), Столе Стурлёккена (синты) и Ярле Веспестада (ударные).
Группа была образована в 1997 году для выступления на Бергенском джазовом фестивале и с тех пор, претерпев небольшие изменения в составе (Ярле Веспестад покинул коллектив, сконцентрировавшись на работе в других проектах), выпустила суммарно 12 различных релизов и один концертный фильм. Supersilent, конечно, тесно связаны с тусовкой вокруг Rune Grammofon, одного из ключевых для Норвегии лейблов в области авангардного джаза, экспериментальной электроники и импровизационной музыки.
И да, вся музыка, которую записывают Supersilent, - полностью импровизационная. Это особенно ярко характеризует группу, потому что на ранних этапах знакомства с их музыкой, иногда сталкиваешься с недоумением и одновременно восхищением - “неужели всё это в самом деле является свободной импровизацией?”. К слову, если говорить точно, то “6” - третий студийный релиз группы. Альбом “5” был в записан в формате лайва. Впрочем, в случае с Supersilent довольно сложно провести границу (да и нужно ли оно?) между студийной и живой записью. Пожалуй, основной разницей тут является только факт записи в студии или на сцене. Что до самой музыки, то она в любом случае каждый раз демонстрирует высочайший уровень коллективной импровизации, тонкого и отчасти отстранённого исполнения (в “скандинавской” манере), а также необычных звуковых текстур.
5 апреля у Яна Елинека выйдет новый альбом в коллаборации с японским саунд-художником ASUNA. Последний выпустил более 60 своих работ на лейблах по всему миру и занимается саунд-инсталляциями ещё с конца 90-х. Судя по описанию, альбом получится интересным: препарированный орган, лупы с полевыми записями, дроуны и пульсирующая основа из модулярных синтов Яна.
В ожидании альбома можно послушать сингл на сайте лейбла Faitiche:
https://faitiche.de/blog/2019/01/30/signals-bulletin
В ожидании альбома можно послушать сингл на сайте лейбла Faitiche:
https://faitiche.de/blog/2019/01/30/signals-bulletin
The Flaming Lips - Clouds Taste Metallic
(1995, Warner Bros.)
noise pop / neo-psychedelia / psychedelic pop
Сегодня в рубрике #that_greats слушаем седьмой студийный альбом одной из ключевых неопсиходелических групп, The Flaming Lips. Альбом, которым завершился нойз-поп период творчества группы.
Если вы не особо глубоко знакомы с внушительной дискографией Уэйна Койна и компании, то у вас может возникнуть справедливый вопрос: с какого альбома или периода лучше подступиться к обстоятельному знакомству с The Flaming Lips. Так вот, точек вхождения в их музыку довольно много, и совсем не обязательно слушать релизы группы в хронологическом порядке или, например, начиная с самого известного. The Flaming Lips в разные периоды их творчества звучали по-разному, и вопрос того, какие альбомы у них наиболее интересные - дело сугубо индивидуальное, на вкус и цвет. Но если вы хотите получить представление о том, что из себя представляла музыка группы в середине 90-х, шумный и грязноватый по саунду период группы, то, как нам кажется, “Clouds Taste Metallic” - это как раз то, что нужно!
(1995, Warner Bros.)
noise pop / neo-psychedelia / psychedelic pop
Сегодня в рубрике #that_greats слушаем седьмой студийный альбом одной из ключевых неопсиходелических групп, The Flaming Lips. Альбом, которым завершился нойз-поп период творчества группы.
Если вы не особо глубоко знакомы с внушительной дискографией Уэйна Койна и компании, то у вас может возникнуть справедливый вопрос: с какого альбома или периода лучше подступиться к обстоятельному знакомству с The Flaming Lips. Так вот, точек вхождения в их музыку довольно много, и совсем не обязательно слушать релизы группы в хронологическом порядке или, например, начиная с самого известного. The Flaming Lips в разные периоды их творчества звучали по-разному, и вопрос того, какие альбомы у них наиболее интересные - дело сугубо индивидуальное, на вкус и цвет. Но если вы хотите получить представление о том, что из себя представляла музыка группы в середине 90-х, шумный и грязноватый по саунду период группы, то, как нам кажется, “Clouds Taste Metallic” - это как раз то, что нужно!
Jasmine Guffond - Degradation Loops
(2018, Karlrecords)
ambient / noise / glitch / sound art
Саунд-художница Жасмин Гаффонд до основания разрушает один из своих альбомов. "Degradation Loops" - работа о красоте самоуничтожения или протест против унификации в музыкальной индустрии?
