Ладно, вот это действительно интересно: ютюбер и кинокритик Крис Стакман дропнул первый трейлер своего дебютного проекта “Shelby Oaks”.

По отзывам нас ждет что-то интересное, хвалят главную героиню и то, что Стакман использует накопленные знания о поп культуре на всю катушку.

Для тех, кому большие тексты не сильно вкатывают ниже три заметки по последним просмотрам по принципу «плохо/нормально/хорошо»

🔴 “Fight or Flight”, 2025

Крайне кровавая и нарочито пошлая картина, отдалённо напоминающая всё то, что мы уже видели раньше — и не предлагающая ничего нового взамен.

Радостно снова видеть Джоша Хартнетта на экранах, но хочется, чтобы роли для него подбирали более серьёзные. Вместо очередного дурачества и отыгрывания одного и того же образа (как и в последнем фильме Шьямалана), хотелось бы увидеть глубину.

Да, у фильма есть пара интересных сцен, которые врываются в общее скучное полотно то с двух ног, то с бензопилой, то с вычурным монтажом и спецэффектами. Но этого слишком мало. После просмотра не остаётся не то что воспоминаний — даже удовольствия.

🟡 “Pinocchio Revenge”, 1996

Долл-хоррор категории B, предлагающий новое прочтение классической сказки — ещё до того, как появились кровавые Винни-Пухи и Питеры Пэны.

Фильм выглядит гораздо лучше, чем его промоматериалы, постеры и отзывы. Здесь есть интересные ходы, шокирующие (во всех смыслах) визуальные решения и сдержанность, не позволяющая скатиться в совсем уж несмотрибельную трэш-бэшку.

Однако зрители, пришедшие именно за трэшем и кровью, будут разочарованы — как и те, кто ищет в хорроре глубокие смыслы. Поверхностная трактовка тем родительства и детей делает фильм средним. А "средний" здесь равен "скучный".

🟢 “Suicide Club”, 2001

Один из наиболее интересных проектов Сиона Соно, рассказывающий о людях и группах в Японии, подверженных суицидальным наклонностям.

Как высказывание фильм действительно работает: он критикует поп-культуру, её влияние на общество и молодёжь, и затрагивает болезненные социальные проблемы Японии, где тема суицида особенно остра.

Но как кино — вызывает вопросы. Основные мотивы становятся понятны слишком рано, сюжет теряет интригу уже к середине. Некоторые повороты предсказуемы, другие — просто странны и не всегда логичны.

Визуальный стиль местами мешает серьёзному восприятию, но, возможно, именно эта яркая, кровавая форма подчёркивает важность поднимаемых тем. Я до сих пор не определился, как к нему относиться — но он точно заслуживает внимания.

“Jigoku”, 1960

Слоубернер в мире японского кино, где языки адского пламени жадно щекочут грешников при жизни, а затем весело и беспощадно поглощают их уже после смерти. Фильм, снятый Нобуо Накамурой в 1960 году, — не ужастик в привычном понимании жанра, а философская притча, запечатлённая в визуальном языке раннего японского артхауса.

Фильм следует за молодым человеком по имени Сиро, который вместе с загадочным спутником Тамурой сбивает человека на просёлочной дороге. Этот, казалось бы, случайный инцидент запускает череду смертей, которые преследуют героя на протяжении всей картины. Постепенно тональность фильма смещается: от бытовой драмы — к зловещей фантасмагории, а затем и к полной визуализации буддийского ада.

Первый акт построен как тревожная социальная драма с элементами триллера. Пьющий мужчина, оказавшийся якудза, погибает под колёсами; его мать начинает мстить. Но фильм не о мести, а о грехе — и в особенности о молчаливом соучастии в нём. Уже с середины в повествование проникают мотивы ирреальности: часы, всегда застывшие на девяти вечера, двойники, вода, мосты и дороги как символы, — всё это создаёт ощущение, что грань между жизнью и загробным миром постепенно стирается.

Тамура — персонаж, чей статус балансирует между аллегорией и реальностью. Его присутствие не поддаётся логике, его слова звучат как пророчества, а поступки — как искушение. Он становится чем-то вроде демона-куратора, сопровождающего героя до самой бездны. Все это, вкупе с чередой загадочных смертей и ощущением морального падения, создаёт иллюзию, что ад — уже здесь, на земле.

По мере развития сюжета почти все окружающие Сиро погибают — кто-то от болезни, кто-то в аварии. Сам Тамура, тревожный и зловещий персонаж, тоже умирает на подвесном мосту, но затем вновь появляется — уже в момент самого страшного греха. Его фигура окончательно приобретает метафизическую и символическую глубину.

Вторая часть фильма — визуализация буддийского ада. Подобно аду Данте, он представлен в виде кругов, но если у Данте их девять, то в японской традиции — восемь. Однако часы, застывающие на девятке, намекают: жизнь и есть девятый круг. В японском языке число "девять" (kyuu) созвучно со словом, обозначающим страдание и боль — ku.

Именно в аду разворачиваются основные ужасы. Туда попадают грешники — в том числе и Сиро кажется безгрешным на фоне других персонажей — но его вина в равнодушии. Он не убивал, не предавал, не крал. Он просто молчал. Он не злодей, а морально сломленный человек, способный к раскаянию и самопознанию. За это ему даётся шанс — возможность вырваться из ада, в отличие от прочих, прошедших страшный суд и бесконечные муки.

Через образ Сиро фильм обретает глубокий нравственный посыл. Это не просто демонстрация ада, а диалог со зрителем. Яркий, смелый, местами шокирующий фильм становится своеобразным моральным ориентиром. Такой подход характерен для многих традиционных японских картин, в которых этика и поучительность часто важнее действия или внешней интриги.

Да, "Ад" во многом устарел — чего стоят хотя бы затянутые сцены с падающими в пропасть манекенами, странный монтаж или нелепая кровь. Однако отдельные кадры до сих пор производят сильное впечатление. А его философская глубина и культурно-религиозный контекст способны не только напугать, но и заставить задуматься. Медитативный, мрачный и морально заряженный, он остаётся актуальным — несмотря на визуальные архаизмы и театральность постановки.

“Kwaidan”, 1964

Япония — страна, где традиции по сей день остаются неотъемлемой частью жизни. Годами формировавшийся культурный код, в котором история и мифология шли рука об руку, находит отражение в произведениях искусства через образы, персонажей и поверья. Их формы могут меняться, но суть остаётся узнаваемой даже спустя десятилетия.

"Квайдан" — это трёхчасовое полотно, включающее четыре самостоятельные новеллы: "Чёрные волосы", "Снежная женщина", "Рассказ о безухом Хойти" и "В чашке чая". Каждая из них становится отражением важных аспектов японской культуры и берёт за основу классические мифы и легенды.

Чёрные волосы

История о самурае, который бросает свою жену ради карьеры. Чтобы выбраться из нищеты, он женится на богатой наследнице и поступает на службу к новому господину. Однако со временем осознаёт, что новый брак не принёс ему счастья, а мысли о прежней жене не дают покоя.

Это типичный сюжет искупления: герой понимает свою ошибку и возвращается к истинной любви — но слишком поздно. В рамках антологии эта новелла проста по структуре, но визуально насыщенна и выразительна. Она воспроизводит традиционный японский мотив юрэй — призрака, связанного с неразрешённой эмоциональной болью. Призрак первой жены, с её длинными чёрными волосами, сначала воплощает утрату, а затем — месть. То, что он когда-то любил, оборачивается проклятием.

Снежная женщина

Два лесоруба теряются в зимнем лесу и чуть не замерзают. К ним является дух снежной женщины — Юки-онна, — которая убивает одного из них, но пощадит молодого в обмен на клятву молчания. Лесоруб выживает, строит новую жизнь и влюбляется. Однажды он нарушает обет, и выясняется, что его жена и была той самой снежной женщиной.

Юки-онна выступает здесь не как абсолютное зло, а как мифическое существо, наделённое правом решать судьбу человека. В отличие от героини первой новеллы, она руководствуется не только моралью, но и чувствами. Она прощает героя, хоть и исчезает. Это история о важности слова, цены нарушенного обещания и неизбежности расплаты за слабость.

