🎛️ "Динамический эквалайзер и зачем он нужен"
Компрессорами мы все активно пользуемся, а вот про динамические эквалайзеры мало кто знает. Так что приоткрываем завесу тайны.
Как несложно догадаться, это тип эквалайзеров, который изменяет нужную частоту не постоянно, а при изменении некоторого порога. Можно решить, что такой эквалайзер не нужен, раз есть multiband компрессия, но для людей, которые любят тонкую настройку звука это вещь незаменимая.
В отличие от компрессора, который довольно грубо работает с частотой и ее динамическим диапазоном, эквалайзер уменьшает (или увеличивает) только условную громкость этой частоты.
Как это применимо? Ну, во-первых, динамический эквалайзер хорош при подрезании сибилянтов у голоса. "С,Ч,Ш,Ц" становятся не такими ядреными и при этом яркость остального вокала не страдает.
Так же, в прочем, можно убирать и бубнящие звуки.
Ещё есть хитрый прием, когда подчеркивается нужная частота (т.е. эквалайзер работает на увеличение, а не на вычитание) в определенные важные для динамики песни моменты. Например удар по crash'у в начале припева, чтобы дать ему ещё больше мощи (тогда как в других местах crash делается мягче).
Так мы плавно подошли к программированию и автоматизации, о чем я напишу в следующий раз.
А пока удачи тебе, музыкант, учись вниманию к деталям ✌️
#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Компрессорами мы все активно пользуемся, а вот про динамические эквалайзеры мало кто знает. Так что приоткрываем завесу тайны.
Как несложно догадаться, это тип эквалайзеров, который изменяет нужную частоту не постоянно, а при изменении некоторого порога. Можно решить, что такой эквалайзер не нужен, раз есть multiband компрессия, но для людей, которые любят тонкую настройку звука это вещь незаменимая.
В отличие от компрессора, который довольно грубо работает с частотой и ее динамическим диапазоном, эквалайзер уменьшает (или увеличивает) только условную громкость этой частоты.
Как это применимо? Ну, во-первых, динамический эквалайзер хорош при подрезании сибилянтов у голоса. "С,Ч,Ш,Ц" становятся не такими ядреными и при этом яркость остального вокала не страдает.
Так же, в прочем, можно убирать и бубнящие звуки.
Ещё есть хитрый прием, когда подчеркивается нужная частота (т.е. эквалайзер работает на увеличение, а не на вычитание) в определенные важные для динамики песни моменты. Например удар по crash'у в начале припева, чтобы дать ему ещё больше мощи (тогда как в других местах crash делается мягче).
Так мы плавно подошли к программированию и автоматизации, о чем я напишу в следующий раз.
А пока удачи тебе, музыкант, учись вниманию к деталям ✌️
#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Я не мог не поделиться такой новостью. Теперь если у вас будут проблемы с придумыванием мелодии — ее всегда можно взять из архива
https://meduza.io/feature/2020/02/26/my-sozdali-vsyu-vozmozhnuyu-muzyku
https://meduza.io/feature/2020/02/26/my-sozdali-vsyu-vozmozhnuyu-muzyku
Meduza
«Мы создали всю возможную музыку»
Музыканты и программисты Дэмиен Рил и Ной Рубин сгенерировали все возможные мелодии в пределах одной октавы и выложили их в общий доступ, отказавшись от авторских прав — таким образом они хотят прекратить практику судебных тяжб о плагиате, которые ограничивают…
❤1
📊 "Уровни аранжировки"
Каждый раз, когда я работаю, мне хочется максимально упростить процесс. И здесь в дело вступают паттерны. Заготовки проектов, звуков, инструментов и партий. Но что если копнуть глубже и разложить на удобные составляющие сами базовые принципы? Ну это вроде "в литературе и кино всего 7 сюжетов, а остальное — вариации на тему". Вот так же я отношусь к уровням музыкальной ткани.
Если попытаться структурировать все, что мы имеем на руках, то этих уровней получится не так уж много. Я насчитал себе пять, но вы в комментариях можете меня поправить, если придумаете более удобную классификацию или с чем-то не согласны.
1) Первый и самый заметный — основная мелодия. То, что занимает все наше внимание при первом же прослушивании. И "мелодия" — это очень условное название. Это может быть барабанный бит, бит в сочетании с басом, гитарный или синтезаторный рифф. Ну и вокал, разумеется, куда без него.
2) Дальше идет основное тело песни. Барабаны-бас-гитара-пиано. Короче все то, что можно легко услышать, если отвлечься от мелодии. Все партии четко разбираются и снимаются, если немного покорпеть. А вот дальше интереснее.
3) Подклад, он же "Pad". Все то, что даже после десятка прослушиваний не сразу услышишь. Потому что обычно этот уровень делают легким и тихим, почти незаметным. Им создают атмосферу и заполняют дыры, а не швыряют вам в лицо. Струнные, синтезаторы, мелодическая и "не" перкуссия. Достаточно постоянные в пространстве звуки.
4) Акценты. Вот здесь вообще раздолье, так как акцент может быть использован вообще раз за песню. Например удар в гонг или колокольчик. Зато самих "инструментов" может быть сколь угодно много и их громкость может варьироваться от весьма заметных, до "легонько чешущих ухо где-то справа".
5) Шумы, куда без них. Совершенно саунд-дизайнерская история, но в музыке тоже куда как применима. Для меня это нечто среднее между пэдами и акцентами, потому что шум может как длиться в пространстве, так и выделять важный момент песни. И он сто процентов не музыкален, даже не обязательно ритмичен. Стук по клавишам, телефонный разговор, шум ветра или дождь — все это нужно использовать очень дозировано, добавляя песне "перчинку".
Ну вроде бы все рассказал, что хотел. Про автоматизацию и программирование помню, просто вдруг родилась тема, куда более интересная мне сейчас. Надеюсь и всем вам тоже.
Удачи вам, музыканты. Помните, садясь за аранжировку: ночь длинна, а у трека только три минуты✌️
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Каждый раз, когда я работаю, мне хочется максимально упростить процесс. И здесь в дело вступают паттерны. Заготовки проектов, звуков, инструментов и партий. Но что если копнуть глубже и разложить на удобные составляющие сами базовые принципы? Ну это вроде "в литературе и кино всего 7 сюжетов, а остальное — вариации на тему". Вот так же я отношусь к уровням музыкальной ткани.
Если попытаться структурировать все, что мы имеем на руках, то этих уровней получится не так уж много. Я насчитал себе пять, но вы в комментариях можете меня поправить, если придумаете более удобную классификацию или с чем-то не согласны.
1) Первый и самый заметный — основная мелодия. То, что занимает все наше внимание при первом же прослушивании. И "мелодия" — это очень условное название. Это может быть барабанный бит, бит в сочетании с басом, гитарный или синтезаторный рифф. Ну и вокал, разумеется, куда без него.
2) Дальше идет основное тело песни. Барабаны-бас-гитара-пиано. Короче все то, что можно легко услышать, если отвлечься от мелодии. Все партии четко разбираются и снимаются, если немного покорпеть. А вот дальше интереснее.
3) Подклад, он же "Pad". Все то, что даже после десятка прослушиваний не сразу услышишь. Потому что обычно этот уровень делают легким и тихим, почти незаметным. Им создают атмосферу и заполняют дыры, а не швыряют вам в лицо. Струнные, синтезаторы, мелодическая и "не" перкуссия. Достаточно постоянные в пространстве звуки.
4) Акценты. Вот здесь вообще раздолье, так как акцент может быть использован вообще раз за песню. Например удар в гонг или колокольчик. Зато самих "инструментов" может быть сколь угодно много и их громкость может варьироваться от весьма заметных, до "легонько чешущих ухо где-то справа".
5) Шумы, куда без них. Совершенно саунд-дизайнерская история, но в музыке тоже куда как применима. Для меня это нечто среднее между пэдами и акцентами, потому что шум может как длиться в пространстве, так и выделять важный момент песни. И он сто процентов не музыкален, даже не обязательно ритмичен. Стук по клавишам, телефонный разговор, шум ветра или дождь — все это нужно использовать очень дозировано, добавляя песне "перчинку".
Ну вроде бы все рассказал, что хотел. Про автоматизацию и программирование помню, просто вдруг родилась тема, куда более интересная мне сейчас. Надеюсь и всем вам тоже.
Удачи вам, музыканты. Помните, садясь за аранжировку: ночь длинна, а у трека только три минуты✌️
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
💻 "Автоматизация процессов при постпродакшне"
Рано или поздно каждый аранжировщик и звукарь понимает, что надо учиться автоматизации, которая люто облегчает многие задачи.
