Vanishing Twin - Choose Your Own Adventure
(2016, Soundway)
psychedelic pop / experimental rock / art pop / indietronica / neo-psychedelia
Дебютный альбом английской психоделической поп-группы Vanishing Twin, на котором важно всё — концепт, эстетика и предыстория создания.
“Синдром исчезнувшего близнеца” часто возникает у людей, которые должны были иметь близнеца, но по тем или иным причинам потеряли его, ещё находясь в утробе матери. Таких людей на самом деле больше, чем может показаться. Один из исследователей этого феномена, Чарльз Боклэйдж (Charles Boklage), например, считает, что 10-15 % всех одиночнорождённых людей в действительности когда-то имели близнеца, но просто не знают об этом. Вокалистка группы Vanishing Twin Кэти Лукас (Cathy Lucas) относится к тому незначительному проценту людей, которые не только имели близнеца, исчезнувшего ещё до рождения, но и знают об этом. Кэти, назвав группу в честь сестры, “которую она поглотила ещё в утробе”, и альбом “Choose Your Own Adventure” посвятила ей.
Vanishing Twin создают музыку на стыке поп-психоделии, индитроники и экспериментального рока. Мечтательный и спокойный вокал Кэти позволяет расставлять акценты в длительных композициях группы, в которых большую роль играет импровизация.Помимо Кэти, в группе есть барабанщица Валентина Магалетти (Valentina Magaletti) [проекты Raime, Tomaga, Uuuu, Neon Neon], басист Сусуму Мукай Susumu Mukai [Zongamin], Phil M.F.U. (тот что Man From Uranus) отвечает за “странные звуки”, как сообщает пресс-релиз, а за флейту и перкуссию отвечает художник Эллиотт Арндт. К слову, визуальная составляющая тоже важна для Vanishing Twin. Обложки альбомов, фотосессии, клипы - визуальный образ, который группы пытается создать, вызывает ассоциации с художниками-дадаистами. Эти ассоциации не случайны, что подтверждают в интервью и сами музыканты, называя своим вдохновением, например, Ханну Хёх.
При всей важности образа и концептуальности для Vanishing Twin на первом месте всё равно остаётся музыка, особенно учитывая такой разноплановый состав. Им удаётся добиться одновременно мелодичного и экспериментального саунда с вкраплениями звучания старых и самодельных электронных инструментов и необычной перкуссии. Так несостоявшаяся жизнь второго близнеца воплощается в альбоме “Choose Your Own Adventure”. Кэти называет этот альбом своим манифестом: “Если можно так сказать, концепция этой пластинки — это личная мифология, так я это называю. Я пишу истории о себе, о том, откуда и кто я. Этот альбом — манифест, объясняющий, почему каждый должен иметь возможность сделать это — написать свою собственную мифологию”*.
*перевод цитаты взят из статьи на Сигме: https://syg.ma/@aasukhomlinov/vanishing-twin-muzyka-dolzhna-byt-sposobom-pobiegha-poliotom-fantazii-putieshiestviiem-kotoroie-vozvyshaiet-nad-obydiennostiu
Слушать: https://v-twin.bandcamp.com/album/choose-your-own-adventure
(2016, Soundway)
psychedelic pop / experimental rock / art pop / indietronica / neo-psychedelia
Дебютный альбом английской психоделической поп-группы Vanishing Twin, на котором важно всё — концепт, эстетика и предыстория создания.
“Синдром исчезнувшего близнеца” часто возникает у людей, которые должны были иметь близнеца, но по тем или иным причинам потеряли его, ещё находясь в утробе матери. Таких людей на самом деле больше, чем может показаться. Один из исследователей этого феномена, Чарльз Боклэйдж (Charles Boklage), например, считает, что 10-15 % всех одиночнорождённых людей в действительности когда-то имели близнеца, но просто не знают об этом. Вокалистка группы Vanishing Twin Кэти Лукас (Cathy Lucas) относится к тому незначительному проценту людей, которые не только имели близнеца, исчезнувшего ещё до рождения, но и знают об этом. Кэти, назвав группу в честь сестры, “которую она поглотила ещё в утробе”, и альбом “Choose Your Own Adventure” посвятила ей.
Vanishing Twin создают музыку на стыке поп-психоделии, индитроники и экспериментального рока. Мечтательный и спокойный вокал Кэти позволяет расставлять акценты в длительных композициях группы, в которых большую роль играет импровизация.Помимо Кэти, в группе есть барабанщица Валентина Магалетти (Valentina Magaletti) [проекты Raime, Tomaga, Uuuu, Neon Neon], басист Сусуму Мукай Susumu Mukai [Zongamin], Phil M.F.U. (тот что Man From Uranus) отвечает за “странные звуки”, как сообщает пресс-релиз, а за флейту и перкуссию отвечает художник Эллиотт Арндт. К слову, визуальная составляющая тоже важна для Vanishing Twin. Обложки альбомов, фотосессии, клипы - визуальный образ, который группы пытается создать, вызывает ассоциации с художниками-дадаистами. Эти ассоциации не случайны, что подтверждают в интервью и сами музыканты, называя своим вдохновением, например, Ханну Хёх.
При всей важности образа и концептуальности для Vanishing Twin на первом месте всё равно остаётся музыка, особенно учитывая такой разноплановый состав. Им удаётся добиться одновременно мелодичного и экспериментального саунда с вкраплениями звучания старых и самодельных электронных инструментов и необычной перкуссии. Так несостоявшаяся жизнь второго близнеца воплощается в альбоме “Choose Your Own Adventure”. Кэти называет этот альбом своим манифестом: “Если можно так сказать, концепция этой пластинки — это личная мифология, так я это называю. Я пишу истории о себе, о том, откуда и кто я. Этот альбом — манифест, объясняющий, почему каждый должен иметь возможность сделать это — написать свою собственную мифологию”*.
