SHADI - You Can't Hear Me
(2019, Deathbomb Arc)
experimental, abstract & conscious hip-hop / neo-psychedelia / islamic / sound collage

Дебютный альбом рэпера-мусульманина, вышедший на Мекке экспериментального хип-хопа Deathbomb Arc, погружает нас в сюрреалистичный звуковой мир самого SHADI.

Настоящее имя SHADI - Шади Мохамад (Shadi Mohamad), и даже до выпуска своего дебютника этот молодой рэпер и продюсер из города Тампа (Флорида) успел посотрудничать с ключевыми резидентами (или уже бывшими резидентами) Deathbomb Arc: с JPEGMAFIA, Давидом Диггсом (Daveed Diggs) и с True Neutral Crew. Так что же представляет собой сольное творческое высказывание Шади?

Странная (именно в смысле “weird”, a не “strange”) музыка Шади с самых первых треков “You Can't Hear Me” атакует слушателя по всем фронтам звучания и нарративности, при этом периодически и неожиданно распадаясь на самые разные элементы - от, например, сэмплирования речи Мартина Лютера Кинга до бита, основанного на сэмпле инди-поп дуэта Broken Bells. Что ж, если пристальнее взглянуть на другие аспекты саунда этого альбома, помимо сэмплинга, то в первую очередь, конечно, нас сильно порадовали музыкальные источники вдохновения Шади, отталкиваясь от которых он и сплёл своё авангардное хип-хоп полотно. Разумеется, во первых, это нойз-рэп, но также пауэр-электроникс и психоделический рок. Результат оказывается на радость странным, как и саунд альбома в целом: калейдоскопический, сырой и хаотичный.

Все эти аспекты звучания “You Can't Hear Me” полностью резонируют с нарративами и общей поэтикой альбома. Хотя, точнее было бы даже сказать “поэтиками”, потому что Шади, не повествуя свои истории от разных лиц, тем не менее звучит диссоциативно, словно он состоит из множества лиц и деталей, как и сам альбом. Даже религиозный нарратив “You Can't Hear Me” оказывается весьма неустойчивым и очевидно отличающимся от большинства исламского рэпа. Пожалуй, лишь политическое высказывание Шади и все сопутствующие ему коннотации, актуальные для сегодняшних социо-политических проблем в США, выдерживают проверку на цельность. В остальном же, альбом остаётся фрактальным и сюрреалистичным произведением современного абстрактного хип-хопа, в котором глубокая личная интроспекция, религиозные сомнения, расовая агрессия и крайне специфический юмор слились в этом трудно квалифицируемом звуковом водовороте.

https://deathbombarc.bandcamp.com/album/you-cant-hear-me

Jacob Kirkegaard - 4 Rooms
(2006, Touch)
ambient / drone / field recordings / lowercase

Попытка датского саунд-ходожника Якоба Киркегора осмыслить катастрофу на чернобыльской АЭС с помощью акустики заброшенных зданий.

Говорить про зону отчуждения после хайпа вокруг “Чернобыля” HBO сейчас кажется немного утомительным - сколько всего было сказано (иногда и с пеной у рта) с момента его выхода. Но действительно достойных внимания попыток осмыслить чернобыльскую катастрофу и её опустошающие последствия в искусстве не так уж много, в музыке особенно. Работа датского саунд-художника Якоба Киркегора “4 Rooms” одна из немногих таких интересных попыток. Концепт альбома на самом деле по-минималистски прост: в 2005 году музыкант поехал в Чернобыль и сделал там 4 10-минутных трека в разных акустических пространствах. Он записывал по тому же принципу, который многим уже может быть знаком по знаковой работе Элвина Люсьера “I Am Sitting in a Room”: Киркегор приходил на место, записывал аудио-фрагмент (в опустевшем городе это была преимущественно тишина), включал его в том же помещении и записывал пространство вновь, и этот процесс повторял до 10 раз.

В итоге у саунд-художника получилось 4 12-минутные композиции, каждая из которых обладает своим особенным аудиохарактером. Композиции представляют 4 места, где раньше собиралось много людей - церковь, концертный зал, бассейн и гимназию. На самом деле, в музыкальном плане эта запись вряд ли может претендовать на что-то экстраординарное (да и нужно ли искать музыкальную ценность в такого рода работах?), это спокойный сырой эмбиент и дроун, и если слушать альбом, не зная, где он был записан, можно потерять примерно половину от впечатления.

