​​🎚 "Биты и Килогерцы"

Это, пожалуй, самые базовые и одни из самых важных понятий в звукозаписи. И, что естественно, в рунете информацию о том, зачем нам нужны эти биты и килогерцы на практике, в доступной и легкой форме найти невозможно. Значит будем первыми ✊

Частота дискретизации (она же "sample rate"). Измеряется в Герцах и показывает ширину частотного спектра сигнала. Не засыпаем! Сейчас будет интересно.

Все, я надеюсь, знают, что человеческое ухо слышит частоты от 20 до 20000 Гц (особые уникумы слышат до 22 тысяч). А стандарт звукозаписи — 44100 Гц (что более чем в два раза больше порога слышимости). Почему такая странная цифра — это к "Википедии", нам больше интересует, что это дает нашему звуку.

На самом деле — это показатель "запаса прочности". Ну допустим — записали голос и начали вешать на него компрессоры, эквалайзеры, сатураторы. Еще ускорять/замедлять ритмически плохие куски. А потом удивляемся, че это голос стал хуже, чем до обработки?

А потому что частотный диапазон при каждом деструктивном (а обработка — это чаще всего деструктивное влияние на звук) изменении получает искажения. И эти искажения тем незаметней, чем диапазон записи больше. Вот почему лучше всего записываться в 88.2 кГц, а то и в 192 кГц, если мощности позволяют. И обрабатывай себе наздоровье.

Разрядность же (bit depth), измеряемая в битах, показывает нам диапазон динамический. Значит ли это, что мы выставим 24 бита и можно выкручивать гитару на максимум?

Нет. Это значит, что величина headroom (он же зазор между 0 дб и допустимой громкостью) будет больше. Что хорошо для динамичного сведения.

Но важно (правда важно) делать запись именно в этом допустимом диапазоне, чтобы не возникало искажений. Т.е. даже если ты записываешь все аккуратно, нигде нет клиппинга и все чисто, это не значит, что ты правильно работаешь.

Что делать? Выбирать среднее значение громкости на твоей карте, а после еще и убирать громкости каналов в твоем DAW. Лучше вообще заранее это подготовить.

В моем "template" проекте громкость каждого канала по номиналу -10 db и еще столько же на мастер канале. Потому что лучше вернуть громкость нормализацией, максимайзером и лимитером, контролируя искажения, чем писать все "в мясо" и получить кашу в итоге.

Так что удачи тебе, музыкант, будь умерен✌️

#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Привет всем! Я сначала хотел сделать маленький пост о нововведениях, но их оказалось так много, что пост пришлось делать серьезным (ровно как эти замечательные мальчишки на фото).

Итак:

1) С этого дня для будущего удобства я ввожу рубрики по темам. Рубрики будут самые разные и помеченные общими хештегами. Зачем это нужно? Постов уже накопилось прилично и до тех, что находятся в самом начале, люди просто не пролистывают. А так будет удобная навигация по темам.

2) Именно поэтому я буду обновлять прикрепленный пост и заранее предупреждаю об этом. Какая-то информация в нем пропадет, какая-то добавится (например про теги). И он в целом станет более информативным и удобным. Чтобы для вас не было неожиданностью появление поста, аналогичного висящему. Ценю ваше время и внимание.

3) Я пока еще в поиске возможностей редактирования старых постов (чтобы добавить туда теги), и если не найду способа, то некоторые ранние посты буду просто писать заново. Добавляя тег и какую-то новую информацию, чтобы тем, кто со мной с самого начала, не было скучно.

4) И главное! Я хочу попробовать себя в подкастинге, которому только предстоит обрести имя. Это будет подкаст разумеется о музыке и всяком таком, вывешиваться будет здесь же в Телеграме (благо с новым обновлением аудио записи длиннее 20 минут автоматически становятся подкастами) и выходить будет где-то раз в месяц (пока что больше я не потяну). Уже даже заглавная тема готова (осталось ее только доработать, чтобы было delicious).

А значит я объявляю конкурс: как бы мне назвать эти подкасты? По заветам Дудя название должно быть стильное, остроумное и "ебкое". Ваши предложения можно будет постить в комментариях, ну а автор "того самого" названия получит от меня ценный подарок. Пусть это будет петличный микрофон, вроде того, которым я сам пользуюсь. Незаменимая в хозяйстве штука, на самом деле.