*перевод цитаты взят из статьи на Сигме: https://syg.ma/@aasukhomlinov/vanishing-twin-muzyka-dolzhna-byt-sposobom-pobiegha-poliotom-fantazii-putieshiestviiem-kotoroie-vozvyshaiet-nad-obydiennostiu
Слушать: https://v-twin.bandcamp.com/album/choose-your-own-adventure
Michael Yonkers Band - Microminiature Love
(1968 recorded/2002, De Stij/Sub Pop)
garage rock / psychedelic rock / proto-punk / proto-noise rock / blues rock
Перед вами действительно #that_hiddengem. Альбом психоделической предпанковой эры, волею судеб оценённый по достоинству лишь спустя 35 лет после записи.
Майкл Йонкерс — музыкант из Миннеаполиса, города подарившего таких артистов, как Боб Дилан, Принс, а также любимых нами Atmosphere. Впрочем, речь пойдёт не о привязке его музыки к культурному или географическому пространству. Напротив, именно время, когда творил Майкл ( когда он одновременно и улавливал Zeitgeist? и опережал его), является точкой входа в его музыку. И именно время сыграло важную роль как в забвении альбома “Microminiature Love”, так и в его спасении в нулевых годах нашего века.
Сейчас Майклу Йонкерсу около 73-74 лет, а последний его релиз вышел аж в 2011-м году. Тогда же, в описанных всевозможными клише 60-х годах Майкл и его группа записали часть песен для “Microminiature Love” и предложили лейблу Sire Records выпустить их альбом. Но сотрудники лейбла, очевидно, не могли распознать на “Microminiature Love” звучание музыки двух последующих десятилетий и, грубо говоря, отложили альбом пылиться на полку.
А альбом продолжал собираться по частям. Сразу после попытки предложить “Microminiature Love” лейблу Майкл и музыканты записали 3 песни за один час в маленькой студии. Оставшаяся часть релиза была записана в 1969-м году в подвале Майкла. На следующий год, пережив несчастный случай на производстве, музыкант, к сожалению, стал наполовину недееспособным.
Так время и история поступили с музыкой Майкла Йонкерса и с ним самим. А что до непосредственно альбома и его саунда, то здесь лучше предоставить “Microminiature Love” возможность самому рассказать о себе. Уникальная пластинка, песни на которой идентифицируются не только как прото-панк, но и как прото-нойз-рок. И это в конце 60-х годов!
Слушать: https://music.yandex.ru/album/3470585
(1968 recorded/2002, De Stij/Sub Pop)
garage rock / psychedelic rock / proto-punk / proto-noise rock / blues rock
Перед вами действительно #that_hiddengem. Альбом психоделической предпанковой эры, волею судеб оценённый по достоинству лишь спустя 35 лет после записи.
Майкл Йонкерс — музыкант из Миннеаполиса, города подарившего таких артистов, как Боб Дилан, Принс, а также любимых нами Atmosphere. Впрочем, речь пойдёт не о привязке его музыки к культурному или географическому пространству. Напротив, именно время, когда творил Майкл ( когда он одновременно и улавливал Zeitgeist? и опережал его), является точкой входа в его музыку. И именно время сыграло важную роль как в забвении альбома “Microminiature Love”, так и в его спасении в нулевых годах нашего века.
Сейчас Майклу Йонкерсу около 73-74 лет, а последний его релиз вышел аж в 2011-м году. Тогда же, в описанных всевозможными клише 60-х годах Майкл и его группа записали часть песен для “Microminiature Love” и предложили лейблу Sire Records выпустить их альбом. Но сотрудники лейбла, очевидно, не могли распознать на “Microminiature Love” звучание музыки двух последующих десятилетий и, грубо говоря, отложили альбом пылиться на полку.
А альбом продолжал собираться по частям. Сразу после попытки предложить “Microminiature Love” лейблу Майкл и музыканты записали 3 песни за один час в маленькой студии. Оставшаяся часть релиза была записана в 1969-м году в подвале Майкла. На следующий год, пережив несчастный случай на производстве, музыкант, к сожалению, стал наполовину недееспособным.
Так время и история поступили с музыкой Майкла Йонкерса и с ним самим. А что до непосредственно альбома и его саунда, то здесь лучше предоставить “Microminiature Love” возможность самому рассказать о себе. Уникальная пластинка, песни на которой идентифицируются не только как прото-панк, но и как прото-нойз-рок. И это в конце 60-х годов!
Слушать: https://music.yandex.ru/album/3470585
Gescom - ISS:SA
(2003, SKAM)
idm / acid techno / glitch
Предпоследний на сегодня релиз от Gescom, многосоставного и полу-загадочного электронного проекта. Эволюционирующий по ходу многозвучный EP стал игривой альтернативой Autechre периода “Draft 7.30”.
Этот крупный EP – островок музыки, прервавший пятилетнее молчание коллективного разума Gescom (Gestalt Communications), продолжавшееся потом ещё 8 лет. Идейные вдохновители и ключевые участники – британцы Роб Браун и Шон Бут (Rob Brown & Sean Booth), визионеры электронной музыки, раздвигающие её границы под именем Autechre, собирали вокруг себя неопределённый круг музыкантов и создавали аттракционы немного иного вида. За всё время, по словам Шона, музыку для Gescom играли около 15-20 человек. Этот проект – отдушина для Роба и Шона, где они всласть наигрывались со звуком и переставали быть интровертами из тёмного угла тайн сложной электроники. Большинство записей делалось либо во время выступлений (иногда с перезаписью лучшего в студии), либо в творческой тусовке (кто-то мог использовать облик Gescom и без Роба/Шона).
