В связи с усиливающимися дискуссиями вокруг «новой этики» вспомнилась не слишком известная калифорнийская леворадикальная группа 90-х Consolidated.
Крайне любопытная у них была музыка, представляющая собой индастриал, скрещенный с хип-хопом. Крепости этому коктейлю добавлял несмолкающий гвалт лозунгов, речевок, диспутов в защиту прав женщин, сексуальных меньшинств, животных. Помимо обязательной идеологической нагрузки он еще создавал дополнительный, вливающийся в музыку нойз.
Еще в седые времена Буша-старшего эти активисты-веганы без устали обличали американскую военщину, империализм, фашизм, корпорации, шоу-бизнес и далее по списку. Так что каждый наш патриот ли, либерал ли что-нибудь да найдет себе по вкусу.
Оптимальный альбом — «Play More Music» 1992 года, там квинтэссенция звука Consolidated, которые помогали конструировать их камрады-ботаники из-за океана, англичане Meat Beat Manifesto. Как раз оттуда этот шедевр, записанный вместе с сестрами по оружию, феминистским трио The Yeastie Girlz (чувствуете, куда метили?) — называется трек «You Suck», сорри.
Отдаю безвозмездно (то есть даром) песню нашим тигрицам и воительницам — в качестве боевого гимна.
https://www.youtube.com/watch?v=BoyUUu1rPhE

Juana Molina - Un Día
(2008, Domino)
folktronica / art pop / free folk / psych pop

Сегодня разбираем гипнотичный альбом аргентинской певицы Хуаны Молины из переходного периода её дискографии. В нём она впервые уделяет такое внимание цикличности, электронике и играм с голосом.

Южная Америка во многих культурных аспектах, к сожалению, довольно сильно отдалена от людей из других частей света. К примеру, Хуану Молину, одну из самых самобытных артисток аргентинской сцены, у нас знают не так хорошо, а тем более не слышали о её успехе в комедии на ТВ (в 91-ом создала своё скетч-шоу Juana y sus hermanas). Что интересно, Хуана всегда хотела связать себя с музыкой, что она и сделала, бросив скетчи на пике рейтингов. Любая её работа остаётся задорной, игривой и также не лишённой юмора, он слышен и без слов. Интересно наблюдать за её развитием от альбома к альбому. От более или менее традиционного фолка и авторских песен она переходила к более протяжным формам, игре ритмов и их цикличности, экспериментам с голосом и электроникой. Un Día стал, наверное, первым альбомом, где весь этот букет раскрылся полноценно.

Хуана жонглирует звуками, наслаивая их друг на друга, работая скорее над сочетаниями и очерёдностью, чем над мелодией. При этом некоторые прослойки трека зацикливаются и практически не изменяются, другие закручиваются в причудливые паттерны, а третьи уже больше походят на импровизацию. Часто можно услышать с полдесятка только вокальных дорожек, переплетённых друг с другом. Молина скорее не поёт, но стелит свой вокал в одной плоскости, все инструменты льются вместе с ним, сглаживая малейшую «неровность» звучания – тут нет всплесков или явных затиханий, стандартной песенной структуры. Из строк будто убраны все музыкальные знаки препинания. Из этого образуется редкое качество этого альбома – его можно слушать и как увлекательную, интенсивную электронику (микро-детальность позволяет закопаться в звуки), и как эмбиент-запись для тихих посиделок или перед сном.

Переживать за языковой барьер не приходится, поскольку, по словам Хуаны, она открывает свои тексты и напевы к интерпретации и вообще больше фокусируется на настроении и интонациях, чем на игре слов. К тому же, на Un Día, особенно после одноименного трека, который Хуана пропевает полностью, слов становится намного меньше, чем озорства, «упражнений с языком» в стиле Мередит Монк. «Я буду петь песни без слов / И каждый может представить / Говорю я о любви или о разочаровании / О банальности или о Платоне» – поёт она как раз на первом треке. Наверное, самым показательным будет трек Los Hongos De Marosa, который проходит через несколько фаз, от пения до напевов (голос тут – инструмент), от её гитары до электроники. На фоне однородности немного выделяется камерность No Llama, понемногу восходящая к звонким тонам. Но на деле альбом даже и не хочется делить на отдельные треки, так он хорош как одно целое – cветлый, странный и органичный опыт.