Так что удачи вам, музыканты, жду ваших ответов и до встречи в эфире✌️

​​Ну что, пора подводить итоги конкурса.

Мне прислали несколько вариантов и, увы, ни один из них мне на ухо не лег. И чтобы не прослыть жмотом петличку я все-таки разыграю, потому что пользователь с ником "Влад, конфетам рад" подсказал мне весьма дельную идею — выпускать подкасты ровно в определенный день. Честно говоря, раньше я и правда хотел делать, как пойдет, но теперь решил выбирать определенную дату для удобства. Так что, Влад, я с тобой свяжусь и мы решим, как лучше всего отправить тебе твой приз.

Значит что, подкаст будет без названия? Конечно нет, догадались люди, успевшие посмотреть картинку к этому посту. После небольшого брейншторма правильная мысль в голову все же пришла. И мне кажется, что для русского уха название "Слышь!" — самое правильное. С претензией на уличную культуру и одновременно — призыв к действию. Так отныне и будет.

Так что пойду дальше корректировать посты (благо я нашел, как это делать) и обновлять пост в закрепе. А там до новых публикаций и подкаста недалеко. Считайте, что это начнется второй сезон после моей небольшой передышки.

Не болейте, музыканты✌️

​​Пока я редактирую и колупаюсь со звуком подкаста — вот вам его тизер. Тема будет: "Кто такие аранжировщики и с чего начать"

А еще здесь вы услышите кусочек фирменной музыки этого подкаста, под названием "Hey You!", в которой я немного прокачал умение писать цифровые духовые.

Скоро услышимся✌️

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

Первый выпуск подкаста "Слышь!". В нем я расскажу:

🎙 О чем будет подкаст
🎛 С чего начать (аппаратура и программы)
📖 Структура песен и подготовка к написанию аранжировки
📚 О template проектах и каверах
💫О петлях и демках

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🎚 "4 Вида хорошего звука и почему они все неправильные"

Привет всем, давно не виделись! Я уже почти забыл как писать, но руки-то помнят. А это значит, что новый сезон моих текстовых изысканий официально открыт.

Каждый из нас хотя бы раз задумывался: "Какой ты, хороший звук?". Первое, что я понял для себя довольно быстро — мы однозначно можем сказать, какой звук плох, а вот о хорошем можно долго спорить, потому что крайне индивидуальная оказалась штука. И вот совсем недавно я вывел для себя четыре критерия звука, по которым можно судить о его "хорошести":

1) Звук интересный. Он же необычный. Когда ты слышишь, что песня сведена крайне непривычно для тебя, что в ней есть какие-то совсем странные эффекты или совершенно дикая гармония, но каким-то чудом оно работает. Звучит. Приковывает к себе и заставляет вслушаться, а не выключать. Как пример, песня "Baby's on Fire" из фильма "Velvet Goldmine". Монотонный синт, дикое соло и скрежещущий вокал вместе звучат очень и очень хорошо.

2) Звук оправданный. Согласитесь, что странно будет слышать современную песню с барабанами, расположенными не привычно (бочка и снейр в центре, а тарелки и томы по панораме), а сведенную как в пятидесятых (каждый инструмент в своем канале). Или Deathcore соло в песне, аранжированной под синти-поп.
Звук должен соответствовать стилю, времени и месту записи. И тогда получится не кривой кадавр, а вполне себе вкусно. Кстати из этого вытекает...

3) Звук актуальный. Здесь все просто — если ты следишь за трендами, то легко понять, чем сейчас живет мир. Пост Хип-хоп, нео-диско и акустический сонграйтинг с электронными вставками — вот тренды 18-19 годов. Да и сейчас все продолжается. Как у того же "The Weekend" с его "Blinding Lights".

4) Звук эталонный. Это как "template" для плагина. Так же и с аранжировками: есть блюз, есть фанк, есть рокабилли. И да, для некоторых случаев стоит не выдумывать новые виды звучания, а взять уже имеющиеся и создать что-то пусть и вторичное, но подходящее. Например саундтрек для кино вполне может делаться по лекалам. Как аранжировочным, так и звуковым.