Рассказ о безухом Хойти

Слепой музыкант Хойти, мастерски исполняющий эпос о битве при Данноура, становится объектом интереса призраков павших самураев. Они требуют от него повторять трагическую балладу снова и снова. Монахи, у которых он живёт, узнают об этом и наносят на его тело священные письмена, чтобы защитить его. Однако забывают покрыть уши — и духи уносят их.

Это одна из самых атмосферных и жутких историй в фильме. Здесь духи — не карающие справедливостью, а неумолимые силы, которые следуют своим законам. Ошибка, допущенная по невнимательности, приводит к уродству, а возможно — и к гибели. Образы, символизм, сцена ритуального письма на теле — всё это до сих пор влияет на визуальный язык японского хоррора.

В чашке чая

Новелла оформлена как история в истории: писатель рассказывает о самурае, который однажды видит в отражении чая незнакомое лицо. Позже этот человек появляется в реальности, а попытки избавиться от него оказываются тщетными. Постепенно граница между реальным и потусторонним стирается.

Это самая метафизическая и загадочная часть "Квайдана". Здесь нет чёткой морали, есть лишь ощущение тревожной неразрешённости. История буквально обрывается, как будто затягивая не только персонажей, но и зрителя внутрь нерассказанного мифа. Постановка боя в финале выполнена с большим мастерством, а уровень визуального стиля достигает своего апогея.

Заключение

"Квайдан" — не просто собрание мистических новелл. Это художественный мост между фольклором, театральной эстетикой и кинематографом. Каждая история — не только отражение японской мифологии, но и нравственный урок, завёрнутый в атмосферу таинственного и жуткого.

Сегодня эти новеллы важны не столько как философские притчи, сколько как фундамент для понимания жанра j-horror. Они дают представление о традиционной японской логике страха — где ужас коренится в невидимом, невыраженном и нарушенном балансе между мирами.

“Yojimbo”, 1961

Немногие режиссёры сумели повлиять на мировой кинематограф так, как это сделал Акира Куросава. Его фильмы давно стали неотъемлемой частью культурного канона, а сам он — символ японского кинематографа и выдающийся рассказчик универсальных историй. “Телохранитель” — одна из тех работ, которая не только продолжает традиции режиссёра, но и значительно расширяет их, став источником вдохновения для десятков лент по всему миру.

Для меня фильмы Куросавы — своего рода comfort movie: каждый просмотр приносит тепло и спокойствие, как возвращение к чему-то родному. “Телохранитель” усиливает эти ощущения, оставаясь одновременно доступным для новичков и глубоко многослойным для поклонников режиссёра.

Сюжет фильма рассказывает о странствующем ронине по имени Сандзюро, который оказывается в городе, раздираемом противостоянием двух преступных кланов. Воспользовавшись ситуацией, он решает сыграть на противоречиях сторон, сталкивая их между собой с целью уничтожить обе группировки и освободить город от хаоса.

Как и многие другие картины Куросавы, “Телохранитель” обладает универсальной драматургией, что сделало его удобным материалом для адаптаций в различных жанрах и культурных контекстах. Так, на его основе был снят фильм Серджио Леоне “За пригоршню долларов”, что даже привело к судебному разбирательству между студиями. А влияние картины прослеживается вплоть до Мандалорца, Однажды в Мексике и даже Ранго. История об одиноком герое, балансирующем между враждующими сторонами, оказалась удивительно живучей и универсальной, даже при том, что это далеко не самая оригинальная история.

Однако “Телохранитель” — это не только боевик и сатира на политические и социальные реалии. Это ещё и удивительно остроумная история. Куросава здесь буквально играет с ожиданиями зрителя: мы привыкли, что фильмы о самураях — это суровые, сдержанные, почти аскетичные картины. Здесь же суровость соседствует с искренне смешными моментами, а эпизоды с кровавыми стычками нередко перемежаются сценами бытовой комедии.

Юмор в “Телохранителе” многослойный. Есть открыто гротескные ситуации — например, сцены, где Сандзюро с ленивой, почти скучающей физиономией наблюдает за хаосом, который сам же устроил. Его хладнокровная реакция на угрозы и абсурдные диалоги бандитов превращают многие эпизоды в своеобразную чёрную комедию.