Для начала разберемся, что это за зверь. Автоматизация, как видно из названия, это - программирование процессов для изменения их в реальном времени. А теперь проще: ты можешь включать и отключать эффекты, изменять их уровень и даже каждый отдельный параметр. И все - в реалтайме, жёстко следуя таймингу трека.
Обычно включение автоматизации выглядит, как вот такой значок ... / ¯ (вы не представляете, как я намучился это здесь рисовать) , но это не точно. Сразу после включения под треками прявляются дополнительные дорожки (а для громкости вообще поверх основной). И вот там, с помощью инструмента "карандаш" можно рисовать изменения параметров.
Пример можно увидеть на картинке к посту.
Как я уже писал, изменению поддается практически любой параметр, что вы имеете на руках. Будь то изменение частоты в эквалайзере или уровня реверберации - все можно сделать плавно или резко обрубить на нужном моменте песни.
Я понимаю, что мое описание выглядит довольно страшно и кажется, что это невозможно освоить с налета. Но я рекомендую просто попробовать. Взять одну дорожку, повесить на нее, например, эквалайзер и просто поиграться с автоматизацией его параметров. Одного раза будет более чем достаточно, чтобы понять принцип.
Тут точно понадобиться удача, которую я традиционно и пожелаю. Развлекайся, музыкант ✌️
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Рано или поздно каждый аранжировщик и звукарь понимает, что надо учиться автоматизации, которая люто облегчает многие задачи.
Для начала разберемся, что это за зверь. Автоматизация, как видно из названия, это - программирование процессов для изменения их в реальном времени. А теперь проще: ты можешь включать и отключать эффекты, изменять их уровень и даже каждый отдельный параметр. И все - в реалтайме, жёстко следуя таймингу трека.
Обычно включение автоматизации выглядит, как вот такой значок ... / ¯ (вы не представляете, как я намучился это здесь рисовать) , но это не точно. Сразу после включения под треками прявляются дополнительные дорожки (а для громкости вообще поверх основной). И вот там, с помощью инструмента "карандаш" можно рисовать изменения параметров.
Пример можно увидеть на картинке к посту.
Как я уже писал, изменению поддается практически любой параметр, что вы имеете на руках. Будь то изменение частоты в эквалайзере или уровня реверберации - все можно сделать плавно или резко обрубить на нужном моменте песни.
Я понимаю, что мое описание выглядит довольно страшно и кажется, что это невозможно освоить с налета. Но я рекомендую просто попробовать. Взять одну дорожку, повесить на нее, например, эквалайзер и просто поиграться с автоматизацией его параметров. Одного раза будет более чем достаточно, чтобы понять принцип.
Тут точно понадобиться удача, которую я традиционно и пожелаю. Развлекайся, музыкант ✌️
#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Пока мир катится в экономическую жопу я предлагаю вам оглянуться в прошлое и посмотреть, как изменялась музыка и принципы звукозаписи от зарождения и до наших дней.
Подкаст "Слышь!" за номером 2 уже в пути к вам, мои дорогие любители хорошего звука.
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Подкаст "Слышь!" за номером 2 уже в пути к вам, мои дорогие любители хорошего звука.
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Audio
Второй выпуск подкаста "Слышь!", в котором я расскажу об истории развития звукозаписи и о том, почему это не убило музыкальную индустрию.
🕰 4 эпохи развития индустрии
🎼 До начала эпохи
🎙 Фонограф и микрофон
🎞 Магнитная лента
💿 Цифровая запись
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🕰 4 эпохи развития индустрии
🎼 До начала эпохи
🎙 Фонограф и микрофон
🎞 Магнитная лента
💿 Цифровая запись
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
📶 Конволюционные и не очень ревербераторы
Реверберация — достаточно тонкий и для большинства слушателей незаметный процесс, но если ее убрать, то все сразу станет очевидно.
Сегодня я расскажу, за что я люблю те или иные плагины и про их радикальные различия. Для справки — можно пользоваться хоть встроенными в DAW эффектами, к счастью для большинства задач они достаточно хороши уже давно.
Конечно же плагины серии Lexicon, эмулирующие лексиконовские железки. По понятным причинам (💵) я пользовался только эмулятором и сравнивать мне не с чем, но эти плагины уже давно стали моим основным инструментом в работе, потому что достаточно гибки в управлении и содержат все, что мне нужно для музыкального продакшна.
Сюда же можно включить FabFilter Pro R, как такой же легкий и удобный ревербератор. Эти плагины подходят, если не нужно сильно заморачиватся со звуком комнаты, потому что и Lexicon и FabFilter звучат достаточно "абстрактно" (нет конкретных звуков конкретных комнат)
И вот здесь уже появляются конволюционные ревербераторы, такие как Altiverb или Waves IR-L. По принципу работы все просто — есть файлы с импульсами комнат. Грубо говоря — на микрофон записывается звук отклика комнаты, чтобы передать все нюансы помещения.
Вроде бы описание не оставляет шансов обычной цифровой реверберации, но вот в чем штука — далеко не всегда нужен звук натуральной комнаты, плюс сами характеристики "отражений" сильно разнятся. Поэтому я советую иметь под рукой оба вида реверов и пускать их в ход в зависимости от задачи.
При музыкальном продакшне я использую Lexicon, как простой и понятный ревер. Отлично подходит для электрогитары (если нужна эмуляция пружинного). Да и для вокала тоже часто беру именно его.
Для саунд дизайна, конечно, более подходит конволюция (и не обязательно Altiverb. Он достаточно дорогой и покупать его ради учебы не стоит. Проще скачать бесплатный, благо их тоже есть). Когда нужна эмуляция конкретного пространства (который ты видишь визуально в фильме/клипе), то обычный цифровой ревер не даст такой же точности, как импульс.
Плюс на вокале импульс звучит чуть мягче.
Но, конечно, как всегда все зависит не от инструментов, а от умения ими владеть. Так что я просто рекомендую взять запись чистого инструмента, попробовать разные виды ревербераций, а потом проверить эти же реверберации в миксе. Ну и выбрать несколько любимых, чтобы они были под рукой в любой нужный момент.
Так что желаю вам чистого звука и четкой середины в миксе✌️
#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Реверберация — достаточно тонкий и для большинства слушателей незаметный процесс, но если ее убрать, то все сразу станет очевидно.
Сегодня я расскажу, за что я люблю те или иные плагины и про их радикальные различия. Для справки — можно пользоваться хоть встроенными в DAW эффектами, к счастью для большинства задач они достаточно хороши уже давно.
Конечно же плагины серии Lexicon, эмулирующие лексиконовские железки. По понятным причинам (💵) я пользовался только эмулятором и сравнивать мне не с чем, но эти плагины уже давно стали моим основным инструментом в работе, потому что достаточно гибки в управлении и содержат все, что мне нужно для музыкального продакшна.
Сюда же можно включить FabFilter Pro R, как такой же легкий и удобный ревербератор. Эти плагины подходят, если не нужно сильно заморачиватся со звуком комнаты, потому что и Lexicon и FabFilter звучат достаточно "абстрактно" (нет конкретных звуков конкретных комнат)
И вот здесь уже появляются конволюционные ревербераторы, такие как Altiverb или Waves IR-L. По принципу работы все просто — есть файлы с импульсами комнат. Грубо говоря — на микрофон записывается звук отклика комнаты, чтобы передать все нюансы помещения.
Вроде бы описание не оставляет шансов обычной цифровой реверберации, но вот в чем штука — далеко не всегда нужен звук натуральной комнаты, плюс сами характеристики "отражений" сильно разнятся. Поэтому я советую иметь под рукой оба вида реверов и пускать их в ход в зависимости от задачи.
При музыкальном продакшне я использую Lexicon, как простой и понятный ревер. Отлично подходит для электрогитары (если нужна эмуляция пружинного). Да и для вокала тоже часто беру именно его.
Для саунд дизайна, конечно, более подходит конволюция (и не обязательно Altiverb. Он достаточно дорогой и покупать его ради учебы не стоит. Проще скачать бесплатный, благо их тоже есть). Когда нужна эмуляция конкретного пространства (который ты видишь визуально в фильме/клипе), то обычный цифровой ревер не даст такой же точности, как импульс.
Плюс на вокале импульс звучит чуть мягче.
Но, конечно, как всегда все зависит не от инструментов, а от умения ими владеть. Так что я просто рекомендую взять запись чистого инструмента, попробовать разные виды ревербераций, а потом проверить эти же реверберации в миксе. Ну и выбрать несколько любимых, чтобы они были под рукой в любой нужный момент.
Так что желаю вам чистого звука и четкой середины в миксе✌️
#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🥁 Как создать реалистичную барабанную партию в цифровом секвенсоре.