Но, как понятно из названия, ни один из этих вариантов не подходит, когда приходит время эксперимента. Когда есть время, силы и желание поработать над своим треком и сделать его в достаточной мере уникальным. Тут может сработать все что угодно и пока лично ты не попробуешь свою идею, до конца так и не узнаешь, работает ли она или ты сделал очередной проходняк

Так что удачи тебе, музыкант, экспериментируй✌️

#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🎧 "Современная музыка лучше старой"

Так уж получилось, что я просто люблю музыку. И создавать, и слушать. Поэтому багаж наслушанного достаточно большой. Я не выделяю какого-то конкретного жанра или определенный год — просто слушаю то, что нравится.

Мы постоянно слышим: "Вот раньше музыка была музыкой, а сейчас уже не то. Нет звезд, есть только отдельные неплохие музыканты". Но так ли это на самом деле?

Если начать копаться в нашем пыльном музыкальном шкафу, вытаскивая на свет все более древние треки, то мы будем замечать, как с годами уходит не только качество записи, но и мастерство самих музыкантов.

Чем ближе к сотворению мира, тем хуже голоса попадают в ноты, музыканты исполняют более простые партии, плюс аранжировки тоже гораздо банальнее звучат.

Но почему мы считаем, что музыка "тех" лет — эталон и превзойти его практически невозможно? Просто до нас доходит избранное, золотой фонд музыки, прошедший через эпоху отбора и оставшийся в веках, сердцах и головах.

Плюс это была эпоха, когда люди экспериментировали с самыми базовыми принципами. Поп песня, как таковая, вообще начала зарождаться годов с 20х прошлого века.

Что же сейчас? У нас есть компьютеры, интернет, дешевые средства записи и новые инструменты. Неограниченное количество дорожек, когда раньше приходилось экономить ленту. Доступ к любым стилям и жанрам, только купи подписку. Плюс комбинирование стилей и выразительных средств сейчас куда смелее, чем раньше могли себе позволить.

А самой музыки столько, что каждый уж точно найдет себе что-то по душе. Не хватит человеческой жизни, чтобы отслушать все новое, интересное и качественное.

Так что если здраво и холодно посмотреть — современная музыка качественней и лучше. Просто ей надо "отлежаться", а уже новые поколения поймут, что из этого "шедевр", а что — "шлак". Как, впрочем, всегда и было.

Так что добра вам, музыканты, творите историю ✌️

#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🎛️ "Динамический эквалайзер и зачем он нужен"

Компрессорами мы все активно пользуемся, а вот про динамические эквалайзеры мало кто знает. Так что приоткрываем завесу тайны.

Как несложно догадаться, это тип эквалайзеров, который изменяет нужную частоту не постоянно, а при изменении некоторого порога. Можно решить, что такой эквалайзер не нужен, раз есть multiband компрессия, но для людей, которые любят тонкую настройку звука это вещь незаменимая.

В отличие от компрессора, который довольно грубо работает с частотой и ее динамическим диапазоном, эквалайзер уменьшает (или увеличивает) только условную громкость этой частоты.

Как это применимо? Ну, во-первых, динамический эквалайзер хорош при подрезании сибилянтов у голоса. "С,Ч,Ш,Ц" становятся не такими ядреными и при этом яркость остального вокала не страдает.
Так же, в прочем, можно убирать и бубнящие звуки.

Ещё есть хитрый прием, когда подчеркивается нужная частота (т.е. эквалайзер работает на увеличение, а не на вычитание) в определенные важные для динамики песни моменты. Например удар по crash'у в начале припева, чтобы дать ему ещё больше мощи (тогда как в других местах crash делается мягче).

Так мы плавно подошли к программированию и автоматизации, о чем я напишу в следующий раз.

А пока удачи тебе, музыкант, учись вниманию к деталям ✌️

#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

Я не мог не поделиться такой новостью. Теперь если у вас будут проблемы с придумыванием мелодии — ее всегда можно взять из архива

https://meduza.io/feature/2020/02/26/my-sozdali-vsyu-vozmozhnuyu-muzyku

​​📊 "Уровни аранжировки"

Каждый раз, когда я работаю, мне хочется максимально упростить процесс. И здесь в дело вступают паттерны. Заготовки проектов, звуков, инструментов и партий. Но что если копнуть глубже и разложить на удобные составляющие сами базовые принципы? Ну это вроде "в литературе и кино всего 7 сюжетов, а остальное — вариации на тему". Вот так же я отношусь к уровням музыкальной ткани.

Если попытаться структурировать все, что мы имеем на руках, то этих уровней получится не так уж много. Я насчитал себе пять, но вы в комментариях можете меня поправить, если придумаете более удобную классификацию или с чем-то не согласны.

1) Первый и самый заметный — основная мелодия. То, что занимает все наше внимание при первом же прослушивании. И "мелодия" — это очень условное название. Это может быть барабанный бит, бит в сочетании с басом, гитарный или синтезаторный рифф. Ну и вокал, разумеется, куда без него.

2) Дальше идет основное тело песни. Барабаны-бас-гитара-пиано. Короче все то, что можно легко услышать, если отвлечься от мелодии. Все партии четко разбираются и снимаются, если немного покорпеть. А вот дальше интереснее.

3) Подклад, он же "Pad". Все то, что даже после десятка прослушиваний не сразу услышишь. Потому что обычно этот уровень делают легким и тихим, почти незаметным. Им создают атмосферу и заполняют дыры, а не швыряют вам в лицо. Струнные, синтезаторы, мелодическая и "не" перкуссия. Достаточно постоянные в пространстве звуки.

4) Акценты. Вот здесь вообще раздолье, так как акцент может быть использован вообще раз за песню. Например удар в гонг или колокольчик. Зато самих "инструментов" может быть сколь угодно много и их громкость может варьироваться от весьма заметных, до "легонько чешущих ухо где-то справа".

5) Шумы, куда без них. Совершенно саунд-дизайнерская история, но в музыке тоже куда как применима. Для меня это нечто среднее между пэдами и акцентами, потому что шум может как длиться в пространстве, так и выделять важный момент песни. И он сто процентов не музыкален, даже не обязательно ритмичен. Стук по клавишам, телефонный разговор, шум ветра или дождь — все это нужно использовать очень дозировано, добавляя песне "перчинку".

Ну вроде бы все рассказал, что хотел. Про автоматизацию и программирование помню, просто вдруг родилась тема, куда более интересная мне сейчас. Надеюсь и всем вам тоже.

Удачи вам, музыканты. Помните, садясь за аранжировку: ночь длинна, а у трека только три минуты✌️

#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​​​​​​​​​​​​​​​💻 "Автоматизация процессов при постпродакшне"

Рано или поздно каждый аранжировщик и звукарь понимает, что надо учиться автоматизации, которая люто облегчает многие задачи.

Для начала разберемся, что это за зверь. Автоматизация, как видно из названия, это - программирование процессов для изменения их в реальном времени. А теперь проще: ты можешь включать и отключать эффекты, изменять их уровень и даже каждый отдельный параметр. И все - в реалтайме, жёстко следуя таймингу трека.

Обычно включение автоматизации выглядит, как вот такой значок ... / ¯ (вы не представляете, как я намучился это здесь рисовать) , но это не точно. Сразу после включения под треками прявляются дополнительные дорожки (а для громкости вообще поверх основной). И вот там, с помощью инструмента "карандаш" можно рисовать изменения параметров.
Пример можно увидеть на картинке к посту.

Как я уже писал, изменению поддается практически любой параметр, что вы имеете на руках. Будь то изменение частоты в эквалайзере или уровня реверберации - все можно сделать плавно или резко обрубить на нужном моменте песни.

Я понимаю, что мое описание выглядит довольно страшно и кажется, что это невозможно освоить с налета. Но я рекомендую просто попробовать. Взять одну дорожку, повесить на нее, например, эквалайзер и просто поиграться с автоматизацией его параметров. Одного раза будет более чем достаточно, чтобы понять принцип.

Тут точно понадобиться удача, которую я традиционно и пожелаю. Развлекайся, музыкант ✌️

#Аранжировка #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Пока мир катится в экономическую жопу я предлагаю вам оглянуться в прошлое и посмотреть, как изменялась музыка и принципы звукозаписи от зарождения и до наших дней.
Подкаст "Слышь!" за номером 2 уже в пути к вам, мои дорогие любители хорошего звука.