Но суть таких альбомов, как “4 Rooms”, как раз в нашем осознании полного контекста, он рассчитан на то, что ваше сознание начнёт дорисовывать картины облупившейся плитки на дне пустого бассейна и покосившихся грязных школьных парт. Четыре места для альбома выбраны не случайно: названия композиций усиливают контраст. Вместо плеска воды, тренерских свистков, детского гомона или молитв, вместо всего этого воплощённо человеческого, - пульсирующая тишина заброшенных зданий. И эта обескровленность города звучит на “4 Rooms” до странного не-жутко, это ископаемые смертельной опасности. Который год идёт дискуссия о том, нужен ли Припяти статус города-музея, и “4 Rooms” как раз выполняет такую функцию чернобыльского аудио-музея.

https://touch333.bandcamp.com/album/4-rooms

Jenny Hval - The Practice of Love
(2019, Sacred Bones)
art pop / spoken word / ambient pop / ambient trance

Новый концептуальный альбом Йенню Валь, на котором ностальгическое электронное звучание поп-музыки соприкасается с глубокой рефлексией.

Посмотри на эти деревья / Посмотри на эту траву / Посмотри на эти облака / Посмотри на них сейчас / Приглядись / Изучи капли дождя на листьях / Изучи муравьев на земле … Изучи всё это и спроси себя: “где Бог?” - этими словами начинается седьмой альбом норвежской экспериментальной исполнительницы Йенню Валь. Она уже успела зарекомендовать себя как художник, который умеет делать своё творчество очень разноплановым, альбом от альбома не истощаясь в плане тем. На “The Practice of Love” много рефлексии и, что особенно интересно, живого размышления, диалога - и всё это в очень мелодичной и и немного ностальгической форме на стыке арт-попа, синти-попа и транса, последнее для Йенню Валь - ещё неисследованные территории, но когда она боялась на них ступать?

Диалоговая форма реализуется на “The Practice of Love” почти буквально, на этом альбоме у Валь сразу несколько коллаборций с другими исполнительницами - мультиинструменталисткой и участницей сингапурской арт-рок группы The Observatory Вивьен Вонг (Vivian Wang), австралийской фолк-певицей Лорой Джин (Laura Jean) и французским авангардным композитором Фелицией Аткинсон (Félicia Atkinson). Всего на двух песнях из восьми Валь появляется одна, на всех остальных вы обязательно услышите сопровождающие голоса Вонг, Джин или Аткинсон, а на “Six Red Cannas” они появляются все вместе. Во многом эта многоголосость продиктована самой концепцией альбома, особенно это чувствуется на “The Practice of Love”, где голоса накладываются друг на друга, два нарратива в какой-то момент звучат параллельно - один о любви, а другой о жизни женщины, которая приняла решение отказаться от материнства.

Так или иначе во всех песнях возникает образ матери - причём в самых разных воплощениях: праматери Евы со змеем обвивающим ключицы, природы как матери, на “Accident” две женщины обсуждают “тайну жизни” и то, что они обе бездетны и то как они воспринимают жизнь, в которой они не стали матерями. Как рассуждает Валь в конце трека “The Practice of Love”: “я где-то на задворках выживаемости, потому что я не поддерживаю выживание напрямую, может быть, я поддерживаю его каким-то очень абстрактным способом, а, возможно, не поддерживаю”. Разные женские голоса позволяют вывести эту саму глубоко личную тему в более широкий контекст, о ней говорится разными голосами, разными женщинами, и она становится глобальной, при этом сохраняется интимность и доверительный тон.

https://jennyhval.bandcamp.com/album/the-practice-of-love

Stereolab - Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night
(1999, Duophonic/Elektra)
art pop / experimental rock / progressive pop / space age pop / krautrock influenced

Ещё один альбом Stereolab празднует юбилей - наиболее пространный релиз группы, раскрывающий сильнейшие стороны главных поп-экспериментаторов в новом минималистичном свете.

Невероятная дискография Stereolab - показательный пример извилистого, но последовательного творческого пути. По его ходу британцы создавали необыкновенно солнечную, увлекательную и одновременно сложную и провокационную музыку, с большим энтузиазмом экспериментируя со звуком. Они разворачивали поп-музыку со стольких сторон, пользуясь огромной палитрой жанровых влияний, но оставляли собственный знаковый почерк в каждом треке. Одной из вех на этом пути стал "Cobra and Phases...", одна из самых тонких их работ.

