Moor Mother - Analog Fluids of Sonic Black Holes
(2019, Don Giovanni)
experimental hip-hop / post-industrial / noise rap / spoken word / afrofuturistic
Наиболее интересным релизом ноября стал, конечно, ожидаемый нами альбом Камае Айевы, вышедший в её главном амплуа — Moor Mother.
В 2018-м году я подошёл к Moor Mother после её выступления на Рихтерфесте, чтобы поблагодарить её и сказать, насколько сильное впечатление произвёл на меня её лайв. После моих слов благодарности и фразы о том, что её выступление “взорвало мой разум”, Камае Айева тоже ответила благодарностью, но резко прервав эту тему и переключившись заявления о том, что “они” пытаются разделить нас, а музыка — это борьба против такого разделения. Со всем этим я соглашался и поддакивал, а в какой-то момент она возвела нарратив “Us and Them” в предельную степень. Моё внимание уже переключилось с её музыки на саму Камае, её образ, её слова и чуть ли не ауру аутентичности по Беньямину. Только вместо произведения искусства, в тот вечер это был человек. Я очень радовался и возглашал про себя: “Вот это да! Таким и должен быть политический музыкант наших дней!”
Альбом “Analog Fluids of Sonic Black Holes” со всей полнотой культурного бэкграунда Камае можно анализировать при помощи самых разных оптик. Более того, он спокойно может стать предметом академического эссе или чего-то вроде. Понятное дело, что даже самая сжатая попытка осмыслить альбом на таких серьёзных уровнях в формате капсульной рецензии вряд ли бы получилась удачной. Однако именно из-за масштабов, в которых производит своё творческое высказывание Камае, я посчитал нужным не обойти стороной многомерность альбома и возможности его глубокого анализа.
Как вы могли догадаться ещё перед первым прослушиванием альбома, “Analog Fluids of Sonic Black Holes” весьма тяжело поддаётся жанровой классификации, хотя содержит в себе довольно много музыкальных направлений. Помимо очевидного хип-хопа, индастриала и нойза, на этом альбоме Камае добавила к и без того мощному сплаву жанров ещё и семплы старых фолк-записей, разумеется, служащих в то же время и отсылками. Эта музыка сильна, нестабильна, крайне нагруженна политически и атакует тебя, если выражаться на английском, максимально in-your-face. Единственный комментарий: Moor Mother на альбоме звучит слишком непосредственно и даже прямолинейно (по понятным и полностью оправданным политическим причинам — чёрный феминизм, борьба против полицейского насилия и расовой дискриминации, афрофутуризм... можно долго продолжать этот список). Тот же Сол Уильямс, зашедший на фит к Камае в треке “Black Flight”, звучит гораздо искуснее и поэтически. Но и сама Камае не столь единообразна, как может показаться при первом прослушивании. Это всецело доказывает завершающий альбом трек “Passing of Time” с его совершенно уникальной поэтикой.
Слушать: https://moormother.bandcamp.com/album/analog-fluids-of-sonic-black-holes
(2019, Don Giovanni)
experimental hip-hop / post-industrial / noise rap / spoken word / afrofuturistic
Наиболее интересным релизом ноября стал, конечно, ожидаемый нами альбом Камае Айевы, вышедший в её главном амплуа — Moor Mother.
В 2018-м году я подошёл к Moor Mother после её выступления на Рихтерфесте, чтобы поблагодарить её и сказать, насколько сильное впечатление произвёл на меня её лайв. После моих слов благодарности и фразы о том, что её выступление “взорвало мой разум”, Камае Айева тоже ответила благодарностью, но резко прервав эту тему и переключившись заявления о том, что “они” пытаются разделить нас, а музыка — это борьба против такого разделения. Со всем этим я соглашался и поддакивал, а в какой-то момент она возвела нарратив “Us and Them” в предельную степень. Моё внимание уже переключилось с её музыки на саму Камае, её образ, её слова и чуть ли не ауру аутентичности по Беньямину. Только вместо произведения искусства, в тот вечер это был человек. Я очень радовался и возглашал про себя: “Вот это да! Таким и должен быть политический музыкант наших дней!”
Альбом “Analog Fluids of Sonic Black Holes” со всей полнотой культурного бэкграунда Камае можно анализировать при помощи самых разных оптик. Более того, он спокойно может стать предметом академического эссе или чего-то вроде. Понятное дело, что даже самая сжатая попытка осмыслить альбом на таких серьёзных уровнях в формате капсульной рецензии вряд ли бы получилась удачной. Однако именно из-за масштабов, в которых производит своё творческое высказывание Камае, я посчитал нужным не обойти стороной многомерность альбома и возможности его глубокого анализа.
Как вы могли догадаться ещё перед первым прослушиванием альбома, “Analog Fluids of Sonic Black Holes” весьма тяжело поддаётся жанровой классификации, хотя содержит в себе довольно много музыкальных направлений. Помимо очевидного хип-хопа, индастриала и нойза, на этом альбоме Камае добавила к и без того мощному сплаву жанров ещё и семплы старых фолк-записей, разумеется, служащих в то же время и отсылками. Эта музыка сильна, нестабильна, крайне нагруженна политически и атакует тебя, если выражаться на английском, максимально in-your-face. Единственный комментарий: Moor Mother на альбоме звучит слишком непосредственно и даже прямолинейно (по понятным и полностью оправданным политическим причинам — чёрный феминизм, борьба против полицейского насилия и расовой дискриминации, афрофутуризм... можно долго продолжать этот список). Тот же Сол Уильямс, зашедший на фит к Камае в треке “Black Flight”, звучит гораздо искуснее и поэтически. Но и сама Камае не столь единообразна, как может показаться при первом прослушивании. Это всецело доказывает завершающий альбом трек “Passing of Time” с его совершенно уникальной поэтикой.
Слушать: https://moormother.bandcamp.com/album/analog-fluids-of-sonic-black-holes
Duster - Duster
(2019, Muddguts)
slowcore / indie rock / neo-psychedelia / shoegaze
Завершает нашу ретроспективу запомнившихся альбомов года один из самых ожидаемых релизов — декабрьское возвращение слоукор-группы 90-х Duster.
Duster - одна из важных групп на американской инди-сцене конца 90-х и начала 00-х. Они не были особенно известны тогда, но зато впоследствии очень полюбились меломанам и были признаны музыкальными критиками. Под этим названием они выпустили всего два альбома: “Stratosphere” в 1998-м и “Contemporary Movement” в 2000-м — о последнем мы уже писали. Более дотошные фанаты слушали ещё Valium Aggelein, ещё один проект музыкантов Duster с тем же составом и близким звучанием. Но Valium Aggelein закончилась ещё раньше, чем Duster. Музыканты разберилсь по разным группам — Built to Spill, Helvetia — или занялись немногочисленными сольными работами. 19 лет о Duster мало что было слышно, пока в апреле 2018-го музыканты не намекнули, что вновь понемногу записывают музыку. Позже участники группы подтвердили , что они никогда в действительности не распадались и время от времени обсуждали возможность вернуться к записи музыки как Duster, но до недавних пор до дела не доходило. И вот наконец, спустя 19 лет с последнего релиза, вышел одноимённый альбом, с которым группа вернулись на сцену.
Конечно, релиз отличается от альбомов коллектива, вышедших в 90-е и 2000-м, но это ожидаемо спустя практически 20 лет — едва ли винтажное оборудование, которым Duster тизерили слушателей в своём инстаграме, могло сделать звучание тем же, что на “Stratosphere”, да и стоило ли бы оно того? Хотя Duster близко подходят к тому, чтобы изобрести музыкальную машину времени — альбом был записан вживую в гараже и звучит довольно лоу-файно, очень в духе тех самых Duster. На “Duster” звук становится даже более нечётким, а вокал музыканты топят ещё глубже под пеленой звука (первый трек поначалу как бы намекает, что у вас не всё в порядке с аудиосистемой).
На возможное несоответствие ожиданиям Клэй Партон иронично замечал в интервью: “Мы прекрасно понимаем, что люди, которым нравится только “Stratosphere” вряд ли заинтересуются тем, что мы можем предложить сейчас. Им стоит переслушать его ещё спустя парочку десятилетий, может быть, они будут готовы к чему-то из 2019 где-нибудь в 2040, когда мы все уже умрём”.
(2019, Muddguts)
slowcore / indie rock / neo-psychedelia / shoegaze
Завершает нашу ретроспективу запомнившихся альбомов года один из самых ожидаемых релизов — декабрьское возвращение слоукор-группы 90-х Duster.
Duster - одна из важных групп на американской инди-сцене конца 90-х и начала 00-х. Они не были особенно известны тогда, но зато впоследствии очень полюбились меломанам и были признаны музыкальными критиками. Под этим названием они выпустили всего два альбома: “Stratosphere” в 1998-м и “Contemporary Movement” в 2000-м — о последнем мы уже писали. Более дотошные фанаты слушали ещё Valium Aggelein, ещё один проект музыкантов Duster с тем же составом и близким звучанием. Но Valium Aggelein закончилась ещё раньше, чем Duster. Музыканты разберилсь по разным группам — Built to Spill, Helvetia — или занялись немногочисленными сольными работами. 19 лет о Duster мало что было слышно, пока в апреле 2018-го музыканты не намекнули, что вновь понемногу записывают музыку. Позже участники группы подтвердили , что они никогда в действительности не распадались и время от времени обсуждали возможность вернуться к записи музыки как Duster, но до недавних пор до дела не доходило. И вот наконец, спустя 19 лет с последнего релиза, вышел одноимённый альбом, с которым группа вернулись на сцену.
Конечно, релиз отличается от альбомов коллектива, вышедших в 90-е и 2000-м, но это ожидаемо спустя практически 20 лет — едва ли винтажное оборудование, которым Duster тизерили слушателей в своём инстаграме, могло сделать звучание тем же, что на “Stratosphere”, да и стоило ли бы оно того? Хотя Duster близко подходят к тому, чтобы изобрести музыкальную машину времени — альбом был записан вживую в гараже и звучит довольно лоу-файно, очень в духе тех самых Duster. На “Duster” звук становится даже более нечётким, а вокал музыканты топят ещё глубже под пеленой звука (первый трек поначалу как бы намекает, что у вас не всё в порядке с аудиосистемой).
На возможное несоответствие ожиданиям Клэй Партон иронично замечал в интервью: “Мы прекрасно понимаем, что люди, которым нравится только “Stratosphere” вряд ли заинтересуются тем, что мы можем предложить сейчас. Им стоит переслушать его ещё спустя парочку десятилетий, может быть, они будут готовы к чему-то из 2019 где-нибудь в 2040, когда мы все уже умрём”.
Linda Perhacs - Parallelograms
(1970/1998, Kapp/The Wild Places' reissue)
psychedelic folk / singer-songwriter / chamber folk
Возвращаемся с рубрикой #that_hiddengem и слушаем альбом психофолк-певицы Линды Перхакс, которому потребовалось практически 30 лет, чтобы найти своего слушателя.
Странная история произошла с дебютным альбомом “Parallelograms” Линды Перхакс. Линда жила тогда двумя параллельными жизнями: в одной она была начинающим стоматологом-гигиенистом в фешенебельной клинике в Беверли-Хиллз, а в другой — жила в одном из хиппи-прибежищ в Топанга Каньоне (Topanga Canyon). Открыл Линду Леонард Розенман, один из её известных пациентов — композитор и автор саундтреков для фильмов вроде “К востоку от рая”, “Бунтарь без причины” или “Фантастическое путешествие”. У Розенмана, выступившего продюсером “Parallelograms”, в распоряжении были хорошие условия для записи — студии, сессионные музыканты. Однако выпущенная в 70-м пластинка разочаровала и искавших хиты людей с лейбла, и саму Линду — запись была адаптирована под радио-формат и из-за этого звук стал “деревянным”, как говорила сама Линда. Пресса альбом проигнорировала, копии не продавались — свою Линда выбросила и многие годы продолжала переслушивать только домашние демо. Она оставила музыку, продолжила работать стоматологом, жизнь пошла своим чередом, пока спустя 30 лет её музыку не открыли заново фолк-энтузиасты.
За этим последовали переиздания, и неожиданное возвращение к музыке: в результате Линда записала два новых альбома — “The Soul of All Natural Things” (2014) и “I'm a Harmony” (2017). Но, разумеется, в первую очередь слушатели обращаются к её затерявшемуся и переизданному “Parallelograms”, который избавили от “деревянного” звука оригинала.
Линда — очень тонкий автор песен, её мелодии звучат просто и в то же время завораживают. В песнях на “Parallelograms” очень много природных образов: туман, песок, солнце, рогоз, листья и тишина, прячущаяся между ними. Линда синестет: она видит музыку и способна услышать образы, для других людей исключительно визуальные. Песню “Parallelograms” Линда услышала, глядя на блики на ночном небе. Эта исключительная образность и почти тактильная мелодичность — то, что позволило альбому Линды всё же найти своего слушателя, несмотря на плохое качество оригинальной пластинки и практически полное отсутствие рекламы.
Отчасти судьба и музыка Линды Перхакс напоминает Вашти Баньян, чей первый альбом тоже был оценен по достоинству лишь спустя несколько десятилетий. Ключевые точки их биографии словно зеркалят друг друга. Дебютный альбом Баньян “Just Another Diamond Day” тоже вышел в 70-м году, не найдя признания, певица ушла со сцены практически на 30 лет. Её дебютный альбом был переиздан только в 2000 году, в то же время, когда основатель лейбла The Wild Places Майкл Пайпер (Michael Piper) написал Линде Перхакс письмо, поражённый успехом переиздания её “Parallelograms”. Обеими ими вдохновлялись музыканты New Weird America вроде Девендры Банхарта, который, кстати, записывал их обеих.
Слушать: https://lindaperhacs.bandcamp.com/album/parallelograms
(1970/1998, Kapp/The Wild Places' reissue)
psychedelic folk / singer-songwriter / chamber folk
Возвращаемся с рубрикой #that_hiddengem и слушаем альбом психофолк-певицы Линды Перхакс, которому потребовалось практически 30 лет, чтобы найти своего слушателя.
Странная история произошла с дебютным альбомом “Parallelograms” Линды Перхакс. Линда жила тогда двумя параллельными жизнями: в одной она была начинающим стоматологом-гигиенистом в фешенебельной клинике в Беверли-Хиллз, а в другой — жила в одном из хиппи-прибежищ в Топанга Каньоне (Topanga Canyon). Открыл Линду Леонард Розенман, один из её известных пациентов — композитор и автор саундтреков для фильмов вроде “К востоку от рая”, “Бунтарь без причины” или “Фантастическое путешествие”. У Розенмана, выступившего продюсером “Parallelograms”, в распоряжении были хорошие условия для записи — студии, сессионные музыканты. Однако выпущенная в 70-м пластинка разочаровала и искавших хиты людей с лейбла, и саму Линду — запись была адаптирована под радио-формат и из-за этого звук стал “деревянным”, как говорила сама Линда. Пресса альбом проигнорировала, копии не продавались — свою Линда выбросила и многие годы продолжала переслушивать только домашние демо. Она оставила музыку, продолжила работать стоматологом, жизнь пошла своим чередом, пока спустя 30 лет её музыку не открыли заново фолк-энтузиасты.
За этим последовали переиздания, и неожиданное возвращение к музыке: в результате Линда записала два новых альбома — “The Soul of All Natural Things” (2014) и “I'm a Harmony” (2017). Но, разумеется, в первую очередь слушатели обращаются к её затерявшемуся и переизданному “Parallelograms”, который избавили от “деревянного” звука оригинала.
Линда — очень тонкий автор песен, её мелодии звучат просто и в то же время завораживают. В песнях на “Parallelograms” очень много природных образов: туман, песок, солнце, рогоз, листья и тишина, прячущаяся между ними. Линда синестет: она видит музыку и способна услышать образы, для других людей исключительно визуальные. Песню “Parallelograms” Линда услышала, глядя на блики на ночном небе. Эта исключительная образность и почти тактильная мелодичность — то, что позволило альбому Линды всё же найти своего слушателя, несмотря на плохое качество оригинальной пластинки и практически полное отсутствие рекламы.
Отчасти судьба и музыка Линды Перхакс напоминает Вашти Баньян, чей первый альбом тоже был оценен по достоинству лишь спустя несколько десятилетий. Ключевые точки их биографии словно зеркалят друг друга. Дебютный альбом Баньян “Just Another Diamond Day” тоже вышел в 70-м году, не найдя признания, певица ушла со сцены практически на 30 лет. Её дебютный альбом был переиздан только в 2000 году, в то же время, когда основатель лейбла The Wild Places Майкл Пайпер (Michael Piper) написал Линде Перхакс письмо, поражённый успехом переиздания её “Parallelograms”. Обеими ими вдохновлялись музыканты New Weird America вроде Девендры Банхарта, который, кстати, записывал их обеих.
Слушать: https://lindaperhacs.bandcamp.com/album/parallelograms
Jaimie Branch - Fly or Die II: Bird Dogs of Paradise
(2019, International Anthem)
contemporary jazz / avant-jazz / political jazz
Не написали в 2к19 про один из интереснейших джазовых релизов ушедшего года. Исправляемся! Второй альбом серии “Fly or Die” от Джейми Бранч на всё том же International Anthem.
На наш взгляд и слух, уникальный лейбл International Anthem сконцентрировал, пожалуй, самый интересный современный (именно в смысле contemporary, а не просто modern) джаз всевозможных мастей. Здесь тебе и актуальные социально-политические вызказывания, и духовная музыка (отсылающая к классическому духовному джазу 60-х), и афро-джаз, и авангард самых разных форм, а также нетривиальные мультижанровые эксперименты и коллаборации большого числа музыкантов. Однако нам важно объяснить, что это не просто дифирамбы лейблу, выпускающему разную музыку, которая нам нравится. Отнюдь. Актуальность International Anthem и музыкантов, издающихся на нём, — это скорее история про меткое попадание в Zeitgeist.
Так и сама Джейми Бранч рассуждает в схожем направлении, утверждая в аннотации к альбому, что “так много красоты кроется в абстрактности инструментальной музыки… Но живя в не особо прекрасные времена, я выбрала более прямолинейный путь. Голос как раз хорошо подходит для этого”.
Тот факт, что на очень ожидаемом в джазовом (да и не только) сообществе “Fly or Die II: Bird Dogs of Paradise” Джейми запела, является первым очевидным различием с её прошлым альбомом 17-го года. Впрочем, после первого прослушивания выясняется, что поёт она лишь на своём magnum opus “Prayer for Amerikkka Pt. 1 & 2” и на заключительной “Love Song”.
Разумеется, такое скромное количество вокальных композиций заставляет более внимательно воспринимать музыку и слова, звучащие на них. Что ж, помимо “Love Song”, иронично закрывающей альбом, всё внимание, конечно, молнией устремляется на мощнейший 11-минутный политический опус Джейми Бранч. Начиная от “kkk” в названии страны и заканчивая самой Джейми, совместно с другими музыкантами окликающей и критикующей “стадо наивных расистов”, “Prayer for Amerikkka Pt. 1 & 2” для нас стала главной джазовой композицией прошлого года.
Слушать: https://intlanthem.bandcamp.com/album/fly-or-die-ii-bird-dogs-of-paradise
(2019, International Anthem)
contemporary jazz / avant-jazz / political jazz
Не написали в 2к19 про один из интереснейших джазовых релизов ушедшего года. Исправляемся! Второй альбом серии “Fly or Die” от Джейми Бранч на всё том же International Anthem.
На наш взгляд и слух, уникальный лейбл International Anthem сконцентрировал, пожалуй, самый интересный современный (именно в смысле contemporary, а не просто modern) джаз всевозможных мастей. Здесь тебе и актуальные социально-политические вызказывания, и духовная музыка (отсылающая к классическому духовному джазу 60-х), и афро-джаз, и авангард самых разных форм, а также нетривиальные мультижанровые эксперименты и коллаборации большого числа музыкантов. Однако нам важно объяснить, что это не просто дифирамбы лейблу, выпускающему разную музыку, которая нам нравится. Отнюдь. Актуальность International Anthem и музыкантов, издающихся на нём, — это скорее история про меткое попадание в Zeitgeist.
Так и сама Джейми Бранч рассуждает в схожем направлении, утверждая в аннотации к альбому, что “так много красоты кроется в абстрактности инструментальной музыки… Но живя в не особо прекрасные времена, я выбрала более прямолинейный путь. Голос как раз хорошо подходит для этого”.
Тот факт, что на очень ожидаемом в джазовом (да и не только) сообществе “Fly or Die II: Bird Dogs of Paradise” Джейми запела, является первым очевидным различием с её прошлым альбомом 17-го года. Впрочем, после первого прослушивания выясняется, что поёт она лишь на своём magnum opus “Prayer for Amerikkka Pt. 1 & 2” и на заключительной “Love Song”.
Разумеется, такое скромное количество вокальных композиций заставляет более внимательно воспринимать музыку и слова, звучащие на них. Что ж, помимо “Love Song”, иронично закрывающей альбом, всё внимание, конечно, молнией устремляется на мощнейший 11-минутный политический опус Джейми Бранч. Начиная от “kkk” в названии страны и заканчивая самой Джейми, совместно с другими музыкантами окликающей и критикующей “стадо наивных расистов”, “Prayer for Amerikkka Pt. 1 & 2” для нас стала главной джазовой композицией прошлого года.
Слушать: https://intlanthem.bandcamp.com/album/fly-or-die-ii-bird-dogs-of-paradise
International Anthem
FLY or DIE II: bird dogs of paradise, by jaimie branch
9 track album
Forwarded from STELLAGE CLOSE UP
REVIEW
Klaysstarr
w/hair ph<> n mus|x
Entr'acte
Н.Р с развёрнутой рецензией на дебютный альбом проекта Klaysstarr, опубликованный антверпенским лейблом Entr'acte несколько месяцев назад. Читайте на сайте нашего магазина и на портале @syg_ma
Klaysstarr
w/hair ph<> n mus|x
Entr'acte
Н.Р с развёрнутой рецензией на дебютный альбом проекта Klaysstarr, опубликованный антверпенским лейблом Entr'acte несколько месяцев назад. Читайте на сайте нашего магазина и на портале @syg_ma
syg.ma
о другой музыке: Klaysstarr
Klaysstarr: Звуковая субъектность, автоэтнография и полевые записи. Н.Р о дебютном альбоме проекта шотландского артиста Иэна Финдлей-Уолш
Vanishing Twin - Choose Your Own Adventure
(2016, Soundway)
psychedelic pop / experimental rock / art pop / indietronica / neo-psychedelia
Дебютный альбом английской психоделической поп-группы Vanishing Twin, на котором важно всё — концепт, эстетика и предыстория создания.
“Синдром исчезнувшего близнеца” часто возникает у людей, которые должны были иметь близнеца, но по тем или иным причинам потеряли его, ещё находясь в утробе матери. Таких людей на самом деле больше, чем может показаться. Один из исследователей этого феномена, Чарльз Боклэйдж (Charles Boklage), например, считает, что 10-15 % всех одиночнорождённых людей в действительности когда-то имели близнеца, но просто не знают об этом. Вокалистка группы Vanishing Twin Кэти Лукас (Cathy Lucas) относится к тому незначительному проценту людей, которые не только имели близнеца, исчезнувшего ещё до рождения, но и знают об этом. Кэти, назвав группу в честь сестры, “которую она поглотила ещё в утробе”, и альбом “Choose Your Own Adventure” посвятила ей.
Vanishing Twin создают музыку на стыке поп-психоделии, индитроники и экспериментального рока. Мечтательный и спокойный вокал Кэти позволяет расставлять акценты в длительных композициях группы, в которых большую роль играет импровизация.Помимо Кэти, в группе есть барабанщица Валентина Магалетти (Valentina Magaletti) [проекты Raime, Tomaga, Uuuu, Neon Neon], басист Сусуму Мукай Susumu Mukai [Zongamin], Phil M.F.U. (тот что Man From Uranus) отвечает за “странные звуки”, как сообщает пресс-релиз, а за флейту и перкуссию отвечает художник Эллиотт Арндт. К слову, визуальная составляющая тоже важна для Vanishing Twin. Обложки альбомов, фотосессии, клипы - визуальный образ, который группы пытается создать, вызывает ассоциации с художниками-дадаистами. Эти ассоциации не случайны, что подтверждают в интервью и сами музыканты, называя своим вдохновением, например, Ханну Хёх.
При всей важности образа и концептуальности для Vanishing Twin на первом месте всё равно остаётся музыка, особенно учитывая такой разноплановый состав. Им удаётся добиться одновременно мелодичного и экспериментального саунда с вкраплениями звучания старых и самодельных электронных инструментов и необычной перкуссии. Так несостоявшаяся жизнь второго близнеца воплощается в альбоме “Choose Your Own Adventure”. Кэти называет этот альбом своим манифестом: “Если можно так сказать, концепция этой пластинки — это личная мифология, так я это называю. Я пишу истории о себе, о том, откуда и кто я. Этот альбом — манифест, объясняющий, почему каждый должен иметь возможность сделать это — написать свою собственную мифологию”*.
*перевод цитаты взят из статьи на Сигме: https://syg.ma/@aasukhomlinov/vanishing-twin-muzyka-dolzhna-byt-sposobom-pobiegha-poliotom-fantazii-putieshiestviiem-kotoroie-vozvyshaiet-nad-obydiennostiu
Слушать: https://v-twin.bandcamp.com/album/choose-your-own-adventure
(2016, Soundway)
psychedelic pop / experimental rock / art pop / indietronica / neo-psychedelia
Дебютный альбом английской психоделической поп-группы Vanishing Twin, на котором важно всё — концепт, эстетика и предыстория создания.
“Синдром исчезнувшего близнеца” часто возникает у людей, которые должны были иметь близнеца, но по тем или иным причинам потеряли его, ещё находясь в утробе матери. Таких людей на самом деле больше, чем может показаться. Один из исследователей этого феномена, Чарльз Боклэйдж (Charles Boklage), например, считает, что 10-15 % всех одиночнорождённых людей в действительности когда-то имели близнеца, но просто не знают об этом. Вокалистка группы Vanishing Twin Кэти Лукас (Cathy Lucas) относится к тому незначительному проценту людей, которые не только имели близнеца, исчезнувшего ещё до рождения, но и знают об этом. Кэти, назвав группу в честь сестры, “которую она поглотила ещё в утробе”, и альбом “Choose Your Own Adventure” посвятила ей.
Vanishing Twin создают музыку на стыке поп-психоделии, индитроники и экспериментального рока. Мечтательный и спокойный вокал Кэти позволяет расставлять акценты в длительных композициях группы, в которых большую роль играет импровизация.Помимо Кэти, в группе есть барабанщица Валентина Магалетти (Valentina Magaletti) [проекты Raime, Tomaga, Uuuu, Neon Neon], басист Сусуму Мукай Susumu Mukai [Zongamin], Phil M.F.U. (тот что Man From Uranus) отвечает за “странные звуки”, как сообщает пресс-релиз, а за флейту и перкуссию отвечает художник Эллиотт Арндт. К слову, визуальная составляющая тоже важна для Vanishing Twin. Обложки альбомов, фотосессии, клипы - визуальный образ, который группы пытается создать, вызывает ассоциации с художниками-дадаистами. Эти ассоциации не случайны, что подтверждают в интервью и сами музыканты, называя своим вдохновением, например, Ханну Хёх.
При всей важности образа и концептуальности для Vanishing Twin на первом месте всё равно остаётся музыка, особенно учитывая такой разноплановый состав. Им удаётся добиться одновременно мелодичного и экспериментального саунда с вкраплениями звучания старых и самодельных электронных инструментов и необычной перкуссии. Так несостоявшаяся жизнь второго близнеца воплощается в альбоме “Choose Your Own Adventure”. Кэти называет этот альбом своим манифестом: “Если можно так сказать, концепция этой пластинки — это личная мифология, так я это называю. Я пишу истории о себе, о том, откуда и кто я. Этот альбом — манифест, объясняющий, почему каждый должен иметь возможность сделать это — написать свою собственную мифологию”*.
*перевод цитаты взят из статьи на Сигме: https://syg.ma/@aasukhomlinov/vanishing-twin-muzyka-dolzhna-byt-sposobom-pobiegha-poliotom-fantazii-putieshiestviiem-kotoroie-vozvyshaiet-nad-obydiennostiu
Слушать: https://v-twin.bandcamp.com/album/choose-your-own-adventure
Michael Yonkers Band - Microminiature Love
(1968 recorded/2002, De Stij/Sub Pop)
garage rock / psychedelic rock / proto-punk / proto-noise rock / blues rock
Перед вами действительно #that_hiddengem. Альбом психоделической предпанковой эры, волею судеб оценённый по достоинству лишь спустя 35 лет после записи.
Майкл Йонкерс — музыкант из Миннеаполиса, города подарившего таких артистов, как Боб Дилан, Принс, а также любимых нами Atmosphere. Впрочем, речь пойдёт не о привязке его музыки к культурному или географическому пространству. Напротив, именно время, когда творил Майкл ( когда он одновременно и улавливал Zeitgeist? и опережал его), является точкой входа в его музыку. И именно время сыграло важную роль как в забвении альбома “Microminiature Love”, так и в его спасении в нулевых годах нашего века.
Сейчас Майклу Йонкерсу около 73-74 лет, а последний его релиз вышел аж в 2011-м году. Тогда же, в описанных всевозможными клише 60-х годах Майкл и его группа записали часть песен для “Microminiature Love” и предложили лейблу Sire Records выпустить их альбом. Но сотрудники лейбла, очевидно, не могли распознать на “Microminiature Love” звучание музыки двух последующих десятилетий и, грубо говоря, отложили альбом пылиться на полку.
А альбом продолжал собираться по частям. Сразу после попытки предложить “Microminiature Love” лейблу Майкл и музыканты записали 3 песни за один час в маленькой студии. Оставшаяся часть релиза была записана в 1969-м году в подвале Майкла. На следующий год, пережив несчастный случай на производстве, музыкант, к сожалению, стал наполовину недееспособным.
Так время и история поступили с музыкой Майкла Йонкерса и с ним самим. А что до непосредственно альбома и его саунда, то здесь лучше предоставить “Microminiature Love” возможность самому рассказать о себе. Уникальная пластинка, песни на которой идентифицируются не только как прото-панк, но и как прото-нойз-рок. И это в конце 60-х годов!
Слушать: https://music.yandex.ru/album/3470585
(1968 recorded/2002, De Stij/Sub Pop)
garage rock / psychedelic rock / proto-punk / proto-noise rock / blues rock
Перед вами действительно #that_hiddengem. Альбом психоделической предпанковой эры, волею судеб оценённый по достоинству лишь спустя 35 лет после записи.
Майкл Йонкерс — музыкант из Миннеаполиса, города подарившего таких артистов, как Боб Дилан, Принс, а также любимых нами Atmosphere. Впрочем, речь пойдёт не о привязке его музыки к культурному или географическому пространству. Напротив, именно время, когда творил Майкл ( когда он одновременно и улавливал Zeitgeist? и опережал его), является точкой входа в его музыку. И именно время сыграло важную роль как в забвении альбома “Microminiature Love”, так и в его спасении в нулевых годах нашего века.
Сейчас Майклу Йонкерсу около 73-74 лет, а последний его релиз вышел аж в 2011-м году. Тогда же, в описанных всевозможными клише 60-х годах Майкл и его группа записали часть песен для “Microminiature Love” и предложили лейблу Sire Records выпустить их альбом. Но сотрудники лейбла, очевидно, не могли распознать на “Microminiature Love” звучание музыки двух последующих десятилетий и, грубо говоря, отложили альбом пылиться на полку.
А альбом продолжал собираться по частям. Сразу после попытки предложить “Microminiature Love” лейблу Майкл и музыканты записали 3 песни за один час в маленькой студии. Оставшаяся часть релиза была записана в 1969-м году в подвале Майкла. На следующий год, пережив несчастный случай на производстве, музыкант, к сожалению, стал наполовину недееспособным.
Так время и история поступили с музыкой Майкла Йонкерса и с ним самим. А что до непосредственно альбома и его саунда, то здесь лучше предоставить “Microminiature Love” возможность самому рассказать о себе. Уникальная пластинка, песни на которой идентифицируются не только как прото-панк, но и как прото-нойз-рок. И это в конце 60-х годов!
Слушать: https://music.yandex.ru/album/3470585
Gescom - ISS:SA
(2003, SKAM)
idm / acid techno / glitch
Предпоследний на сегодня релиз от Gescom, многосоставного и полу-загадочного электронного проекта. Эволюционирующий по ходу многозвучный EP стал игривой альтернативой Autechre периода “Draft 7.30”.
Этот крупный EP – островок музыки, прервавший пятилетнее молчание коллективного разума Gescom (Gestalt Communications), продолжавшееся потом ещё 8 лет. Идейные вдохновители и ключевые участники – британцы Роб Браун и Шон Бут (Rob Brown & Sean Booth), визионеры электронной музыки, раздвигающие её границы под именем Autechre, собирали вокруг себя неопределённый круг музыкантов и создавали аттракционы немного иного вида. За всё время, по словам Шона, музыку для Gescom играли около 15-20 человек. Этот проект – отдушина для Роба и Шона, где они всласть наигрывались со звуком и переставали быть интровертами из тёмного угла тайн сложной электроники. Большинство записей делалось либо во время выступлений (иногда с перезаписью лучшего в студии), либо в творческой тусовке (кто-то мог использовать облик Gescom и без Роба/Шона).
Каждый участник, будь то Энди Мэддокс (Andy Maddocks), основатель SKAM, на котором выпускались Gescom, мультидисциплинарный саунд-художник Рассел Хассуэл (Russel Haswell) или, например, Bola (Darrell Fitton), привносил в треки своё. Хип-хоп и соул, эксперименты со звуком или репетитивная электроника смешивались, но каким-то образом образовывали единую эстетику Gescom. Знание о том, кто приложил руку к ISS:SA, покрыто тайной, как и почти любые сведения о проекте, но 3 из 5 треков были замечены на выступлении Autechre на Коачелле 99 года, да и в интернете гуляют слухи об утерянном интервью, в котором Шон Бут признаётся, что это полностью его работа. Как бы то ни было, главное здесь – музыка, и она мало на что похожа. Словно человек, закованный в машину, пытается издавать звуки, артикулируя механическими губами, но мы всё не в состоянии их понять.
Зато можем вытанцевать свой мозг. Заглавный трек тут стартует с около-хип-хопных отбивок, пространной, меняющей силу синтовой мелодии, и спустя три минуты среди испещрённых деталями уровней звука возникает трансцендирующая дроун-мантра, с которой во второй части трека слушатель остаётся один на один. Следом за ней - спокойная, но не менее детальная прогулка по размытому пространству "Tangle III"; шаг приходится разогнать лишь под конец. "TR2A" здесь наиболее близка к хип-хопу, и хоть она и постоянно падает/прыгает, у неё наиболее прямолинейная композиция. Трек, как и все здесь, будто по кусочкам разобран и лёгкой рукой пересобран заново. Буквально это происходит и на бонусном "Megamix", многослойном шоукейсе возможностей Gescom для радио BBC. Изворотливость и изобретательность музыкантов не знают границ. В конечном счёте, ISS:SA как релиз остаётся пазлом, на который нет верного угла зрения, как и на его обложку (где верх, а где низ на ней - не ясно никому).
(2003, SKAM)
idm / acid techno / glitch
Предпоследний на сегодня релиз от Gescom, многосоставного и полу-загадочного электронного проекта. Эволюционирующий по ходу многозвучный EP стал игривой альтернативой Autechre периода “Draft 7.30”.
Этот крупный EP – островок музыки, прервавший пятилетнее молчание коллективного разума Gescom (Gestalt Communications), продолжавшееся потом ещё 8 лет. Идейные вдохновители и ключевые участники – британцы Роб Браун и Шон Бут (Rob Brown & Sean Booth), визионеры электронной музыки, раздвигающие её границы под именем Autechre, собирали вокруг себя неопределённый круг музыкантов и создавали аттракционы немного иного вида. За всё время, по словам Шона, музыку для Gescom играли около 15-20 человек. Этот проект – отдушина для Роба и Шона, где они всласть наигрывались со звуком и переставали быть интровертами из тёмного угла тайн сложной электроники. Большинство записей делалось либо во время выступлений (иногда с перезаписью лучшего в студии), либо в творческой тусовке (кто-то мог использовать облик Gescom и без Роба/Шона).
Каждый участник, будь то Энди Мэддокс (Andy Maddocks), основатель SKAM, на котором выпускались Gescom, мультидисциплинарный саунд-художник Рассел Хассуэл (Russel Haswell) или, например, Bola (Darrell Fitton), привносил в треки своё. Хип-хоп и соул, эксперименты со звуком или репетитивная электроника смешивались, но каким-то образом образовывали единую эстетику Gescom. Знание о том, кто приложил руку к ISS:SA, покрыто тайной, как и почти любые сведения о проекте, но 3 из 5 треков были замечены на выступлении Autechre на Коачелле 99 года, да и в интернете гуляют слухи об утерянном интервью, в котором Шон Бут признаётся, что это полностью его работа. Как бы то ни было, главное здесь – музыка, и она мало на что похожа. Словно человек, закованный в машину, пытается издавать звуки, артикулируя механическими губами, но мы всё не в состоянии их понять.
Зато можем вытанцевать свой мозг. Заглавный трек тут стартует с около-хип-хопных отбивок, пространной, меняющей силу синтовой мелодии, и спустя три минуты среди испещрённых деталями уровней звука возникает трансцендирующая дроун-мантра, с которой во второй части трека слушатель остаётся один на один. Следом за ней - спокойная, но не менее детальная прогулка по размытому пространству "Tangle III"; шаг приходится разогнать лишь под конец. "TR2A" здесь наиболее близка к хип-хопу, и хоть она и постоянно падает/прыгает, у неё наиболее прямолинейная композиция. Трек, как и все здесь, будто по кусочкам разобран и лёгкой рукой пересобран заново. Буквально это происходит и на бонусном "Megamix", многослойном шоукейсе возможностей Gescom для радио BBC. Изворотливость и изобретательность музыкантов не знают границ. В конечном счёте, ISS:SA как релиз остаётся пазлом, на который нет верного угла зрения, как и на его обложку (где верх, а где низ на ней - не ясно никому).
Поговорила с польским музыкантом Вацлавом Зимпелем о минималистах, традиционной музыке, экспериментах с электроникой и его новом альбоме «Massive Oscillations».
https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
syg.ma
О телесности минимализма, пользе транса и остановке времени — интервью с польским музыкантом Вацлавом Зимпелем
По случаю выхода нового альбома польского музыканта Вацлава Зимпеля «Massive Oscillations» поговорили с ним о трансе, минималистах, традиционной музыке и о его переходе из джаза в электронику
Keeley Forsyth - Debris
(2020, The Leaf)
avant-folk / singer-songwriter
Дебютный альбом Кили Форсайт, британской актрисы, танцовщицы, а теперь и авант-исполнительницы, на котором она ведёт непростой внутренний диалог с собой.
Альбом Кили Форсайт, который мы вчера затизерили клипом, попал в фокус зарубежных медиа сразу после выхода. Это объяснимо, ведь несмотря на то, что это её первая музыкальная работа, Кили уже довольно давно известна как актриса, в основном британских сериалов, но недавно в её фильмографии мелькнули и «Стражи Галактики». Музыка тоже давно стала частью её жизни, но до недавнего времени она ничего не выпускала.
Всё изменилось, когда Кили услышала по радио композицию английского композитора Мэттью Борна (Matthew Bourne). Борн — авангардный джазовый пианист и виолончелист, сотрудничавший с самыми разными музыкантами — от Аннет Пикок до Джона Зорна. Кили Форсайт почувствовала, что может представить его музыку и свои песни вместе и решила написать. Она отправила ему свои демо, записанные дома без микрофона и под минимальный аккомпанемент аккордеона и фисгармонии, они произвели на Борна сильное впечатление. Так началась их совместная работа над «Debris».
Это тяжёлый альбом — о мрачном периоде в жизни самой Форсайт, когда она пыталась преодолеть ментальные и физические заболевания, вызванные тем, что в кино она на протяжении многих лет играла неблагополучных персонажей «с окраины жизни» и не сумела вовремя дистанцироваться. Борн и Форсайт сохранили минималистичные аранжировки демо-записей, позволив голосу Кили остаться на первом плане и вести музыку за собой. «Debris» получился очень цельным альбомом, который слушается на одном дыхании (отчасти и потому что длится всего полчаса) и оставляет после себя странное ощущение недосказанности. Опыт, через который Кили прошла как актриса, определённо научил её устанавливать дистанцию. Она не идентифицирует себя с человеком, чей голос звучит на «Debris» и называет его просто «она». У «неё» даже есть акцент, которой у британки Кили представить сложно. При этом, конечно, «Debris» — это непростой диалог с собой о том, как жизнь стала такой, какой стала, и как выбраться из пустого города, заваленного руинами.
Слушать: https://keeleyforsyth.bandcamp.com/
(2020, The Leaf)
avant-folk / singer-songwriter
Дебютный альбом Кили Форсайт, британской актрисы, танцовщицы, а теперь и авант-исполнительницы, на котором она ведёт непростой внутренний диалог с собой.
Альбом Кили Форсайт, который мы вчера затизерили клипом, попал в фокус зарубежных медиа сразу после выхода. Это объяснимо, ведь несмотря на то, что это её первая музыкальная работа, Кили уже довольно давно известна как актриса, в основном британских сериалов, но недавно в её фильмографии мелькнули и «Стражи Галактики». Музыка тоже давно стала частью её жизни, но до недавнего времени она ничего не выпускала.
Всё изменилось, когда Кили услышала по радио композицию английского композитора Мэттью Борна (Matthew Bourne). Борн — авангардный джазовый пианист и виолончелист, сотрудничавший с самыми разными музыкантами — от Аннет Пикок до Джона Зорна. Кили Форсайт почувствовала, что может представить его музыку и свои песни вместе и решила написать. Она отправила ему свои демо, записанные дома без микрофона и под минимальный аккомпанемент аккордеона и фисгармонии, они произвели на Борна сильное впечатление. Так началась их совместная работа над «Debris».
Это тяжёлый альбом — о мрачном периоде в жизни самой Форсайт, когда она пыталась преодолеть ментальные и физические заболевания, вызванные тем, что в кино она на протяжении многих лет играла неблагополучных персонажей «с окраины жизни» и не сумела вовремя дистанцироваться. Борн и Форсайт сохранили минималистичные аранжировки демо-записей, позволив голосу Кили остаться на первом плане и вести музыку за собой. «Debris» получился очень цельным альбомом, который слушается на одном дыхании (отчасти и потому что длится всего полчаса) и оставляет после себя странное ощущение недосказанности. Опыт, через который Кили прошла как актриса, определённо научил её устанавливать дистанцию. Она не идентифицирует себя с человеком, чей голос звучит на «Debris» и называет его просто «она». У «неё» даже есть акцент, которой у британки Кили представить сложно. При этом, конечно, «Debris» — это непростой диалог с собой о том, как жизнь стала такой, какой стала, и как выбраться из пустого города, заваленного руинами.
Слушать: https://keeleyforsyth.bandcamp.com/
🔥1