Наверное я слишком мало лазил в интернете, но конкретных советов найти не смог. А тема-то сочная, ведь мало у кого есть возможность круто писать живые барабаны в дорогой студии (да, помещение чуть ли не важнее микрофонов). Так что впереди ждут наработки моего более чем десятилетнего опыта в этом.
Скажу сразу — чтобы понять качество звука, насколько оно реалистично или "сочно", сначала нужно услышать звук реальной установки и (в идеале) поиграть на ней. И вообще — возьмите десять уроков игры на барабанах. Это повернет всю вашу музыку в совершенно другое русло.
Дальше идет выбор семплера. Советовать что-то — дело неблагодарное, потому что всегда найдутся люди, любящие совершенно другой звук, но для себя я выбрал EZDrummer и BFD. У первого плагина есть еще старший брат — Superior Drummer, но его первая версия мне не зашла, а новую я еще не пробовал. Для меня это плагин быстрых и надежных решений с минимальной возможностью вмешаться.
То ли дело BFD (особенно третья). Собираешь установку сам, микрофоны по комнате расставляешь, взаимопроникновения звуков одного барабана в микрофон другого выставить можно. Не говоря уже о количестве семплов и видов удара по каждому барабану, чтобы все было максимально реалистично. Для меня это — универсальная и очень удобная, хоть и немного громоздкая платформа для записи всего. От перкуссии до электронных битов.
Дальше уровни громкости. Самым мощным и громким должен быть звук снейра, а остальная установка выстраивается вокруг него. Тут уже все зависит от жанра и предпочтений. Больше бочки, меньше хета, тарелки сделать едва различимыми — вариантов масса и постоянно появляются новые.
Очень важно правильно выстроить силу удара, она же "Velocity". Несмотря на функцию "Humanize" я все равно стараюсь выстраивать силу вручную. Потому что разницу между слабой и сильной долей "хьюманайз" тебе не сделает, как ни крути (когда мы говорим о партиях, которые вы сами протыкали, а не о заранее записанных "лупах" или секвенциях). Плюс даже небольшая разница в силе удара по снейру и томам сделает пробежки более живыми из-за ощутимого изменения тембра. К танцевальной музыке это тоже имеет отношение, не расслабляйтесь.
Ну и комната. В любом нормальном секвенсоре есть канал "OH" (OverHead) для съема звука тарелок и установки в целом. А в любом отличном секвенсоре есть канал "Room" и "Ambience", которые дают звук уже отражений комнаты и дополнительных призвуков. И регулируя их громкость относительно основных каналов можно получать "dry/wet" звучание в той степени, которую требует трек.
Конечно это довольно поверхностный взгляд, но он поможет вам начать смотреть на барабаны не просто как на "тупо бит", а как на сложную и кропотливую часть музыки, от которой зависит добрая половина итогового микса.
И это была первая часть в мини серии о том, как правильно прописывать цифровые инструменты. В следующий раз я напишу про бас. Так что музыканты не чихайте, а то всех клиентов распугаете✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Наверное я слишком мало лазил в интернете, но конкретных советов найти не смог. А тема-то сочная, ведь мало у кого есть возможность круто писать живые барабаны в дорогой студии (да, помещение чуть ли не важнее микрофонов). Так что впереди ждут наработки моего более чем десятилетнего опыта в этом.
Скажу сразу — чтобы понять качество звука, насколько оно реалистично или "сочно", сначала нужно услышать звук реальной установки и (в идеале) поиграть на ней. И вообще — возьмите десять уроков игры на барабанах. Это повернет всю вашу музыку в совершенно другое русло.
Дальше идет выбор семплера. Советовать что-то — дело неблагодарное, потому что всегда найдутся люди, любящие совершенно другой звук, но для себя я выбрал EZDrummer и BFD. У первого плагина есть еще старший брат — Superior Drummer, но его первая версия мне не зашла, а новую я еще не пробовал. Для меня это плагин быстрых и надежных решений с минимальной возможностью вмешаться.
То ли дело BFD (особенно третья). Собираешь установку сам, микрофоны по комнате расставляешь, взаимопроникновения звуков одного барабана в микрофон другого выставить можно. Не говоря уже о количестве семплов и видов удара по каждому барабану, чтобы все было максимально реалистично. Для меня это — универсальная и очень удобная, хоть и немного громоздкая платформа для записи всего. От перкуссии до электронных битов.
Дальше уровни громкости. Самым мощным и громким должен быть звук снейра, а остальная установка выстраивается вокруг него. Тут уже все зависит от жанра и предпочтений. Больше бочки, меньше хета, тарелки сделать едва различимыми — вариантов масса и постоянно появляются новые.
Очень важно правильно выстроить силу удара, она же "Velocity". Несмотря на функцию "Humanize" я все равно стараюсь выстраивать силу вручную. Потому что разницу между слабой и сильной долей "хьюманайз" тебе не сделает, как ни крути (когда мы говорим о партиях, которые вы сами протыкали, а не о заранее записанных "лупах" или секвенциях). Плюс даже небольшая разница в силе удара по снейру и томам сделает пробежки более живыми из-за ощутимого изменения тембра. К танцевальной музыке это тоже имеет отношение, не расслабляйтесь.
Ну и комната. В любом нормальном секвенсоре есть канал "OH" (OverHead) для съема звука тарелок и установки в целом. А в любом отличном секвенсоре есть канал "Room" и "Ambience", которые дают звук уже отражений комнаты и дополнительных призвуков. И регулируя их громкость относительно основных каналов можно получать "dry/wet" звучание в той степени, которую требует трек.
Конечно это довольно поверхностный взгляд, но он поможет вам начать смотреть на барабаны не просто как на "тупо бит", а как на сложную и кропотливую часть музыки, от которой зависит добрая половина итогового микса.
И это была первая часть в мини серии о том, как правильно прописывать цифровые инструменты. В следующий раз я напишу про бас. Так что музыканты не чихайте, а то всех клиентов распугаете✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎸 Как программировать бас
Как бы вы не относились к карантину, но это прекрасное время для практики. Вот почему сегодня мы попрактикуемся в создании сочного звука баса.
Как и всегда, любому композитору и аранжировщику, я советую взять уроки игры и понять принцип звукоизвлечения на бас гитаре. Фортепиано, кстати, тоже отлично подойдет. Потому что структура баса достаточно похожа на любом инструменте и если ее понять, то можно хоть джаз, хоть техно и дабстеп прописывать.
Теперь по плагинам. «Пацанам на Винде» я советую скачать «Broomstick Bass». Легкий в освоении (и по весу), но потрясный плагин с кучей достойных звуков. Ну и все юзайте «Trillian» — ничего лучше я пока не видел.
И здесь наступает распутье. Если нужен живой инструмент, то к нему и претензии соответствующие. Прописывается не только «Velocity» и длина ноты, но и специфические звуки: слайд, слэп, поп. А для большей реалистичности: Шорох слайда, случайные удары по корпусу и (как у контрабаса, например) просто ритмические удары по струнам без ноты как таковой.
У синтезатора таких приколов нет, зато намного важнее становится «Лееринг» — несколько синтезаторов, играющих одну партию нота в ноту. Можно с разницей в октаву или две. Поработать с громкостями, дав одному или паре синтов лидерство, где-то даже поиграть с панорамой. И вот у тебя уже свой собственный звук, который четко передает нюансы из твоей головы. (Кстати хороший совет для структуры — ультранизкий «punchy» бас можно добавлять на припеве, чтобы добавить ему мощи, а заодно отделить от куплета).
А чтобы басовый низ контролировать — используй «Multiband» компрессию. И не забудь выбрать разные полосы частот для бочки и для баса, чтобы они не пересекались, создавая кашу и муть по низам (которую, кстати, можно отследить только на хорошей громкости в хороших мониторах).
И слушай лучших. Не только звуки, но и принципы аранжировки бас партий постоянно меняются, но это не значит, что нужно гнаться за трендами. Это значит — узнавать новое и брать то, что актуально лично для тебя. Цель аранжировки — максимально эффективно донести мысль и настроение песни, а не показать твою гениальность и умение «напихать всего, что установлено». Даже одна нота, сыгранная на дешевом синте и длящаяся такт, может звучать интересно и актуально.
Так что расчехляй свою миди клавиатуру и удачи тебе с этим, музыкант✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Как бы вы не относились к карантину, но это прекрасное время для практики. Вот почему сегодня мы попрактикуемся в создании сочного звука баса.
Как и всегда, любому композитору и аранжировщику, я советую взять уроки игры и понять принцип звукоизвлечения на бас гитаре. Фортепиано, кстати, тоже отлично подойдет. Потому что структура баса достаточно похожа на любом инструменте и если ее понять, то можно хоть джаз, хоть техно и дабстеп прописывать.