У Жасмин Гаффонд весьма интересный подход к работе. Она создаёт свою музыку на основе цифровых данных. Это сложно представить, но всемирная паутина способна издавать самые разные звуки (вполне слушабельные и подходящие как материал для композитора). Wi-Fi, GPS-сети и даже вызывающие рвотный рефлекс после изменения политики сайтов cookie-файлы (yes, I accept) издают свои уникальные аудиосигналы, и нам всего лишь нужен подходящий медиум, чтобы их услышать. Гаффонд в своём творчестве часто берёт на себя роль этого медиума.
На своём альбоме "Degradation Loops" Гаффонд создала практически феникса. Новое искусство зачастую создаётся на руинах старого. Это естественный процесс, и нет ничего нового под луной, это мы все знаем. Но "Degradation Loops" - это альбом об искусстве осознанного самоуничтожения. И он даже не является альбомом в обычном смысле: это 30 минут записи перфоманса, который Гаффонд проводила совместно с другими художниками. Сам перфоманс заключался в том, что художники разрушали свои работы и создавали новые, компонуя их из частей разрушенных. Это своеобразный протест против коммерческого подхода к искусству. Например, против превалирования в музыкальной индустрии унифицирующего формата High Definition. Насколько неизменной может быть любая созданная по этим единым "стандартам качества" музыка и насколько вообще правомерна такая стандартизация в искусстве?
Художники во время перфоманса уничтожали свои уже существовавшие картины и Гаффонд делала то же самое. Она постепенно разрушала свой альбом 2015 года "Yellow Bell". Она буквально разрушала аудиосигнал (этот процесс ещё называют bit crushing). Медленно и постепенно эмбиентное звучание "Yellow Bell" превращалось в скрежещущий нойз, пока альбом не самоуничтожился окончательно. Название альбома, как вы, наверное, поняли, отсылает к работе "The Disintegration Loops" Уильяма Басински, а один из треков с "Yellow Bell" ("Lisa’s Opening") цитирует луп из его же "Melancholia". Но метафорическая отсылка здесь гораздо важнее прямой, хотя даже подход к созданию альбома можно назвать схожим. Басински, как известно, сфотографировал чёрный дым, поднимающийся над разрушенными башнями Всемирного торгового центра; это стало обложкой The Disintegration Loops. Гаффонд, очевидно, тоже запечатлевает катастрофу, только в искусстве.
(2018, Karlrecords)
ambient / noise / glitch / sound art
Саунд-художница Жасмин Гаффонд до основания разрушает один из своих альбомов. "Degradation Loops" - работа о красоте самоуничтожения или протест против унификации в музыкальной индустрии?
У Жасмин Гаффонд весьма интересный подход к работе. Она создаёт свою музыку на основе цифровых данных. Это сложно представить, но всемирная паутина способна издавать самые разные звуки (вполне слушабельные и подходящие как материал для композитора). Wi-Fi, GPS-сети и даже вызывающие рвотный рефлекс после изменения политики сайтов cookie-файлы (yes, I accept) издают свои уникальные аудиосигналы, и нам всего лишь нужен подходящий медиум, чтобы их услышать. Гаффонд в своём творчестве часто берёт на себя роль этого медиума.
На своём альбоме "Degradation Loops" Гаффонд создала практически феникса. Новое искусство зачастую создаётся на руинах старого. Это естественный процесс, и нет ничего нового под луной, это мы все знаем. Но "Degradation Loops" - это альбом об искусстве осознанного самоуничтожения. И он даже не является альбомом в обычном смысле: это 30 минут записи перфоманса, который Гаффонд проводила совместно с другими художниками. Сам перфоманс заключался в том, что художники разрушали свои работы и создавали новые, компонуя их из частей разрушенных. Это своеобразный протест против коммерческого подхода к искусству. Например, против превалирования в музыкальной индустрии унифицирующего формата High Definition. Насколько неизменной может быть любая созданная по этим единым "стандартам качества" музыка и насколько вообще правомерна такая стандартизация в искусстве?
Художники во время перфоманса уничтожали свои уже существовавшие картины и Гаффонд делала то же самое. Она постепенно разрушала свой альбом 2015 года "Yellow Bell". Она буквально разрушала аудиосигнал (этот процесс ещё называют bit crushing). Медленно и постепенно эмбиентное звучание "Yellow Bell" превращалось в скрежещущий нойз, пока альбом не самоуничтожился окончательно. Название альбома, как вы, наверное, поняли, отсылает к работе "The Disintegration Loops" Уильяма Басински, а один из треков с "Yellow Bell" ("Lisa’s Opening") цитирует луп из его же "Melancholia". Но метафорическая отсылка здесь гораздо важнее прямой, хотя даже подход к созданию альбома можно назвать схожим. Басински, как известно, сфотографировал чёрный дым, поднимающийся над разрушенными башнями Всемирного торгового центра; это стало обложкой The Disintegration Loops. Гаффонд, очевидно, тоже запечатлевает катастрофу, только в искусстве.