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

Второй выпуск подкаста "Слышь!", в котором я расскажу об истории развития звукозаписи и о том, почему это не убило музыкальную индустрию.

🕰 4 эпохи развития индустрии
🎼 До начала эпохи
🎙 Фонограф и микрофон
🎞 Магнитная лента
💿 Цифровая запись

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​📶 Конволюционные и не очень ревербераторы

Реверберация — достаточно тонкий и для большинства слушателей незаметный процесс, но если ее убрать, то все сразу станет очевидно.

Сегодня я расскажу, за что я люблю те или иные плагины и про их радикальные различия. Для справки — можно пользоваться хоть встроенными в DAW эффектами, к счастью для большинства задач они достаточно хороши уже давно.

Конечно же плагины серии Lexicon, эмулирующие лексиконовские железки. По понятным причинам (💵) я пользовался только эмулятором и сравнивать мне не с чем, но эти плагины уже давно стали моим основным инструментом в работе, потому что достаточно гибки в управлении и содержат все, что мне нужно для музыкального продакшна.

Сюда же можно включить FabFilter Pro R, как такой же легкий и удобный ревербератор. Эти плагины подходят, если не нужно сильно заморачиватся со звуком комнаты, потому что и Lexicon и FabFilter звучат достаточно "абстрактно" (нет конкретных звуков конкретных комнат)

И вот здесь уже появляются конволюционные ревербераторы, такие как Altiverb или Waves IR-L. По принципу работы все просто — есть файлы с импульсами комнат. Грубо говоря — на микрофон записывается звук отклика комнаты, чтобы передать все нюансы помещения.

Вроде бы описание не оставляет шансов обычной цифровой реверберации, но вот в чем штука — далеко не всегда нужен звук натуральной комнаты, плюс сами характеристики "отражений" сильно разнятся. Поэтому я советую иметь под рукой оба вида реверов и пускать их в ход в зависимости от задачи.

При музыкальном продакшне я использую Lexicon, как простой и понятный ревер. Отлично подходит для электрогитары (если нужна эмуляция пружинного). Да и для вокала тоже часто беру именно его.

Для саунд дизайна, конечно, более подходит конволюция (и не обязательно Altiverb. Он достаточно дорогой и покупать его ради учебы не стоит. Проще скачать бесплатный, благо их тоже есть). Когда нужна эмуляция конкретного пространства (который ты видишь визуально в фильме/клипе), то обычный цифровой ревер не даст такой же точности, как импульс.
Плюс на вокале импульс звучит чуть мягче.

Но, конечно, как всегда все зависит не от инструментов, а от умения ими владеть. Так что я просто рекомендую взять запись чистого инструмента, попробовать разные виды ревербераций, а потом проверить эти же реверберации в миксе. Ну и выбрать несколько любимых, чтобы они были под рукой в любой нужный момент.

Так что желаю вам чистого звука и четкой середины в миксе✌️

#Плагины #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🥁 Как создать реалистичную барабанную партию в цифровом секвенсоре.

Наверное я слишком мало лазил в интернете, но конкретных советов найти не смог. А тема-то сочная, ведь мало у кого есть возможность круто писать живые барабаны в дорогой студии (да, помещение чуть ли не важнее микрофонов). Так что впереди ждут наработки моего более чем десятилетнего опыта в этом.

Скажу сразу — чтобы понять качество звука, насколько оно реалистично или "сочно", сначала нужно услышать звук реальной установки и (в идеале) поиграть на ней. И вообще — возьмите десять уроков игры на барабанах. Это повернет всю вашу музыку в совершенно другое русло.

Дальше идет выбор семплера. Советовать что-то — дело неблагодарное, потому что всегда найдутся люди, любящие совершенно другой звук, но для себя я выбрал EZDrummer и BFD. У первого плагина есть еще старший брат — Superior Drummer, но его первая версия мне не зашла, а новую я еще не пробовал. Для меня это плагин быстрых и надежных решений с минимальной возможностью вмешаться.

То ли дело BFD (особенно третья). Собираешь установку сам, микрофоны по комнате расставляешь, взаимопроникновения звуков одного барабана в микрофон другого выставить можно. Не говоря уже о количестве семплов и видов удара по каждому барабану, чтобы все было максимально реалистично. Для меня это — универсальная и очень удобная, хоть и немного громоздкая платформа для записи всего. От перкуссии до электронных битов.

Дальше уровни громкости. Самым мощным и громким должен быть звук снейра, а остальная установка выстраивается вокруг него. Тут уже все зависит от жанра и предпочтений. Больше бочки, меньше хета, тарелки сделать едва различимыми — вариантов масса и постоянно появляются новые.

Очень важно правильно выстроить силу удара, она же "Velocity". Несмотря на функцию "Humanize" я все равно стараюсь выстраивать силу вручную. Потому что разницу между слабой и сильной долей "хьюманайз" тебе не сделает, как ни крути (когда мы говорим о партиях, которые вы сами протыкали, а не о заранее записанных "лупах" или секвенциях). Плюс даже небольшая разница в силе удара по снейру и томам сделает пробежки более живыми из-за ощутимого изменения тембра. К танцевальной музыке это тоже имеет отношение, не расслабляйтесь.

Ну и комната. В любом нормальном секвенсоре есть канал "OH" (OverHead) для съема звука тарелок и установки в целом. А в любом отличном секвенсоре есть канал "Room" и "Ambience", которые дают звук уже отражений комнаты и дополнительных призвуков. И регулируя их громкость относительно основных каналов можно получать "dry/wet" звучание в той степени, которую требует трек.

Конечно это довольно поверхностный взгляд, но он поможет вам начать смотреть на барабаны не просто как на "тупо бит", а как на сложную и кропотливую часть музыки, от которой зависит добрая половина итогового микса.

И это была первая часть в мини серии о том, как правильно прописывать цифровые инструменты. В следующий раз я напишу про бас. Так что музыканты не чихайте, а то всех клиентов распугаете✌️

#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🎸 Как программировать бас

Как бы вы не относились к карантину, но это прекрасное время для практики. Вот почему сегодня мы попрактикуемся в создании сочного звука баса.

Как и всегда, любому композитору и аранжировщику, я советую взять уроки игры и понять принцип звукоизвлечения на бас гитаре. Фортепиано, кстати, тоже отлично подойдет. Потому что структура баса достаточно похожа на любом инструменте и если ее понять, то можно хоть джаз, хоть техно и дабстеп прописывать.

Теперь по плагинам. «Пацанам на Винде» я советую скачать «Broomstick Bass». Легкий в освоении (и по весу), но потрясный плагин с кучей достойных звуков. Ну и все юзайте «Trillian» — ничего лучше я пока не видел.

И здесь наступает распутье. Если нужен живой инструмент, то к нему и претензии соответствующие. Прописывается не только «Velocity» и длина ноты, но и специфические звуки: слайд, слэп, поп. А для большей реалистичности: Шорох слайда, случайные удары по корпусу и (как у контрабаса, например) просто ритмические удары по струнам без ноты как таковой.

У синтезатора таких приколов нет, зато намного важнее становится «Лееринг» — несколько синтезаторов, играющих одну партию нота в ноту. Можно с разницей в октаву или две. Поработать с громкостями, дав одному или паре синтов лидерство, где-то даже поиграть с панорамой. И вот у тебя уже свой собственный звук, который четко передает нюансы из твоей головы. (Кстати хороший совет для структуры — ультранизкий «punchy» бас можно добавлять на припеве, чтобы добавить ему мощи, а заодно отделить от куплета).

А чтобы басовый низ контролировать — используй «Multiband» компрессию. И не забудь выбрать разные полосы частот для бочки и для баса, чтобы они не пересекались, создавая кашу и муть по низам (которую, кстати, можно отследить только на хорошей громкости в хороших мониторах).

И слушай лучших. Не только звуки, но и принципы аранжировки бас партий постоянно меняются, но это не значит, что нужно гнаться за трендами. Это значит — узнавать новое и брать то, что актуально лично для тебя. Цель аранжировки — максимально эффективно донести мысль и настроение песни, а не показать твою гениальность и умение «напихать всего, что установлено». Даже одна нота, сыгранная на дешевом синте и длящаяся такт, может звучать интересно и актуально.

Так что расчехляй свою миди клавиатуру и удачи тебе с этим, музыкант✌️

#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Давно задумывался о своей домашней студии, но не знал с чего начать? Начни с моего подкаста "Слышь!" и его третьего выпуска о структуре домашней студии, проработке дизайн-проекта и организации рабочего пространства.
Со дня на день подкаст будет выложен, так что следи за обновлениями и не болей✌️

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky #ДомашняяСтудия

Третий выпуск подкаста "Слышь!", в котором я рассказываю, как с умом подойти к созданию домашней студии. От идеи до расстановки оборудования.

🗂 Дизайн проект и бумажная работа
🎧 Акустическая подготовка комнаты
🗜 Расстановка оборудования и коммутации

P.S.

Внутри выпуска я обещал выложить ссылки, но потом здраво рассудил, что не хочу делать рекламу определенным магазинам. Так что просто оставляю названия того, что обещал:

1) Приложение "Google Measure"
2) Книга "Recording Secrets for the Small Studio"
3) Набор софт+микрофон "Sonarworks Reference 4"

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🌌 Как перестать боятся не реализовать все идеи в одном треке.

Когда у юного аранжировщика появляется мало-мальский опыт и аппаратура для продакшна, то опьяненный свободой он начинает впихивать в свои треки все, что только можно.

12 слоев баса? Легко! Арпеджиаторные синты, которые перетекают один в другой, создавая причудливую звуковую картину и барабаны с таким количеством дополнительных звуков и перкуссии, что вживую это не сыграет и целый оркестр.

Но так ли необходимо вываливать на слушателя все, что лично ты считаешь крутым? Я думаю, что нет. И вот почему:

Для тебя, как для автора, музыка всегда слушается куда проще, потому что ты знаешь каждый ее элемент, она рождалась у тебя на глазах. Постепенно и шаг за шагом.

Слушатель же знакомиться с конечным вариантом сразу, а значит любая перегруженная аранжировка будет звучать утомительно и человек, скорее всего, этот трек переключит.

Плюс, даже если математически все верно и партии ритмически дополняют друг друга, то уже высотный диапазон может быть забит, делая постпродакшн очень сложным, а иногда и невозможным. Плюс, опять же, песне нужен "ритмический воздух".

Динамика хорошего трека достигается чередованием пиков и желобов звука, а значит не стоит вываливать все доступные инструменты на человека. И да, как ты покажешь ещё больший рост динамики, если изначально аранжировка перегружена звуками и новые звуки совсем не дают ей "панча"?

Да, сегодня любой DAW поддерживает бесконечное число дорожек, а количество инструментов ограничено только памятью твоего пк, но я предлагаю думать, как режиссер монтажа — всегда сидеть наготове с ножницами и отрезать все, что можно отрезать.

А все то, что осталось невостребованным, всегда можно запихнуть в новую музыку.

Так что желаю тебе идеального баланса, музыкант, будь скромнее ✌️

#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🎤 Как обрабатывать вокал

На прошлой неделе мой приятель, только начинающий осваивать азы звукорежиссуры, сказал: "Серега, вот у меня все более-менее хорошо с битами, синтами и обработкой этого дела. А вот вокал, хоть записан в шикарной студии на дорогой микрофон, звучит как из ведра. Что не так и как сделать вкусно?" Вот об этом сегодня и поговорим.

Если копнуть в базис, то обработок (по существу) всего 4 вида: частотные, динамические, искажающие и пространственные. А остальное лишь вариации на тему. И вот из грамотного сочетания этих четырех обработок возникает хороший результат (причем независимо от инструмента). Но раз сегодня говорим о вокале, то я расскажу о некоторых особенностях именно для него.

Итак частотка: это разные виды эквалайзеров, разумеется. Чем обычно руководствуюсь я? Вокал — самое главное в песне, а это значит, что его нужно резать как можно меньше. Вот почему на проблемных местах вокала (низ и нижняя середина, к примеру) я ставлю динамический эквалайзер. А если нужно, то и multiband компрессор (который, по сути — промежуточный вариант между эквалайзером и компрессором. Со своими плюсами и минусаим соответственно)

Динамические обработки, они же компрессоры всех мастей. Я, как адепт компрессии нью-йоркской, использую два плагина одновременно. Первый — медленный (со средними значениями attack-release) для мягкости звучания, а второй — жесткий (минимальный atack-release), сидящий во вкладке "Send". Так голос приобретет мощь, а изменения вокалистом расстояния от микрофона до рта во время пения будут нивелированы.

Искажения, что в данном случае равно сатурации. Эмуляторы лампы, ленты, старых и новых микрофонов — это все сюда. А иногда и настоящие искажения, в виде "amp simulator" или "distortion", тоже вполне применимы. Вот их уже не стоит врубать на всю мощь, добавляя процентов 5-10 перегруза.

И пространство, которое я тоже завожу в "Send" канал, выводя громкость этого канала от -10дб и ниже. Стандартный набор — это "Reverb"+"Delay", размытые до нужной кондиции. С пространством вообще надо быть аккуратным, чтобы не получить звук приморского кафе в Геленджике. Но именно грамотная пространственая обработка даст голосу яркость и жизнь, которую мы все слышим на качественно сведенном материале.

Так что я предлагаю взять уже готовый минус, записать черновой голос и попробовать поэкспериментировать с этими четырьмя видами обработок. И практика приведет вас к звуковому дзену.

Так что дерзай, музыкант, все возможно✌️

#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​🎸 Так ли важно качество гитары?

И это не совсем о финальном звуке, а именно что о деревяшке с шестью струнами и парой звукоснимателей.

Рискну предположить, что вы смотрели фильм "Приготовьтесь, будет громко" о трех гитаристах (Джимми Пейдж, Джек Уайт и Эдж), рассказывающих о том, как формировались стили их игры. И видео начинается с того, как Джек Уайт собирает гитару из доски и стеклянной бутылки. Получая в итоге полне себе слушабельный звук.

Ну ладно — у этого парня всегда был свой особенный стиль. Что же до нас, обычных тружеников струны и медиатора? Настолько ли важно покупать себе дорогой инструмент или, как пишут на форумах, любая деревяшка в руках профи заиграет и вообще зачем разоряться? Вот об этом сегодня и речь.

Начну с маленькой истории: моей первой электрогитарой был дешевенький "Fender Squire Stratocaster", которую купил мне отец еще в школе. Вместе с простеньким усилителем от Marshall, шнурами, медиатором и чехлом вышло что-то около 200 долларов еще тех денег.

Гитара звучала немного блекло, часто фонила, но в целом была неплохим инструментом за свою цену. И по прошествии лет я, как парень сентиментальный, решил не продавать ее по дешевке, а как-то улучшить.

В итоге от гитары осталось только "Body" и первичная фурнитура (машинка). Остальное пошло под замену: новый гриф, датчики "Lace sensors", внутренняя коммутация, графитовая экранировка и даже потенциометры громкости и тона. Это было свежим. (Конечно к этой конфигурации я пришел не сразу, постепенно дополняя и переделывая инструмент. Плюс пару раз менял датчики из-за желания другого звука). Как итог — это мой основной рабочий инструмент, на котором я записываю 99% всей гитарной музыки.

Что же я выяснил за все эти годы экспериментов? Если твоя деревяшка не из клееного дсп, а из настоящего куска дерева (пусть даже самого дешевого) — этого достаточно. А вот дальше начинаются траты. Уникальный звук твоего инструмента формируют: датчики, гриф, обработка и предусилитель с усилителем на пару.

И вот на эти штуки я бы не скупился. Про гитарный звук я могу написать отдельно более развернуто, а пока завершу про сам инструмент — если есть деньги, то конечно стоит покупать хорошую гитару. Не только в плане звука, но и из-за удобства игры и обслуживания.

Но если денег не так много, а играть хочется, то попробуй собрать своей собственный инструмент. Б/у "Body" (Я не знаю приличных русских аналогов, а сказать "тело гитары" звучит грубовато на нашем языке. Если вы знаете как сказать правильно, то пишите в комментах📖), такие же датчики или недорогой русский аналог (благо на рынке есть мастера, которые делают датчики за относительные копейки). Фурнитура стоит дешево, а коммутацию можно сделать своими руками или руками друзей, которые шарят в схемотехнике.

И как итог — можно получить очень классный инструмент за относительно небольшую сумму. И потом играть на нем очень и очень долго.

Так что развивай скиллы, музыкант, и думай шире✌️

#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky