​​Как тембр влияет на восприятие информации

Любой музыкант (если это действительно музыкант, а не случайно забредший в профессию человек, который хочет прославиться) думает: "Как сделать свою музыку качественной". А в идеале: "Как сделать ее лучше, чем я делал до этого". Я когда-то не просто делал об этом статью — целый выпуск подкаста по теме записал. Давайте погружаться в дебри, раз базово стало все понятно.

Его величество тембр правит бал. Сколько раз мы натыкались на "пианино, звучащее словно калькулятор" или "гитару, в которой не хватает жира". И человеческий голос, записаный "узко, куце, гнусаво". Да, люди определенно находят что-то в песнях легендарной "Гражданской Обороны" и не менее легендарной "Стекловаты". Но будем честны — большинство не сможет получить эстетическое удовольствие от такой музыки именно из-за качества записи и выбранной манеры звуков.

Немного отойду в сторону — плохих тембров не существует, существуют не соответствующие задаче. Но какой-никакой стандарт есть, иначе вся плохо записанная музыка становилась бы хитовой, но почему-то этого не происходит.

Человеческое ухо тонко чувствует фальшь. И особенно когда мы пытается обмануть его, выдав за живой инструмент нечто, этот инструмент копирующее. Как ни старайся в живом джазовом треке прописать "кукольное" ф-но в стиле техно или "happy hardcore", минимум что ты получишь — недоумение. Максимум — насмешки и презрение. (Опять же оговоримся, что такова может быть творческая задумка. И если человек знает, зачем делает то, что делает — тут никакие рамки и советы не нужны. Особенно если это эксперимент).

Голос же — это 80% песни в принципе. Если все инструменты записаны хорошо и правильно, а голос — на BM-800 в пустой комнате, полной зеркал, то как бы звукарь ни старался применить магию — получится говно.

Почему столько денег тратится на дорогую аппаратуру и заглушку комнаты? А после — на обработку. Не зря так ценятся железные приборы за много тысяч долларов (когда есть бесплатные плагины, "эмулирующие" вроде те же эффекты). Ответ — потому что тембр, формируемый через реальные приборы невозможно эмулировать досконально. Даже мои любимые UAD плагины будут проигрывать своим реальным прототипам по качеству звука и легкости управления. Хоть и хороши, да.

Да, если ты действительно гениальный мелодист и исполнитель, то даже записанная на телефон песня прозвучит волшебно. Так, что люди захотят ее послушать. И при этом — начнут просить "студийную версию". Избалованные качеством мы ждем соответствия определенным стандартам: громкости, динамике и тембральной окраске. А значит, если ты хочешь быть в индустрии — соответствуй качеству. И правильный выбор тембра под нужный жанр — это уже пол-дела✌️

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Звук #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Анонс еще одного записанного до войны подкаста. Все самые не актуальные шутки были вырезаны (да, здесь мы дейстувем как Тик-Ток войска Кадырки), но в остальном получился бодрый разговор о предтечах и развитии электронной музыки. Раз-Раз-Раз, это Хардбас!

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

Нашел офигенский пост с раскладыванием музыкальных терминов на английский язык. Очень полезная штука, чтобы набраться основ

https://music-mydream.com/blog/anglijskie-muzykalnye-terminy/

Покопавшись в интернете мы с Алексом стали чуть больше шарить в электронной музыке. И надеемся, что свежий выпуск тоже приоткроет вам завесу тайн.

1) Технологии, синтезатор, терменвокс и семплер
2) Электронные композиторы
3) Техно
4) Транс
5) Dark Wave
6) Эмбиент
7) Нью-Эйдж
8) Чиптюн
9) Drum’N’Bass

Tangerine Dream, Kraftwerk, Apex Twin, Enigma, Gregorians, Diary of Dreams, The KLF, Нейромонах Феофан.

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

И снова на правах рекламы — недавно мне довелось поработать с Михаилом Шацем (я почти уверен, что вы знаете этого статного комика), делая звук для его подкаста.

