Atari Teenage Riot - 60 Second Wipe Out
(1999, Digital Hardcore)
digital hardcore / breakcore / noise / political

Сегодня в #that_greats переслушаем третий альбом немецкой диджитал-хардкор группы Atari Teenage Riot "60 Second Wipeout", которому в этом году исполнилось 20 лет.

"60 Second Wipeout" был записан ещё классическим составом группы: Алеком Эмпайром (Alec Empire), Ханин Элиас (Hanin Elias), Карлом Краком (Carl Crack) и Ник Эндо (Nic Endo). На одном из треков альбома ("No Sucсess") можно услышать вокалистку Bikini Kill, одну из родоначальниц движения riot grrrl, Ханну Кэтлин.

ATR - первая и до сих пор одна из главных групп жанра Digital Hardcore, который получил своё название по лейблу, на котором группа выпускала свои агрессивные анархо и антифа альбомы. История ATR гласит, что такое необычное сочетание хардкора, нойза, индастриала и брейккора родилось в форме левого ответа на возросшие в начале 90-х нео-нацистские настроения в объединённой после падения Берлинской стены Германии.

https://atariteenageriot.bandcamp.com/album/60-second-wipeout-original-digital-hardcore-masters

Godspeed You Black Emperor! - Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas to Heaven!
(2000, Kranky / Constellation / P-Vine)
post-rock / drone / field recordings / drone / chamber music / ambient

Скоро одна из главных групп второй волны пост-рока Godspeed You! Black Emperor впервые приедет в Россию. По этому поводу мы в #that_greats переслушиваем их культовый второй альбом.

"Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas to Heaven!" вышел практически 20 лет назад, но с тех пор так и продолжает попадать в топы альбомов от самых разных изданий. А групп, которые пошли по стопам Гайбов в плане саунда огомное количество, возьмите третью волну пост-рока - 65daysofstatic, God is an Astronaut, список можете продолжить сами. Это мы всё к тому, что если вдруг (ну мало ли) вы GY!BE ещё не слушали, их второй студийный альбом - отличная стартовая точка, квинтэссенция саунда, благодаря которому они стали известны. Альбом записывался практически оркестровым составом из 11 человек: несколько гитар, ударные, скрипка, виолончель и валторна. Для полного погружения обращайте внимание на голосовые вставки - они образуют смысловой нарратив альбома.

https://godspeedyoublackemperor.bandcamp.com/album/lift-your-skinny-fists-like-antennas-to-heaven

Lucy Railton - Paradise 94
(2018, Modern Love)
electroacoustic / musique concrète / dark ambient

Первый альбом виолончелистки Люси Рейлтон, на котором она исследует возможности своего инструмента в экспериментах с электроакустикой и конкретной музыкой.

Дебютный альбом британки Люси Рейлтон вышел в 2018 году, но это далеко не стартовая точка в её музыкальной карьере. После окончания лондонской Королевской академии музыки Люси уже на протяжении 10 лет занимается современной музыкой в разных её проявлениях: как виолончелистка (возможно, вы знаете её по участию в норвежской группе Time Is a Blind Guide), куратор - она была одним из организаторов Лондонского фестиваля современной музыки (London Contemporary Music Festival) и серии концертов Kammer Klang в лондонском Cafe OTO - и лектор в своей же альма-матер.

За время своей активности Люси успела посотрудничать с самыми разными музыкантами, включая, например, электронного пионера Петра Зиновьева, Micachu, Биатрис Диллон (Beatrice Dillon) и записать партию виолончели для альбома Bat For Lashes “The Haunted Man”. А с недавних пор Люси начала пробовать себя и в электроакустике, разумеется, продолжая использовать виолончель в качестве основного инструмента.

“Paradise 94” по звучанию - уход в совсем иную стезю, виолончель звучит как виолончель здесь ожидаемо редко, большую часть альбома занимают шумы, обработанные полевые записи, в которых иногда можно различить шаги, приглушённые разговоры, звон разбивающегося стекла и даже шум ветра, которого обычно стараются избегать все, кто записывает окружающий мир на рекордер. “Paradise 94” очень текстурный и постоянно трансформирующийся альбом: ритм сменяется на дроун, игра на инструменте с хаотичной электроникой, местами превращающуюся в шум. Рейлтон очень хорошо удаётся играть на звуковых контрастах, когда спокойствие сменяется напряжением и всё приближающимся катарсисом, который может разрешиться только в тишину.

https://www.youtube.com/watch?v=rXpZ2811ZLU

JPEGMAFIA - All My Heroes Are Cornballs
(2019, EQT Recordings)
experimental hip-hop / glitch-hop / alternative r&b / punk rap / sound collage / damn, Peggy

Когда спустя месяц утих основной хайп по поводу очередного альбома Баррингтона Хендрикса, наконец можно спокойно порассуждать о нём.

Каким должен быть хип-хоп в 2019 году? Загоняя себя в неловкие рамки этим ультимативным вопросом и подразумевая, что хип-хоп (как и любая другая форма музыкальной репрезентации) вообще кому-то что-либо должен, теряешь даже самое минимальное понимание современной культуры, и музыки в частности, но такие альбомы, как “All My Heroes Are Cornballs”, всё же заставляют в том или ином виде обращаться к подобным дурацким вопросам.

Инцелы, cancel culture, щитпостинг, Канье Уэст, альт-райты, АСМР, соцсети - короче, вы поняли. С одной стороны, обилие злободневных тем, актуальных (?) трендов и просто элементов современной повседневности вроде бы подпитывает почву для разгула контрпродуктивной по своей сути графомании, когда ты уже начинаешь путать ловкую игру слов и остроумие, в котором Баррингтону действительно не занимать (наше любимое - “How they go from Anne Hathaway to Ann Coulter?”), с мета-позицией автора и готов(а) провозгласить Пегги каким-нибудь ужасным на слух титулом типа “ироничного Поэта Современности”.

С другой, вся эта история кончается обсессивно-компульсивным сёрфингом по сайту джиниусдотком, когда ты спотыкаешься об отсылки к фильмам и сериалам и семплы из действительно добротного набора самой разной музыки, ну и в упор не видишь разницы между калейдоскопом (который в случае с альбомом Пегги воплощает сам коллажный саунд релиза) и мозаикой (которая в финале должна целиком сложится так, что сможет донести зрителю-слушателю что-то Новое, чего раньше не могли её фрагменты). Нет, никаких мозаик, никаких пазлов. Кажется, что “All My Heroes Are Cornballs” ставит тем самым в затруднительное положение людей, пытающихся с умным видом рассуждать об этой музыке. Вовсе не ставит. Просто все наши герои - обыватели, а все обожаемые нами авторы - искусные мастера компиляций, бьющих по цайтгайсту образов. И тут уже с многосложной ухмылкой начинаешь спрашивать сам(а) себя: “а каким ещё может быть хип-хоп в 2019-м году?”

https://jpegmafia.bandcamp.com/

Никита отметился парой обзоров совместно с Артёмом Абрамовым и Евгением Былиной в публикации от stellage.store

Артём Абрамов и Евгений Былина с перекрёстной рецензией на совместный релиз лейбла The Tapeworm и магазина Stellage; Никита Ровнов про новые (и потрясающие) релизы лейбла Touch; Артём Абрамов про альбомы The Idealist и Ральфа Штайнбрюхеля

https://syg.ma/@stellage-store/o-drughoi-muzykie-this-thing-sucks-attention-with-a-bang

Kim Gordon - No Home Record
(2019, Matador)
noise rock / post-industrial / experimental rock / minimal synth / hip-hop influenced

Первый сольный альбом не нуждающейся в представлении Ким Гордон, откровенный и неожиданный по звучанию.

Помимо первыми приходящих на ум Sonic Youth, Ким Гордон участвовала во многих других проектах - от супергруппы Free Kitten, состоящей из Ким и Джулии Кэфриц (Julia Cafritz) из Pussy Galore до её дуэта Glitterbust с гитаристом и сёрфером Алексом Ностом (Alex Knost) и чуть более плодотворного дуэта с Биллом Нэйсом (Bill Nace) под названием Body/Head. Это мы всё к тому, что при таком количестве альбомов, к которым Ким приложила руку (у Glitterbust первый и единственный пока альбом вышел в 2016, а Body/Head выпустили последнюю пластинку в прошлом году), удивительно, как она могла до сих не выпустить ни одной сольной пластинки, когда у других участников Sonic Youth их уже довольно много (Тёрстон Мур начал с 1995, Ли Рональдо - ещё с 1987). Но как бы там ни было, “No Home Record” действительно соло-дебют для Ким.

Даже если вы много лет слушали Sonic Youth и следили за тем, как развивалось творчество Гордон после того, как группа распалась, не обманывайтесь тем, что знаете, чего ожидать от этого альбома. Если Ким на “No Home Record” не поворачивает своё творчество на 180 градусов, то уж точно переосмысляет его во всех аспектах - и сам по себе гитарный нойз, и вокал, и лирику. За свежий, разнообразный и не побоимся этого скучного слова, актуальный саунд спасибо надо отчасти сказать молодому продюсеру Джастину Райсену (Justin Raisen). Он начал свою продюсерскую карьеру только в 2012 году с сотрудничества со Sky Ferreira, и с тех пор успел поработать с Charli XCX, Marissa Nadler, Ariel Pink и Yves Tumor. С Ким Гордон они начали работать ещё в 2016 году, записав трек "Murdered Out", который теперь вошёл в новый альбом, и уже с того момента наметился вектор звучания “No Home Record”.

Послушав половину “No Home Record”, я подумала, боже, Ким Гордон в 66 звучит моложе, чем я в свои 20. Но если без иронии, то альбом, и правда, звучит очень современно и по-хорошему неожиданно - здесь и споукен-ворд, и пост-индастриал, и переосмысленный нойз-рок, много электроники и даже влияние хип-хопа. Лирика на альбоме тоже получилась едкая и очень актуальная - тут и про капитализм, и про харассмент, и про эпоху потребления, и даже про Airbnb.

https://consequenceofsound.net/2019/10/stream-kim-gordon-no-home-record-album/

Guerilla Toss - What Would The Odd Do?
(2019, NNA Tapes)
dance-punk / neo-psychedelia / art rock / zolo influenced

Слушаем новый EP группы Guerilla Toss, которая не перестаёт удивлять всё трансформирующимся саундом.

В моём персональном топе (если бы он, конечно, существовал) "What Would The Odd Do?" был бы лучшим EP месяца. Мы следим за Guerilla Toss уже довольно давно, и релиз от релиза звучание группы становятся всё интереснее. Guerilla Toss существует уже 7 лет, и за это время их звучание от хаотичного, грязноватого нойз-рока с пронзительной декламацией вокалистики Кэсси Карлсон времён их первого студийника "Gay Disco" (2013) пришло к чётко выверенному, детализированному и разнообразному психоделическому дэнс-панку, который мы слышали на последнем LP "Twisted Crystal" и на только вышедшем "What Would The Odd Do?".

Новый материал Guerilla Toss — это всегда как новая комбинация разноцветных бусинок в калейдоскопе, ты можешь прекрасно знать все составные элементы, но получающаяся картинка всё равно каждый раз удивляет. Психоделичность Guerilla Toss тоже такая калейдоскопическая и немного детская: говорящие растения, будущее, которое любит играть в морском заливе или разговор с мотыльком, летящим на электрический свет. Но всё же лучшее, что есть у Guerilla Toss — это их самобытный, объёмный саунд и подача Кэсси Карлсон, ставшая за эти годы гораздо разнообразнее - от напоминающей кричалку чирлидерш декламации до вполне мелодичного пения в ноты. (Настя)

https://guerillatoss.bandcamp.com/album/what-would-the-odd-do

Clipping - There Existed an Addiction to Blood
(2019, Sub Pop)
experimental hip-hop / horrorcore / noise rap / industrial hip-hop

Мы решили поэкспериментировать с форматом и сделали развёрнутое ревью от всех админов на вышедший в октябре альбом авангардного хип-хоп-трио Clipping.

Никита о переосмыслении хорроркора и последнем альбоме Канье:

Ещё с момента первого сингла, думал я, трио экспериментаторов решило освежить эстетическую парадигму собственной музыки. Но освежить как? Сменив полярность своей маргинальной эстетики с концептуально сложного и авангардного нойз-рэпа на “старый добрый” хорроркор, сэмплы из фильмов ужасов, музыка в стиле Джона Карпентера, образы безумных клоунов и всё прочее, что может вызвать ассоциации с субкультурой Джаггало? Когда“There Existed an Addiction to Blood” вышел, стало понятно, что я был и прав и не прав одновременно. Но почему?

Со вторым синглом начало казаться, что важнее во всём упомянутом выше оказалась именно музыка в духе Карпентера. Тогда я предположил, что группа, видимо, решила податься в редкую область сiné-рэпа, ведь на видео второго сингла были явные отсылки к старому итальянскому кино, чувствовался яркий джалло-вайб, никоим образом не соперничавший со всё нарастающим и нарастающим плотным нойзом. Снова я был одновременно прав и не прав.

То, что сделало трио на своём последнем на сегодня релизе, во-первых не даёт повода для сомнений в их авангардных музыкальных амбициях. Во-вторых же, это не только глубокий (да-да, здесь должны быть банальные слова про несколько минимальных кругов прослушивания), но и широкий (или скорее даже большой?) альбом. “There Existed an Addiction to Blood” — это скорее не тот самый дом ужасов из хоррор-эстетики прошлого века, а нечто более многомерное и подобное “Дому из листьев” Марка Z Данилевского.

Ну и к тому же, в музыкальном обращении к запредельному и сверхъестественному группа обошла даже искренний, но больно уж скудный по форме и содержанию альбом “Jesus Is King” Канье Уэста. Там, где мистер Йи уповает на какую-то невнятную и выхолощенную силу религиозности (разумеется, религиозности не самой по себе, а именно в его подаче), Давид, Уильям и Джонатан в итоге заводят слушателя в такие дебри мистического и потустороннего, что кульминацией этого пути становится молитва посреди сюрреалистичного звукового обрамления в треке “All In Your Head”.

Настя о горящем пианино:

Дым струится из-под клавиш расстроенного пианино (того что upright piano), музыканты продолжают выжимать из списанного в утиль инструмента последние ноты, пока жар не становится невыносимым, а дым слишком — едким.

Всё начинается с подожжённого кусочка бумаги, брошенного в утробу пианино, и, конечно, парочки микрофонов, заблаговременно размещённых внутри или снаружи. Так выглядит и звучит перфоманс новозеландского композитора Анне Локвуд (Annea Lockwood) “Piano Burning”.

Эта церемония вызывает неизбежные милитаристские ассоциации в Великобритании и США, поскольку эта традиция тянется ещё с первой половины 20 века — в память о погибших военнослужащих ВВС там торжественно сжигают пианино.

Так или иначе в искусстве горящее пианино использовалось не только Локвуд, написавшей “Piano Burning” в 1968, но и многими другими, в том числе и более известными художниками, например, японским джазовым пианистом Ёсукэ Ямасита (burning piano, 1973) и британским художником Дугласом Гордоном в видеоинсталляции The End of Civilisation в 2012 году.

А в 2019 году к версии этого перфоманса, созданной Анне Локвуд, обратились и Сlipping на заключительном треке “Piano Burning”. Он длится 18 минут, и, вероятно, многих оставил в недоумении после 50 минут интенсивного и напряжённого хип-хопа и хорроркора. На этом треке слышно, как постепенно разгорается огонь, потрескивает дерево, обваливаются конструкции, а сам процесс записи группа запечатлела для тизера альбома.

На контрасте со всеми остальными 14 треками, которые заставляли вас чувствовать постоянное напряжение, последний трек звучит непривычно тихо и спокойно.

Да, огонь обладает разрушающей силой, пианино год от года горят в память о людях, погибших на войне, и в каком-то смысле это действительно конец цивилизации, которая пережила весь возможный ужас и у которой не осталось чувств даже для страха.

Даня об ужасе и предельном опыте:

Да, Clipping работают на пределе. Их текстуры всё пространнее, всё шумнее, поток слов собирается в историю всё быстрее. В отличие от прошлого альбома одного концепта, на этом релизе Давид бросается от одного персонажа-маргинала, живущего в мире насилия, к другому. Его голос тонет в электричестве, флоу пугает упорством и безэмоциональностью. Подавляют и шокирующие образы, наполненные отсылками к субверсивным культурным явлениям. То приземлённые и телесные, то приближающие к осязанию вселенского хаоса. Нойз и индастриал проникают в рассудок. Биты то собираются из тёмной улицы ("Run For Your Life"), то кажутся образованиями пожирающей все смыслы и отдалённой от всего людского червоточины. Здесь группа почти забывает о любой благозвучности, о цепляющих бэнгерах. Только белый ужас. Остроумие и гедонизм оставлены в прошлом. Только борьба, жесть и страх.

"There Existed an Addiction to Blood" — это своего рода пограничный опыт, и через него у Clipping получается передать ужасы, с которыми могут столкнуться архетипы лирических героев группы, никогда не упоминая их напрямую. Возможно, придётся пропустить альбом через себя не один раз, чтобы не остаться в полном ошеломлении или, наоборот, принять хаос.

https://clppng.bandcamp.com/album/there-existed-an-addiction-to-blood

R. Stevie Moore - Clack!
(1980, The Prince's Stable 2011 reissue)
singer-songwriter / post-punk / new wave / power pop / experimental rock / lo-fi

Сегодня в рубрике #that_greats переслушиваем один из огромного множества альбомов Р. Стиви Мура.

Крёстный отец домашней записи музыки; живая «лоу-фай-легенда» (The New York Times); пионер принципа DIY; один из самых известных артистов кассетного андерграунда; музыкант, повлиявший на зарождение бедрум- и гипнагогической поп-музыки уже в XXI веке; мультиинструменталист, который с 1968 года и до сегодняшнего дня своими силами выпустил около 400 альбомов, — уверены, что эти “звания” Роберта Стивена Мура вы знаете и без нас.

А если вдруг по какой-то причине не знаете, то очень рекомендуем всем, кто в Москве, 13 ноября (среда) сходить на документальный фильм “Cool Daddio: Вторая молодость Р. Стиви Мура”. В пресс-релизе его описывают так: “трагикомическая музыкальная одиссея, раскрывающая личность иконы андеграундной музыки”.

Вход свободный (по регистрации):
http://www.coolconnections.ru/ru/noscripts/cool-daddio

Black Dice - Creature Comforts
(2004, DFA)
experimental / electronic / musique concrète / neo-psychedelic

Второй альбом группы Black Dice пробирается по странным эволюционирующим пространствам и показывает, как можно делать само-довольную музыку, не думая о ней в стандартных ракурсах.

В нескольких своих интервью участник Animal Collective, Panda Bear [Noah Lennox], отмечал, что идеальной моделью группы для него являются Black Dice (на то время уже варившиеся с ними в одном котле). И действительно, креативный процесс нью-йоркской команды как долгосрочный, так и в моменте — своего рода аномалия, так же как и вся их музыка. Образованная двумя братьями Коупландами и несколькими их знакомыми (во время обучения младшего, Эрика, в школе дизайна в Роуд Айленде), группа начала с жестчайших треш-нойз-метал выступлений, но уже к началу нулевых перенаправила свои креативные силы на эксперименты со звуком. Длинные композиции дебютного альбома "Beaches & Canyons" 2002-го и несколько экспериментальных сессий с нойз-артистами Wolf Eyes были первым этапом в их пути без "стандартных" инструментов.

На "Creature Comfort" мы слышим ещё несколько обновившихся, более саморефлексивных Black Dice. Собираясь в своей небольшой студии или на концерте, BD не выстраивают гармонии, а, черпая идеи из повседневности, не-музыкальных вещей, из написанного ранее, или просто из возникающих в голове картинок ("здесь должен быть звук... вылетающих искр, подыграете?"*), в конечном счёте пытаются получить звучание, с которым они сами и слушатели наверняка никогда не сталкивались. Звук и инструменты для BD — что-то, не имеющее истории, а вместе с этим и стандартов, а значит, что стандарты задаёт лишь собственное чувство вкуса. Действительно, не имея "ролей", а работая как меняющееся целое, не разделяя музыку на компоненты, а относясь к каждому звуку просто как к части музыки, Black Dice сооружают некое первобытное соединение, тотальность, в которой каждый делает что хочет.

Тотальность их звука не только первобытна и странна, но и тесно связана с эволюцией — BD всегда есть, куда идти дальше. Их треки на "Creature Comfort" не цикличны, перед нами будто разворачивается одна странная длинная история, и группа идёт от точки к точке по меняющимся пространствам. Наименее приветливо пространство дикого "Creature", а вот путь сквозь центральный "Skeleton" может стать одним из самых увлекательных. То спокойные, то дёрганные "Treetops", "Nightflight", да и все меньшие их братья всё больше хочется назвать "тропическим нойзом", хоть на деле они им не являются.

И вообще нелёгкая и бесполезная задача понять, что чем тут является — главное, что звучит весело. Да, местами сперва испытывающе, хитро или неловко. Но в конечном счёте понимаешь, что есть что-то загадочно-забавное, улыбающееся вокруг всей музыки Black Dice. В ней есть человеческое — радость открытия, развития. Удовольствие от собственной музыки для BD — главное в ней. Слушатели здесь лишь вовлечённые добровольцы, и повезёт тем, кому удастся втянуться в их поток и почувствовать то же веселье. (автор - Даня)

* из фильма Скотта Крэри "Kill Your Idols", https://www.imdb.com/noscript/tt0407926/

https://black-dice.bandcamp.com/album/creature-comforts

Our Native Daughters - Songs of Our Native Daughters
(2019, Smithsonian Folkways)
folk / americana / roots music

Совместный альбом Рианон Гидденс и ещё трёх исполнительниц, на котором переосмысляются фольклорные сюжеты, а рабовладельческое прошлое Америки перекликается с настоящим.

Один из моих фаворитов этого года — первый альбом фолк-группы Our Native Daughters, собранной певицей Рианон Гидденс (Rhiannon Giddens), которая известна по группе Carolina Chocolate Drops, а в последние годы и по сольным работам. Мы писали про её альбом “Freedom Highway” 2017 года, который был очень хорошо принят критиками и получил несколько премий как альбом года в своём жанре. В этом году с участием Гидденс вышло сразу два альбома: её дуэт с итальянским джазовым гитаристом Francesco Turrisi “There Is No Other” и “Songs of Our Native Daughters”. Our Native Daughters в своём роде супергруппа, в которую помимо Гидденс вошли талантливые женщины-музыканты Амитист Киа (Amythyst Kiah) - голос, гитара, банджо; Лейла МакКалла (Leyla McCalla) - виолончель, банджо, гитара, и Эллисон Расселл (Allison Russell) - гитара, банджо, укулеле, кларнет.

О рабовладельческом строе, насилии над женщинами, бесправии и неравенстве можно говорить по-разному. И вряд ли что-то может передать пережитую многими поколениями боль так, как личные истории. Участницы Our Native Daughters вдохновлялись трагическими биографиями своих предков (“Quasheba, Quasheba” рассказывает историю женщины из рода Эллисон Рассел, которую в юности продали в рабство, отняв у неё детей); второстепенными персонажами старинных песен (“Polly Ann’s Hammer” - песня о жене героя американских легенд Джона Генри, про которую в фольклоре почти ничего нет); современными историческими фильмами о восстании рабов (речь идёт о “Рождение нации” 2016 года). Этот фильм вдохновил одну из основных песен альбома — “Mama's Cryin' Long”. Ещё на альбоме можно услышать не самый ожидаемый кавер на “Slave Driver” Боба Марли. Сложные темы и музыка, в которой Our Native Daughters больше всего использовали банджо как один из главных инструментов американских рабов, создали альбом в равной степени сильный и политически, и художественно.

Для Гидденс фолк никогда не был просто про возрождение старых забытых песен — так и с Our Native Daughters она стремится сделать его частью современного контекста. Трек “Barbados” начинается с цитаты из стихотворения английского поэта Уильяма Купера (William Cowper), который активно поддерживал антирабовладельческие кампании, а заканчивается ответом на его стихотворение со-продюсера альбома Дирка Поуэлла (Dirk Powell)*. Эта перекличка двух авторов из разных веков многое проясняет тем, кто хочет понять основную идею этого альбома. Даже в 21 веке не получается говорить о рабстве (неравенстве, возведённом в абсолют) как о явлении исключительно прошлого: “I own I am shocked at prisoners in the mines / And kids sewing clothes for our most famous lines / What I hear of their wages seems slavery indeed / It's enough that I fear it's all rooted in greed”. (автор - Настя)

*Текст песни "Barbados": https://genius.com/Our-native-daughters-barbados-lyrics

https://ournativedaughters.bandcamp.com/album/songs-of-our-native-daughters