Слушать: https://juanamolina.bandcamp.com/album/un-d-a

Zumvo - Разводы
(2020, CANT)
sampledelia / sound collage / hip-hop

Зумво — проект питерского музыканта Александра Артемьева, на чьём новом альбоме «Разводы» сочетаются хип-хоповые сбивки, психоделичные дилэи и разрозненные обрывки повседневности.

У Александра Артемьева довольно внушительный музыкальный бэкграунд. Он играл в разных панк-группах (Hatsue Kill, Panihida и Bicycles for Afghanistan) и не отказался от панковского подхода к творчеству и сейчас. Ещё Александр был инженером — работал с магнитной плёнкой и винилом. Он любит слушать, как накладываются друг на друга звуки из разных источников, и звуковые коллажи оказались отличным способом передать такое восприятие мира.

«Разводы» — это как раз такой коллажный альбом, состоящий из неожиданных фрагментов, в которых всё привычно и ново одновременно. Новое собирается по кусочкам из самых разных фрагментов и влияний — хип-хоп, фанк, даб, местами даже вспоминаешь про какой-нибудь фрик-фолк. Вы приоткрываете шторку, заглядываете в окно, а так жизнь, вроде знакомая, но какая-то неестественно объемная. Отдельная история — голосовые семплы, которые много использует Зумво. Разговоры с друзьями обо всём и ни о чем, голосовые сообщения, обрывки фраз, нагромождения слов, доведенные до абсурда. Из всего этого Зумво удаётся создать удивительно свежее звучание, к которому хочется возвращаться не один раз.

Если вас зацепил альбом, советуем почитать текст Артёма Абрамова, написанный по мотивам интервью с Зумво:
https://daily.afisha.ru/music/16385-leto-porazheniy-kak-psihodelicheskiy-hip-hop-zumvo-idealno-ozvuchivaet-epohu/

Слушать: https://zumvoagain.bandcamp.com/album/--3

ONO - Red Summer
(2020, American Dreams)
industrial funk / gospel industrial / spoken word / noise

Недавний альбом чикагских экспериментаторов с 40-летним багажом музыкального опыта. Одна из самых уникальных записей в этом году как по форме, так и по содержанию.

Альбом Red Summer обнажил довольно странную ситуацию, в которой находится группа ONO (сокращение от ‘onomatopoeia’). C одной стороны, коллектив сейчас определённо стоит в авангарде современной политической околоиндустриальной музыки. И это прекрасно слышно непосредственно на их весеннем альбоме. С другой же стороны, ONO продолжают оставаться в довольно узком инфополе (в условном поле таких изданий, как The Wire и The Quietus, например), несмотря на запрос на политическую музыку, вновь актуализировавшийся в последние годы. Парадоксально? Вполне. Особенно учитывая принципиальность, смелость и радикальность эстетического высказывания группы, ничем не стеснённого на Red Summer.

«Красное лето» – устоявшееся название для серии жесточайших расовых беспорядков со стороны белых расистов, прокатившихся по более чем 30 городам США летом 1919 года. Впрочем, как можно догадаться по общей патетике ONO, группа концептуально не фокусируется лишь на этом эпизоде истории чёрного населения Штатов. Скорее, даже наоборот. Рефлексия коллектива о расовой ненависти, шовинизме, насилии (впрочем, не только расовой – на Red Summer осмысляется и тема сексуального насилия) протянута от XVII века до современных реалий. А на открывающем альбом треке 20th August 1619 вокалист группы travis в роли зазывалы скандирует: «Sold! 23 'Negars!' N-E-G-A-R-S!! Field 'Negars' good as Gold! Money down!» От рабства до печально известного медицинского исследования Таскиги – на Red Summer находится место самым тяжёлым и неприглядным страницам истории чёрного населения Америки.

Альбом слушается тяжело. Понятное дело, что Red Summer задумывался именно таким. Опыт соприкосновения с такой музыкой – своего рода вызов. Ожидаемый вопрос, возникающий во время и после прослушивания релиза, звучит так: «А много изменилось с тех времён»? Временной континуум Red Summer, в который ONO решительно погружают слушателя, неспроста так сильно растянут. Это история, которая продолжается и сейчас. А нетривиальный и отчасти даже абсурдистский саунд альбома в свою очередь становится точнейшим звуковым сопровождением к этой истории. Именно так она и звучит.

Слушать: https://ono1980.bandcamp.com/album/red-summer

Position Normal - Stop Your Nonsense
(1999, Mind Horizon)
sampledelia / plunderphonics / sound collage / hauntology / indietronica

Сегодня слушаем альбом Stop Your Nonsense коллектива Position Normal, предшественников хонтологической эстетики.

Главной экспортной продукцией Великобритании 1990-х можно без особых натяжек назвать трип-хоп и брит-поп. Оба направления заигрывали с коммерческим саундом, пытаясь обновить его, и по ходу дела растеряли то, за что их было интересно слушать. Коммерческий трип-хоп быстро избавился от присущей ему всеядности и превратился в легко воспроизводимую музыку для ресторанов. Брит-поп же быстро отказался от поисков истинной «английскости» и занялся гламуризацией отдельных британских образов. Проект продюсера Криса Бейлифа (Chris Bailiff) и вокалиста/гитариста Джона Кашвэя (John Cushway) стал своеобразной попыткой совместить все хорошее от упомянутых музыкальных направлений, вернув им былую всеядность и нонконформизм.

Первый полноценный коммерческий релиз Position Normal с говорящим названием Stop Your Nonsense вышел в 1999 году. Большая часть альбома строится на разношерстных семплах: от немецких эстрадных песен до старых телепередач, которые не помнят даже домохозяйки и дети из того поколения, с прицелом на которое они снимались. Крис Бейлиф манипулирует ими с ловкостью дабового инженера, собирая в почти что иллбиентные коллажи. На их фоне изредка всплывают вокальные и гитарные партии Джона Кашвэя, которого можно было бы сравнить с Иэном Краузе из Disco Inferno, вдохновляйся он не группами Joy Division и Durutti Column, а более экспериментальными коллективами, в духе Native Hipsters.

Журналист Саймон Рейнольдс называет Position Normal предшественниками хонтологии — эстетики, основанной на эксплуатации нереализованных утопических элементов прошлого. Разительное отличие работ Position Normal от привычных хонтологических опытов кроется в отсутствии утопии, пригодной для деконструкции. В сравнении с признанными классиками хонтологии, наподобие Boards of Canada, Бейлиф обращается со своими семплами с почти что детской непосредственностью. Он не пытается нащупать в них утопическое начало и вывернуть его наизнанку, но исследует изначально заключенную в них и никуда не исчезнувшую странность.

Stop Your Nonsense ощущается как невероятно английский альбом, такой же английский, как фильмы Линдси Андерсона начала 1970-х, переполненные абсурдными, но обаятельными персонажами. В то же время альбом не пытается строить из себя популистское высказывание в духе: «классы всякие важны». Скорее это попытка окунуться в другую очень странную и давно потерянную Англию, место, где приятно находиться, но откуда не менее приятно вернуться домой.

Слушать:
https://positionnormal.bandcamp.com/album/stop-your-nonsense

David Holland Quartet - Conference Of The Birds
(1973, ECM)
free jazz / avant-garde jazz / post-bop

Сегодня пополним #that_greats альбомом одного из самых прогрессивных контрабасистов. За счёт соединения мелодичности и свободы он способен развлечь почитателей свободного джаза или стать входной точкой в жанр.

Довольно странно распорядилась история, что при упоминании расцвета фри-джаза немного кому в голову приходят работы (и конкретно эта запись) британца Дейва Холланда. Состоящая из собственных сочинений басиста, впервые выступившего тут лидером, своим эталонным соединением стройности со свободой выражения она заслуживает статуса одной из вершин жанра. Холланд, из Англии зазванный Майлзом Дэвисом, чтобы впоследствии дать начало фьюжену как жанру на In a Silent Way и Bitches' Brew, успел поиграть во многих ансамблях, в основном в компании Чика Кориа (в группе Circle). Сначала прогнав композиции с живой группой, на запись дебюта Дейв собрал уже уникальный состав. Легенда Сэм Риверс с его красочной флейтой, вроде как старший товарищ, на каждом треке вступает тут в равный диалог c виртуозом-экспериментатором Энтони Брэкстоном, чьи переливы саксофона и кларнета уходят от мелодии за грань и снова возвращаются к ней. Барри Альтшул поддерживает их и отлично использует возможности своего арсенала: перкуссии и маримбы.