И в общем первый выпуск готов, так что потихоньку я теперь и с большими работаю☺️

И сам подкаст оч крутой, особенно если вы любите Ирину Шихман😉

https://youtu.be/gj8RH6rUjYg

Little Big выпустили новый клип, в очередной раз заявили о презрении к решению Российского правительства развязать войну в Украине и (судя по пресс-релизу "Медузе" и сайту самих "Бигов") приняли решение покинуть Россию. Ну что ж, еще больше достойных людей вынуждены уехать. А клип хороший, в духе первых видосов

https://youtu.be/7Yy4RP4FMNk

​​Усилители звука. Часть 1.

Вот за что я люблю наш чат — сидящие там люди всегда подкинут идейку-другую для статьи. И собственно эта статья — одна из "подкидышей", за что спасибо @HarleyClick (Он же мой соведущий подкаста) и @RED_FUCKING_BEARD (повелитель камер Sony).

Усилители есть звука везде: от мобильного телефона до цифрового пульта на стадионе и очень важно понимать, зачем они и для чего нужны. Первый очевидный ответ — чтобы усиливать звук. А второй — чтобы на этот звук влиять.

Возьмем, к примеру, обычный гитарный "комбик", он же комбо усилитель. Такое название у него из-за того, что в это колонке скрыты сразу 2 вида усилителя и динамик:

1) Первым идет "Предусилитель" (или "Преамп"), стоящий сразу после гитарного (в данном случае) входа. Нужен он для усиления слабого сигнала гитары до линейного (1,5 Вольт). Именно преамп дает гитаре "окраску" звука и формирует тембр. Так что когда мы говорим о "характере" усилка, то имеем ввиду именно характер преампа.

2) Оконечный усилитель (усилитель мощности или "Амп") уже линейный, подкрашенный и эквализированный сигнал отправляет на динамик. Именно усилитель мощности помогает раскачать динамики, чтобы они начали вибрировать, формируя звуковую волну, и зазвучали. Тоже немного влияет на звук, но в данном случае это фича.

В идеальном мире как преамп, так и амп не должны влиять на звук совсем. Что пришло, так и ушло — идеальная передача того звука, что ты слышишь в живую. Но из-за неидеальности схемотехники первые приборы ощутимо меняли звук. И позже это начало цениться.

В звуковых картах преампы стараются делать чистым и ровным, что вроде бы хорошо (запись что микрофона, что датчика по идее должна звучать так, каков звук в реальной жизни). Но усилители бывают разные, на звук все равно влияют по разному, а еще конвертеры аналогового сигнала в цифровой и обратно добавляют влияния. Кстати амп в картах обычно стоит слабенький, для выхода на наушники, либо как раз для подключения к внешнему усилителю/активным колонкам. А вот классы и модели этих усилков надо активно гуглить для каждой карты, я немного поискав не нашел примеров, так что ищите схемы.

И в итоге на дешевых и средних карточках какой мы получаем сигнал? Правильно — искаженный уже на этапе записи и конвертации. И искаженный явно не так, как мы бы того хотели, используя специальный преамп.

Ладно, с усилением на входе разобрались — нам нужны либо кристальные преампы (с огромным отношением сигнал/шум) и дорогими цап-ацп конвертеры внутри карты. Либо отдельный красящий преамп с такими же дорогими цап-ацп.

А продолжение в части 2

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Усилители звука. Часть 2.

Начало лежит вот здесь

Что насчет выхода на динамики? Давайте оговоримся, что сейчас мы болтаем либо про активные мониторы (то-есть колонки со встроенным оконечным усилителем {ампом}), либо про внешние усилители для пассивных моников. Так что если вдруг вы стали обладателем пары пассивных колонок типа Yamaha NS10, то классификация усилителей мощности все равно вам пригодится.

Как-минимум в него будет идти выход со звуковой карты перед выходом на мониторы, а как максимум — эти штуки (усилители) тоже влияют на звук (не забываем), так что важно их выбирать с умом. И да, усилители бывают аналоговые, а бывают цифровые. И если в картах вы с аналогом не столкнетесь (там точно будет микросхема), то вот усилок для пассивных моников вполне таким может быть.

Усилители класса А — идеальный, не искаженный сигнал, но огромные потери кпд, охренительное тепловыдедение и малая мощность не делают такие усилки фаворитом. Зато они вполне могут быть частью каскада усилителей.

Класс В — Куда более эффективные, но вот штука, дико искажают сигнал. И потому сами по себе тоже не используются, но являются частью каскада...

Класс АВ — Вот именно с таким усилителем скорее всего вы столкнетесь везде, от мониторов до внешек. Компромисс между мощностью, искажением и тепловыделением, плюс простая схемотехника сделали этот класс фаворитом.

Класс D — Маленький, эффективный, с низкой теплоотдачей и без фоновых шумов. Так хороши, что младшие модели наверняка стоят в ваших JBL bluetooth колонках. Но вообще сложны в производстве и дороги нереально.

Остальные классы — это что-то среднее, между A и B, потому сильно в них лезть не хочу.

Ну если в активных колонках все ясно, то как выбрать амп под пассивные? Ну Помимо выбора класса вам придется состыковать мощность. На колонках обычно пишется, какая мощность усилителя нужна и я рекомендую этого придерживаться. Ибо взяв усилитель мощнее, чем надо вы, конечно, не спалите колонки и сам усилок, но зато ручкой громкости придется работать супер филигранно, ибо плавного повышения не будет — будет либо очень тихо, либо супер громко.

Так что смотрим сопротивление, мощность и чувствительность (чем "дБ" чувствительность колонок ниже, тем мощнее нужен усилитель).

Ну и да, усилители еще бывают Ламповые, Полупроводниковые (Транзистор, микросхема) и гибридные. Что важно нам?

Что ламповый усилитель меняет свои характеристики при усилении звукового давления (от силы крика в микрофон или мощи дерганья струн будет разный звук). Плюс дает любимые четные гармоники, так приятные уху.

Транзистор (как и микра) не меняет динамику и свои характеристики, плюс добавляет в звук нечетных гармоник. Из-за чего звучит агрессивнее и "ершистей", но куда более однородно и собранно.

Гибрид звучит очень по-разному и его нужно слушать отдельно каждый раз, но лично я не вижу куда его использовать вообще (ни в качестве преампа, ни в качестве ампа).

В общем разбирайтесь в науке и применяйте ее плоды в своей работе👌 А если было интересно — оставляйте комменты и я найду, о чем "железном" еще написать😉

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Почему из поп-музыки пропало соло?

Если мы не берем в расчёт новых гитарных героев вроде Джона Майера или узкие стили музыки, которые никуда и не девались то заметим, что именно в популярной музыке места для соло не осталось. Еще в девяностых важность соло начала отходить на второй план, а к нулевым и вовсе сошла практически на нет. А вот почему так получилось давайте разбираться.

Соло в привычном нам понимании зародилось в Америке 20-30 годов с появлением джаза и дельта-блюза. И причина его появления была очень простой — черные музыканты без музыкального образования. Которым было проще придумать одну последовательность аккордов, на которую можно импровизировать часами, чем учить и придумывать что-то сложное и многоступенчатое.

Понятное дело, что мы связываем соло с эпохой популярности рок-музыки и конечно с соло на электрогитаре. В 50е окончательно сложилась форма поп-песни в привычном нам виде и соло стало неотъемлемой частью песни, чтобы разбавить и сделать интересным переход между вторым и третьим припевами. Вот у этих ребят есть не только подробное видео о лучших гитарных соло и его зарождении, но и куча видео про другие инструменты. Очень рекомендую😉

Если копнуть в глубины истории (а точнее в начало двадцатого века) то мы увидим, что "о ужас", соло в привычном понимании там не было. Потому что музыка была продолжением академической-барочной классики со сложной структурой, лейтмотивами и прочим. Там любой проигрыш можно соло обозвать, но мы то имеем ввиду конкретные вещи.

Ну а что случилось дальше? Музыка начала становиться ритмичнее, под влиянием фанка, диско и хип-хопа. И так вышло, что ритмичной музыке длинные и сложные запилы не нужны. Послушайте Nirvana или Oasis и вряд ли вы найдете там что-то, похожее на соло былых лет.

И чем больше поп-музыка налегала на важность электроники, баса, барабанов и вокала (ну и шоу, куда без него), тем меньше места оставалось для соло. Иногда оно прорывалось даже там, где возникнуть не должно было. Но на данный момент можно констатировать факт — соло отдыхает на обочине истории.

Но, как мы знаем, история циклична и слушать постоянно только поп и трэп надоедает. Так что я верю в то, что популярная музыка станет сложнее, интереснее и соло к нам обязательно вернется. Ну а вы, если делаете музыку с кайфом, можете этому сильно поспособствовать😉

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Мониторинг

Если тебе кажется, что ты знаешь о мониторинге все — вероятно ты не знаешь о нем ничего. Поэтому я, с позиции ровно такого же незнания, постараюсь систематизировать все те клочки инфомрации, что мы получаем или берем из собственного опыта, в какой-то стройный текст. Глядишь и сам пойму чуть больше😁

В очередной раз начнем с комнаты. Я отдельно писал здесь, но повторение — мать. Ведь не важно, слушаешь ты на дешевых Hi-Fi колонках любимой фирмы "SVEN" или на восьмидюймовых “KRK” с дополнительным саб-вуфером — если комната не подготовлена должным образом, то грош цена твоим стараниям. В чем проблема? Да во всем!

Низкие частоты — это длинные волны. А если волне не хватает места, то она отражается от стены и резонирует сама с собой. Из-за чего создается гул. И ты не знаешь: то-ли гул в записи, то ли в комнате. А резать-то надо.

Высокие частоты дают специфический металлический призвук (попробуй крикнуть например в ванной), который тоже мешает ориентироваться, но уже по верхам.

Комп вентиляторами шумит? Отож. С улицы шум идет? Конечно. Соседи кричат? У кого они не кричат у того делают ремонт. Или детей, тут уж какие соседи попадутся.

Значит нужно комнату заваливать барахлом (углы комнаты точнее) и стараться убрать источники лишнего шума как можно дальше. Вот почему, кстати, игровые ноуты не всегда подходят — шумят, как паровоз.

Ок, с комнатой мы разобрались.

Что делать с мониторами? Выбирать наиболее ровно звучащие и подходящие по размеру комнате. В коробку 3х3 не надо покупать басящие 8-дюймовые “KRK Rokit”, но и не стоит надеяться получить полный спектр на 3,5-дюймовых “Presonus”.

Дальше расставляем моники как можно шире друг от друга (желательно подальше от стен). Мы уберем лишние резонансы, а из-за ширины почувствуем настоящюю стерео картинку. И услышим наконец разницу между 50 влево и 35 влево же. Так проще будет усадить инструмент в микс.

Мониторов желательно иметь хотя бы три пары: ближнее поле, среднечастотные (типа “Auratone”) и “HI-FI” колонки для шит контроля. Я люблю свои “Harman/Kardon Soundsticks III”, но может у вас есть свои фавориты.

Что насчет наушников? Их нужны две пары: закрытые и открытые. Закрытые звучат собранно и не позволят утечь звуку плейбека в запись микрофона. Что критично на постпродакшне☝️ А открытые звучать достаточно широко, чтобы работать со стереобазой в тишине.

Помни об удобстве и выбирай оголовник и амбюшуры такие, чтобы можно было без боли в ушах и голове просидеть часа 3 хотя бы. ну и вообще следи за здоровьем.

Надеюсь теперь ты чуть больше шаришь в мониторинге и соответственно от продакшна будешь получать только кай-кайф-кайф✌️

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Как раньше сводили музыку

Покопавшись немного в русском интернете я понял, что статей о том, как записывать и сводить музыку "сейчас" полно. О том, как это делали раньше в эпоху "до компьютеров", записей практически нет. Ну а поскольку я человек любящий историю звука, то эта статья не могла не появиться на свет.

Вообще-то сводить музыку начали не так давно (популярной музыке и звукозаписи вообще чуть больше века). Конкретно — с появлением многодорожечных магнитофонов в начале 60х. До этого музыку сводили в процессе записи. Ну как сводили — инженер наверняка что-то подкручивал, но основа звука настраивалась изначально, а записи производились "вживую" всем бэндом и одним дублем.

Мультитрековая запись, конечно, перевернула игру. Теперь можно было не просто записывать каждый инструмент на свою отдельную дорожку — стало возможным писать одну дорожку следом за другой! Это сейчас нам уже привычно писаться под плейбек (он же "минус") или записать партию гитары, а потом под нее же напеть и наиграть другие партии. Тогда это было словно найденный золотой Грааль, нехило так повлиявший и на звук, и на аранжировки.

А (соответственно) громкость и панораму каждого трека так же легко можно было подкрутить. Из-за этого, по началу, появлялись хитрые сочетания стерео картинки — например барабаны (полностью) и бас слева, а вокал и гитары справа. Опять же не чета современному расположению, где бас, бочка и снейр традиционно в центре, а другие инструменты разложены по панораме слева и справа.

А еще есть в современных DAW такая удобная вещь, как автоматизация, которая позволяет и громкость дорожки регулировать автоматически, и эффект нужный "подмешать". Было ли что-то подобное раньше? Конечно да, но в несколько ином виде.

Уже в 70х, с появлением 24 дрожечных магнитофонов, звукорежиссерам стало невозможно управлять всеми дорожками сразу. И умные инженеры разработали консоли (микшерный пульты) в которых можно было прописать автоматизацию каждой дорожке. Я думаю многие видели на видео, как фейдеры микшерного пульта движутся сами по себе. Вот это явный пример аналоговой автоматизации.

Ну а там оставалось рукой подать до компьютеров и современного сведения. И да, конечно тебе не обязательно знать, как работает настоящий аналоговый пульт и запись на пленку (у нас вряд ли когда-то появятся деньги на подобную запись). Да честно говоря и не надо, ведь делать музыку на компьютере с современными обработками гораздо удобнее.

Не забывай применять знания на практике. И тогда ты точно будешь делать музыку с кайфом✌️

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Неделя подходит к концу, а у нас анонс нового подкаста. На этот раз о джазе и самом джазовом инструменте — саксофоне🎷

В гостях у нас будет Катя Рамжаева: педагог, резидентка джаз клуба Козлова в Москве, пионер джазового образования для взрослых и разумеется саксофонистка😁

Мы вместе с бессменным (и бессмертным) Алексом Madnight поговорили с Катей, узнали много нового про такой странный (но такой родной) инструмент, про колледж Berklee, про музыкальное образование и очень-Очень-ОЧЕНЬ много про джаз.

Будет интересно😉 А сам выпуск планируем выдать в вокресенье, если ничего не изменится, нет войне✌️

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

Итак выпуск о саксофоне с Катей Рамжаевой в гостях. Ей есть что рассказать, а вам — что послушать 😉
Кстати у Кати есть канал, залетайте

А у нас в выпуске:
1) Как Катя пришла в музыку
2) Кто придумал саксофон
3) Стоит ли ехать учиться в "Berklee"
4) Какие функции у саксофона
5) Интересные виды саксов и духовых
6) Что играют на саксофоне и как учиться?

Послушать:
Candy Dulfer - Lily was here
Charlie Parker - Donna Lee
Ladynsax - Ameno
Cinderella - Shelter Me
George Michael - Careless Whisper
Sunstroke project & Olia tira - Run Away
Bruce Springsteen - Born to run
Diablo swing orchestra - Voodoo Mon Amour
Van Morrison - Moondance
Billie Joel - Just The Way You Are
Medley & Warnes - Time of Your Life
Bill Withers - Just The Two Of Us
Pink Floyd - Money

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Слышь! #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​История звукозаписи или как это было без компьютеров. Часть 1

Мы, конечно, можем погрузиться во времена шарманок и музыкальных шкатулок, но мне куда интереснее более-менее современная история, когда звукозапись появилась в почти текущем виде. Тем более что пластинки и запись на пленку используются до сих пор, чтобы получить "тот-самый звук".

Кстати на канале подкаста "Слышь" я уже делал выпуск об истории звукозаписи, можете послушать его вот тут. Сейчас же будет, скорее, продолжение статьи про сведение музыки в докомпьютерную эпоху.

Как гласит история, первым звукозаписывающим устройством, близким к нашим реалиям, стал фоноавтограф Леона Скотта. Это устройство записывало звук с помощью рупора, на конце которого находилась игла. Эта игла выцарапывала дорожки на вращающемся стеклянном валике, покрытым бумагой или сажей. Уже что-то знакомое, правда? Отдаленно напоминает принцип работы виниловых пластинок. Но не будем забегать вперед, я лишь расскажу, что в 2008 году была найдена запись, сделанная самим Скоттом 9 апреля 1860 года. Это была французская народная песня "Au clair de la lune" и она по праву считается первой аудиозаписью в мире.

21 ноября 1877 года на свет появился фонограф — прибор небезызвестного Томаса Алвы Эдисона, который мог уже не только записывать звук, но и воспроизводить записанное. Принцип работы был весьма схож с фоноавтографом — рупор, игла и валик (покрытый уже воском). С одним отличием: в конце рупора перед иглой стояла мембрана — прародитель микрофона. Судя по сайту Antique Phonograph Society мембраны делались из меди и/или алюминия. Изобретение было настолько популярным, что Немецко-Американский изобретатель Эмиль Берлине решил его улучшить...

...получив 26 сентября 1887 года патент на граммофон. А всего-то стоило предложить использовать диск вместо валика для фиксации звуков. Сами пластинки, кстати, виниловыми стали гораздо позже. Изначально они делались из эбонита, позже из шеллака. А самый первый диск был вообще цинковым. Из-за удобства конструкции (звук на пластинках был чище и громче, а сами они просто копировались для тиражирования) успех был обеспечен. Кстати привычное нам название музыкальный альбом произошло отсюда — пластинки хранили в картонных (реже кожаных) чехлах, чем внешне напоминали фотоальбомы.

Патефон стал последним прибором "доэлектрической" записи. Компактный размер, маленький рупор и возможность относительно легко перевозить его с места на место — вот главные особенности патефона. Кстати патефоном его называли в основном в России, поскольку первыми туда попали портативные граммофоны фирмы "Pathe".

Промежуточным звеном являлся электрофон. Тот же граммофон, обросший механическими воспроизводящими частями (такими как электродвигатель). Являлся составной частью Вайтафона — системы синхронизации изображения и звуков в кино. Общий привод запускал аудио и видео дорожки для совместного воспроизведения. За счет чего видео изображение возросло до привычных нам 24 кадра в секунду, но это оставьте это знатокам кино. Нас же интересует звук, а точнее переход к магнитной записи.

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Размышления #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​История звукозаписи или как это было без компьютеров. Часть 2

Начало здесь

Все дальнейшие нововведения связаны с эффектом магнетизма и изобретением не только микрофона, но и магнитной ленты. Нам важно, что в 1928 году немецкий инженер Фриц Пфлеймер получает патент на использование магнитного порошка для нанесения его на бумагу. А уже доработанный компанией BASF принцип (на пленку наносят оксид железа) приблизил нас к современной звукозаписи в том виде, в котором она есть. Не только из-за из уменьшения соотношения сигнал/шум до 60 дБ, но еще из-за расширения полосы частот выше 10 кГц. Первым коммерческим магнитофоном стал, как ни странно, Magnetophon K1 в 1935.

А дальше пошли уже наши музыкантские закидоны. Во-первых многодорожечные магнитофоны, ставшие прообразом портастудий и современных DAW. Ведь с какого-то момента музыку стало возможно записывать отдельными партиями, а не вживую. Что не только усложнило аранжировки, но и сделало сами записи чище.

А во-вторых стали активно использоваться компрессоры, усилители, микшерный пульты. Изначально — для удобства работы со звуком, но в дальнейшем определенные приборы стали легендарными из-за вносимых в цепь искажений, дававших "тот самый теплый аналоговый звук". Ну а с появлением цифровой записи и компакт дисков мы пришли туда, где находимся сейчас — в эпоху домашних студий и стримминговых сервисов.

Знать историю всегда важно, чтобы знать, куда мы идем и куда заходить не стоит. Плюс часто можно подчерпнуть вдохновения для новых работ. Важно не прекращать учиться, а сделать это довольно просто — читай мой блог и слушай подкаст Слышь!"😉 И делай музыку с кайфом✌️

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

Немного бесплатных плагинов в коллекцию

Novation’s Bass Station and V-Station synth plugins are now free to download

​​Эволюция стерео-звука

Мы, кажется, никогда не задумывались о том, что музыка (да и звук вообще) в массово-домашнем обиходе всегда звучит в стерео. И правда, у нас же два уха, почему все должно быть иначе? Но в инженерном мире было много довольно важных изменений стерео-звука, о которых сегодня и поговорим.

Не удивительно, что эксперименты со стерео-звуком начались примерно тогда же, когда началась современная история звукозаписи. Я уже писал про историю звукозаписи, просто вкратце скажу, что Томас Эдисон изобрел фонограф в 1877 году. И уже в 1881 на сцене Парижской Оперы начали использовать стереозвук.

Точнее были установлены телефонные приемники вокруг сцены, которые передавали звук живого выступления в передатчики для каждого уха, находящиеся в комнатах Парижской Электрической Выставки. Чуть позже устройства похожего действия зарегистрируют как Театрофон и Электрофон.

Что не удивительно эти приборы были уделом богачей либо выставок и отелей. Забегая вперед скажу, что обычные люди даже в 1950 году слушали музыку в моно, наслаждаясь полноценным звуком в кинотеатрах или на концертах. Более-менее современно записывать стерео научились еще в 1930х, но вот воспроизводить его была очень дорогая задача для тех лет и массовости у технологии конечно не было (массовости для единичного человека).

Прием звука с помощью подобранной пары микрофонов и запись его в две дорожки (в данном случае две реальные дорожки на пластинке) — все это нам знакомо и сейчас. Как и запись на много источников звука (например в 1932 году на 80 микрофонов в студии Bell Laboratories была записана опера Скрябина "Прометей"). В дальнейшем эти эксперименты приведут к появлению Surround звука в кинотеатрах, но это уже другая история, а мы возвращаемся к музыке.

В 1958 году некоторые звукозаписывающие компании (Такие как RCA и Decca) начали выпуск музыкальных альбомов в двух форматах: новые стерео и старые монофонические. Соответственно каждый потребитель покупал альбом под имеющиеся у него проигрыватели. Соответственно для музыкантов и звукоинженеров это было время небывалых экспериментов.

Если послушать старый мотаун и вообще не ремастеренные записи 50-60 годов, то вы услышите крайне непривычный вид стерео — каждый инструмент расположен либо справа, либо слева, без позиций между. Даже барабаны полностью отправляются в одно ухо. Видимо дело было в том, что стереодинамики располагались не так, как мы привыкли, а просто ставились рандомно в помещении.

В 70е (Не без участия Алана Парсонса и групп вроде "Pink Floyd" и "Led Zeppelin") звук все-таки стал привычным нам (вокал, бас, бочка и снейр в центре, а клавиши, гитары, бэк, тарелки и томы по краям).

Можно сказать, что на этом развитие стерео закончилось, ведь тогда же появилось понятие работы с трехмерным пространством в двухмерной среде (Высота, Панорама и Глубина звука менялись в том числе громкостью и реверберацией). Разве что расположение звуков барабанов, находящихся с краю, зеркально изменилось (чтобы звук стал как-будто воспринимаем не со стороны зрителя, а со стороны музыкантов).

Кто знает, возможно новые технологии и множество динамиков в наушниках дадут нам полноценный "surround" звук в кармане, но пока что звукорежиссерам и музыкантам достаточно хорошо шарить в стерео, чтобы делать музыку с кайфом✌️

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Аппарат #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

​​Как перестать бояться и начать писать музыку за деньги

Пожалуй нет большей проблемы в нашем музыкальном комьюнити, чем вопрос заработка. Даже если ты учился и прекрасно владеешь инструментом, то далеко не факт, что тебя ждет нечто большее, чем преподавание и редкие "халтурки" в ресторанах.

И главная причина — это, конечно, страх.
Страх того, что ты не вывезешь, что будешь делать некачественный продукт и вообще — "синдром самозванца" налицо. Так что думаю не лишним будет сказать, что бояться не нужно! Потому что ты будешь востребован/а, если все навыки на месте.

1) Не так много людей умеют писать музыку на компе. Даже если набор возможных аранжировок у тебя довольно скромный, это все равно больше, чем у большинства музыкантов. А значит — ты уже можешь работать.

2) Аранжировки — это сложно, долго и дорого. Тут важно не только умение их делать, но и быть психологом. Понять, что хочет клиент. А кто, как не ты, так сильно парящийся из-за музыки человек, сможет по настоящему почувствовать, что хочет заказчик?

3) Косячат все, даже супер-профи. И люди, в массе своей, это понимают. Если клиент будет наезжать на тебя, то он так же наедет и на других. Это уже не твоя проблема — просто не работай с подобными людьми.

4) Расслабься и просто делай. Зачем нервничать, когда эту же энергию можно пустить в созидание? Все от этого только выиграют. А музыка в особенности 😉

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Музыкальный_Юрист #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky

Ребята — произошел божественный подгон. Довольно хороший набор оркестровых инструментов от spitfire теперь вечно бесплатный.

Залезаем, качаем, пишем, кайфуем✌️

https://www.spitfireaudio.com/shop/a-z/bbc-symphony-orchestra-discover/

​​Как писать альбом и не только

И в самом деле — ты, конечно, можешь пойти по пути Моргенштерна и записать за один день рэп альбом, но если хочется чего-то чуть сложнее и чуть менее банального, то работа предстоит долгая.

Свой последний альбом я делал ровно год, так что от этой даты и рекомендую отталкиваться.

И хорошо, если есть готовые тексты песен с аккордами и структурой, плюс понимание, в каком жанре они должны быть. А если нет? Вот тут на помощь нам и придет очередной чек-лист музыканта (предыдущие два были посвящены аранжировщикам и звукарям соответственно):

1) Соберем все идеи вместе. Песни с аккордами, наработки текста, идеи треков — все это нужно собрать и подумать, сколько песен будет на альбоме и насколько он будет разноплановым. Ты хочешь песни, связанные одной идеей музыкально или лирически? Или просто набор лучшего из того, что есть? Все это продумывается в самом начале.

2) Чек-лист партий. Мы добавили чек-лист в твой чек-лист, чтобы ты мог/ла проверять себя в то время когда... ну ты понимаешь. Обычно слева я пишу в столбик названия всех песен, а по горизонтали — названия партий. Барабаны, гитара, басы, синты, голос. Так можно помечать, что ты уже сделал/а и оценивать оставшийся объем работ. Супер удобно, наглядно и, чего греха таить, красиво для социальных сетей.

3) Пишем музыку методом "лесенки". Например: сегодня у тебя час работы над первым треком. Ты садишься и пишешь, например, барабаны. И уже завтра ты работаешь два часа: по часу над первой и второй песней соответственно. Постепенно увеличивай количество одновременных треков, находящихся в работе. Так ты не успеешь устать от одной песни, а идеи начнут появляться в процессе работы над музыкой сами по себе.

4) Выкладывай результаты в соц. сетки. Ты не только привлечешь к себе внимание, но и будешь постоянно подбадриваться лайками с комментами. Плюс не дашь себе остановиться, потому что уже "как-будто" обещал/а другим довести дело до конца.

5) Мастеринг альбома. Это не то же самое, что мастеринг одного трека. Здесь надо выравнивать громкости, чтобы от песне к песне все было одинаково и формировать какой-то общий саунд. Пусть альбом будет супер мульти-жанровый, но звучать все должно единым полотном.

Вроде бы советов мало, но ведь основа это: аранжировки, звук и песни, а про все это можно почитать по ссылкам выше.

Сам же альбом — просто большой набор твоих песен. Но это не значит, что его писать проще или скучнее. Альбом — это познание самого себя, открытие новых горизонтов своего творчества и работа на грани выгорания, когда ты уже не можешь продолжать и мозги кипят, но ты собираешься с мыслями и доводишь работу до конца, чтобы не было стыдно перед самим собой. И это кайф✌️

Помоги Украине сейчас🇺🇦:
ukrainewar.carrd.co/

🔥 Становись патроном канала (если ты не из России)

🔥 Или донатером на Boosty (из России)

Или просто отправляй чуть кэша на Paypal

Добавляйся в чат

Подкаст "Слышь!" на подкаст платформах:
Castbox.fm
Apple Podcasts
Google Podcasts

#Ремесло #Записки_Аранжировщика #Адамский_Музыка #Adamsky