Beatrice Dillon - Workaround
(2020, PAN)
experimental electronic / electroacoustic / minimal house / dub / uk bass
Перехитрив собственный академизм, дебютный "Workaround" мастерицы микса Беатрис Диллон умудряется соединить в себе стерильность и грув, детализацию и неопределённость.
Много — не всегда хорошо. На полноформатном дебюте ритмозависимой Беатрис Диллон удаётся это показать. Весь лишний ревёрб или слои электроники — в сторону. Британке нужен вызов, схватка с тишиной, с ощущением пустоты, и лишь в этом сетапе ей интересно пытаться сделать что-то захватывающее. Звуки "Workaround" кристально чисты, а их порядок выверен до каждого потрескивания. Выдерживая один эстетический скелет и 150 ударов в минуту, при этом ни разу не повторяясь, Беатрис переносит те же кристаллики FM-синтеза, что используют сегодня Марк Фелл или Габор Лазар, в плоскость даба и клубного UK-бейса.
Если её звуки и пребывают будто в вакууме, её карьеру и методы работы замкнутыми на себе на назовёшь. Глубочайшая наслушанность Беатрис идёт из подросткового возраста, когда будущий "интуитивный DJ" вычитывала вкладыши к пластинкам, разбирая их по звукам**, и из периода, когда она пластинки продавала. В середине 2010-х Диллон прослыла виртуозом микса, как по эклектике подбора, так и по мастерству переплетения треков. Её диссертация в Колледже искусств Челси — по составителю сборников американского фолка Гарри Смиту, а список людей, повлиявших на её метод работы на “Workaround”, ширится от художников и фотографов разного толка до хореографов и писателей, жанры — от карибской музыки и даба до афробита. Но весь этот академизм и точки опоры ни на толику не мешают альбому бурлить жизнью, собственной.
Сотканная из собственных синт-бит-основ материя обрастает цветными лоскутами чужих сэмплов. Записанные специально для "Workaround" 12 музыкантами, они тщательно размещены по альбому. Голос и синт Лорел Хейло слышатся на втором треке, струны Люси Рейлтон — на пятом, а ещё мелькают вместе с переливами таблы Куджита Бхармы и перкуссии Batu по всему альбому. И это лишь часть замысловатого конструктора Беатрис. При этом иногда его сборка предоставляется параметрам и случаю (компьютеру). Из всего мы получаем хоть и невесомые, но чётко очерченные воздушные танцполы для тела и души. "Workaround" как бесконечная игра, а треки — как "временные результаты"* этой игры (перифраз названия), которая могла бы иметь и другие исходы в рамках тех же правил. Но мы абсолютно счастливы иметь это собрание воплощённых в жизнь треков в наших динамиках.
* – из интервью для Bandcamp https://daily.bandcamp.com/features/on-workaround-bea..
** – из интервью MixMag https://mixmag.net/feature/beatrice-dillon-music
Слушать: https://beatricedillon.bandcamp.com/album/workaround
(2020, PAN)
experimental electronic / electroacoustic / minimal house / dub / uk bass
Перехитрив собственный академизм, дебютный "Workaround" мастерицы микса Беатрис Диллон умудряется соединить в себе стерильность и грув, детализацию и неопределённость.
Много — не всегда хорошо. На полноформатном дебюте ритмозависимой Беатрис Диллон удаётся это показать. Весь лишний ревёрб или слои электроники — в сторону. Британке нужен вызов, схватка с тишиной, с ощущением пустоты, и лишь в этом сетапе ей интересно пытаться сделать что-то захватывающее. Звуки "Workaround" кристально чисты, а их порядок выверен до каждого потрескивания. Выдерживая один эстетический скелет и 150 ударов в минуту, при этом ни разу не повторяясь, Беатрис переносит те же кристаллики FM-синтеза, что используют сегодня Марк Фелл или Габор Лазар, в плоскость даба и клубного UK-бейса.
Если её звуки и пребывают будто в вакууме, её карьеру и методы работы замкнутыми на себе на назовёшь. Глубочайшая наслушанность Беатрис идёт из подросткового возраста, когда будущий "интуитивный DJ" вычитывала вкладыши к пластинкам, разбирая их по звукам**, и из периода, когда она пластинки продавала. В середине 2010-х Диллон прослыла виртуозом микса, как по эклектике подбора, так и по мастерству переплетения треков. Её диссертация в Колледже искусств Челси — по составителю сборников американского фолка Гарри Смиту, а список людей, повлиявших на её метод работы на “Workaround”, ширится от художников и фотографов разного толка до хореографов и писателей, жанры — от карибской музыки и даба до афробита. Но весь этот академизм и точки опоры ни на толику не мешают альбому бурлить жизнью, собственной.
Сотканная из собственных синт-бит-основ материя обрастает цветными лоскутами чужих сэмплов. Записанные специально для "Workaround" 12 музыкантами, они тщательно размещены по альбому. Голос и синт Лорел Хейло слышатся на втором треке, струны Люси Рейлтон — на пятом, а ещё мелькают вместе с переливами таблы Куджита Бхармы и перкуссии Batu по всему альбому. И это лишь часть замысловатого конструктора Беатрис. При этом иногда его сборка предоставляется параметрам и случаю (компьютеру). Из всего мы получаем хоть и невесомые, но чётко очерченные воздушные танцполы для тела и души. "Workaround" как бесконечная игра, а треки — как "временные результаты"* этой игры (перифраз названия), которая могла бы иметь и другие исходы в рамках тех же правил. Но мы абсолютно счастливы иметь это собрание воплощённых в жизнь треков в наших динамиках.