Есть и визуальная ирония: от комически нелепых походок второстепенных персонажей до демонстративно театральных жестов главарей банд, которые больше похожи на капризных торговцев, чем на опасных преступников. Даже драки иногда поданы так, что зритель улыбается — не из-за неумелой постановки, а потому что Куросава осознанно делает их чуть преувеличенными, балансируя между реализмом и шаржем.

Отдельное удовольствие — мелкие детали, которые можно заметить только при внимательном просмотре. В одной из ранних сцен крупные планы позволяют рассмотреть неровности парика на голове персонажа. Для режиссёра уровня Куросавы это вряд ли случайная ошибка — скорее тонкий намёк на искусственность и лицемерие этого мира, где всё — игра, маскарад и подмена ценностей.

Благодаря юмору фильм становится легче, подвижнее и живее, чем привычные картины жанра. Куросава будто говорит зрителю: “Да, здесь есть насилие и мрачные темы, но мы можем позволить себе посмеяться над человеческой глупостью — даже в разгар смертельной вражды”. И именно эта ирония делает “Телохранителя” не только зрелищным, но и глубоко человечным фильмом.

Относительно недавно издание The New York Times опросило режиссёров, актёров и других деятелей кино, чтобы составить список из 100 лучших фильмов XXI века.

Сергей с канала Философия кино не смог обойти это стороной и опросил более 100 телеграм-каналов о кино, чтобы представить зрительский топ-100 фильмов этого века.

Я тоже поучаствовал в опросе и постарался выбрать не только любимые, но и значимые картины. Мне было непросто определить фильмы со второго по тридцатое место, но с результатами моих мучений вы можете ознакомиться на карточке.

Отдельная огромная благодарность (и совет подписаться) улетает от меня: ещё раз — Философии кино, за то что позвал в такой крутой движ; каналу КИНОСЕАНС — за то что скрупулёзно собрал со всех топы; а также трудягам с каналов Лягушачий уголок и Tanya in Horrorland — за дизайн карточек. И, конечно, DimShows — он соберёт общую статистику, которую вы увидите 15 августа.

#КиноВек21

🙌 Результаты розыгрыша:

Победитель:
1. Доктор Билл (517638093)

Поздравляем! 🎉

“The Phoenician Scheme”, 2025

Я давно скептически отношусь к фильмам Уэса Андерсона. Начиная с Королевства полной луны и заканчивая Городом астероидов, его работы стали напоминать один бесконечный сериал: пара удачных эпизодов и целая россыпь проходных филлеров.

Финикийская схема рассказывает историю бизнесмена За-За Корды, пережившего не одно покушение. Забрав дочь из монастыря, он решает провернуть вместе с ней загадочную схему.

После застоя в самоповторах и самосозданных рамках Андерсон пробует новые ходы. Короткометражки после Города астероидов выглядели как осторожные шаги по тонкому льду, и Финикийская схема — еще одна попытка вырваться из зоны комфорта.

Уже в первых сценах режиссер удивляет: эпизод с катастрофой, в котором секретаря буквально разрывает пополам, нарушает привычную стерильность его визуального языка. Впервые за долгое время появляется ручная камера с эффектом тряски, что добавляет динамики. Но вскоре он вновь возвращается к проверенной формуле.

Фильм сочетает карикатурную комедию с элементами криминального и шпионского детектива. На этот раз юмор смелее — не только кривляния героев, но и сатира, в том числе над самим режиссером. Однако в основе это всё тот же кукольный спектакль: любимые актеры, деление на главы и морализаторский подтекст, теперь о взаимоотношениях отца и дочери.

Это, пожалуй, один из самых простых фильмов Андерсона — именно за счёт сосредоточенности на одной сюжетной линии. Простота делает картину доступнее и создаёт ощущение, что привычный визуальный стиль (уже приевшийся даже фанатам) отходит на второй план, уступая место истории. Но, к моему удивлению, именно здесь кроется главный провал проекта.