Будучи уже состоявшейся группой с парой future classics ("Emperor Tomato Ketchup", "Dots And Loops") за пазухой, Stereolab, как казалось, хотелось одновременно продолжить творческий порыв, сохранить себя и не повторяться. Так появился CAPGPVITMN - по общему настроению расслабленная рефлексия Тима и Летиции [Tim Gane & Lætitia Sadier] на собственное творчество. Остальным участникам и широкому списку приглашённых музыкантов (главными гостями стали Джон МакЭнтайр из Tortoise и Джим О'Рурк [John McEntire & Jim O'Rourke]) - всем удалось попасть в новый пространный поток Stereolab и записать наиболее минималистичный (и оттого не менее увлекательный) альбом группы.

Их обычно динамичный джаз-поп более явно вбирает в себя всё больше повторений, отвлечённых звуковых пейзажей (чего стоит нетипичный 11-минутный "Blue Milk"!). Вкрадываются и довольно заметные отклонения от поп-эстетики (открывающий фьюженовый "Fuses", почти пост-роковый "Caleidoscopic Gaze"). Это не значит, что на CAPGPVITMN группа совсем теряет возможность записывать свойственные ей причудливые поп-хиты ("The Free Design", "Op Hop Detonation"), нет. Но не заметить новое направление на расширение идей прошлого на протяжении всего альбома, зная Stereolab, невозможно.

https://stereolab.bandcamp.com/album/cobra-and-phases-group-play-voltage-in-the-milky-night-expanded-edition

Atari Teenage Riot - 60 Second Wipe Out
(1999, Digital Hardcore)
digital hardcore / breakcore / noise / political

Сегодня в #that_greats переслушаем третий альбом немецкой диджитал-хардкор группы Atari Teenage Riot "60 Second Wipeout", которому в этом году исполнилось 20 лет.

"60 Second Wipeout" был записан ещё классическим составом группы: Алеком Эмпайром (Alec Empire), Ханин Элиас (Hanin Elias), Карлом Краком (Carl Crack) и Ник Эндо (Nic Endo). На одном из треков альбома ("No Sucсess") можно услышать вокалистку Bikini Kill, одну из родоначальниц движения riot grrrl, Ханну Кэтлин.

ATR - первая и до сих пор одна из главных групп жанра Digital Hardcore, который получил своё название по лейблу, на котором группа выпускала свои агрессивные анархо и антифа альбомы. История ATR гласит, что такое необычное сочетание хардкора, нойза, индастриала и брейккора родилось в форме левого ответа на возросшие в начале 90-х нео-нацистские настроения в объединённой после падения Берлинской стены Германии.

https://atariteenageriot.bandcamp.com/album/60-second-wipeout-original-digital-hardcore-masters

Godspeed You Black Emperor! - Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas to Heaven!
(2000, Kranky / Constellation / P-Vine)
post-rock / drone / field recordings / drone / chamber music / ambient

Скоро одна из главных групп второй волны пост-рока Godspeed You! Black Emperor впервые приедет в Россию. По этому поводу мы в #that_greats переслушиваем их культовый второй альбом.

"Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas to Heaven!" вышел практически 20 лет назад, но с тех пор так и продолжает попадать в топы альбомов от самых разных изданий. А групп, которые пошли по стопам Гайбов в плане саунда огомное количество, возьмите третью волну пост-рока - 65daysofstatic, God is an Astronaut, список можете продолжить сами. Это мы всё к тому, что если вдруг (ну мало ли) вы GY!BE ещё не слушали, их второй студийный альбом - отличная стартовая точка, квинтэссенция саунда, благодаря которому они стали известны. Альбом записывался практически оркестровым составом из 11 человек: несколько гитар, ударные, скрипка, виолончель и валторна. Для полного погружения обращайте внимание на голосовые вставки - они образуют смысловой нарратив альбома.

https://godspeedyoublackemperor.bandcamp.com/album/lift-your-skinny-fists-like-antennas-to-heaven

Lucy Railton - Paradise 94
(2018, Modern Love)
electroacoustic / musique concrète / dark ambient

Первый альбом виолончелистки Люси Рейлтон, на котором она исследует возможности своего инструмента в экспериментах с электроакустикой и конкретной музыкой.

Дебютный альбом британки Люси Рейлтон вышел в 2018 году, но это далеко не стартовая точка в её музыкальной карьере. После окончания лондонской Королевской академии музыки Люси уже на протяжении 10 лет занимается современной музыкой в разных её проявлениях: как виолончелистка (возможно, вы знаете её по участию в норвежской группе Time Is a Blind Guide), куратор - она была одним из организаторов Лондонского фестиваля современной музыки (London Contemporary Music Festival) и серии концертов Kammer Klang в лондонском Cafe OTO - и лектор в своей же альма-матер.