Теперь по плагинам. «Пацанам на Винде» я советую скачать «Broomstick Bass». Легкий в освоении (и по весу), но потрясный плагин с кучей достойных звуков. Ну и все юзайте «Trillian» — ничего лучше я пока не видел.
И здесь наступает распутье. Если нужен живой инструмент, то к нему и претензии соответствующие. Прописывается не только «Velocity» и длина ноты, но и специфические звуки: слайд, слэп, поп. А для большей реалистичности: Шорох слайда, случайные удары по корпусу и (как у контрабаса, например) просто ритмические удары по струнам без ноты как таковой.
У синтезатора таких приколов нет, зато намного важнее становится «Лееринг» — несколько синтезаторов, играющих одну партию нота в ноту. Можно с разницей в октаву или две. Поработать с громкостями, дав одному или паре синтов лидерство, где-то даже поиграть с панорамой. И вот у тебя уже свой собственный звук, который четко передает нюансы из твоей головы. (Кстати хороший совет для структуры — ультранизкий «punchy» бас можно добавлять на припеве, чтобы добавить ему мощи, а заодно отделить от куплета).
А чтобы басовый низ контролировать — используй «Multiband» компрессию. И не забудь выбрать разные полосы частот для бочки и для баса, чтобы они не пересекались, создавая кашу и муть по низам (которую, кстати, можно отследить только на хорошей громкости в хороших мониторах).
И слушай лучших. Не только звуки, но и принципы аранжировки бас партий постоянно меняются, но это не значит, что нужно гнаться за трендами. Это значит — узнавать новое и брать то, что актуально лично для тебя. Цель аранжировки — максимально эффективно донести мысль и настроение песни, а не показать твою гениальность и умение «напихать всего, что установлено». Даже одна нота, сыгранная на дешевом синте и длящаяся такт, может звучать интересно и актуально.
Так что расчехляй свою миди клавиатуру и удачи тебе с этим, музыкант✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Давно задумывался о своей домашней студии, но не знал с чего начать? Начни с моего подкаста "Слышь!" и его третьего выпуска о структуре домашней студии, проработке дизайн-проекта и организации рабочего пространства.
Со дня на день подкаст будет выложен, так что следи за обновлениями и не болей✌️
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky #ДомашняяСтудия
Со дня на день подкаст будет выложен, так что следи за обновлениями и не болей✌️
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky #ДомашняяСтудия
Audio
Третий выпуск подкаста "Слышь!", в котором я рассказываю, как с умом подойти к созданию домашней студии. От идеи до расстановки оборудования.
🗂 Дизайн проект и бумажная работа
🎧 Акустическая подготовка комнаты
🗜 Расстановка оборудования и коммутации
P.S.
Внутри выпуска я обещал выложить ссылки, но потом здраво рассудил, что не хочу делать рекламу определенным магазинам. Так что просто оставляю названия того, что обещал:
1) Приложение "Google Measure"
2) Книга "Recording Secrets for the Small Studio"
3) Набор софт+микрофон "Sonarworks Reference 4"
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🗂 Дизайн проект и бумажная работа
🎧 Акустическая подготовка комнаты
🗜 Расстановка оборудования и коммутации
P.S.
Внутри выпуска я обещал выложить ссылки, но потом здраво рассудил, что не хочу делать рекламу определенным магазинам. Так что просто оставляю названия того, что обещал:
1) Приложение "Google Measure"
2) Книга "Recording Secrets for the Small Studio"
3) Набор софт+микрофон "Sonarworks Reference 4"
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🌌 Как перестать боятся не реализовать все идеи в одном треке.
Когда у юного аранжировщика появляется мало-мальский опыт и аппаратура для продакшна, то опьяненный свободой он начинает впихивать в свои треки все, что только можно.
12 слоев баса? Легко! Арпеджиаторные синты, которые перетекают один в другой, создавая причудливую звуковую картину и барабаны с таким количеством дополнительных звуков и перкуссии, что вживую это не сыграет и целый оркестр.
Но так ли необходимо вываливать на слушателя все, что лично ты считаешь крутым? Я думаю, что нет. И вот почему:
Для тебя, как для автора, музыка всегда слушается куда проще, потому что ты знаешь каждый ее элемент, она рождалась у тебя на глазах. Постепенно и шаг за шагом.
Слушатель же знакомиться с конечным вариантом сразу, а значит любая перегруженная аранжировка будет звучать утомительно и человек, скорее всего, этот трек переключит.
Плюс, даже если математически все верно и партии ритмически дополняют друг друга, то уже высотный диапазон может быть забит, делая постпродакшн очень сложным, а иногда и невозможным. Плюс, опять же, песне нужен "ритмический воздух".
Динамика хорошего трека достигается чередованием пиков и желобов звука, а значит не стоит вываливать все доступные инструменты на человека. И да, как ты покажешь ещё больший рост динамики, если изначально аранжировка перегружена звуками и новые звуки совсем не дают ей "панча"?
Да, сегодня любой DAW поддерживает бесконечное число дорожек, а количество инструментов ограничено только памятью твоего пк, но я предлагаю думать, как режиссер монтажа — всегда сидеть наготове с ножницами и отрезать все, что можно отрезать.
А все то, что осталось невостребованным, всегда можно запихнуть в новую музыку.
Так что желаю тебе идеального баланса, музыкант, будь скромнее ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Когда у юного аранжировщика появляется мало-мальский опыт и аппаратура для продакшна, то опьяненный свободой он начинает впихивать в свои треки все, что только можно.
12 слоев баса? Легко! Арпеджиаторные синты, которые перетекают один в другой, создавая причудливую звуковую картину и барабаны с таким количеством дополнительных звуков и перкуссии, что вживую это не сыграет и целый оркестр.
Но так ли необходимо вываливать на слушателя все, что лично ты считаешь крутым? Я думаю, что нет. И вот почему:
Для тебя, как для автора, музыка всегда слушается куда проще, потому что ты знаешь каждый ее элемент, она рождалась у тебя на глазах. Постепенно и шаг за шагом.
Слушатель же знакомиться с конечным вариантом сразу, а значит любая перегруженная аранжировка будет звучать утомительно и человек, скорее всего, этот трек переключит.
Плюс, даже если математически все верно и партии ритмически дополняют друг друга, то уже высотный диапазон может быть забит, делая постпродакшн очень сложным, а иногда и невозможным. Плюс, опять же, песне нужен "ритмический воздух".
Динамика хорошего трека достигается чередованием пиков и желобов звука, а значит не стоит вываливать все доступные инструменты на человека. И да, как ты покажешь ещё больший рост динамики, если изначально аранжировка перегружена звуками и новые звуки совсем не дают ей "панча"?
Да, сегодня любой DAW поддерживает бесконечное число дорожек, а количество инструментов ограничено только памятью твоего пк, но я предлагаю думать, как режиссер монтажа — всегда сидеть наготове с ножницами и отрезать все, что можно отрезать.
А все то, что осталось невостребованным, всегда можно запихнуть в новую музыку.
Так что желаю тебе идеального баланса, музыкант, будь скромнее ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎤 Как обрабатывать вокал
На прошлой неделе мой приятель, только начинающий осваивать азы звукорежиссуры, сказал: "Серега, вот у меня все более-менее хорошо с битами, синтами и обработкой этого дела. А вот вокал, хоть записан в шикарной студии на дорогой микрофон, звучит как из ведра. Что не так и как сделать вкусно?" Вот об этом сегодня и поговорим.
Если копнуть в базис, то обработок (по существу) всего 4 вида: частотные, динамические, искажающие и пространственные. А остальное лишь вариации на тему. И вот из грамотного сочетания этих четырех обработок возникает хороший результат (причем независимо от инструмента). Но раз сегодня говорим о вокале, то я расскажу о некоторых особенностях именно для него.
Итак частотка: это разные виды эквалайзеров, разумеется. Чем обычно руководствуюсь я? Вокал — самое главное в песне, а это значит, что его нужно резать как можно меньше. Вот почему на проблемных местах вокала (низ и нижняя середина, к примеру) я ставлю динамический эквалайзер. А если нужно, то и multiband компрессор (который, по сути — промежуточный вариант между эквалайзером и компрессором. Со своими плюсами и минусаим соответственно)
Динамические обработки, они же компрессоры всех мастей. Я, как адепт компрессии нью-йоркской, использую два плагина одновременно. Первый — медленный (со средними значениями attack-release) для мягкости звучания, а второй — жесткий (минимальный atack-release), сидящий во вкладке "Send". Так голос приобретет мощь, а изменения вокалистом расстояния от микрофона до рта во время пения будут нивелированы.
Искажения, что в данном случае равно сатурации. Эмуляторы лампы, ленты, старых и новых микрофонов — это все сюда. А иногда и настоящие искажения, в виде "amp simulator" или "distortion", тоже вполне применимы. Вот их уже не стоит врубать на всю мощь, добавляя процентов 5-10 перегруза.