Холланд хоть часто и даёт духовым быть в центре внимания, но всегда скрепляет композицию своим уверенным басом. Наиболее явно вокруг него строится спокойный заглавный трек, отчасти вдохновлённый, как и весь альбом, пением птиц под окном лондонской квартиры Дейва. Вообще, Conference Of The Birds верен традициям ещё 60-х: каждый трек так или иначе развивается из короткой заданной темы в свободное исполнение. Где-то это заметно больше, как на Four Winds, тема которого будет звучать тут и там по всему альбому, а где-то меньше, как на центральной Interception или совсем уж почти освобождённой от мелодии Q & A. Conference Of The Birds — светлый образец грамотных сочетаний, лирики и мастерских импровизаций, который пропускать не советуем никому.

Слушать: https://ecmrecords.bandcamp.com/album/conference-of-the-birds-1

Давно хотели поделиться с вами отличным видеоэссе от ютуб-канала Cuck Philosophy. Автор предлагает посмотреть на само по себе сомнительное явление World Music через призму неолиберализма. Очень интересный критический взгляд на то, как эксплуатируется эстетика «культуры третьего мира».

https://www.youtube.com/watch?v=_sCRcfYRslg&feature=emb_logo

​​Уфолог Брэд Стайгер в свое время не только предложил поехавшую теорию о происхождении людей от инопланетян, но и создал опросник, позволяющий определить, являетесь ли лично вы пришельцем. Всего было 33 вопроса: у вас низкое давление? хронический синусит? болят суставы? - поздравляем, вы просто с другой планеты.

Но там есть потрясающий раздел, где нужно отметить, к чему из перечисленного вы испытываете "привязанность сверх нормы":

ивам; колибри; орлам; камням; звездам; сирени; кристаллам; грибам; тьме; грозе; природе; имени Лея.

Какую степень привязанности к грибам считать нормой - не уточняется. И как понять, что со всем перечисленным вы именно звездное дитя, а не гоблин, - тоже.

Fuck Buttons - Slow Focus
(2013, ATP)
progressive electronic / neo-psychedelia / idm / «pop-drone»

Последний на сегодня альбом напористого электронного дуо из Бристоля наполнен их самым чистым, грандиозным звуком и пост-роковыми структурами. Он переводит гудящую и стучащую электронику в доступный стадионный формат.

Группа, начинавшая с довольно грубой шумовой эстетики, странным образом (субъективно) приятной на слух, «большого сгустка звука» (Street Horrrsing, 2008), на своём третьем альбоме Slow Focus выдаёт кристально чистое и по-своему грандиозное звучание. Его странно описывать и обсуждать. Это тот самый опыт, когда по окончанию прослушивания протираешь все органы чувств и смотришь в одну точку. Джон Пауэр и Эндрю Ханг (John Power & Andrew Hung) делают так, что этот опыт будет целостным – треки сшиты между собой незаметно, и поэтому слушается SF как величественная техно-дроун симфония. На самом деле примечательно, как альбому удаётся соединить всё лучшее, что может быть сыграно и в подвале скрытного клуба, и на стадионе, и в зале, где крутят блокбастер. Slow Focus и правда не сразу фокусируется на какой-то идее, но понемногу идёт в её направлении, не торопясь её достигать.

Начав ещё в 04' году с чего-то похожего на нойз-рок, Fuck Buttons быстро сменили курс на многоканальную электронику, на пространство «между Mogwai и Афекс Твином», по их же словам. Первая пара альбомов была спродюсирована ими совместно с Джоном Каммингзом из того же Mogwai и электронщиком Эндрю Уэзероллом (John Cummings & Andrew Weatherall) соответственно. Последний помог дуо очистить и обновить звук на Tarot Sport (2009) так, что несколько треков оттуда прозвучало на открытии лондонской олимпиады, что не особо удивительно (монументальности хоть отбавляй), но забавно, учитывая напор их звука и название. Последний же альбом Fuck Buttons записали одни. И, по-видимому, немало в него вложили. Благо, внушительный опыт (в том числе на сольном синт-проекте Пауэра, Blanck Mass) и большие амбиции к этому моменту уже были на месте.