За время своей активности Люси успела посотрудничать с самыми разными музыкантами, включая, например, электронного пионера Петра Зиновьева, Micachu, Биатрис Диллон (Beatrice Dillon) и записать партию виолончели для альбома Bat For Lashes “The Haunted Man”. А с недавних пор Люси начала пробовать себя и в электроакустике, разумеется, продолжая использовать виолончель в качестве основного инструмента.

“Paradise 94” по звучанию - уход в совсем иную стезю, виолончель звучит как виолончель здесь ожидаемо редко, большую часть альбома занимают шумы, обработанные полевые записи, в которых иногда можно различить шаги, приглушённые разговоры, звон разбивающегося стекла и даже шум ветра, которого обычно стараются избегать все, кто записывает окружающий мир на рекордер. “Paradise 94” очень текстурный и постоянно трансформирующийся альбом: ритм сменяется на дроун, игра на инструменте с хаотичной электроникой, местами превращающуюся в шум. Рейлтон очень хорошо удаётся играть на звуковых контрастах, когда спокойствие сменяется напряжением и всё приближающимся катарсисом, который может разрешиться только в тишину.

https://www.youtube.com/watch?v=rXpZ2811ZLU

JPEGMAFIA - All My Heroes Are Cornballs
(2019, EQT Recordings)
experimental hip-hop / glitch-hop / alternative r&b / punk rap / sound collage / damn, Peggy

Когда спустя месяц утих основной хайп по поводу очередного альбома Баррингтона Хендрикса, наконец можно спокойно порассуждать о нём.

Каким должен быть хип-хоп в 2019 году? Загоняя себя в неловкие рамки этим ультимативным вопросом и подразумевая, что хип-хоп (как и любая другая форма музыкальной репрезентации) вообще кому-то что-либо должен, теряешь даже самое минимальное понимание современной культуры, и музыки в частности, но такие альбомы, как “All My Heroes Are Cornballs”, всё же заставляют в том или ином виде обращаться к подобным дурацким вопросам.

Инцелы, cancel culture, щитпостинг, Канье Уэст, альт-райты, АСМР, соцсети - короче, вы поняли. С одной стороны, обилие злободневных тем, актуальных (?) трендов и просто элементов современной повседневности вроде бы подпитывает почву для разгула контрпродуктивной по своей сути графомании, когда ты уже начинаешь путать ловкую игру слов и остроумие, в котором Баррингтону действительно не занимать (наше любимое - “How they go from Anne Hathaway to Ann Coulter?”), с мета-позицией автора и готов(а) провозгласить Пегги каким-нибудь ужасным на слух титулом типа “ироничного Поэта Современности”.

С другой, вся эта история кончается обсессивно-компульсивным сёрфингом по сайту джиниусдотком, когда ты спотыкаешься об отсылки к фильмам и сериалам и семплы из действительно добротного набора самой разной музыки, ну и в упор не видишь разницы между калейдоскопом (который в случае с альбомом Пегги воплощает сам коллажный саунд релиза) и мозаикой (которая в финале должна целиком сложится так, что сможет донести зрителю-слушателю что-то Новое, чего раньше не могли её фрагменты). Нет, никаких мозаик, никаких пазлов. Кажется, что “All My Heroes Are Cornballs” ставит тем самым в затруднительное положение людей, пытающихся с умным видом рассуждать об этой музыке. Вовсе не ставит. Просто все наши герои - обыватели, а все обожаемые нами авторы - искусные мастера компиляций, бьющих по цайтгайсту образов. И тут уже с многосложной ухмылкой начинаешь спрашивать сам(а) себя: “а каким ещё может быть хип-хоп в 2019-м году?”

https://jpegmafia.bandcamp.com/

Никита отметился парой обзоров совместно с Артёмом Абрамовым и Евгением Былиной в публикации от stellage.store

Артём Абрамов и Евгений Былина с перекрёстной рецензией на совместный релиз лейбла The Tapeworm и магазина Stellage; Никита Ровнов про новые (и потрясающие) релизы лейбла Touch; Артём Абрамов про альбомы The Idealist и Ральфа Штайнбрюхеля

https://syg.ma/@stellage-store/o-drughoi-muzykie-this-thing-sucks-attention-with-a-bang

Kim Gordon - No Home Record
(2019, Matador)
noise rock / post-industrial / experimental rock / minimal synth / hip-hop influenced

Первый сольный альбом не нуждающейся в представлении Ким Гордон, откровенный и неожиданный по звучанию.

Помимо первыми приходящих на ум Sonic Youth, Ким Гордон участвовала во многих других проектах - от супергруппы Free Kitten, состоящей из Ким и Джулии Кэфриц (Julia Cafritz) из Pussy Galore до её дуэта Glitterbust с гитаристом и сёрфером Алексом Ностом (Alex Knost) и чуть более плодотворного дуэта с Биллом Нэйсом (Bill Nace) под названием Body/Head. Это мы всё к тому, что при таком количестве альбомов, к которым Ким приложила руку (у Glitterbust первый и единственный пока альбом вышел в 2016, а Body/Head выпустили последнюю пластинку в прошлом году), удивительно, как она могла до сих не выпустить ни одной сольной пластинки, когда у других участников Sonic Youth их уже довольно много (Тёрстон Мур начал с 1995, Ли Рональдо - ещё с 1987). Но как бы там ни было, “No Home Record” действительно соло-дебют для Ким.

Даже если вы много лет слушали Sonic Youth и следили за тем, как развивалось творчество Гордон после того, как группа распалась, не обманывайтесь тем, что знаете, чего ожидать от этого альбома. Если Ким на “No Home Record” не поворачивает своё творчество на 180 градусов, то уж точно переосмысляет его во всех аспектах - и сам по себе гитарный нойз, и вокал, и лирику. За свежий, разнообразный и не побоимся этого скучного слова, актуальный саунд спасибо надо отчасти сказать молодому продюсеру Джастину Райсену (Justin Raisen). Он начал свою продюсерскую карьеру только в 2012 году с сотрудничества со Sky Ferreira, и с тех пор успел поработать с Charli XCX, Marissa Nadler, Ariel Pink и Yves Tumor. С Ким Гордон они начали работать ещё в 2016 году, записав трек "Murdered Out", который теперь вошёл в новый альбом, и уже с того момента наметился вектор звучания “No Home Record”.

Послушав половину “No Home Record”, я подумала, боже, Ким Гордон в 66 звучит моложе, чем я в свои 20. Но если без иронии, то альбом, и правда, звучит очень современно и по-хорошему неожиданно - здесь и споукен-ворд, и пост-индастриал, и переосмысленный нойз-рок, много электроники и даже влияние хип-хопа. Лирика на альбоме тоже получилась едкая и очень актуальная - тут и про капитализм, и про харассмент, и про эпоху потребления, и даже про Airbnb.

https://consequenceofsound.net/2019/10/stream-kim-gordon-no-home-record-album/

Guerilla Toss - What Would The Odd Do?
(2019, NNA Tapes)
dance-punk / neo-psychedelia / art rock / zolo influenced

Слушаем новый EP группы Guerilla Toss, которая не перестаёт удивлять всё трансформирующимся саундом.

В моём персональном топе (если бы он, конечно, существовал) "What Would The Odd Do?" был бы лучшим EP месяца. Мы следим за Guerilla Toss уже довольно давно, и релиз от релиза звучание группы становятся всё интереснее. Guerilla Toss существует уже 7 лет, и за это время их звучание от хаотичного, грязноватого нойз-рока с пронзительной декламацией вокалистики Кэсси Карлсон времён их первого студийника "Gay Disco" (2013) пришло к чётко выверенному, детализированному и разнообразному психоделическому дэнс-панку, который мы слышали на последнем LP "Twisted Crystal" и на только вышедшем "What Would The Odd Do?".

Новый материал Guerilla Toss — это всегда как новая комбинация разноцветных бусинок в калейдоскопе, ты можешь прекрасно знать все составные элементы, но получающаяся картинка всё равно каждый раз удивляет. Психоделичность Guerilla Toss тоже такая калейдоскопическая и немного детская: говорящие растения, будущее, которое любит играть в морском заливе или разговор с мотыльком, летящим на электрический свет. Но всё же лучшее, что есть у Guerilla Toss — это их самобытный, объёмный саунд и подача Кэсси Карлсон, ставшая за эти годы гораздо разнообразнее - от напоминающей кричалку чирлидерш декламации до вполне мелодичного пения в ноты. (Настя)

https://guerillatoss.bandcamp.com/album/what-would-the-odd-do