Я не буду в сотый раз обсуждать нарушенную симметрию в кадрах — эту высосанную из пальца тему мы уже слышали. Меня гораздо больше удивляет, как дотошный до мелочей Уэс умудрился провалить монтаж. Местами фильм выглядит как сгенерированное ИИ-видео: из-за склеек общих планов с движением камеры возникают резкие скачки; встречаются нелепые и нелогичные переходы между сценами, нарушающие динамику повествования. Например, в эпизоде, где Корда рассказывает дочери о схеме, он сначала сидит на стуле у ковра с коробками, а в следующем кадре уже ходит возле стола. То же самое повторяется чуть позже в самолёте, в диалоге дель Торо и Серы. Вряд ли случайные джамп-каты были частью замысла режиссёра

В итоге упрощение истории сделало фильм доступнее, но не глубже. Да, оценки на агрегаторах выше, чем у перегруженного Города астероидов, но до уровня Отеля “Гранд Будапешт” он явно не дотягивает. И пока Уэс Андерсон не рискнет по-настоящему выйти за рамки собственного стиля, он так и останется предсказуемым мастером для узкого круга ценителей кукольного театра, и как подобно тем же театрам, все куклы останутся интересны только самому кукольнику.

“Cult”, 2013

Найти крутой фильм XXI века — ещё тот квест, особенно если он не на слуху. Благодаря Chacun Son Cinema всё проще: жмите на #21centurytop и ловите бриллианты вне мейнстрима. Мне в рамках челленджа достался 2013 год, и там таких бриллиантов оказалось немало, но выбор пал именно на “Культ”.

До того как Кодзи Сираяси — режиссёр одного из самых известных японских фильмов ужасов в жанре found footage — ушёл в сторону более коммерческих проектов и стал снимать спорное и неоднозначное кино, он создал целую серию заметных работ в своём любимом поджанре. Среди них особенно выделяется “Cult”, фильм, ставший одной из самых ярких его работ.

Сюжет строится вокруг группы студенток, которые участвуют в съёмках телепередачи о паранормальных явлениях. Постепенно съёмки превращаются в настоящую документалистику о столкновении с чем-то неизвестным и опасным.

Формат “фильма внутри фильма” или “псевдодокументального расследования” — далеко не нов для Сираяси. Он активно использует его с начала своей карьеры, особенно в серии “Жуткие материалы”, оттачивая фирменные приёмы. В “Культе” он применяет их почти педантично: камера фиксирует тревожные силуэты, странные ритуалы, пугающие остановки времени — пространство подчиняется злу, и оно явно наблюдает за героями.

Фильм намеренно не стремится к недосказанности — напротив, пугающие кадры повторяются, словно подчёркивая их важность. Однако при этом в повествовании остаётся место для загадок: не всё объяснено, не всё показано до конца, и именно это порождает ощущение обречённости и страха.

Звуковое оформление играет ключевую роль: ритуальные песнопения, резкие шумы, искажения — всё работает на погружение. Визуальные эффекты, пусть и местами выглядят наивно, всё же создают нервную атмосферу, при которой даже нелепость становится частью ужаса. Сновидения, проклятия, экзорцизм, кровавые обряды и трансформации перемешаны, как ингредиенты в котле, — и с каждой минутой напряжение только нарастает.

Сираяси не изобретает ничего принципиально нового — он пугает старыми приёмами, но делает это так, как будто каждый раз впервые. То, что у других режиссёров давно превратилось в пародию на жанр, в его руках остаётся пугающим и убедительным.

Админ канала Диванный критик в любом чате

#хардкорныйпиар

“Sorry, Baby”, 2025

Во-первых, я не понимаю, откуда у этой картины такие высокие оценки. Во-вторых, в поиске ответа на вышесказанное и прочитав десятки рецензий, не нашёл более точного описания, чем: “Перестаньте загрязнять искусство вашим мастурбаторским мусором”.

Ева Виктор в своём режиссёрском дебюте рассказывает историю Агнес, переживающей последствия травмы и пытающейся найти опору, чтобы жить дальше. Однако само событие, запустившее конфликт, не становится центральным в картине — акцент смещён на атмосферу, жесты, взгляды, детали. Проблема в том, что эти детали чаще работают как декоративные символы, чем как драматургические элементы.

Для Виктор это дебют в режиссуре: ранее она была актрисой, ютубером и стендап-комиком. Это прошлое явно ощущается в фильме. “Прости, детка” легко мог бы стать блестящим стендап-моноспектаклем — с присущей жанру самоиронией и язвительными комментариями о травмирующем опыте. Но на экране это превратилось в кинопроизведение, в котором юмор выполняет терапевтическую функцию, но не всегда работает в драматургии. Там, где в реальной жизни сарказм помогает пережить боль, здесь он выглядит как калька с популярных психологических монологов на YouTube.

С самого начала нас подталкивают к определённому настроению. Подруга Агнес наугад берёт в руки “Лолиту” Набокова и морщится, прочитав пару строк. Это вырванное из контекста отвращение, как и многие другие мизансцены, работает лишь на создание заданной эмоциональной окраски, но не на развитие сюжета. Взгляды, интонации, случайные детали — словно гипнотический маятник — они настраивают зрителя на определённое восприятие, но редко дают ему повод почувствовать это самостоятельно.

Ева Виктор словно находит в себе смелость закричать, но боится сорвать голос. Она не называет вещи своими именами, избегает острых формулировок, старается никого не задеть. В результате конфликт оказывается сглаженным, а заявленный потенциал — потрачен впустую. Показателен пример со статичным планом дома: день сменяется вечером, вечер — ночью, Агнес выходит наружу. Все становится понятно, но затем сцена объясняется ещё и словами героини, полностью разрушая атмосферу.

Отдельный вопрос — образ Агнес. Её называют умной, горячей штучкой, самым молодым профессором в университете, но эти качества почти не проявляются в действии. Диалоги звучат постановочно, а живые актёрские интонации не всегда создают ощущение подлинности. Это не честный разговор, а тщательно выстроенный монолог. Люди так не говорят, люди так себя не ведут.

Как я уже писал под в тексте по “Материалисткам”, мы, увы, живем в реалиях, где легко задеть чьи-то чувства, где страдания это не результат боли, а последствия моды и на фоне этого происходит эститизация пустоты. И здесь вместо глубокого исследования травмы, Ева Виктор превращает её в тот самый эстетизированный продукт — своеобразный филлер, способный растрогать либо людей с похожим опытом, либо зрителей, воспитанных популярной психологией. Но боль в искусстве — это “Кит” Аранофски, “Любовь” Ханеке, “Таинственная кожа” Араки или даже “Одержимая” Жулавского. “Прости, детка” — не про боль, а про желание её экранизировать. И грустно, что за этой экранизацией почти не видно таланта. Когда боль пройдёт, останется ли что-то сказать?

Фильм заявляет о себе, о проблематике внутри, на бумаге тихая история выглядит громким возгласом. Но на экране это набор монотонных фраз, зачитанных с заявления, которое можно либо принять, либо отвергнуть. И если это всего лишь заявление или монолог, то будет честно завершить рецензию словами самой Агнес:

Такие книги тоже нужны, чтобы отличить плохие от хороших.

“Ils”, 2006

До того как снять относительно успешный, более приближённый к французской экстремальной волне “Mads”, режиссёр в далёком 2006 году уже частично заходил на эту территорию с фильмом “Ils”.

Проект, в основе которого лежит реальная история, показывает случай из жизни семейной пары, в спокойный быт которой в один из дней врывается нечто опасное, приносящее хаос, разрушение и смерть.

Фильм начинается с условного пролога, где мать и дочь попадают в аварию на ночной лесной трассе. Ещё до столкновения со столбом в их диалоге прослеживаются недоверие и разногласия. Их отношения явно находятся в напряжении. Результатом аварии становится похищение сначала матери, вышедшей на улицу, чтобы попробовать починить машину, а затем и дочери, оставшейся внутри.

После пролога нас знакомят с основными действующими лицами. Клементина преподаёт в университете, и, после очередного учебного дня, она возвращается в загородный дом. По дороге мы видим последствия пролога: машину, попавшую в аварию, уже эвакуируют спецслужбы. Рядом нет ни дочери, ни матери. Дома её встречает Люк, ее муж — писатель, работающий над новой книгой.

Теперь на экране снова пара, но их отношения, напротив, напоминают идиллию: взаимопонимание и поддержка. Контраст между парой из пролога и этой парой играет важную роль в раскрытии основной идеи фильма, показывая, насколько разрушительной может быть угроза, настигающая обе семьи. Представленные как антонимы друг другу — разрозненные первые и сплочённые вторые — они служат примером того, что злу не важно, в чьи двери стучаться.

Вскоре зло войдёт без стука и в жизнь второй пары. Их застанут врасплох в собственном доме, и начнётся своеобразная игра в прятки, где найденный будет обречён. Вспоминая пролог, мы помним, что жертвы были разлучены и устранены поодиночке. Мать исчезла, когда камера фиксировала вид из салона машины на открытый капот, а дочь не заметила чужого присутствия уже в салоне и стала жертвой сгущённой темноты на заднем сиденье. Пара в загородном доме также то разлучается, то воссоединяется. Но именно в одиночку они получают травмы, мешающие на пути к свободе.

Разобщённые и разлучённые, они становятся более уязвимыми перед лицом страха и зла: Люк получает ранение, а Клементина оказывается запертой в комнате без выхода. Ключевым эпизодом, подчёркивающим эту задумку, является сцена ближе к финалу, где герои пытаются сбежать от преследователей. На лестнице им помогает незнакомец, ведущий к выходу. Клементина поднимается первой, за ней — незнакомец, а в конце — Люк. Клементина уже наверху, ожидает мужа, но незнакомец оказывается одним из преследователей и сбрасывает Люка вниз. Так проблема, вставшая между ними и разорвавшая их связь, становится источником трагического финала. Но каждый раз, когда они объединяются или стремятся к этому, их сила приближает их к выходу.

Так же ближе к финалу нам раскрывают и фигуры преследующей угрозы — беспризорные дети, которые то ли живут в катакомбах в лесу постоянно, то ли приходят время от времени из прилегающих городков. Их число до конца остаётся неизвестным, а обезличенность только усиливает тревогу. Образ ребёнка традиционно ассоциируется с наивностью и играми, но здесь он становится лицом зла.

Проблемы, вторгающиеся в быт людей, могут казаться столь же несерьёзными — до тех пор, пока не начинают разрушать привычный уклад. Для хаоса не важно, идёт ли речь о супружеских или родительских отношениях — крепких или шатких. Фильм дважды чётко даёт понять: перед лицом угрозы важно оставаться вместе, ведь поодиночке она поглощает и превращает всё в пустоту. Ils — это не просто история вторжения. Это фильм о том, что любая трещина между людьми становится дверью для зла.

“Догги”, 2025

Иногда в кино ощущаешь неуёмное желание автора сказать всё и про всё. В “Догги” этот порыв сталкивается с суровой необходимостью хоть что-то показать на экране. Не снимавший уже много лет Росс то ли переживает творческий кризис, то ли сознательно превращает своё кино в калейдоскоп забавных, но пустых образов.

Начало обещает многое. Долгая, почти вязкая экспозиция знакомит нас с героем Александра Устюгова, потерявшим собаку. Его дни похожи друг на друга, как кадры из старого фильма — скитания по Санкт-Петербургу, расклейка объявлений, звонки друзей, звучащие глухо, словно из другой реальности. Всё это можно было бы принять за намеренный медитативный ритм, подготавливающий к внутреннему перелому героя.

На первый взгляд, подобное вступление могло бы стать оправданным приёмом — зачином для сложного и глубокого высказывания. Потенциал особенно чувствуется в момент появления героини Марии Мацель — своеобразной замены для утраченного пса. Но этот намёк на эмоциональную трансформацию почему-то так и не получает логического развития. Он возникает лишь как смутное воспоминание ближе к финалу, а вместо этого на час с лишнем подсовывает заплатку из вторичного сюжета.

В некоторых картинах можно было бы простить второстепенные ходы ради общей идеи — проживания утраты, поиска смысла там, где, кажется, смысла уже нет. Но “Догги” неожиданно сворачивает с этой тропы, становясь всё более бесформенным — словно теряет ориентиры вместе со своим героем.

Второстепенные персонажи занимают львиную долю экранного времени, но служат лишь продвижению второстепенных, порой ненужных сюжетных веток. Жанр внезапно меняется на криминальную драму, а некоторые сцены напоминают случайно пойманный на НТВ эпизод, такой же стилистически чужеродный. Философские размышления, не получившие достойного визуального воплощения, вынесены в отдельную линию с хипповатым мечтателем, рассуждающим о дзене и путешествиях.

Чем дальше, тем сильнее ощущение, что смотришь не цельный авторский проект, а монтажную подборку чужих идей. Даже переход в формат роуд-муви выглядит как повторение уже устоявшегося приёма russian escape — бегства из города в глушь вместо решения проблем. Год назад мы видели это в “Кончится лето”, ранее — в “Межсезонье”. Здесь герои отправляются из Петербурга в карельские окраины, и вновь дорога становится не дорогой развития, а дорогой бегства.

И вот, когда в финале должен бы прозвучать катарсис, остаётся лишь лёгкое раздражение: задумка была, потенциал чувствовался, но всё растаяло в попытке объять необъятное. “Догги” хочет быть и медитативной драмой, и социальной притчей, и приключением, но в итоге остаётся набором начатых, но не законченных разговоров.

#ОкновЕвропу2025

А вот и подъехал обещанный топ 100 лучших фильмов XXI века на основе опроса 120 (!!!) каналов о кино.

Из моего личного топа сюда пробрались целых 13 фильмов, а вот хорроров оказалось всего лишь 5 штук.

А на каком месте расположился ваш фаворит?

#КиноВек21

“Делириум”, 2025

Дебютный фильм Вячеслава Березовского сумел сделать то, что не под силу многим другим режиссёрам: выгнать из зала десяток зрителей и при этом заставить оставшихся долго переваривать увиденное. Это тот случай, когда шок и недоумение соседствуют с искренним интересом.

История вращается вокруг Агнессы (Анжелика Неволина) — театрального хореографа, жизнь которой трещит по швам. Психологический излом превращает её и без того мрачную рутину в трагическую симфонию безумия, где каждая нота звучит болезненно лично.

С первых кадров “Делириум” напоминает камерную театральную постановку. Действие разворачивается почти исключительно в пределах одной квартиры: герои переходят из комнаты в комнату, истерят, произносят заученные реплики. Но чем глубже мы погружаемся в историю, тем более сюрреалистичным и артхаусным становится повествование. Образы обретают метафорическую плоть, а визуальный язык всё сильнее отсылает к Ларсу фон Триеру (я не фанат режиссера, поэтому за замеченные параллели спасибо не мне). При этом сюжетная линия постепенно растворяется, оставляя зрителя в том же растерянном состоянии, в каком пребывает и сама героиня.

Свежесть фильма — в его неоднозначности и смелости. При всей его сюрреалистичности он способен задержать внимание зрителя, в откровенные сцены вызывают смешанные эмоции, которые формируют представление о всем фильме. Эта компиляция сцен, где личная драма Агнессы сплетается с медленным погружением в пучину безумия вызывает множество вопросов во время просмотра. Но логическая ясность здесь не самоцель: напротив, “Делириум” будто намеренно остаётся загадкой, вынуждая зрителя искать собственные ключи к смыслу.

Режиссёр поднимает сразу несколько болезненных тем: сложные отношения матери и сына, травмирующие связи между поколениями женщин, утрату веры в мужчин после сцены насилия, ощущение внутренней пустоты под гул критики и унижения. Всё это постепенно нарастает и в финале выливается в акт первозданного, почти ритуального искусства, наполненного эмоциональным катарсисом. Здесь явно чувствуется личный опыт автора — и именно он, парадоксальным образом, становится как главным достоинством картины, так и её обременяющим грузом.

Монтаж временами разрывает повествование, а ощущение, что фильм был заметно урезан, мешает зрителю полностью погрузиться в историю. В итоге перед нами скорее фильм-галерея визуальных образов, чем связное повествование. Эти образы — как ребусы, которые не каждый зритель захочет и сможет разгадать. Подготовленный к экспериментальному кино зритель найдёт здесь богатое поле для интерпретаций, но для неподготовленного — всё рискует остаться личной загадкой режиссёра.

#ОкновЕвропу2025