Slow Focus в плане звука – это очищенное от всего лишнего пространство, отполированный слиток из какого-то космического вещества. Стартовый Brainfreeze – отличное резюме всего альбома, с его настойчивой церемониальной перкуссией, ревущими как двигатель на реактивной тяге синтами, многофазностью и «вознесением» к концу трека. Пара композиций здесь чуть больше других смотрит в прошлое – на Вангелиса, Карпентера ли? – промежуточный Year of the Dog и Stalker. Более сложными структурами обладают Sentients, начинающийся с изворотливого idm-а и постепенно превращающийся в саундтрек к фильму Нолана, и самый «клубный» тут трек, лучезарный-лазерный Prince's Prize. Но больше всего звук Fuck Buttons захватывает, когда они начинают стирать грань между электроникой и пост-роком. Звуки наслаиваются друг на друга, разгоняются, расширяются и разрешаются в кульминации. Так ведут себя обе неприкрыто романтичные The Red Wing и финальный эпик Hidden Xs. Конечно, можно долго разбираться в их структурах и звучаниях, но, наверное, главное в музыке Fuck Buttons – это то благоговейное ощущение, что возникает перед чем-то блистающим и величественным.

Слушать:
Яндекс.Музыка
Spotify

Сегодня в нашей авторской рубрике #that_guest журналистка, авторка подкаста «Радио Моргиана» и сайта/тг-канала cemetery partisan Марина Мойнихан рассказывает о саундтреке к британскому хоррор-фильму «Опоссум» (2018):

"Психологический хоррор Мэтью Холнесса «Опоссум» – концептуально довольно строгое кино, и его необычный саундтрек является частью этой концепции, хотя случайный зритель может упустить и эту строгость, и эту необычность. Во-первых, фильм снят по рассказу, который режиссер написал на заданную тему для одной антологии: темой было фрейдовское Жуткое, то есть смятение, которое человек порой ощущает при контакте с неодушевленными объектами, которые кажутся одушевленными, и наоборот. В качестве примера Жуткого автор выбрал марионетку и написал историю о кукольнике, который приезжает в дом своего детства, чтобы переждать бурю после скандального выступления.

Во-вторых, фильм сильно стилизован под продукцию 70-х – 80-х, но не визуально (никаких пленочных глитчей). Скорее, он пытается вызвать специфическое чувство, которое британские фильмы того периода вызывали у юных представителей поколения X: люди, которые сейчас называют себя «haunted generation», любят собираться в темных углах интернета, чтобы обсудить, как в детстве их потряс какой-нибудь учебный фильм BBC или социальная реклама. «Опоссум» заимствует у таких поделок из прошлого не только образы, но и саундтрек.

Музыку для фильма написал BBC Radiophonic Workshop – подразделение BBC, которое озвучивало радио- и телепередачи компании, особенно запомнившись главной темой к сериалу «Доктор Кто». «Воркшоп» закрылся в 90-х, но недавно пережил реюнион. Кроме того, в фильм вошла неизданная музыка одной из икон этого подразделения – Делии Дербишир (1937-2001), пионерки британской электронной музыки. Таким образом, музыка дополнительно оттеняет «жуткость» истории: в фильме неодушевленная кукла движется и проявляет агентность, мертвая лиса оказывается живой, – а в его саундтреке звучит «мертвая» музыка, ранее похороненная в архивах, а теперь оживляющая коллективные страхи. (Play possum – значит «притвориться мертвым».) Герой листает свои детские альбомы, но то, что выглядит рисунками впечатлительного мальчика, оказывается тайным рассказом о пережитых кошмарах; из колонок звучит вроде бы стандартное для спекулятивного жанра электронное бульканье, но и оно скрывает тайную историю целого поколения".

Cлушать:
YouTube Music
Spotify

Marie Davidson & L'Œil Nu - Renegade Breakdown
(2020, Ninja Tune)
art pop / synthpop / dream pop / electroclash / chanson française influenced

Первый альбом нового проекта техно-трудоголички Мари Дэвидсон, которая, покинув клубную сцену, нашла себя в совместном проекте с друзьями и более мелодичном звучании.

Выпустив в 2018-м году амбициозный минимал-синт- и техно-альбом Working Class Woman, Мари Дэвидсон проехала с большим туром в его поддержку и заявила в 2019-м, что уходит с клубной сцены. Это казалось неожиданным решением для музыканта, который только что добился широкой популярности и признания у критиков. Рассказывая о том периоде спустя время, Мари говорит, что была на пределе, заработала хроническую депрессию, а болезненная зависимость, помимо алкоголя и веществ, начала проявляться и в работе. Так что Workaholic Paranoid Bitch — название одного из синглов с прошлого альбома — это именно то, как она себя тогда ощущала. Год передышки от клубной жизни и концертов оказался плодотворным, Дэвидсон выпустила дебютный альбом вместе с новым проектом L'Œil Nu.

В L'Œil Nu вместе с Дэвидсон участвуют музыканты Пьер Герино (Pierre Guerineau) и Азаэль Р. Робитай (Asaël R. Robitaille), которые на самом деле давно знакомы и так или иначе участвуют в проектах друг друга ещё с 2010-х. Мари Дэвидсон и Пьер Герино женаты и у них есть ещё один совместный проект Essaie Pas, а Asaël R. Robitaille может быть известен вам под псевдонимом Bataille Solaire. Ещё летом 2019, комментируя в интервью заявление о своём уходе из клубов, Дэвидсон сказала, что хочет переключиться на песни ("I want to make chansons, you know?"*), больше петь и рассказывать в песнях истории. Вдохновляясь диско, французской поп-музыкой и джазом, трио создало Renegade Breakdown.

Первый трек открывает привычный и так любимый многими споукен-ворд с французским акцентом, но на всех остальных треках Дэвидсон действительно начала петь, чего не делала прежде на своих соло-записях. Это альбом, на котором все трое музыкантов заглянули в своё прошлое, вспоминая мотивы легкомысленных французских поп-песен, которые в детстве им приходилось слушать в машине с родителями, и переработали их в новые треки, местами забавные, местами романтичные и меланхолические. Во многом Renegade Breakdown про поиск внутреннего спокойствия, которое сейчас практически недостижимо, но Дэвидсон похоже удалось снизить градус трудоголизма и немного замедлиться.

*https://www.cbc.ca/music/i-needed-to-stop-marie-davidson-on-leaving-the-club-scene-and-taking-care-of-herself-1.5262365

Слушать: https://mariedavidson.bandcamp.com/album/renegade-breakdown

Первым гостем нашей новой рубрики #that_mix стала электронщица, мультидисциплинарная художница и активистка Диана Буркот (rosemary loves a blackberry; ex-Pussy Riot; ex-fanny kaplan):

«иногда, когда кто-то или что-то меня обижает, я испытываю злость, но не чёрную, а просто, скорее, злюсь как-то по-своему.

для меня злиться — это энергия действия, в такие моменты я включаю музыку пожёстче и иду натирать полы или посуду, очень хорошо заходит мойка унитаза, быстро сбивает спесь, а к концу уборки я чувствую себя приятно уставшей и уже в каком-то благостном состоянии, работает всегда».

That Exploded! Mix Vol.1: rosemary loves a blackberry

Трек-лист:
1. 6TH Circle — 1) Burn 2) Walk Away
2. 7777 の天使 — Celestial
3. D-R-U-N-K — Wake Up
4. DJ SPEEDSICK-No Euphoria — Russian Ghetto Version
5. Keluar — Fractures
6. Mchy i porosty — El hombre invisible
7. Pan Sonic — Lataus
8. Schwefelgelb — Stillhalten
9. Selm — Ahorn
10. Shari Vari — Dance Alone
11. Smerz — Worth it
12. Tzusing — Frankencense And Myrrh
13. VTSS — I Don-t Think It’s Better
14. Visonia — The Moon Doesn-t Want to Look at You
15. Wulfband — Chaostanzen

Слушать: https://soundcloud.com/user-168144952/that-exploded-mix-vol1-rosemary-loves-a-blackberry

Новая 15-минутная документалка про Кейдзи Хайно, снятая в Москве в 2019. Режиссер: Александра Карелина (какая чудесная фамилия!); интервью брал Иван Якушев. Понравилось, как он слушает фолк в «Звуковом барьере».

https://www.colta.ru/articles/music_modern/25715-onlayn-premyera-dokumentalnyy-film-aleksandra-karelina-keydzi-hayno