И пространство, которое я тоже завожу в "Send" канал, выводя громкость этого канала от -10дб и ниже. Стандартный набор — это "Reverb"+"Delay", размытые до нужной кондиции. С пространством вообще надо быть аккуратным, чтобы не получить звук приморского кафе в Геленджике. Но именно грамотная пространственая обработка даст голосу яркость и жизнь, которую мы все слышим на качественно сведенном материале.
Так что я предлагаю взять уже готовый минус, записать черновой голос и попробовать поэкспериментировать с этими четырьмя видами обработок. И практика приведет вас к звуковому дзену.
Так что дерзай, музыкант, все возможно✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
На прошлой неделе мой приятель, только начинающий осваивать азы звукорежиссуры, сказал: "Серега, вот у меня все более-менее хорошо с битами, синтами и обработкой этого дела. А вот вокал, хоть записан в шикарной студии на дорогой микрофон, звучит как из ведра. Что не так и как сделать вкусно?" Вот об этом сегодня и поговорим.
Если копнуть в базис, то обработок (по существу) всего 4 вида: частотные, динамические, искажающие и пространственные. А остальное лишь вариации на тему. И вот из грамотного сочетания этих четырех обработок возникает хороший результат (причем независимо от инструмента). Но раз сегодня говорим о вокале, то я расскажу о некоторых особенностях именно для него.
Итак частотка: это разные виды эквалайзеров, разумеется. Чем обычно руководствуюсь я? Вокал — самое главное в песне, а это значит, что его нужно резать как можно меньше. Вот почему на проблемных местах вокала (низ и нижняя середина, к примеру) я ставлю динамический эквалайзер. А если нужно, то и multiband компрессор (который, по сути — промежуточный вариант между эквалайзером и компрессором. Со своими плюсами и минусаим соответственно)
Динамические обработки, они же компрессоры всех мастей. Я, как адепт компрессии нью-йоркской, использую два плагина одновременно. Первый — медленный (со средними значениями attack-release) для мягкости звучания, а второй — жесткий (минимальный atack-release), сидящий во вкладке "Send". Так голос приобретет мощь, а изменения вокалистом расстояния от микрофона до рта во время пения будут нивелированы.
Искажения, что в данном случае равно сатурации. Эмуляторы лампы, ленты, старых и новых микрофонов — это все сюда. А иногда и настоящие искажения, в виде "amp simulator" или "distortion", тоже вполне применимы. Вот их уже не стоит врубать на всю мощь, добавляя процентов 5-10 перегруза.
И пространство, которое я тоже завожу в "Send" канал, выводя громкость этого канала от -10дб и ниже. Стандартный набор — это "Reverb"+"Delay", размытые до нужной кондиции. С пространством вообще надо быть аккуратным, чтобы не получить звук приморского кафе в Геленджике. Но именно грамотная пространственая обработка даст голосу яркость и жизнь, которую мы все слышим на качественно сведенном материале.
Так что я предлагаю взять уже готовый минус, записать черновой голос и попробовать поэкспериментировать с этими четырьмя видами обработок. И практика приведет вас к звуковому дзену.
Так что дерзай, музыкант, все возможно✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎸 Так ли важно качество гитары?
И это не совсем о финальном звуке, а именно что о деревяшке с шестью струнами и парой звукоснимателей.
Рискну предположить, что вы смотрели фильм "Приготовьтесь, будет громко" о трех гитаристах (Джимми Пейдж, Джек Уайт и Эдж), рассказывающих о том, как формировались стили их игры. И видео начинается с того, как Джек Уайт собирает гитару из доски и стеклянной бутылки. Получая в итоге полне себе слушабельный звук.
Ну ладно — у этого парня всегда был свой особенный стиль. Что же до нас, обычных тружеников струны и медиатора? Настолько ли важно покупать себе дорогой инструмент или, как пишут на форумах, любая деревяшка в руках профи заиграет и вообще зачем разоряться? Вот об этом сегодня и речь.
Начну с маленькой истории: моей первой электрогитарой был дешевенький "Fender Squire Stratocaster", которую купил мне отец еще в школе. Вместе с простеньким усилителем от Marshall, шнурами, медиатором и чехлом вышло что-то около 200 долларов еще тех денег.
Гитара звучала немного блекло, часто фонила, но в целом была неплохим инструментом за свою цену. И по прошествии лет я, как парень сентиментальный, решил не продавать ее по дешевке, а как-то улучшить.
В итоге от гитары осталось только "Body" и первичная фурнитура (машинка). Остальное пошло под замену: новый гриф, датчики "Lace sensors", внутренняя коммутация, графитовая экранировка и даже потенциометры громкости и тона. Это было свежим. (Конечно к этой конфигурации я пришел не сразу, постепенно дополняя и переделывая инструмент. Плюс пару раз менял датчики из-за желания другого звука). Как итог — это мой основной рабочий инструмент, на котором я записываю 99% всей гитарной музыки.
Что же я выяснил за все эти годы экспериментов? Если твоя деревяшка не из клееного дсп, а из настоящего куска дерева (пусть даже самого дешевого) — этого достаточно. А вот дальше начинаются траты. Уникальный звук твоего инструмента формируют: датчики, гриф, обработка и предусилитель с усилителем на пару.
И вот на эти штуки я бы не скупился. Про гитарный звук я могу написать отдельно более развернуто, а пока завершу про сам инструмент — если есть деньги, то конечно стоит покупать хорошую гитару. Не только в плане звука, но и из-за удобства игры и обслуживания.
Но если денег не так много, а играть хочется, то попробуй собрать своей собственный инструмент. Б/у "Body" (Я не знаю приличных русских аналогов, а сказать "тело гитары" звучит грубовато на нашем языке. Если вы знаете как сказать правильно, то пишите в комментах📖), такие же датчики или недорогой русский аналог (благо на рынке есть мастера, которые делают датчики за относительные копейки). Фурнитура стоит дешево, а коммутацию можно сделать своими руками или руками друзей, которые шарят в схемотехнике.
И как итог — можно получить очень классный инструмент за относительно небольшую сумму. И потом играть на нем очень и очень долго.
Так что развивай скиллы, музыкант, и думай шире✌️
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
И это не совсем о финальном звуке, а именно что о деревяшке с шестью струнами и парой звукоснимателей.
Рискну предположить, что вы смотрели фильм "Приготовьтесь, будет громко" о трех гитаристах (Джимми Пейдж, Джек Уайт и Эдж), рассказывающих о том, как формировались стили их игры. И видео начинается с того, как Джек Уайт собирает гитару из доски и стеклянной бутылки. Получая в итоге полне себе слушабельный звук.
Ну ладно — у этого парня всегда был свой особенный стиль. Что же до нас, обычных тружеников струны и медиатора? Настолько ли важно покупать себе дорогой инструмент или, как пишут на форумах, любая деревяшка в руках профи заиграет и вообще зачем разоряться? Вот об этом сегодня и речь.
Начну с маленькой истории: моей первой электрогитарой был дешевенький "Fender Squire Stratocaster", которую купил мне отец еще в школе. Вместе с простеньким усилителем от Marshall, шнурами, медиатором и чехлом вышло что-то около 200 долларов еще тех денег.
Гитара звучала немного блекло, часто фонила, но в целом была неплохим инструментом за свою цену. И по прошествии лет я, как парень сентиментальный, решил не продавать ее по дешевке, а как-то улучшить.
В итоге от гитары осталось только "Body" и первичная фурнитура (машинка). Остальное пошло под замену: новый гриф, датчики "Lace sensors", внутренняя коммутация, графитовая экранировка и даже потенциометры громкости и тона. Это было свежим. (Конечно к этой конфигурации я пришел не сразу, постепенно дополняя и переделывая инструмент. Плюс пару раз менял датчики из-за желания другого звука). Как итог — это мой основной рабочий инструмент, на котором я записываю 99% всей гитарной музыки.
Что же я выяснил за все эти годы экспериментов? Если твоя деревяшка не из клееного дсп, а из настоящего куска дерева (пусть даже самого дешевого) — этого достаточно. А вот дальше начинаются траты. Уникальный звук твоего инструмента формируют: датчики, гриф, обработка и предусилитель с усилителем на пару.
И вот на эти штуки я бы не скупился. Про гитарный звук я могу написать отдельно более развернуто, а пока завершу про сам инструмент — если есть деньги, то конечно стоит покупать хорошую гитару. Не только в плане звука, но и из-за удобства игры и обслуживания.