* – из интервью для Bandcamp https://daily.bandcamp.com/features/on-workaround-bea..
** – из интервью MixMag https://mixmag.net/feature/beatrice-dillon-music
Слушать: https://beatricedillon.bandcamp.com/album/workaround
Wacław Zimpel - Massive Oscillations
(2020, Ongehoord)
post-minimalism / progressive electronic / ambient / drone / psychedelic
Второй сольный альбом польского мультиинструменталиста Вацлава Зимпеля, спродюсированный и сведённый электронщиком-экспериментатором Джеймсом Холденом.
Если бы нужно было написать о “Massive Oscillations” на английском языке, то к альбому сразу же подошёл бы тег “trance-alike”, без сомнения. Разумеется, что в этом случае речь идёт совсем не о музыкальном жанре, а исключительно о состоянии. Погружение слушателя в транс и попытки в определённом смысле “остановить время” с помощью музыки… Подобное использование музыкальных возможностей — очень в духе самого Вацлава Зимпеля. Впрочем, подробнее об этом вы можете узнать в недавнем интервью*, которое Настя взяла у Вацлава (если вы ещё его не читали). Ссылку на интервью оставим под текстом.
На “Massive Oscillations” Вацлав не ограничивался использованием всевозможной электроники и сотрудничеством с Джеймсом Холденом (James Holden), который, по словам музыканта, “своим магическим прикосновением” внёс вклад в выверенный саунд альбома. В свою очередь, сам Вацлав в ходе записи также играл на бас-кларнете (кларнет — основной инструмент музыканта), альтовом кларнете, подготовленном пианино и даже гитарном объекте известного в музыкальных кругах нидерландского изобретателя Юрия Ландмана (Yuri Landman). А на заключительном треке “Release” Вацлав привлёк не особо известную певицу Холли Хок (Holly Hock), разнообразив вокалом свой трансоподобный альбом.
Что до источников звука на записи этого релиза, они, в сокращённой форме, представлены в прошлом абзаце. Но, помимо первостепенной значимости гипнотического саунда “Massive Oscillations”, его структура, пожалуй, выглядит куда более интересной, чем непосредственно источники звука. Здесь всего 4 трека, лишь один из которых по своему хронометражу не доходит до отметки в 10 минут. А самый длительный трек альбома и вовсе звучит все 16. Конечно, такая временная структура “Massive Oscillations” полностью оправдана. Ведь именно при такой длительности и раскрывается то трансовое воздействие на слушателя, к которому Вацлав Зимпель так искусно стремится.
* https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
Cлушать: https://waclawzimpel.bandcamp.com/
(2020, Ongehoord)
post-minimalism / progressive electronic / ambient / drone / psychedelic
Второй сольный альбом польского мультиинструменталиста Вацлава Зимпеля, спродюсированный и сведённый электронщиком-экспериментатором Джеймсом Холденом.
Если бы нужно было написать о “Massive Oscillations” на английском языке, то к альбому сразу же подошёл бы тег “trance-alike”, без сомнения. Разумеется, что в этом случае речь идёт совсем не о музыкальном жанре, а исключительно о состоянии. Погружение слушателя в транс и попытки в определённом смысле “остановить время” с помощью музыки… Подобное использование музыкальных возможностей — очень в духе самого Вацлава Зимпеля. Впрочем, подробнее об этом вы можете узнать в недавнем интервью*, которое Настя взяла у Вацлава (если вы ещё его не читали). Ссылку на интервью оставим под текстом.
На “Massive Oscillations” Вацлав не ограничивался использованием всевозможной электроники и сотрудничеством с Джеймсом Холденом (James Holden), который, по словам музыканта, “своим магическим прикосновением” внёс вклад в выверенный саунд альбома. В свою очередь, сам Вацлав в ходе записи также играл на бас-кларнете (кларнет — основной инструмент музыканта), альтовом кларнете, подготовленном пианино и даже гитарном объекте известного в музыкальных кругах нидерландского изобретателя Юрия Ландмана (Yuri Landman). А на заключительном треке “Release” Вацлав привлёк не особо известную певицу Холли Хок (Holly Hock), разнообразив вокалом свой трансоподобный альбом.
Что до источников звука на записи этого релиза, они, в сокращённой форме, представлены в прошлом абзаце. Но, помимо первостепенной значимости гипнотического саунда “Massive Oscillations”, его структура, пожалуй, выглядит куда более интересной, чем непосредственно источники звука. Здесь всего 4 трека, лишь один из которых по своему хронометражу не доходит до отметки в 10 минут. А самый длительный трек альбома и вовсе звучит все 16. Конечно, такая временная структура “Massive Oscillations” полностью оправдана. Ведь именно при такой длительности и раскрывается то трансовое воздействие на слушателя, к которому Вацлав Зимпель так искусно стремится.
* https://syg.ma/@nastya-lider/o-tieliesnosti-minimalizma-polzie-transa-i-ostanovkie-vriemieni-intierviu-s-polskim-muzykantom-vatslavom-zimpieliem
Cлушать: https://waclawzimpel.bandcamp.com/
Oneohtrix Point Never - Replica
(2011, Software/Mexican Summer)
plunderphonics / ambient / glitch / sampledelia
Большинство релизов рубрики #that_greats принадлежат эпохам прошлого века. Но бывают и редкие исключения — альбомы, которые почти сразу становятся современной классикой.