Каждый участник, будь то Энди Мэддокс (Andy Maddocks), основатель SKAM, на котором выпускались Gescom, мультидисциплинарный саунд-художник Рассел Хассуэл (Russel Haswell) или, например, Bola (Darrell Fitton), привносил в треки своё. Хип-хоп и соул, эксперименты со звуком или репетитивная электроника смешивались, но каким-то образом образовывали единую эстетику Gescom. Знание о том, кто приложил руку к ISS:SA, покрыто тайной, как и почти любые сведения о проекте, но 3 из 5 треков были замечены на выступлении Autechre на Коачелле 99 года, да и в интернете гуляют слухи об утерянном интервью, в котором Шон Бут признаётся, что это полностью его работа. Как бы то ни было, главное здесь – музыка, и она мало на что похожа. Словно человек, закованный в машину, пытается издавать звуки, артикулируя механическими губами, но мы всё не в состоянии их понять.
Зато можем вытанцевать свой мозг. Заглавный трек тут стартует с около-хип-хопных отбивок, пространной, меняющей силу синтовой мелодии, и спустя три минуты среди испещрённых деталями уровней звука возникает трансцендирующая дроун-мантра, с которой во второй части трека слушатель остаётся один на один. Следом за ней - спокойная, но не менее детальная прогулка по размытому пространству "Tangle III"; шаг приходится разогнать лишь под конец. "TR2A" здесь наиболее близка к хип-хопу, и хоть она и постоянно падает/прыгает, у неё наиболее прямолинейная композиция. Трек, как и все здесь, будто по кусочкам разобран и лёгкой рукой пересобран заново. Буквально это происходит и на бонусном "Megamix", многослойном шоукейсе возможностей Gescom для радио BBC. Изворотливость и изобретательность музыкантов не знают границ. В конечном счёте, ISS:SA как релиз остаётся пазлом, на который нет верного угла зрения, как и на его обложку (где верх, а где низ на ней - не ясно никому).
(2003, SKAM)
idm / acid techno / glitch
Предпоследний на сегодня релиз от Gescom, многосоставного и полу-загадочного электронного проекта. Эволюционирующий по ходу многозвучный EP стал игривой альтернативой Autechre периода “Draft 7.30”.
Этот крупный EP – островок музыки, прервавший пятилетнее молчание коллективного разума Gescom (Gestalt Communications), продолжавшееся потом ещё 8 лет. Идейные вдохновители и ключевые участники – британцы Роб Браун и Шон Бут (Rob Brown & Sean Booth), визионеры электронной музыки, раздвигающие её границы под именем Autechre, собирали вокруг себя неопределённый круг музыкантов и создавали аттракционы немного иного вида. За всё время, по словам Шона, музыку для Gescom играли около 15-20 человек. Этот проект – отдушина для Роба и Шона, где они всласть наигрывались со звуком и переставали быть интровертами из тёмного угла тайн сложной электроники. Большинство записей делалось либо во время выступлений (иногда с перезаписью лучшего в студии), либо в творческой тусовке (кто-то мог использовать облик Gescom и без Роба/Шона).
Каждый участник, будь то Энди Мэддокс (Andy Maddocks), основатель SKAM, на котором выпускались Gescom, мультидисциплинарный саунд-художник Рассел Хассуэл (Russel Haswell) или, например, Bola (Darrell Fitton), привносил в треки своё. Хип-хоп и соул, эксперименты со звуком или репетитивная электроника смешивались, но каким-то образом образовывали единую эстетику Gescom. Знание о том, кто приложил руку к ISS:SA, покрыто тайной, как и почти любые сведения о проекте, но 3 из 5 треков были замечены на выступлении Autechre на Коачелле 99 года, да и в интернете гуляют слухи об утерянном интервью, в котором Шон Бут признаётся, что это полностью его работа. Как бы то ни было, главное здесь – музыка, и она мало на что похожа. Словно человек, закованный в машину, пытается издавать звуки, артикулируя механическими губами, но мы всё не в состоянии их понять.
Зато можем вытанцевать свой мозг. Заглавный трек тут стартует с около-хип-хопных отбивок, пространной, меняющей силу синтовой мелодии, и спустя три минуты среди испещрённых деталями уровней звука возникает трансцендирующая дроун-мантра, с которой во второй части трека слушатель остаётся один на один. Следом за ней - спокойная, но не менее детальная прогулка по размытому пространству "Tangle III"; шаг приходится разогнать лишь под конец. "TR2A" здесь наиболее близка к хип-хопу, и хоть она и постоянно падает/прыгает, у неё наиболее прямолинейная композиция. Трек, как и все здесь, будто по кусочкам разобран и лёгкой рукой пересобран заново. Буквально это происходит и на бонусном "Megamix", многослойном шоукейсе возможностей Gescom для радио BBC. Изворотливость и изобретательность музыкантов не знают границ. В конечном счёте, ISS:SA как релиз остаётся пазлом, на который нет верного угла зрения, как и на его обложку (где верх, а где низ на ней - не ясно никому).
Поговорила с польским музыкантом Вацлавом Зимпелем о минималистах, традиционной музыке, экспериментах с электроникой и его новом альбоме «Massive Oscillations».
https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
syg.ma
О телесности минимализма, пользе транса и остановке времени — интервью с польским музыкантом Вацлавом Зимпелем
По случаю выхода нового альбома польского музыканта Вацлава Зимпеля «Massive Oscillations» поговорили с ним о трансе, минималистах, традиционной музыке и о его переходе из джаза в электронику
Keeley Forsyth - Debris
(2020, The Leaf)
avant-folk / singer-songwriter
Дебютный альбом Кили Форсайт, британской актрисы, танцовщицы, а теперь и авант-исполнительницы, на котором она ведёт непростой внутренний диалог с собой.
Альбом Кили Форсайт, который мы вчера затизерили клипом, попал в фокус зарубежных медиа сразу после выхода. Это объяснимо, ведь несмотря на то, что это её первая музыкальная работа, Кили уже довольно давно известна как актриса, в основном британских сериалов, но недавно в её фильмографии мелькнули и «Стражи Галактики». Музыка тоже давно стала частью её жизни, но до недавнего времени она ничего не выпускала.
Всё изменилось, когда Кили услышала по радио композицию английского композитора Мэттью Борна (Matthew Bourne). Борн — авангардный джазовый пианист и виолончелист, сотрудничавший с самыми разными музыкантами — от Аннет Пикок до Джона Зорна. Кили Форсайт почувствовала, что может представить его музыку и свои песни вместе и решила написать. Она отправила ему свои демо, записанные дома без микрофона и под минимальный аккомпанемент аккордеона и фисгармонии, они произвели на Борна сильное впечатление. Так началась их совместная работа над «Debris».
Это тяжёлый альбом — о мрачном периоде в жизни самой Форсайт, когда она пыталась преодолеть ментальные и физические заболевания, вызванные тем, что в кино она на протяжении многих лет играла неблагополучных персонажей «с окраины жизни» и не сумела вовремя дистанцироваться. Борн и Форсайт сохранили минималистичные аранжировки демо-записей, позволив голосу Кили остаться на первом плане и вести музыку за собой. «Debris» получился очень цельным альбомом, который слушается на одном дыхании (отчасти и потому что длится всего полчаса) и оставляет после себя странное ощущение недосказанности. Опыт, через который Кили прошла как актриса, определённо научил её устанавливать дистанцию. Она не идентифицирует себя с человеком, чей голос звучит на «Debris» и называет его просто «она». У «неё» даже есть акцент, которой у британки Кили представить сложно. При этом, конечно, «Debris» — это непростой диалог с собой о том, как жизнь стала такой, какой стала, и как выбраться из пустого города, заваленного руинами.
Слушать: https://keeleyforsyth.bandcamp.com/
(2020, The Leaf)
avant-folk / singer-songwriter
Дебютный альбом Кили Форсайт, британской актрисы, танцовщицы, а теперь и авант-исполнительницы, на котором она ведёт непростой внутренний диалог с собой.
Альбом Кили Форсайт, который мы вчера затизерили клипом, попал в фокус зарубежных медиа сразу после выхода. Это объяснимо, ведь несмотря на то, что это её первая музыкальная работа, Кили уже довольно давно известна как актриса, в основном британских сериалов, но недавно в её фильмографии мелькнули и «Стражи Галактики». Музыка тоже давно стала частью её жизни, но до недавнего времени она ничего не выпускала.
Всё изменилось, когда Кили услышала по радио композицию английского композитора Мэттью Борна (Matthew Bourne). Борн — авангардный джазовый пианист и виолончелист, сотрудничавший с самыми разными музыкантами — от Аннет Пикок до Джона Зорна. Кили Форсайт почувствовала, что может представить его музыку и свои песни вместе и решила написать. Она отправила ему свои демо, записанные дома без микрофона и под минимальный аккомпанемент аккордеона и фисгармонии, они произвели на Борна сильное впечатление. Так началась их совместная работа над «Debris».
Это тяжёлый альбом — о мрачном периоде в жизни самой Форсайт, когда она пыталась преодолеть ментальные и физические заболевания, вызванные тем, что в кино она на протяжении многих лет играла неблагополучных персонажей «с окраины жизни» и не сумела вовремя дистанцироваться. Борн и Форсайт сохранили минималистичные аранжировки демо-записей, позволив голосу Кили остаться на первом плане и вести музыку за собой. «Debris» получился очень цельным альбомом, который слушается на одном дыхании (отчасти и потому что длится всего полчаса) и оставляет после себя странное ощущение недосказанности. Опыт, через который Кили прошла как актриса, определённо научил её устанавливать дистанцию. Она не идентифицирует себя с человеком, чей голос звучит на «Debris» и называет его просто «она». У «неё» даже есть акцент, которой у британки Кили представить сложно. При этом, конечно, «Debris» — это непростой диалог с собой о том, как жизнь стала такой, какой стала, и как выбраться из пустого города, заваленного руинами.
Слушать: https://keeleyforsyth.bandcamp.com/
🔥1
Beatrice Dillon - Workaround
(2020, PAN)
experimental electronic / electroacoustic / minimal house / dub / uk bass
Перехитрив собственный академизм, дебютный "Workaround" мастерицы микса Беатрис Диллон умудряется соединить в себе стерильность и грув, детализацию и неопределённость.
Много — не всегда хорошо. На полноформатном дебюте ритмозависимой Беатрис Диллон удаётся это показать. Весь лишний ревёрб или слои электроники — в сторону. Британке нужен вызов, схватка с тишиной, с ощущением пустоты, и лишь в этом сетапе ей интересно пытаться сделать что-то захватывающее. Звуки "Workaround" кристально чисты, а их порядок выверен до каждого потрескивания. Выдерживая один эстетический скелет и 150 ударов в минуту, при этом ни разу не повторяясь, Беатрис переносит те же кристаллики FM-синтеза, что используют сегодня Марк Фелл или Габор Лазар, в плоскость даба и клубного UK-бейса.
Если её звуки и пребывают будто в вакууме, её карьеру и методы работы замкнутыми на себе на назовёшь. Глубочайшая наслушанность Беатрис идёт из подросткового возраста, когда будущий "интуитивный DJ" вычитывала вкладыши к пластинкам, разбирая их по звукам**, и из периода, когда она пластинки продавала. В середине 2010-х Диллон прослыла виртуозом микса, как по эклектике подбора, так и по мастерству переплетения треков. Её диссертация в Колледже искусств Челси — по составителю сборников американского фолка Гарри Смиту, а список людей, повлиявших на её метод работы на “Workaround”, ширится от художников и фотографов разного толка до хореографов и писателей, жанры — от карибской музыки и даба до афробита. Но весь этот академизм и точки опоры ни на толику не мешают альбому бурлить жизнью, собственной.
Сотканная из собственных синт-бит-основ материя обрастает цветными лоскутами чужих сэмплов. Записанные специально для "Workaround" 12 музыкантами, они тщательно размещены по альбому. Голос и синт Лорел Хейло слышатся на втором треке, струны Люси Рейлтон — на пятом, а ещё мелькают вместе с переливами таблы Куджита Бхармы и перкуссии Batu по всему альбому. И это лишь часть замысловатого конструктора Беатрис. При этом иногда его сборка предоставляется параметрам и случаю (компьютеру). Из всего мы получаем хоть и невесомые, но чётко очерченные воздушные танцполы для тела и души. "Workaround" как бесконечная игра, а треки — как "временные результаты"* этой игры (перифраз названия), которая могла бы иметь и другие исходы в рамках тех же правил. Но мы абсолютно счастливы иметь это собрание воплощённых в жизнь треков в наших динамиках.
* – из интервью для Bandcamp https://daily.bandcamp.com/features/on-workaround-bea..
** – из интервью MixMag https://mixmag.net/feature/beatrice-dillon-music
Слушать: https://beatricedillon.bandcamp.com/album/workaround
(2020, PAN)
experimental electronic / electroacoustic / minimal house / dub / uk bass
Перехитрив собственный академизм, дебютный "Workaround" мастерицы микса Беатрис Диллон умудряется соединить в себе стерильность и грув, детализацию и неопределённость.
Много — не всегда хорошо. На полноформатном дебюте ритмозависимой Беатрис Диллон удаётся это показать. Весь лишний ревёрб или слои электроники — в сторону. Британке нужен вызов, схватка с тишиной, с ощущением пустоты, и лишь в этом сетапе ей интересно пытаться сделать что-то захватывающее. Звуки "Workaround" кристально чисты, а их порядок выверен до каждого потрескивания. Выдерживая один эстетический скелет и 150 ударов в минуту, при этом ни разу не повторяясь, Беатрис переносит те же кристаллики FM-синтеза, что используют сегодня Марк Фелл или Габор Лазар, в плоскость даба и клубного UK-бейса.
Если её звуки и пребывают будто в вакууме, её карьеру и методы работы замкнутыми на себе на назовёшь. Глубочайшая наслушанность Беатрис идёт из подросткового возраста, когда будущий "интуитивный DJ" вычитывала вкладыши к пластинкам, разбирая их по звукам**, и из периода, когда она пластинки продавала. В середине 2010-х Диллон прослыла виртуозом микса, как по эклектике подбора, так и по мастерству переплетения треков. Её диссертация в Колледже искусств Челси — по составителю сборников американского фолка Гарри Смиту, а список людей, повлиявших на её метод работы на “Workaround”, ширится от художников и фотографов разного толка до хореографов и писателей, жанры — от карибской музыки и даба до афробита. Но весь этот академизм и точки опоры ни на толику не мешают альбому бурлить жизнью, собственной.
Сотканная из собственных синт-бит-основ материя обрастает цветными лоскутами чужих сэмплов. Записанные специально для "Workaround" 12 музыкантами, они тщательно размещены по альбому. Голос и синт Лорел Хейло слышатся на втором треке, струны Люси Рейлтон — на пятом, а ещё мелькают вместе с переливами таблы Куджита Бхармы и перкуссии Batu по всему альбому. И это лишь часть замысловатого конструктора Беатрис. При этом иногда его сборка предоставляется параметрам и случаю (компьютеру). Из всего мы получаем хоть и невесомые, но чётко очерченные воздушные танцполы для тела и души. "Workaround" как бесконечная игра, а треки — как "временные результаты"* этой игры (перифраз названия), которая могла бы иметь и другие исходы в рамках тех же правил. Но мы абсолютно счастливы иметь это собрание воплощённых в жизнь треков в наших динамиках.
* – из интервью для Bandcamp https://daily.bandcamp.com/features/on-workaround-bea..
** – из интервью MixMag https://mixmag.net/feature/beatrice-dillon-music
Слушать: https://beatricedillon.bandcamp.com/album/workaround
Wacław Zimpel - Massive Oscillations
(2020, Ongehoord)
post-minimalism / progressive electronic / ambient / drone / psychedelic
Второй сольный альбом польского мультиинструменталиста Вацлава Зимпеля, спродюсированный и сведённый электронщиком-экспериментатором Джеймсом Холденом.
Если бы нужно было написать о “Massive Oscillations” на английском языке, то к альбому сразу же подошёл бы тег “trance-alike”, без сомнения. Разумеется, что в этом случае речь идёт совсем не о музыкальном жанре, а исключительно о состоянии. Погружение слушателя в транс и попытки в определённом смысле “остановить время” с помощью музыки… Подобное использование музыкальных возможностей — очень в духе самого Вацлава Зимпеля. Впрочем, подробнее об этом вы можете узнать в недавнем интервью*, которое Настя взяла у Вацлава (если вы ещё его не читали). Ссылку на интервью оставим под текстом.
На “Massive Oscillations” Вацлав не ограничивался использованием всевозможной электроники и сотрудничеством с Джеймсом Холденом (James Holden), который, по словам музыканта, “своим магическим прикосновением” внёс вклад в выверенный саунд альбома. В свою очередь, сам Вацлав в ходе записи также играл на бас-кларнете (кларнет — основной инструмент музыканта), альтовом кларнете, подготовленном пианино и даже гитарном объекте известного в музыкальных кругах нидерландского изобретателя Юрия Ландмана (Yuri Landman). А на заключительном треке “Release” Вацлав привлёк не особо известную певицу Холли Хок (Holly Hock), разнообразив вокалом свой трансоподобный альбом.
Что до источников звука на записи этого релиза, они, в сокращённой форме, представлены в прошлом абзаце. Но, помимо первостепенной значимости гипнотического саунда “Massive Oscillations”, его структура, пожалуй, выглядит куда более интересной, чем непосредственно источники звука. Здесь всего 4 трека, лишь один из которых по своему хронометражу не доходит до отметки в 10 минут. А самый длительный трек альбома и вовсе звучит все 16. Конечно, такая временная структура “Massive Oscillations” полностью оправдана. Ведь именно при такой длительности и раскрывается то трансовое воздействие на слушателя, к которому Вацлав Зимпель так искусно стремится.
* https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
Cлушать: https://waclawzimpel.bandcamp.com/
(2020, Ongehoord)
post-minimalism / progressive electronic / ambient / drone / psychedelic
Второй сольный альбом польского мультиинструменталиста Вацлава Зимпеля, спродюсированный и сведённый электронщиком-экспериментатором Джеймсом Холденом.
Если бы нужно было написать о “Massive Oscillations” на английском языке, то к альбому сразу же подошёл бы тег “trance-alike”, без сомнения. Разумеется, что в этом случае речь идёт совсем не о музыкальном жанре, а исключительно о состоянии. Погружение слушателя в транс и попытки в определённом смысле “остановить время” с помощью музыки… Подобное использование музыкальных возможностей — очень в духе самого Вацлава Зимпеля. Впрочем, подробнее об этом вы можете узнать в недавнем интервью*, которое Настя взяла у Вацлава (если вы ещё его не читали). Ссылку на интервью оставим под текстом.
На “Massive Oscillations” Вацлав не ограничивался использованием всевозможной электроники и сотрудничеством с Джеймсом Холденом (James Holden), который, по словам музыканта, “своим магическим прикосновением” внёс вклад в выверенный саунд альбома. В свою очередь, сам Вацлав в ходе записи также играл на бас-кларнете (кларнет — основной инструмент музыканта), альтовом кларнете, подготовленном пианино и даже гитарном объекте известного в музыкальных кругах нидерландского изобретателя Юрия Ландмана (Yuri Landman). А на заключительном треке “Release” Вацлав привлёк не особо известную певицу Холли Хок (Holly Hock), разнообразив вокалом свой трансоподобный альбом.
Что до источников звука на записи этого релиза, они, в сокращённой форме, представлены в прошлом абзаце. Но, помимо первостепенной значимости гипнотического саунда “Massive Oscillations”, его структура, пожалуй, выглядит куда более интересной, чем непосредственно источники звука. Здесь всего 4 трека, лишь один из которых по своему хронометражу не доходит до отметки в 10 минут. А самый длительный трек альбома и вовсе звучит все 16. Конечно, такая временная структура “Massive Oscillations” полностью оправдана. Ведь именно при такой длительности и раскрывается то трансовое воздействие на слушателя, к которому Вацлав Зимпель так искусно стремится.
* https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
Cлушать: https://waclawzimpel.bandcamp.com/
Oneohtrix Point Never - Replica
(2011, Software/Mexican Summer)
plunderphonics / ambient / glitch / sampledelia
Большинство релизов рубрики #that_greats принадлежат эпохам прошлого века. Но бывают и редкие исключения — альбомы, которые почти сразу становятся современной классикой.
Пятый студийный альбом американского электронщика-экспериментатора Дэниела Лопатина (Daniel Lopatin) как раз является примером такого уникального исключения. К началу 10-х годов Дэниел отошёл от экспериментов с собственным вокалом, звучавших на прошлом релизе “Returnal” (2010). На “Replica” же он выбрал ту музыкальную стезю, по которой затем пошли многие артисты таких направлений, как вэйпорвейв и гипнагогический поп. Да и в целом смог уловить тот хонтологический вайб, к которому нередко обращались музыканты этой декады. Кроме того, изобретательность Дэниела позволила ему оживить жанр пландерфоники, в котором последний “громкий” альбом вышел аж на заре XXI-го века — это был, разумеется, The Avalanches с “Since I Left You” (2000).
Возвращаясь к проекту Oneohtrix Point Never и тому, что могло вдохновить Дэниела на переизобретение своего музыкального языка, посмотрим, как он сам говорил о том, что сподвигло его на запись “Replica”. В интервью изданию The Village Voice Дэниел пояснял, что “идея [художественной] реплики в культуре как способа, которым мы справляемся с упадком знаний или их потерей, ведь мы не бессмертны”. Однако это, как утверждает Дэниел, отнюдь не решение проблемы. "Это, скорее, художественная попытка передать оригинал, а не просто сделать копию..."* Альбом, таким образом, оказался в том числе и важным рефлексивным высказыванием об искусстве. Отчасти и поэтому он довольно быстро и справедливо занял место на пьедестале современной экспериментальной музыки.
* https://www.villagevoice.com/2011/10/11/download-oneohtrix-point-nevers-buzzing-replica/
Слушать: https://oneohtrixpointnever1.bandcamp.com/album/replica
(2011, Software/Mexican Summer)
plunderphonics / ambient / glitch / sampledelia
Большинство релизов рубрики #that_greats принадлежат эпохам прошлого века. Но бывают и редкие исключения — альбомы, которые почти сразу становятся современной классикой.
Пятый студийный альбом американского электронщика-экспериментатора Дэниела Лопатина (Daniel Lopatin) как раз является примером такого уникального исключения. К началу 10-х годов Дэниел отошёл от экспериментов с собственным вокалом, звучавших на прошлом релизе “Returnal” (2010). На “Replica” же он выбрал ту музыкальную стезю, по которой затем пошли многие артисты таких направлений, как вэйпорвейв и гипнагогический поп. Да и в целом смог уловить тот хонтологический вайб, к которому нередко обращались музыканты этой декады. Кроме того, изобретательность Дэниела позволила ему оживить жанр пландерфоники, в котором последний “громкий” альбом вышел аж на заре XXI-го века — это был, разумеется, The Avalanches с “Since I Left You” (2000).
Возвращаясь к проекту Oneohtrix Point Never и тому, что могло вдохновить Дэниела на переизобретение своего музыкального языка, посмотрим, как он сам говорил о том, что сподвигло его на запись “Replica”. В интервью изданию The Village Voice Дэниел пояснял, что “идея [художественной] реплики в культуре как способа, которым мы справляемся с упадком знаний или их потерей, ведь мы не бессмертны”. Однако это, как утверждает Дэниел, отнюдь не решение проблемы. "Это, скорее, художественная попытка передать оригинал, а не просто сделать копию..."* Альбом, таким образом, оказался в том числе и важным рефлексивным высказыванием об искусстве. Отчасти и поэтому он довольно быстро и справедливо занял место на пьедестале современной экспериментальной музыки.
* https://www.villagevoice.com/2011/10/11/download-oneohtrix-point-nevers-buzzing-replica/
Слушать: https://oneohtrixpointnever1.bandcamp.com/album/replica
🔥1
Sibylle Baier - Colour Green
(2006, Orange Twin / Isota)
folk / singer-songwriter
Так получается, что в рубрике #that_hiddengem у нас часто именно фолк. Нередко песни, а то и целые альбомы годы десятилетиями ждут момента, когда их услышат современные слушатели.
Так произошло и с немецкой певицей Сибиллой Байер. О ней известно не так много: в юности начала играть на гитаре и фортепиано, первую песню написала после путешествия с другом по Альпам. Эту песню — "Remember the Day" — можно услышать на альбоме “Colour Green”. Практически все свои песни Сибилла написала в с 1970-го по 1973-й год, на этот же непродолжительный период пришелся и пик её карьеры. Она снялась в немецком роуд-муви “Alice in den Städten” и написала песни для саундтрека к фильму Йохана Рихтера (Jochen Richter) “Umarmungen und andere Sachen”. Потом Сибилла решила, что не будет продолжать заниматься музыкальной или актёрской карьерой и сосредоточила внимание на семье.
За то что ранние плёночные записи песен Сибиллы услышала не только её семья и друзья, стоит благодарить её сына Робби, который собрал альбом “Colour Green” и передал его Джею Маскису из Dinosaur Jr. Музыкант по достоинству оценил меланхоличные фолк-песни Сибиллы, и в 2006 году альбом вышел на американском лейбле Orange Twin, который больше всего известен тем, что на нём выпускались сольные альбомы Джеффа Магнума из Neutral Milk Hotel.
Песни на “Colour Green” отличаются лоу-файным звуком (оно и понятно, ведь они записаны в 70-е на плёночный рекодер), меланхоличной лирикой и очень мягким и приглушённым вокалом Сибиллы. Её музыку, кстати, очень ценит Ким Гордон за “сладкие меланхоличные мелодии”*. Сама Сибилла Байер предпочитает оставаться в тени, успех её альбома удивляет певицу. А её сын ведёт о Сибилле сайт (https://sibyllebaier.com/), который, как сам признаётся, вряд ли когда-то покажет матери, потому что от интернета у неё кружится голова.
*https://sibyllebaier.com/press/
Слушать: https://orangetwinrecords.bandcamp.com/album/colour-green
(2006, Orange Twin / Isota)
folk / singer-songwriter
Так получается, что в рубрике #that_hiddengem у нас часто именно фолк. Нередко песни, а то и целые альбомы годы десятилетиями ждут момента, когда их услышат современные слушатели.
Так произошло и с немецкой певицей Сибиллой Байер. О ней известно не так много: в юности начала играть на гитаре и фортепиано, первую песню написала после путешествия с другом по Альпам. Эту песню — "Remember the Day" — можно услышать на альбоме “Colour Green”. Практически все свои песни Сибилла написала в с 1970-го по 1973-й год, на этот же непродолжительный период пришелся и пик её карьеры. Она снялась в немецком роуд-муви “Alice in den Städten” и написала песни для саундтрека к фильму Йохана Рихтера (Jochen Richter) “Umarmungen und andere Sachen”. Потом Сибилла решила, что не будет продолжать заниматься музыкальной или актёрской карьерой и сосредоточила внимание на семье.
За то что ранние плёночные записи песен Сибиллы услышала не только её семья и друзья, стоит благодарить её сына Робби, который собрал альбом “Colour Green” и передал его Джею Маскису из Dinosaur Jr. Музыкант по достоинству оценил меланхоличные фолк-песни Сибиллы, и в 2006 году альбом вышел на американском лейбле Orange Twin, который больше всего известен тем, что на нём выпускались сольные альбомы Джеффа Магнума из Neutral Milk Hotel.
Песни на “Colour Green” отличаются лоу-файным звуком (оно и понятно, ведь они записаны в 70-е на плёночный рекодер), меланхоличной лирикой и очень мягким и приглушённым вокалом Сибиллы. Её музыку, кстати, очень ценит Ким Гордон за “сладкие меланхоличные мелодии”*. Сама Сибилла Байер предпочитает оставаться в тени, успех её альбома удивляет певицу. А её сын ведёт о Сибилле сайт (https://sibyllebaier.com/), который, как сам признаётся, вряд ли когда-то покажет матери, потому что от интернета у неё кружится голова.
*https://sibyllebaier.com/press/
Слушать: https://orangetwinrecords.bandcamp.com/album/colour-green
Oval - Scis
(2020, Thrill Jockey)
IDM / electroacoustic / glitch
[club191146592|Скоро Маркус Попп aka Oval выступит в Москве и Санкт-Петербурге], а пока мы слушаем его новый альбом, вышедший в январе.
Маркус Попп (Markus Popp) давно дал всем понять, что его отношение к электронике, да и к музыке вообще, принципиально отличается от того, какое люди, не особо знакомые с его работами, могут ему приписать. Он говорит, что никогда не интересовался синтезаторами и электронной музыкой. Ещё в 2002 году Попп утверждал, что этот подход устарел и вся музыка будущего будет полагаться исключительно на ПО. “То, что я делаю — это не искусство и не Музыка с большой буквы. Это скорее просто работа с файлами (file management)”.
Oval сделал себе имя, когда проект (до 1995 года в него входили ещё Себастьян Ошатц (Sebastian Oschatz) и Франк Метцгер (Frank Metzger)) выпустил “94diskont.” — глитчевый саундскейп дигитализирующегося мира. Альбом был собран из погрешностей, казалось бы, идеального формата CD, освобождавшего контент от текстуры медиума, — никакого шипения кассеты или потрескивания винила. Oval вывели медиум на первый план, дав ему голос.
С тех пор много чего успело измениться. CD, например, перестал быть главным форматом на рынке, вся музыка сначала плавно перетекла в пиратские бухты, а потом на стриминговые платформы. Oval же обзавёлся собственным лейблом UOVOOO, а на релизах последних лет исследует разные аспекты клубной музыки. Единственное, что не изменилось — тщательность, с которой Попп прорабатывает каждый звуковой фрагмент, как он говорит, иногда месяцами работая над одним треком. Но этот альбом получился чуть более человечным, он, например, использовал акустические инструменты, включая подготовленное пианино, деревянные духовые и струнные. Их звучание, правда, изменено настолько, что вы едва ли сможете понять, где именно они звучат. Но отчасти этим эклектичные электроакустические работы Oval и интересны.
Слушать: https://oval.bandcamp.com/album/scis
(2020, Thrill Jockey)
IDM / electroacoustic / glitch
[club191146592|Скоро Маркус Попп aka Oval выступит в Москве и Санкт-Петербурге], а пока мы слушаем его новый альбом, вышедший в январе.
Маркус Попп (Markus Popp) давно дал всем понять, что его отношение к электронике, да и к музыке вообще, принципиально отличается от того, какое люди, не особо знакомые с его работами, могут ему приписать. Он говорит, что никогда не интересовался синтезаторами и электронной музыкой. Ещё в 2002 году Попп утверждал, что этот подход устарел и вся музыка будущего будет полагаться исключительно на ПО. “То, что я делаю — это не искусство и не Музыка с большой буквы. Это скорее просто работа с файлами (file management)”.
Oval сделал себе имя, когда проект (до 1995 года в него входили ещё Себастьян Ошатц (Sebastian Oschatz) и Франк Метцгер (Frank Metzger)) выпустил “94diskont.” — глитчевый саундскейп дигитализирующегося мира. Альбом был собран из погрешностей, казалось бы, идеального формата CD, освобождавшего контент от текстуры медиума, — никакого шипения кассеты или потрескивания винила. Oval вывели медиум на первый план, дав ему голос.
С тех пор много чего успело измениться. CD, например, перестал быть главным форматом на рынке, вся музыка сначала плавно перетекла в пиратские бухты, а потом на стриминговые платформы. Oval же обзавёлся собственным лейблом UOVOOO, а на релизах последних лет исследует разные аспекты клубной музыки. Единственное, что не изменилось — тщательность, с которой Попп прорабатывает каждый звуковой фрагмент, как он говорит, иногда месяцами работая над одним треком. Но этот альбом получился чуть более человечным, он, например, использовал акустические инструменты, включая подготовленное пианино, деревянные духовые и струнные. Их звучание, правда, изменено настолько, что вы едва ли сможете понять, где именно они звучат. Но отчасти этим эклектичные электроакустические работы Oval и интересны.
Слушать: https://oval.bandcamp.com/album/scis