Но если денег не так много, а играть хочется, то попробуй собрать своей собственный инструмент. Б/у "Body" (Я не знаю приличных русских аналогов, а сказать "тело гитары" звучит грубовато на нашем языке. Если вы знаете как сказать правильно, то пишите в комментах📖), такие же датчики или недорогой русский аналог (благо на рынке есть мастера, которые делают датчики за относительные копейки). Фурнитура стоит дешево, а коммутацию можно сделать своими руками или руками друзей, которые шарят в схемотехнике.
И как итог — можно получить очень классный инструмент за относительно небольшую сумму. И потом играть на нем очень и очень долго.
Так что развивай скиллы, музыкант, и думай шире✌️
#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎹 Как писать фортепианные партии, когда ты не умеешь играть
Еще со времен колледжа я понял, что композитор — это парень (или девушка, черт бы побрал этих феминисток. Шутка), который умеет играть чуть ли не на всем или хотя бы представляет, как на этом всем играется. Звукоизвлечение, количество октав и расположение нот — это важно знать, чтобы создать плюс-минус реалистичную партию, если есть запрос на реализм.
Я не знаю композиторов, которые бы не умели в фортепиано хоть немного. Не зря же еще с музыкалки общее ф-но — это альфа и омега любого музыканта. Но что делать, если ты самоучка или вот не нравится тебе этот инструмент и сердце не замирает от одного его вида (Хотя откуда на моем канале такие еретики, ума не приложу)? Давайте разбираться, как писать пианино, если ты в нем не шаришь.
Небольшое отступление — этой теме я думаю посвятить следующий выпуск подкаста, потому что она довольно благодатная и большая, а сейчас просто пробежимся по главному.
Пианист — существо двурукое, а значит каждую руку мы должны прописать в нашей аранжировке, чтобы она не звучала как наивный школьный металл или не менее наивный (и не менее школьный) рэпчик. Простите за дискриминацю, правши, но начнем мы с левой.
Самый простой и всегда работающий вариант — низко расположенные октавы, звучащие целый такт или половину такта. Лучше всего они звучат в качестве тоники аккорда, в районе большой-малой октав. Но можно и контр-октаву использовать иногда.
Чуть сложнее — октава+квинта от нижнего звука. Это даст более уверенный аккорд, но и существенно прибавит грязи, так что стоит использовать очень аккуратно.
Перейдем к правой руке. Если представить, что джаза не существует, то остается буквально пара вариантов аккордов: трезвучие и полный аккорд. Ну и самые смелые могут использовать септы, если голова с ушами позволяют вставить их в нужное место.
Трезвучие — стандартный аккорд из трех клавиш. Проще всего загуглить сразу таблицу этих аккордов и потихоньку учить. Полный аккорд — то же самое трезвучие, но с тоническим звуком сверху. Короче трезвучие+октава. И вот здесь уже начинаются ритмические эксперименты. Можно просто тянуть аккорд весь такт, можно обыгрывать его через арпеджио (перебор), можно даже в начале давать арпеджиато (бр-р-рынь) для определенного ритмического тяготения. Или тыкать аккордом каждую четверть, как в песне Lilly Allen "Fuck You".
Конечно лучше всего научиться немного играть на фортепиано, чтобы понимать базисы и делать гораздо более сложные и насыщенные аранжировки, но даже с таким подходом вполне можно делать неплохие поп или рэп биты. В современной музыке очень важен ритм, гораздо важнее мелодии. Так что ритмически круто и вовремя сыгранное ф-но, пусть даже очень просто сыгранное, всегда выиграет у правильного мелодически, но ритмически сложного и нелогичного набора нот.
Так что, музыканты, оставляйте комменты и лайки, пишите то, о чем бы вы хотели почитать или услышать, и будем на связи. Не болейте ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Еще со времен колледжа я понял, что композитор — это парень (или девушка, черт бы побрал этих феминисток. Шутка), который умеет играть чуть ли не на всем или хотя бы представляет, как на этом всем играется. Звукоизвлечение, количество октав и расположение нот — это важно знать, чтобы создать плюс-минус реалистичную партию, если есть запрос на реализм.
Я не знаю композиторов, которые бы не умели в фортепиано хоть немного. Не зря же еще с музыкалки общее ф-но — это альфа и омега любого музыканта. Но что делать, если ты самоучка или вот не нравится тебе этот инструмент и сердце не замирает от одного его вида (Хотя откуда на моем канале такие еретики, ума не приложу)? Давайте разбираться, как писать пианино, если ты в нем не шаришь.
Небольшое отступление — этой теме я думаю посвятить следующий выпуск подкаста, потому что она довольно благодатная и большая, а сейчас просто пробежимся по главному.
Пианист — существо двурукое, а значит каждую руку мы должны прописать в нашей аранжировке, чтобы она не звучала как наивный школьный металл или не менее наивный (и не менее школьный) рэпчик. Простите за дискриминацю, правши, но начнем мы с левой.
Самый простой и всегда работающий вариант — низко расположенные октавы, звучащие целый такт или половину такта. Лучше всего они звучат в качестве тоники аккорда, в районе большой-малой октав. Но можно и контр-октаву использовать иногда.
Чуть сложнее — октава+квинта от нижнего звука. Это даст более уверенный аккорд, но и существенно прибавит грязи, так что стоит использовать очень аккуратно.
Перейдем к правой руке. Если представить, что джаза не существует, то остается буквально пара вариантов аккордов: трезвучие и полный аккорд. Ну и самые смелые могут использовать септы, если голова с ушами позволяют вставить их в нужное место.
Трезвучие — стандартный аккорд из трех клавиш. Проще всего загуглить сразу таблицу этих аккордов и потихоньку учить. Полный аккорд — то же самое трезвучие, но с тоническим звуком сверху. Короче трезвучие+октава. И вот здесь уже начинаются ритмические эксперименты. Можно просто тянуть аккорд весь такт, можно обыгрывать его через арпеджио (перебор), можно даже в начале давать арпеджиато (бр-р-рынь) для определенного ритмического тяготения. Или тыкать аккордом каждую четверть, как в песне Lilly Allen "Fuck You".
Конечно лучше всего научиться немного играть на фортепиано, чтобы понимать базисы и делать гораздо более сложные и насыщенные аранжировки, но даже с таким подходом вполне можно делать неплохие поп или рэп биты. В современной музыке очень важен ритм, гораздо важнее мелодии. Так что ритмически круто и вовремя сыгранное ф-но, пусть даже очень просто сыгранное, всегда выиграет у правильного мелодически, но ритмически сложного и нелогичного набора нот.
Так что, музыканты, оставляйте комменты и лайки, пишите то, о чем бы вы хотели почитать или услышать, и будем на связи. Не болейте ✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
👯♂️ Насколько я люблю подражателей или исполнителей каверов?
2020 год. Интернет уже давно и плотно захватил планету, а технологии скачут так лихо, что записать в своей спальне альбом, который получит "Гремми", может даже 18летняя девушка по имени Билли.
И в этом потоке крайне сложно найти свое течение и очень хочется вернуться к чему-то знакомому и родному. Что артисту, что слушателю. Вот почему наше время — еще и расцвет кавер бэндов или отдельных артистов-подражателей.
Например Марк Мартелл, который подарил свой голос некоторым песням в фильме "Богемская Рапсодия".
Парень действительно поет (а временами и выглядит) как Фредди Меркьюри в свои лучшие годы. И если покопаться, то таких артистов найдется не один и не два. И чтобы не разводить воды, скажу — я не люблю такой тип музыкантов, хотя иногда они выдают вещи, которые оседают у меня в плейлисте.
Мне больше нравится новое. Как минимум потому, что придумать его гораздо сложнее и требует отдельной предрасположенности с тренировкой. Ну и плюс у музыканта, который копирует, теряется его самобытность (хотя это тоже весьма спорный вопрос).
Но против ли я такого вида искусства? Конечно нет, обеими руками за. Пусть им не нужно трудиться, чтобы создавать свое, но это окупается титаническим трудом в перфомансе. Подражатель должен не просто звучать характерно — он должен звучать так, как оригинал звучит в головах слушателя. А значит — намного лучше. Не просто копировать черты и фишки, но отточить их исполнение до такого уровня, на котором оригинал никогда (скорее всего) даже не звучал.
Это что-то вроде академических музыкантов нового времени — есть золотой стандарт исполнения, на который люди готовы смотреть и за что готовы платить, а ты должен усиленными репетициями прийти к нему, чтобы нота в ноту спеть или сыграть вживую. Точно так, как от тебя ожидается.
P.S.
Сегодняшний пост немного экспериментального формата, потому что не относится ни к одной категории. Формально это будут "Размышления", но совсем пространного характера. Не столько о том, как писать и что делать, а о музыке вообще. Мое личное видение происходящего и мысли обо всем, что придет в голову. Но неизменно околомузыкальном.
Так что ставьте лайки-дизлайки, оставляйте комментарии и давайте мне понять, насколько то, что я делаю, вам интересно.