Пятый студийный альбом американского электронщика-экспериментатора Дэниела Лопатина (Daniel Lopatin) как раз является примером такого уникального исключения. К началу 10-х годов Дэниел отошёл от экспериментов с собственным вокалом, звучавших на прошлом релизе “Returnal” (2010). На “Replica” же он выбрал ту музыкальную стезю, по которой затем пошли многие артисты таких направлений, как вэйпорвейв и гипнагогический поп. Да и в целом смог уловить тот хонтологический вайб, к которому нередко обращались музыканты этой декады. Кроме того, изобретательность Дэниела позволила ему оживить жанр пландерфоники, в котором последний “громкий” альбом вышел аж на заре XXI-го века — это был, разумеется, The Avalanches с “Since I Left You” (2000).
Возвращаясь к проекту Oneohtrix Point Never и тому, что могло вдохновить Дэниела на переизобретение своего музыкального языка, посмотрим, как он сам говорил о том, что сподвигло его на запись “Replica”. В интервью изданию The Village Voice Дэниел пояснял, что “идея [художественной] реплики в культуре как способа, которым мы справляемся с упадком знаний или их потерей, ведь мы не бессмертны”. Однако это, как утверждает Дэниел, отнюдь не решение проблемы. "Это, скорее, художественная попытка передать оригинал, а не просто сделать копию..."* Альбом, таким образом, оказался в том числе и важным рефлексивным высказыванием об искусстве. Отчасти и поэтому он довольно быстро и справедливо занял место на пьедестале современной экспериментальной музыки.
* https://www.villagevoice.com/2011/10/11/download-oneohtrix-point-nevers-buzzing-replica/
Слушать: https://oneohtrixpointnever1.bandcamp.com/album/replica
(2011, Software/Mexican Summer)
plunderphonics / ambient / glitch / sampledelia
Большинство релизов рубрики #that_greats принадлежат эпохам прошлого века. Но бывают и редкие исключения — альбомы, которые почти сразу становятся современной классикой.
Пятый студийный альбом американского электронщика-экспериментатора Дэниела Лопатина (Daniel Lopatin) как раз является примером такого уникального исключения. К началу 10-х годов Дэниел отошёл от экспериментов с собственным вокалом, звучавших на прошлом релизе “Returnal” (2010). На “Replica” же он выбрал ту музыкальную стезю, по которой затем пошли многие артисты таких направлений, как вэйпорвейв и гипнагогический поп. Да и в целом смог уловить тот хонтологический вайб, к которому нередко обращались музыканты этой декады. Кроме того, изобретательность Дэниела позволила ему оживить жанр пландерфоники, в котором последний “громкий” альбом вышел аж на заре XXI-го века — это был, разумеется, The Avalanches с “Since I Left You” (2000).
Возвращаясь к проекту Oneohtrix Point Never и тому, что могло вдохновить Дэниела на переизобретение своего музыкального языка, посмотрим, как он сам говорил о том, что сподвигло его на запись “Replica”. В интервью изданию The Village Voice Дэниел пояснял, что “идея [художественной] реплики в культуре как способа, которым мы справляемся с упадком знаний или их потерей, ведь мы не бессмертны”. Однако это, как утверждает Дэниел, отнюдь не решение проблемы. "Это, скорее, художественная попытка передать оригинал, а не просто сделать копию..."* Альбом, таким образом, оказался в том числе и важным рефлексивным высказыванием об искусстве. Отчасти и поэтому он довольно быстро и справедливо занял место на пьедестале современной экспериментальной музыки.
* https://www.villagevoice.com/2011/10/11/download-oneohtrix-point-nevers-buzzing-replica/
Слушать: https://oneohtrixpointnever1.bandcamp.com/album/replica
🔥1
Sibylle Baier - Colour Green
(2006, Orange Twin / Isota)
folk / singer-songwriter
Так получается, что в рубрике #that_hiddengem у нас часто именно фолк. Нередко песни, а то и целые альбомы годы десятилетиями ждут момента, когда их услышат современные слушатели.
Так произошло и с немецкой певицей Сибиллой Байер. О ней известно не так много: в юности начала играть на гитаре и фортепиано, первую песню написала после путешествия с другом по Альпам. Эту песню — "Remember the Day" — можно услышать на альбоме “Colour Green”. Практически все свои песни Сибилла написала в с 1970-го по 1973-й год, на этот же непродолжительный период пришелся и пик её карьеры. Она снялась в немецком роуд-муви “Alice in den Städten” и написала песни для саундтрека к фильму Йохана Рихтера (Jochen Richter) “Umarmungen und andere Sachen”. Потом Сибилла решила, что не будет продолжать заниматься музыкальной или актёрской карьерой и сосредоточила внимание на семье.
За то что ранние плёночные записи песен Сибиллы услышала не только её семья и друзья, стоит благодарить её сына Робби, который собрал альбом “Colour Green” и передал его Джею Маскису из Dinosaur Jr. Музыкант по достоинству оценил меланхоличные фолк-песни Сибиллы, и в 2006 году альбом вышел на американском лейбле Orange Twin, который больше всего известен тем, что на нём выпускались сольные альбомы Джеффа Магнума из Neutral Milk Hotel.
Песни на “Colour Green” отличаются лоу-файным звуком (оно и понятно, ведь они записаны в 70-е на плёночный рекодер), меланхоличной лирикой и очень мягким и приглушённым вокалом Сибиллы. Её музыку, кстати, очень ценит Ким Гордон за “сладкие меланхоличные мелодии”*. Сама Сибилла Байер предпочитает оставаться в тени, успех её альбома удивляет певицу. А её сын ведёт о Сибилле сайт (https://sibyllebaier.com/), который, как сам признаётся, вряд ли когда-то покажет матери, потому что от интернета у неё кружится голова.
*https://sibyllebaier.com/press/
Слушать: https://orangetwinrecords.bandcamp.com/album/colour-green
(2006, Orange Twin / Isota)
folk / singer-songwriter
Так получается, что в рубрике #that_hiddengem у нас часто именно фолк. Нередко песни, а то и целые альбомы годы десятилетиями ждут момента, когда их услышат современные слушатели.
Так произошло и с немецкой певицей Сибиллой Байер. О ней известно не так много: в юности начала играть на гитаре и фортепиано, первую песню написала после путешествия с другом по Альпам. Эту песню — "Remember the Day" — можно услышать на альбоме “Colour Green”. Практически все свои песни Сибилла написала в с 1970-го по 1973-й год, на этот же непродолжительный период пришелся и пик её карьеры. Она снялась в немецком роуд-муви “Alice in den Städten” и написала песни для саундтрека к фильму Йохана Рихтера (Jochen Richter) “Umarmungen und andere Sachen”. Потом Сибилла решила, что не будет продолжать заниматься музыкальной или актёрской карьерой и сосредоточила внимание на семье.
За то что ранние плёночные записи песен Сибиллы услышала не только её семья и друзья, стоит благодарить её сына Робби, который собрал альбом “Colour Green” и передал его Джею Маскису из Dinosaur Jr. Музыкант по достоинству оценил меланхоличные фолк-песни Сибиллы, и в 2006 году альбом вышел на американском лейбле Orange Twin, который больше всего известен тем, что на нём выпускались сольные альбомы Джеффа Магнума из Neutral Milk Hotel.
Песни на “Colour Green” отличаются лоу-файным звуком (оно и понятно, ведь они записаны в 70-е на плёночный рекодер), меланхоличной лирикой и очень мягким и приглушённым вокалом Сибиллы. Её музыку, кстати, очень ценит Ким Гордон за “сладкие меланхоличные мелодии”*. Сама Сибилла Байер предпочитает оставаться в тени, успех её альбома удивляет певицу. А её сын ведёт о Сибилле сайт (https://sibyllebaier.com/), который, как сам признаётся, вряд ли когда-то покажет матери, потому что от интернета у неё кружится голова.
*https://sibyllebaier.com/press/
Слушать: https://orangetwinrecords.bandcamp.com/album/colour-green
Oval - Scis
(2020, Thrill Jockey)
IDM / electroacoustic / glitch
[club191146592|Скоро Маркус Попп aka Oval выступит в Москве и Санкт-Петербурге], а пока мы слушаем его новый альбом, вышедший в январе.
Маркус Попп (Markus Popp) давно дал всем понять, что его отношение к электронике, да и к музыке вообще, принципиально отличается от того, какое люди, не особо знакомые с его работами, могут ему приписать. Он говорит, что никогда не интересовался синтезаторами и электронной музыкой. Ещё в 2002 году Попп утверждал, что этот подход устарел и вся музыка будущего будет полагаться исключительно на ПО. “То, что я делаю — это не искусство и не Музыка с большой буквы. Это скорее просто работа с файлами (file management)”.
Oval сделал себе имя, когда проект (до 1995 года в него входили ещё Себастьян Ошатц (Sebastian Oschatz) и Франк Метцгер (Frank Metzger)) выпустил “94diskont.” — глитчевый саундскейп дигитализирующегося мира. Альбом был собран из погрешностей, казалось бы, идеального формата CD, освобождавшего контент от текстуры медиума, — никакого шипения кассеты или потрескивания винила. Oval вывели медиум на первый план, дав ему голос.
С тех пор много чего успело измениться. CD, например, перестал быть главным форматом на рынке, вся музыка сначала плавно перетекла в пиратские бухты, а потом на стриминговые платформы. Oval же обзавёлся собственным лейблом UOVOOO, а на релизах последних лет исследует разные аспекты клубной музыки. Единственное, что не изменилось — тщательность, с которой Попп прорабатывает каждый звуковой фрагмент, как он говорит, иногда месяцами работая над одним треком. Но этот альбом получился чуть более человечным, он, например, использовал акустические инструменты, включая подготовленное пианино, деревянные духовые и струнные. Их звучание, правда, изменено настолько, что вы едва ли сможете понять, где именно они звучат. Но отчасти этим эклектичные электроакустические работы Oval и интересны.
Слушать: https://oval.bandcamp.com/album/scis
(2020, Thrill Jockey)
IDM / electroacoustic / glitch
[club191146592|Скоро Маркус Попп aka Oval выступит в Москве и Санкт-Петербурге], а пока мы слушаем его новый альбом, вышедший в январе.
Маркус Попп (Markus Popp) давно дал всем понять, что его отношение к электронике, да и к музыке вообще, принципиально отличается от того, какое люди, не особо знакомые с его работами, могут ему приписать. Он говорит, что никогда не интересовался синтезаторами и электронной музыкой. Ещё в 2002 году Попп утверждал, что этот подход устарел и вся музыка будущего будет полагаться исключительно на ПО. “То, что я делаю — это не искусство и не Музыка с большой буквы. Это скорее просто работа с файлами (file management)”.
Oval сделал себе имя, когда проект (до 1995 года в него входили ещё Себастьян Ошатц (Sebastian Oschatz) и Франк Метцгер (Frank Metzger)) выпустил “94diskont.” — глитчевый саундскейп дигитализирующегося мира. Альбом был собран из погрешностей, казалось бы, идеального формата CD, освобождавшего контент от текстуры медиума, — никакого шипения кассеты или потрескивания винила. Oval вывели медиум на первый план, дав ему голос.
С тех пор много чего успело измениться. CD, например, перестал быть главным форматом на рынке, вся музыка сначала плавно перетекла в пиратские бухты, а потом на стриминговые платформы. Oval же обзавёлся собственным лейблом UOVOOO, а на релизах последних лет исследует разные аспекты клубной музыки. Единственное, что не изменилось — тщательность, с которой Попп прорабатывает каждый звуковой фрагмент, как он говорит, иногда месяцами работая над одним треком. Но этот альбом получился чуть более человечным, он, например, использовал акустические инструменты, включая подготовленное пианино, деревянные духовые и струнные. Их звучание, правда, изменено настолько, что вы едва ли сможете понять, где именно они звучат. Но отчасти этим эклектичные электроакустические работы Oval и интересны.
Слушать: https://oval.bandcamp.com/album/scis
Tim Berne's Snakeoil – The Fantastic Mrs. 10
(2020, Intakt)
avant-garde jazz / modern creative / free jazz / jazz fusion
Рассказываем о нетривиальном и захватывающем фри-джазовом конструкторе саксофониста Тима Бёрна.
Музыке свободной формы вроде стохастического фри-джаза сложно дать точное описание. Представляя такую запись или музыканта публике, критик/культуролог, конечно, расскажет как подвижен и свободен, но одновременно выдержан в единой концепции альбом маэстро авангарда. Но такого обобщения, конечно, недостаточно. Чтобы не потеряться в музыкальных идеях, слушателю, как в случае с "The Fantastic Mrs. 10", предстоит либо прогонять полуслучайные живописные музицирования по многу раз, чтобы осознать задуманные музыкантом схемы, либо перестать искать паттерны и поддаться потоку.
Тим Бёрн, альт-саксофонист и композитор из NY, записавший в роли бэнд-лидера около 40 альбомов, которые все, кстати, звучат настолько же свежо, как и новый релиз, любит смешивать план и неожиданность, акустику и электричество. Звучание его новых композиций для квартета Snakeoil пронизано электрогитарой Марка Дюкре [Marc Ducret], приглашённого участника. Новый альбом, как почти всё творчество Бёрна, скорее головоломка, а не погружение в хаос свободы. Да, сложно разобрать, где композиция было прописана заранее, а где музыканты уже "поймали волну друг друга". И уж точно наше внимание ни разу за альбом не зацепится за что-то устойчивое. Но при близком рассмотрении эта кардиограмма звуков не кажется и случайной. Тим требует многого от квинтета, но многое и делегирует, давая музыкантам свободу.
Несмотря на объём и интенсивность действа, в нём часто ясно слышны моменты чувственности; иногда они целостные — как "Dear Friend", единственный кавер (на Джулиуса Хэмфила) на альбоме. На протяжении альбома образуется то ли лепет диалога, то ли упоение унисона из пар саксофона-фортепиано Тима и Мэта Митчела [Matt Mitchell], кларнета-гитары Оскара Норьега [Oscar Noriega] и Дюкре, а также других комбинаций дуо. Чез Смит [Ches Smith] со своими громовыми драм-секциями иногда тоже вступает в диалог с Тимом, а иногда привносит “хрупкое” звучание вибрафона. Сам Тим описывает процесс записи "The Fantastic Mrs. 10" как коллективную амнезию — группа будто забыла свои прошлые наработки и начала с чистого листа. И то, что на нём проявилось, можно считать (как считает и Бёрн) одним из наиболее ценных украшений и в его дискографии, и в жанре за последнее время.
(2020, Intakt)
avant-garde jazz / modern creative / free jazz / jazz fusion
Рассказываем о нетривиальном и захватывающем фри-джазовом конструкторе саксофониста Тима Бёрна.
Музыке свободной формы вроде стохастического фри-джаза сложно дать точное описание. Представляя такую запись или музыканта публике, критик/культуролог, конечно, расскажет как подвижен и свободен, но одновременно выдержан в единой концепции альбом маэстро авангарда. Но такого обобщения, конечно, недостаточно. Чтобы не потеряться в музыкальных идеях, слушателю, как в случае с "The Fantastic Mrs. 10", предстоит либо прогонять полуслучайные живописные музицирования по многу раз, чтобы осознать задуманные музыкантом схемы, либо перестать искать паттерны и поддаться потоку.
Тим Бёрн, альт-саксофонист и композитор из NY, записавший в роли бэнд-лидера около 40 альбомов, которые все, кстати, звучат настолько же свежо, как и новый релиз, любит смешивать план и неожиданность, акустику и электричество. Звучание его новых композиций для квартета Snakeoil пронизано электрогитарой Марка Дюкре [Marc Ducret], приглашённого участника. Новый альбом, как почти всё творчество Бёрна, скорее головоломка, а не погружение в хаос свободы. Да, сложно разобрать, где композиция было прописана заранее, а где музыканты уже "поймали волну друг друга". И уж точно наше внимание ни разу за альбом не зацепится за что-то устойчивое. Но при близком рассмотрении эта кардиограмма звуков не кажется и случайной. Тим требует многого от квинтета, но многое и делегирует, давая музыкантам свободу.
Несмотря на объём и интенсивность действа, в нём часто ясно слышны моменты чувственности; иногда они целостные — как "Dear Friend", единственный кавер (на Джулиуса Хэмфила) на альбоме. На протяжении альбома образуется то ли лепет диалога, то ли упоение унисона из пар саксофона-фортепиано Тима и Мэта Митчела [Matt Mitchell], кларнета-гитары Оскара Норьега [Oscar Noriega] и Дюкре, а также других комбинаций дуо. Чез Смит [Ches Smith] со своими громовыми драм-секциями иногда тоже вступает в диалог с Тимом, а иногда привносит “хрупкое” звучание вибрафона. Сам Тим описывает процесс записи "The Fantastic Mrs. 10" как коллективную амнезию — группа будто забыла свои прошлые наработки и начала с чистого листа. И то, что на нём проявилось, можно считать (как считает и Бёрн) одним из наиболее ценных украшений и в его дискографии, и в жанре за последнее время.
Интригующие новости для ценителей альтернативного хип-хопа. 17 апреля, спустя три года после весьма неоднозначного двухальбомного релиза, Shabazz Palaces вернутся с новым альбомом "The Don Of Diamond Dreams". Уже можно посмотреть клип на первый сингл "Fast Learner".
"The Don Of Diamond Dreams", как и все предыдущие релизы группы, выйдет на Sub Pop. Судя по синглу, можно предположить, что звучание альбома будет менее экспериментальным, и наоборот более направленным на условный мейнстримовый саунд современного хип-хопа. Что в случае с Shabazz Palaces может получиться особенно интересно.
https://www.youtube.com/watch?time_continue=1&v=co934TghOFc
"The Don Of Diamond Dreams", как и все предыдущие релизы группы, выйдет на Sub Pop. Судя по синглу, можно предположить, что звучание альбома будет менее экспериментальным, и наоборот более направленным на условный мейнстримовый саунд современного хип-хопа. Что в случае с Shabazz Palaces может получиться особенно интересно.
https://www.youtube.com/watch?time_continue=1&v=co934TghOFc
YouTube
Shabazz Palaces - Fast Learner [OFFICIAL VIDEO]
"Fast Learner" from the Shabazz Palaces album 'The Don of Diamond Dreams' (Release Date: April 17, 2020)
https://smarturl.it/shabazzpalaces_TDODD
Shabazz Palaces https://shabazzpalaces.com/
Facebook https://www.facebook.com/shabazzpalaces
Twitter https…
https://smarturl.it/shabazzpalaces_TDODD
Shabazz Palaces https://shabazzpalaces.com/
Facebook https://www.facebook.com/shabazzpalaces
Twitter https…
Lilien Rosarian - a day in bel bruit
(2019, self-released)
ambient / tape music / field recordings / sound collage / radio broadcast recordings
Альбом, который задокументировал жизнь затерявшейся во времени деревни, выдуманной Лилиен Розариан. Наш любимый потусторонний филд-рекординг и радиошумы.
Об американской саунд-художнице Лилиен Розариан известно не так много. О ней нет практически никакой информации, кроме нескольких твитов и скромного “I make music” в профиле на bandcamp. “a day in bel bruit” — первый альбом Розариан, дающий слушателю возможность попасть в странный выдуманный мир. Вот что Лилиан рассказала о своём релизе на радио в программе Resonance Extra: “этот альбом о пребывании в месте, которое я придумал/а. Я хотел/а сделать что-то об особенном пространстве, но сначала были сложности с вдохновением, потому что путешествия вызывают у меня тревогу”*.
Составить представление об этом причудливом месте помогает обложка, которую сделал брат Розариан, названия треков и, конечно, сам звук. Старинная деревня с каменными зданиями, больше напоминающая заброшенный в горах монастырь. На колокольне — спутниковая тарелка, принимающая сигналы для поросших мхом каменных глыб. Лилиен Розариен создаёт параллельное измерение, в котором полевые записи и радиосигналы с помехами фиксируют пространство, которое никогда не существовало, но звучит завораживающе реалистично.
“Проводя день в одиночестве в заброшенной деревне, где спутниковая тарелка была случайно построена на колокольне, а звуки радио теперь заменяют теперь звуки жителей”, — пишет о своём альбоме Розариен на странице bandcamp. Работа саунд-художницы заставляет задуматься о местах, в которых мы живем и которые, возможно, однажды покинем, оставив после себя в звуковом пространстве только радиошумы.
*https://www.attnmagazine.co.uk/radio/14078
Слушать: https://lilienrosarian.bandcamp.com/album/a-day-in-bel-bruit
(2019, self-released)
ambient / tape music / field recordings / sound collage / radio broadcast recordings
Альбом, который задокументировал жизнь затерявшейся во времени деревни, выдуманной Лилиен Розариан. Наш любимый потусторонний филд-рекординг и радиошумы.
Об американской саунд-художнице Лилиен Розариан известно не так много. О ней нет практически никакой информации, кроме нескольких твитов и скромного “I make music” в профиле на bandcamp. “a day in bel bruit” — первый альбом Розариан, дающий слушателю возможность попасть в странный выдуманный мир. Вот что Лилиан рассказала о своём релизе на радио в программе Resonance Extra: “этот альбом о пребывании в месте, которое я придумал/а. Я хотел/а сделать что-то об особенном пространстве, но сначала были сложности с вдохновением, потому что путешествия вызывают у меня тревогу”*.
Составить представление об этом причудливом месте помогает обложка, которую сделал брат Розариан, названия треков и, конечно, сам звук. Старинная деревня с каменными зданиями, больше напоминающая заброшенный в горах монастырь. На колокольне — спутниковая тарелка, принимающая сигналы для поросших мхом каменных глыб. Лилиен Розариен создаёт параллельное измерение, в котором полевые записи и радиосигналы с помехами фиксируют пространство, которое никогда не существовало, но звучит завораживающе реалистично.
“Проводя день в одиночестве в заброшенной деревне, где спутниковая тарелка была случайно построена на колокольне, а звуки радио теперь заменяют теперь звуки жителей”, — пишет о своём альбоме Розариен на странице bandcamp. Работа саунд-художницы заставляет задуматься о местах, в которых мы живем и которые, возможно, однажды покинем, оставив после себя в звуковом пространстве только радиошумы.
*https://www.attnmagazine.co.uk/radio/14078
Слушать: https://lilienrosarian.bandcamp.com/album/a-day-in-bel-bruit
Lee Ranaldo & Raül Refree - Names of North End Women
(2020, Mute)
art pop / experimental pop / spoken word / sound collage / experimental rock
Прошлый сольный релиз Ли Ранальдо был спродюсирован испанским музыкантом и продюсером Раулем Рефри. На их новом совместном альбоме Рауль уже становится равноценным соавтором музыки.
Последний сольный альбом Ли Ранальдо (“Electric Trim”, 2017) вышел 3 года назад. За это время экс-гитарист/вокалист Sonic Youth (распавшихся — только подумать! — почти 10 лет назад) принимал участие в записи лишь коллаборативных релизов (“Trouble and Desire”, 2018 и “Ranaldo Jarmusch Urselli Pandi”, 2019). Эти альбомы были занимательны и в плане звучания, и особенно интересными из-за коллабораторов, с которыми играл Ли. Добрался он до полноценного творческого высказывания только в феврале этого года, но и оно не стало полностью самостоятельным. Бывший продюсер альбомов Ли, Рауль Рефри, на “Names of North End Women” занял место полноправного соавтора пластинки.
Помимо непосредственно продюсирования записей Ли и участия в его трио (в составе которого, к слову, музыкант приезжал в Москву в 2016-м), Рауль Рефри довольно широко известен и в качестве продюсера (Rosalía, Sílvia Pérez Cruz и многие другие), и в качестве автора саундтреков более чем к десяти фильмам. И поначалу, ещё до прослушивания “Names of North End Women”, можно было предположить, что Рауль, вышедший из контекста музыкальной культуры Пиренейского полуострова (фламенко, фаду и прочие направления), привнесёт в релиз именно этот аспект. Однако, по факту это оказывается не так, а совместный альбом Ли и Рауля представляет собой сложное музыкальное поп-высказывание, с элементами споукен-ворда и даже звуковых коллажей.
Пожалуй, это именно то, что нам (как давним любителям музыки экс-Соников) хотелось в очередной раз услышать от старины Ли. А именно результаты его умения выдерживать тонкий баланс между экспериментами и мелодичным сонграйтингом. При этом Ли, за парой исключений, удаётся альбом за альбомом создавать нечто новое и не сваливаться в самоповторы. В этом смысле идея сделать релиз совместным выглядит максимально понятно и оправданно. Собственно, таким и получился “Names of North End Women” — Ли Ранальдо и Рауль Рефри выдают интересный саунд, структуру поп-музыки с нетривиальными элементами в виде уже упомянутых коллажей и других экспериментов.
(2020, Mute)
art pop / experimental pop / spoken word / sound collage / experimental rock
Прошлый сольный релиз Ли Ранальдо был спродюсирован испанским музыкантом и продюсером Раулем Рефри. На их новом совместном альбоме Рауль уже становится равноценным соавтором музыки.
Последний сольный альбом Ли Ранальдо (“Electric Trim”, 2017) вышел 3 года назад. За это время экс-гитарист/вокалист Sonic Youth (распавшихся — только подумать! — почти 10 лет назад) принимал участие в записи лишь коллаборативных релизов (“Trouble and Desire”, 2018 и “Ranaldo Jarmusch Urselli Pandi”, 2019). Эти альбомы были занимательны и в плане звучания, и особенно интересными из-за коллабораторов, с которыми играл Ли. Добрался он до полноценного творческого высказывания только в феврале этого года, но и оно не стало полностью самостоятельным. Бывший продюсер альбомов Ли, Рауль Рефри, на “Names of North End Women” занял место полноправного соавтора пластинки.
Помимо непосредственно продюсирования записей Ли и участия в его трио (в составе которого, к слову, музыкант приезжал в Москву в 2016-м), Рауль Рефри довольно широко известен и в качестве продюсера (Rosalía, Sílvia Pérez Cruz и многие другие), и в качестве автора саундтреков более чем к десяти фильмам. И поначалу, ещё до прослушивания “Names of North End Women”, можно было предположить, что Рауль, вышедший из контекста музыкальной культуры Пиренейского полуострова (фламенко, фаду и прочие направления), привнесёт в релиз именно этот аспект. Однако, по факту это оказывается не так, а совместный альбом Ли и Рауля представляет собой сложное музыкальное поп-высказывание, с элементами споукен-ворда и даже звуковых коллажей.
Пожалуй, это именно то, что нам (как давним любителям музыки экс-Соников) хотелось в очередной раз услышать от старины Ли. А именно результаты его умения выдерживать тонкий баланс между экспериментами и мелодичным сонграйтингом. При этом Ли, за парой исключений, удаётся альбом за альбомом создавать нечто новое и не сваливаться в самоповторы. В этом смысле идея сделать релиз совместным выглядит максимально понятно и оправданно. Собственно, таким и получился “Names of North End Women” — Ли Ранальдо и Рауль Рефри выдают интересный саунд, структуру поп-музыки с нетривиальными элементами в виде уже упомянутых коллажей и других экспериментов.
Connan Mockasin - Please Turn Me Into The Snat
(2010, Phantasy Sound)
psychedelic pop / neo-psychedelia / art pop / alternative rock / jangle pop
Первая версия дебюта небезызвестного аутсайдера из Южного полушария озадачивает и насылает приятное забытьё летнего дня.
Hello, Connan! Наивный детский возглас открывает двери в дебютный альбом ни на кого не похожего Коннана Хосфорда [Connan Hosford] и его группы. Человек мира (родом из Новой Зеландии, перемещался по крупным городам, от Лондона до Токио), он — фигура точно не от мира сего. Его томный тонкий вокал, запоминающаяся внешность и нестандартность во всём — от клипов до текстов — за 2010-е, конечно, успели принести ему признание многих меломанов, да и всех, кто попадал под его чары. Его музыка не пытается поразить своей странностью и захватить сознание, как обычно делает психоделия, но раскрывает свои объятия, даёт осмотреться и почувствовать себя дома. На деле такой же эффект дают лайвы Коннана – они настолько же важны, как и студийные работы музыканта, и даже, наверное, неотделимы в его образе.
Несмотря на то, что у Коннана собственная светлая голова на плечах, его творчество почти никогда не одиночное. Начав путь ещё с новозеландскими друзьями, джэнгл-панк-группой Connan And The Mockasins, Мокасин (кстати, назвавшийся так из-за любви мастерить собственную обувь) продолжил записывать альбомы с теми, кого встречал по жизни: с Шарлоттой Генсбур, с которой гастролировал в её туре, с Blood Orange (Devonté Hynes), коллегой из Австралии Кирином Джей Каллинаном [Kirin J. Callinan] и многими другими. И главным заявлением, которое вывело его на международную сцену и на таких друзей, стал его дебютный альбом. "Please Turn Me Into The Snat" —первое название этого альбома, переизданного в 2011 году уже с названием главного сингла – "Forever Dolphin Love" (длительная многосоставная баллада из саундскейпов и романтической истории).
Альбом изменчив не только в названии – треклист и даже структура песен и интерлюдий постоянно меняют тон и настроение, от радости до горести, от спокойствия до нервозности. Коннан же неизменно хрупкий, но ужасно самоуверенный: через музыку можно почувствовать его фриковатую энергию жизни. Фриковатости релизу (если не хватало) добавляет и то, что часть альбома был записана в заброшенном доме в Веллингтоне. Мокасин будто придумывает свои слова и конструкции и лепит из них что-то по-детски радужное, но по-психоделически головокружительное. Что такое choad или snat? Кажется, гибриды других слов china toad (она есть в песне) и snail-rat, игрушка, которую музыкант иногда носит на концерты. Остальное не раскодировать. И не нужно — ведь можно поддаться этому сновидению, насылаемому Коннаном. Он же в своей отрешённости не растрачивает человечности, идёт по грани странного и приятного.
(2010, Phantasy Sound)
psychedelic pop / neo-psychedelia / art pop / alternative rock / jangle pop
Первая версия дебюта небезызвестного аутсайдера из Южного полушария озадачивает и насылает приятное забытьё летнего дня.
Hello, Connan! Наивный детский возглас открывает двери в дебютный альбом ни на кого не похожего Коннана Хосфорда [Connan Hosford] и его группы. Человек мира (родом из Новой Зеландии, перемещался по крупным городам, от Лондона до Токио), он — фигура точно не от мира сего. Его томный тонкий вокал, запоминающаяся внешность и нестандартность во всём — от клипов до текстов — за 2010-е, конечно, успели принести ему признание многих меломанов, да и всех, кто попадал под его чары. Его музыка не пытается поразить своей странностью и захватить сознание, как обычно делает психоделия, но раскрывает свои объятия, даёт осмотреться и почувствовать себя дома. На деле такой же эффект дают лайвы Коннана – они настолько же важны, как и студийные работы музыканта, и даже, наверное, неотделимы в его образе.
Несмотря на то, что у Коннана собственная светлая голова на плечах, его творчество почти никогда не одиночное. Начав путь ещё с новозеландскими друзьями, джэнгл-панк-группой Connan And The Mockasins, Мокасин (кстати, назвавшийся так из-за любви мастерить собственную обувь) продолжил записывать альбомы с теми, кого встречал по жизни: с Шарлоттой Генсбур, с которой гастролировал в её туре, с Blood Orange (Devonté Hynes), коллегой из Австралии Кирином Джей Каллинаном [Kirin J. Callinan] и многими другими. И главным заявлением, которое вывело его на международную сцену и на таких друзей, стал его дебютный альбом. "Please Turn Me Into The Snat" —первое название этого альбома, переизданного в 2011 году уже с названием главного сингла – "Forever Dolphin Love" (длительная многосоставная баллада из саундскейпов и романтической истории).
Альбом изменчив не только в названии – треклист и даже структура песен и интерлюдий постоянно меняют тон и настроение, от радости до горести, от спокойствия до нервозности. Коннан же неизменно хрупкий, но ужасно самоуверенный: через музыку можно почувствовать его фриковатую энергию жизни. Фриковатости релизу (если не хватало) добавляет и то, что часть альбома был записана в заброшенном доме в Веллингтоне. Мокасин будто придумывает свои слова и конструкции и лепит из них что-то по-детски радужное, но по-психоделически головокружительное. Что такое choad или snat? Кажется, гибриды других слов china toad (она есть в песне) и snail-rat, игрушка, которую музыкант иногда носит на концерты. Остальное не раскодировать. И не нужно — ведь можно поддаться этому сновидению, насылаемому Коннаном. Он же в своей отрешённости не растрачивает человечности, идёт по грани странного и приятного.