P.P.S.
Я вскоре хочу прикрутить к этому паблику закрытый чат, где можно будет знакомиться, обсуждать и придумывать совместные проекты и просто чувствовать себя в маленьком и уютном музыкальном комьюнити, где всегда поддержат и помогут советом. Остаемся на связи✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
2020 год. Интернет уже давно и плотно захватил планету, а технологии скачут так лихо, что записать в своей спальне альбом, который получит "Гремми", может даже 18летняя девушка по имени Билли.
И в этом потоке крайне сложно найти свое течение и очень хочется вернуться к чему-то знакомому и родному. Что артисту, что слушателю. Вот почему наше время — еще и расцвет кавер бэндов или отдельных артистов-подражателей.
Например Марк Мартелл, который подарил свой голос некоторым песням в фильме "Богемская Рапсодия".
Парень действительно поет (а временами и выглядит) как Фредди Меркьюри в свои лучшие годы. И если покопаться, то таких артистов найдется не один и не два. И чтобы не разводить воды, скажу — я не люблю такой тип музыкантов, хотя иногда они выдают вещи, которые оседают у меня в плейлисте.
Мне больше нравится новое. Как минимум потому, что придумать его гораздо сложнее и требует отдельной предрасположенности с тренировкой. Ну и плюс у музыканта, который копирует, теряется его самобытность (хотя это тоже весьма спорный вопрос).
Но против ли я такого вида искусства? Конечно нет, обеими руками за. Пусть им не нужно трудиться, чтобы создавать свое, но это окупается титаническим трудом в перфомансе. Подражатель должен не просто звучать характерно — он должен звучать так, как оригинал звучит в головах слушателя. А значит — намного лучше. Не просто копировать черты и фишки, но отточить их исполнение до такого уровня, на котором оригинал никогда (скорее всего) даже не звучал.
Это что-то вроде академических музыкантов нового времени — есть золотой стандарт исполнения, на который люди готовы смотреть и за что готовы платить, а ты должен усиленными репетициями прийти к нему, чтобы нота в ноту спеть или сыграть вживую. Точно так, как от тебя ожидается.
P.S.
Сегодняшний пост немного экспериментального формата, потому что не относится ни к одной категории. Формально это будут "Размышления", но совсем пространного характера. Не столько о том, как писать и что делать, а о музыке вообще. Мое личное видение происходящего и мысли обо всем, что придет в голову. Но неизменно околомузыкальном.
Так что ставьте лайки-дизлайки, оставляйте комментарии и давайте мне понять, насколько то, что я делаю, вам интересно.
P.P.S.
Я вскоре хочу прикрутить к этому паблику закрытый чат, где можно будет знакомиться, обсуждать и придумывать совместные проекты и просто чувствовать себя в маленьком и уютном музыкальном комьюнити, где всегда поддержат и помогут советом. Остаемся на связи✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
💻 Заменяют ли синтезаторы умение играть на пианино?
Вы не поверите, но отчасти да. Только у синтезаторов тоже есть свои приколы, с которыми нужно уметь обращаться. Погнали разбираться.
Что такое синтезатор вообще? По сути это — эмулятор либо звука существующего в природе, либо прибор для создания звуков неведомых. А поскольку мы говорим о современности, то в него изнутри зашита и дополнительная обработка, вроде арпеджиатора, питч шифтера и пространства с искажениями.
Соответственно каждый тип синтезатора по своему используется в музыкальном продакшне. И если вы только встали на путь аранжировщика, то ни о каком аналоговом синтезе и эмуляции с нуля мы не говорим. Только использование уже готовых прессетов из коробки.
По виду я синты делю на 5 подтипов. Это не научно, не академично и вообще мне так удобнее (это чтобы не было вопросов). Итак мы имеем: Лиды, Пэды, Гармонические, Арпеджиаторы и Шумы.
1) Лиды звучат очень остро, как соло гитара с перегрузом, а потому используются для игры мелодий или тех же соло. Весьма грязно звучат, если пытаться строить ими аккорд. Зато сочны настолько, что даже простейшая мелодия из двух нот раскачает ваш припев.
2) Пэды. Здесь все просто — спокойный и тихий подклад под музыку, чтобы заполнить пустоты. Можно играть аккордами, можно одиночной нотой аккорда (прима, терция, квинта). По длительностям звучат долго, ровно по длинне аккорда песни. Если у вас есть квадрат из 4х аккордов, каждый из которых звучит 1 такт, то и подклад под аккорд будет звучать так же. Разве что хочется дать немного скрипичного академизма. Тогда длительность пэда можно в два раза и сократить, заставив его играть уже не такт, а половину такта.
3) Гармонические синты названы так очень условно (как, впрочем, все остальные подвиды). Потому что часто это эмуляторы пианино, маримбы или человеческих голосов. Ими можно играть как аккорды, так и одиночную мелодию. Да и все вместе не возбраняется.
4) Арпеджиаторы бывают двух видов: мелодические и ритмические. И каждый из них себя прекрасно показывает, если не хочется излишних заморочек с заполнением. Одна нажатая клавиша, и у тебя уже готов классный музыкальный паттерн. А научившись арпеджиатор программировать (что весьма не сложно) ты будешь получать свой уникальный результат каждый раз. Программирование арпеджиатора даже может заменить умение играть мелодию, если добавить туда нотку рандомности. Послушайте интро из песни "Kangaroo Court" и поймете о чем я.
5) А шумы просто добавят атмосферы в отдельные моменты трека. Такой, базовый саунд-дизайн. Море, дождь, ветряные колокольчики и все остальное, что удастся найти в коробке вашего синта. Не очень заметны, зато могут легко дать перца, если умело расставлять по треку.
Так что включайте ваши любимые цифровые аудиостанции, загружайте синт, накидывайте паттерн битов и начнинайте эксперимент. Это гораздо круче, чем читать✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Вы не поверите, но отчасти да. Только у синтезаторов тоже есть свои приколы, с которыми нужно уметь обращаться. Погнали разбираться.
Что такое синтезатор вообще? По сути это — эмулятор либо звука существующего в природе, либо прибор для создания звуков неведомых. А поскольку мы говорим о современности, то в него изнутри зашита и дополнительная обработка, вроде арпеджиатора, питч шифтера и пространства с искажениями.
Соответственно каждый тип синтезатора по своему используется в музыкальном продакшне. И если вы только встали на путь аранжировщика, то ни о каком аналоговом синтезе и эмуляции с нуля мы не говорим. Только использование уже готовых прессетов из коробки.
По виду я синты делю на 5 подтипов. Это не научно, не академично и вообще мне так удобнее (это чтобы не было вопросов). Итак мы имеем: Лиды, Пэды, Гармонические, Арпеджиаторы и Шумы.
1) Лиды звучат очень остро, как соло гитара с перегрузом, а потому используются для игры мелодий или тех же соло. Весьма грязно звучат, если пытаться строить ими аккорд. Зато сочны настолько, что даже простейшая мелодия из двух нот раскачает ваш припев.
2) Пэды. Здесь все просто — спокойный и тихий подклад под музыку, чтобы заполнить пустоты. Можно играть аккордами, можно одиночной нотой аккорда (прима, терция, квинта). По длительностям звучат долго, ровно по длинне аккорда песни. Если у вас есть квадрат из 4х аккордов, каждый из которых звучит 1 такт, то и подклад под аккорд будет звучать так же. Разве что хочется дать немного скрипичного академизма. Тогда длительность пэда можно в два раза и сократить, заставив его играть уже не такт, а половину такта.
3) Гармонические синты названы так очень условно (как, впрочем, все остальные подвиды). Потому что часто это эмуляторы пианино, маримбы или человеческих голосов. Ими можно играть как аккорды, так и одиночную мелодию. Да и все вместе не возбраняется.
4) Арпеджиаторы бывают двух видов: мелодические и ритмические. И каждый из них себя прекрасно показывает, если не хочется излишних заморочек с заполнением. Одна нажатая клавиша, и у тебя уже готов классный музыкальный паттерн. А научившись арпеджиатор программировать (что весьма не сложно) ты будешь получать свой уникальный результат каждый раз. Программирование арпеджиатора даже может заменить умение играть мелодию, если добавить туда нотку рандомности. Послушайте интро из песни "Kangaroo Court" и поймете о чем я.
5) А шумы просто добавят атмосферы в отдельные моменты трека. Такой, базовый саунд-дизайн. Море, дождь, ветряные колокольчики и все остальное, что удастся найти в коробке вашего синта. Не очень заметны, зато могут легко дать перца, если умело расставлять по треку.
Так что включайте ваши любимые цифровые аудиостанции, загружайте синт, накидывайте паттерн битов и начнинайте эксперимент. Это гораздо круче, чем читать✌️
#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Думаешь, что в этом месяце я лишу тебя подкаста? Как бы не так! Этот выпуск будет более прикладным, чем обычно — как приступить к записи аранжировки, когда на руках только мелодия и аккорды. С чего начать, как не бросить и где брать идеи, когда застопоришься — все это в подкасте "Слышь!" за номером 4.
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky #Аранжировка
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky #Аранжировка
Audio
Четвертый выпуск подкаста "Слышь!", где я рассказываю о подготовке к написанию аранжировок и структуре работы с ней.
📖 Предподготовка. Определение темпа, стиля и формы
🥁 Ритмическая основа (барабаны и бас)
🎸 Гармония и аккорды
🎤 Вокал и не только он
🎷 Украшения
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
📖 Предподготовка. Определение темпа, стиля и формы
🥁 Ритмическая основа (барабаны и бас)
🎸 Гармония и аккорды
🎤 Вокал и не только он
🎷 Украшения
#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🎼 Что делает искусство искусством?
Мы все много говорим о творчестве, важности работы над собой, учебе и даже одаренности. Сравниваем исполнителей, говорим о каком-то жанре, что "это не музыка, там нет души" и наоборот возвышаем других.
Но что на самом деле является искусством и как отличить подделку и квазитворчество от настоящих бриллиантов, которые обязаны остаться в кладовке мировой истории? Сегодня об этом и поговорим.
Как настоящие исследователи обратимся к определениям, коих два:
1) Отображение реальности посредством творческих инструментов
2) Мастерство владения чем-либо
И если со вторым все ясно (никто не будет спорить, что профессиональный хирург с 30летним опытом владеет своим ремеслом уже как искусством), то к первому есть вопросы.
Значит ли это, что мы можем сравнить игру новичка, который решил написать песню (и она вышла весьма третьесортной) с тем же профи, сказав что и то, и другое — искусство, потому что является отражением видения того человека, который это искусство создает?
Можем ли мы считать искусством абсолютно коммерческий продукт, который не пытается экспериментировать и делать что-то новое, а паразитирует на уже популярных образах и смыслах? И даже копнем глубже, спросив: "А что считается большим искусством? Сделанная вручную фарфоровая кружка или промышленная, над которой старался дизайнер, но сделанная в гораздо большем количестве копий?"
В своих поисках ответа я нашел видео американского музыканта Марка Эплбаума "The mad scientist of music". Там он последовательно разбирает разные виды музыки или интерпретации одной и той же композиции. А в конце выдает ответ, который для меня если не идеальный, то уж точно близкий к верному: "Нет музыки плохой или хорошей. Есть музыка интересная и не интересная тебе лично". И здесь, как мне кажется, есть та универсальность, которую мы ждем от отета на такой непростой вопрос.
От себя хочу добавить, что любое творчество должно быть сделано с какой-то целью. И если у него есть задача (пусть даже задача по копированию оригинала) и эта задача выполнена не на отъебись, а с прикладыванием усилий рук и головы, то у такой работы есть очень большой шанс стать искусством. Тем, которым люди восхищаются и которое
помогает почувствовать себя живым.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Мы все много говорим о творчестве, важности работы над собой, учебе и даже одаренности. Сравниваем исполнителей, говорим о каком-то жанре, что "это не музыка, там нет души" и наоборот возвышаем других.
Но что на самом деле является искусством и как отличить подделку и квазитворчество от настоящих бриллиантов, которые обязаны остаться в кладовке мировой истории? Сегодня об этом и поговорим.
Как настоящие исследователи обратимся к определениям, коих два:
1) Отображение реальности посредством творческих инструментов
2) Мастерство владения чем-либо
И если со вторым все ясно (никто не будет спорить, что профессиональный хирург с 30летним опытом владеет своим ремеслом уже как искусством), то к первому есть вопросы.
Значит ли это, что мы можем сравнить игру новичка, который решил написать песню (и она вышла весьма третьесортной) с тем же профи, сказав что и то, и другое — искусство, потому что является отражением видения того человека, который это искусство создает?
Можем ли мы считать искусством абсолютно коммерческий продукт, который не пытается экспериментировать и делать что-то новое, а паразитирует на уже популярных образах и смыслах? И даже копнем глубже, спросив: "А что считается большим искусством? Сделанная вручную фарфоровая кружка или промышленная, над которой старался дизайнер, но сделанная в гораздо большем количестве копий?"
В своих поисках ответа я нашел видео американского музыканта Марка Эплбаума "The mad scientist of music". Там он последовательно разбирает разные виды музыки или интерпретации одной и той же композиции. А в конце выдает ответ, который для меня если не идеальный, то уж точно близкий к верному: "Нет музыки плохой или хорошей. Есть музыка интересная и не интересная тебе лично". И здесь, как мне кажется, есть та универсальность, которую мы ждем от отета на такой непростой вопрос.
От себя хочу добавить, что любое творчество должно быть сделано с какой-то целью. И если у него есть задача (пусть даже задача по копированию оригинала) и эта задача выполнена не на отъебись, а с прикладыванием усилий рук и головы, то у такой работы есть очень большой шанс стать искусством. Тем, которым люди восхищаются и которое
помогает почувствовать себя живым.
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
🧠 Интеллектуальные преимущества от занятий музыкой.
Раз уж мы пишем музыку, чтобы она нравилась и "помогала" людям, то давайте поговорим о преимуществах, которые она дает самим музыкантам (ну кроме чувства собственной важности, конечно).
Самое банальное — это развитие мелкой моторики и связанной с ней части коры головного мозга (это для инструменталистов). А вместе с ней развивается координация в целом.
Конечно у музыкантов мозг более пластичен, меньше подвержен деменции и открыт для изучения нового. Особенно языков. А что, вы забыли, что нотное письмо — это тоже язык со своими правилами и структурой?
Вокалисты, к слову, учат языки чуть лучше, потому что они не только запоминают звучание языка, но у могут его воспроизвести без акцента.
Прокачивается концентрация, умение работать над одной задачей долго (тут музыка очень похожа на спорт, который прививает те же навыки). Ты начинаешь обращать внимание на детали, держать в голове несколько задач одновременно, а значит — делать качественно более комплексные вещи.
Коммуникативные навыки тоже растут, если ты играешь в бенде и особенно — если играешь для аудитории. Потому что музыка — язык универсальный и чтобы тебя поняли правильно его тоже нужно шлифовать.
Я еще не говорил про воображение? Так вот — оно тоже качается. Независимо от того, как интенсивно ты занимаешься и какой сложности музыку делаешь. Я вообще не понимаю, почему вы до сих пор не бежите учиться.
И не важно — стремишься ли ты стать звездой или просто играешь для себя, от музыки идут одни только плюсы. С одним незначительным минусом — если тебя затянет, то отказаться уже будет невозможно и много свободных часов будет уходить в инструмент. Хотя кто из нас считает это минусом? 😉
Так что учитесь музыке, друзья, это одно из лучших вложений в вашу личность ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky
Раз уж мы пишем музыку, чтобы она нравилась и "помогала" людям, то давайте поговорим о преимуществах, которые она дает самим музыкантам (ну кроме чувства собственной важности, конечно).
Самое банальное — это развитие мелкой моторики и связанной с ней части коры головного мозга (это для инструменталистов). А вместе с ней развивается координация в целом.
Конечно у музыкантов мозг более пластичен, меньше подвержен деменции и открыт для изучения нового. Особенно языков. А что, вы забыли, что нотное письмо — это тоже язык со своими правилами и структурой?
Вокалисты, к слову, учат языки чуть лучше, потому что они не только запоминают звучание языка, но у могут его воспроизвести без акцента.
Прокачивается концентрация, умение работать над одной задачей долго (тут музыка очень похожа на спорт, который прививает те же навыки). Ты начинаешь обращать внимание на детали, держать в голове несколько задач одновременно, а значит — делать качественно более комплексные вещи.
Коммуникативные навыки тоже растут, если ты играешь в бенде и особенно — если играешь для аудитории. Потому что музыка — язык универсальный и чтобы тебя поняли правильно его тоже нужно шлифовать.
Я еще не говорил про воображение? Так вот — оно тоже качается. Независимо от того, как интенсивно ты занимаешься и какой сложности музыку делаешь. Я вообще не понимаю, почему вы до сих пор не бежите учиться.
И не важно — стремишься ли ты стать звездой или просто играешь для себя, от музыки идут одни только плюсы. С одним незначительным минусом — если тебя затянет, то отказаться уже будет невозможно и много свободных часов будет уходить в инструмент. Хотя кто из нас считает это минусом? 😉
Так что учитесь музыке, друзья, это одно из лучших вложений в вашу личность ✌️
#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky