«Мой план – быть готовым ко всему, что меня ждет впереди», – делится в своем интервью с арт-директором и вдохновителем платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероникой Коржевской куратор групповой выставки «Паблик-арт. Действующие лица» Роман Ермаков.

Инженер-архитектор по образованию, мастер перформативных костюмов, скульптор, сценограф, художник – творческие воплощения Романа Ермакова удивительно разнообразны. Ему подвластны многие виды изобразительного искусства. Его работы органично сочетают в себе техническую точность и художественную пластичность.

Разговор c художником получился многослойным и насыщенным, впрочем, как и творческий путь героя.

Посмотреть интервью Вероники Коржевской с Романом Ермаковым о художественных метаморфозах, влиянии рынка на статус искусства, роли государства в развитии индустрии, хитросплетениях вопросов авторского права и многом другом можно по ссылке.

#От_первого_лица
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Почему французского художника и графика Жюля Шере называют «Отцом плакатного дизайна»? Ведь он не был первым живописцем, кто начал рисовать афиши спектаклей, ресторанные меню, обложки для книжек и рекламные плакаты. И не был единственным предпринимателем в Париже, кто имел печатную мастерскую.

Все дело в том, что он был первым, кто начал подписывать свои работы и тем самым повысил статус плаката до объекта искусства.

Кроме того, Жюль Шере изобрел собственный быстрый и эффективный способ создания многоцветных плакатов. Его инновации навсегда изменили рекламу того времени.

Формула успеха Шере состояла из трех вещей.

Во-первых, он исключил из производственного процесса этап создания эскиза и переноса его на специальный литографический камень, начав работать сразу на камне.

Во-вторых, он делал с одного камня оттиски двумя различными красками, что значительно ускорило и упростило создание плакатов.

И в-третьих, создал новый художественный стиль – предтечу модерна. Теперь художники могли буквально выносить свое искусство на улицы.

Именно благодаря Шере искусство создания плакатов выросло в самую настоящую индустрию,а имея собственную печатную мастерскую в Париже, он создавал шедевры плакатного модерна – афиши для театров, кабаре и мюзик-холлов, рекламные плакаты. Самую разнообразную продукцию на этих плакатах – от алкоголя и косметики до сигарет и лекарственных препаратов – представляла молодая кокетливая красотка, которую публика ласково называла «шеретка». Она стала своеобразной подписью художника. А может быть, была его талисманом.

Жюля Шере как ведущего рекламиста Франции признали не только коллеги по цеху, но и правительство республики: в 1890 году он был награжден орденом Почетного Легиона за выдающийся вклад в развитие графического искусства.

На заметку

Познакомиться с работами художника можно на выставке «Калейдоскоп французской жизни» в Волго-Вятском филиале ГМИИ им. А.С. Пушкина (Арсенал).

В экспозиции представлена одна из лучших коллекций литографированной афиши XIX – начала XX века из собрания Пушкинского музея. Произведения, созданные в триумфальный период в истории рекламного дизайна, иллюстрируют все многообразие французской жизни – быт, моду, нравы, развлечения, коммерцию, политическую борьбу, искусство.

Помимо работ Жюля Шере, посетители выставки могут увидеть работы одного из пионеров иллюстрированных объявлений Поля Гаварни, представителей стиля ар-нуво Анри де Тулуз-Лотрека, Эжена Грассе и Альфонса Мухи, карикатуристов Адольфа Вийетта и Гюстава Жоссо.

Выставка доступна для посещения до 23 февраля 2025 года.

Портрет Жюля Шере создан с помощью Midjourney.

#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Чуть больше десяти дней остается до наступления 2025 года. Новый год принесет новые творческие мастерские, фестивали и конкурсы. Рекомендуем присмотреться к ним уже сейчас, чтобы успеть подготовить заявку.

 
📍Арт-резиденция в селе Кидекша
 
Художников, этнографов, фольклористов иискусствоведов приглашают исследовать историю создания ткачества – от традиционных ремесел до современных художественных практик. В рамках резиденции «Текстиль: Материя искусства и культуры» участникам предлагается переосмыслить работу с тканью, нитями и узорами, исследуя их как выразительное средство и способ диалога между прошлым и будущим.
Итоговые работы и исследования резиденции получат возможность войти в состав экспозиции, посвященной теме ткачества, которая откроется в августе 2025 года в МИРА-центре в Суздале.
 
Дедлайн: 10 января
 
 
📍Конкурс от Центра творческих индустрий «Фабрика»
 
Открыт набор на новый сезон программы поддержки mid-career artists «Фабричные мастерские». Художники, работающие с любыми медиа, скульпторы, писатели и исследователи, чей возраст на момент начала резиденции (15 марта 2025 года) будет составлять от 35 до 55 лет, смогут получить пространство для реализации проекта в творческом и безопасном профессиональном сообществе Фабрики.
 
Дедлайн: 10 января
 
 
📍Резиденции от Молодежного центра современного искусства в Ульяновске
 
Художников, творческие коллективы и кураторов приглашают принять участие в наборе на 5-й юбилейный выставочный сезон. Основное направление конкурса: художественное исследование на свободную тему. Заявки принимаются в различных медиумах: как классических – живопись, графика, скульптура, фотография, так и актуальных – видео-арт, инсталляция, смешанные техники.
 
Дедлайн: 15 января
 
 
📍Гран-при KERAMA MARAZZI
 
Международный конкурс реализованных проектов открыл набор заявок от участников из России и других стран, где представлена продукция бренда.
Призовой фонд конкурса составит 5 640 000 рублей. Сумму разделят победители в шести номинациях: от жилых интерьеров до арт-объектов.
Награждаются не только участники, занявшие призовые места; в любой из номинаций могут быть определены обладатели поощрительных призов.
В составе жюри – ведущие эксперты бренда, а также художники и исследователи.
 
Дедлайн: 15 января
 
 
📍Конкурс от библиотеки Гоголя в Санкт-Петербурге
 
Экспериментальный проект Центральной библиотечной системы Красногвардейского района по преобразованию классической библиотеки в актуальное общественное пространство приглашает художников и арт-группы, работающие в любых направлениях искусства, а также проекты независимых кураторов на открытый конкурс.
По итогам конкурса будут отобраны художники, которые смогут представить свои проекты в выставочном пространстве библиотеки в течение 2025 года.
 
Дедлайн: 15 января
 
 
📍Опен-колл IF PULSE в Нижнем Новгороде
 
Организаторы восьмого международного фестиваля медиаискусства INTERVALS предлагают медиахудожникам осмыслить в своих работах тему «траектории».
В опен-колле IF Pulse будет два трека – мэппинги и инсталляции.
Победители обоих треков получат денежные призы и их работы покажут на городской медиавыставке в рамках IF ’25.
 
Дедлайн: 15 февраля
 
 
📍Международный конкурс молодых художников «Картина мира»
 
Студентов и выпускников специализированных художественных учебных заведений, свободных молодых художников в возрасте от 18 до 35 лет приглашают принять участие в масштабном межстрановом проекте и через искусство осмыслить и передать ценности своего народа как части глобальной культуры человечества.
Конкурс проводится по трем номинациям: живопись, графика, цифровое искусство.
Победители получат возможность показать свою работу в филиале Государственной Третьяковской галереи в Калининграде.
 
Дедлайн: 1 марта
 
 
#Open_call
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

У искусства с античности и чуть ли не до новейших времён всегда был заказчик. И, как правило, это была церковь.

Но начиная с эпохи Просвещения среди заказчиков появились богатые и знатные люди или, например, профессиональные сообщества. Те, кто имел возможность оплатить художнику его расходы и его работу. Но при этом заказчики сразу начали диктовать свои условия: регулировали размеры холста, подбирали краски, задавали сюжет, меняли композицию и героев.

Первым художником, кто начал ломать правила и отстаивать собственную свободу творчества, был голландский живописец Рембрандт Харменс ван Рейн.

В 1642 году он получил большой заказ от Гильдии голландских стрелков – изобразить модный по тем временам групповой портрет городской стражи одного из районов Амстердама.

Художник должен был нарисовать картину строго по правилам: в центре композиции капитан роты, рядом с ним лейтенант, всех остальных персонажей нужно было расположить в ряд так, чтобы ни один из них не выделялся. И никаких посторонних лиц. Каждый участник группового заказа, самостоятельно оплачивая художнику свой портрет, хотел и полного сходства, и места, соответствующего статусу.

Но художник решил все сделать иначе.

«Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема Ван Рёйтенбюрга» – так первоначально называлась эта картина, а сегодня мы знаем её как «Ночной дозор» – стало самым масштабным произведением Рембрандта. На холсте почти 4-х метровой длины и 5-ти метровой высоты художник изобразил 34 персонажа. Но только 16 из них были реальными членами гильдии и заплатили по 100 гульденов за свои портреты. Остальные – плод фантазии художника.

Впрочем, не все. У маленькой девочки, невесть как попавшей в роту стрелков, было лицо любимой жены Рембрандта Саскии. А в портрете мужчины в шляпе угадывался сам автор полотна.

Да и сама картина из канонически статичного портрета превратилась в сюжетное полотно - стрелки уже приготовились выступать на защиту города, но военачальники пока обсуждают стратегию. Сборы явно затянулись.

Что же произошло, когда картину обнародовали? Заказчики картину приняли, но посчитали себя обманутыми. Главный портретист Голландии внезапно вышел из моды и оказался на грани разорения.

Но начатую Рембрандтом революцию за отстаивание прав художников на свободу творчества уже было не остановить.


#Творческаяконвергенция
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В марте 2009 года выставка, где экспонировались 192 картины русского авангарда, была внезапно закрыта после того, как известный эксперт заявил, что 190 картин являются подделками.

Выставка, проходившая в муниципальных залах Шато во французском Туре, была посвящена Александре Экстер, видной фигуре русского авангарда.

#Факт_о_контрафакте
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В марте 1871 года в одном из залов Академии художеств была выставлена на всеобщее обозрение статуя Ивана Грозного работы молодого скульптора Марка Антокольского. Сегодня сказали бы, что ваятель точно ответил на запрос времени. С середины XIX столетия в обществе начал расти интерес к эпохе Грозного. О его роли в отечественной истории спорили виднейшие историки – Сергей Соловьев, Василий Ключевский, Николай Костомаров. Тайну одной из самых противоречивых фигур на российском престоле пытались осмыслить писатели и драматурги: Алексей Толстой издает роман «Князь Серебряный» и трагедию «Смерть Иоанна Грозного», Лев Мей пишет драмы в стихах «Псковитянка» и «Царская невеста», вдохновившие Римского-Корсакова на создание ставших знаменитыми опер.

Откуда в сыне бедного трактирщика из захолустной Вильны такое понимание человеческой природы? И каким чудом уцелел этот талант? Родители видели в Марке только продолжателя семейного дела, но на рисунки мальчика обращали внимание посетители, и вскоре родителей говорили отдать сына в учение резчику по дереву. И хотя в семнадцать лет Марк сбежал из мастерской, учеба пошла ему на пользу – его приняли вольнослушателем в класс скульптуры Императорской академии художеств, где Антокольский и увлекся русской историей. Скульптура Грозного стала его экзаменационной работой и принесла тридцатилетнему автору звание академика. Правда, не без вмешательства монарха: вначале академики категорически отказывались рассматривать работу Антокольского, как вещь «далекую от общепринятых канонов».

«Иван Васильевич Грозный» сразу стал сенсацией. Увидеть его устремился весь Петербург, не остались в стороне и члены императорской фамилии, включая Александра II. Только что приехавшему из-за границы Тургеневу тоже рассказали об этом чуде. Иван Сергеевич был так ошеломлен увиденным, что поделился своими впечатлениями с читателями «Санкт-петербургских новостей»:

В наклоненном положении стана, в неровном рисунке плечей, в каждой черте типически-верного, изможденного и все-таки величавого лица, в каждой подробности всей фигуры – так, кажется и читаешь все ощущения, все чувства, мысли, которые смутно, и сильно, и горестно задвигались в этой усталой душе. Тут и страз смерти, и раздражение больного человека, избалованного беззаветной властью, и раскаяние, и сознание греха, и застарелая злоба, и желчь, и подозрительность, и жестокость, и вечное искание измены… Он собирается встать, этот старый, злой, больной человек, который в одно и то же время и русский – и царь, царь с головы до ног, не хуже короля Лира. И что он станет делать, как встанет? Пытать? молиться? или пытать и молиться? Не нужно быть особенно чутким человеком, чтобы понять, что хотел сказать художник. То, что он задумал изобразить, – дело сложное, как вообще все человечески живое; но выполнял он свою задачу с такой очевидной ясностью, с такой уверенностью мастера, что не вызывает в зрителе ни малейшего колебания; а впечатление так глубоко, что отделаться от него невозможно; невозможно представить себе Грозного иначе, чем каким его подстерегла творческая фантазия г-на Антокольского. по искренней правде, гармонии и несомненности впечатления его произведение напоминает древних, хотя, с другой стороны, оно всей сущностью своей принадлежит к новейшей, характерно-психологической, живописно-исторической школе ваяния. Особенно поразительно в этой статуе счастливое сочетание домашнего, вседневного и трагического, значительного… И с каким верным тактом все это проведено!

Переведенная в гипс статуя демонстрировалась на первой передвижной выставке в Москве, затем на Международной выставке в Лондоне, и вскоре гипсовый слепок заказал для себя Кенсингтонский музей. «Иван Грозный» стал первой работой русского скульптора, приобретенной зарубежным музеем. По заказу Александра II практически сразу же был выполнен вариант в бронзе для Зимнего дворца, а в 1875 году Антокольский повторил работу в мраморе для Павла Михайловича Третьякова.


#ПрочтениеЖивописи
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Вторая половина декабря постепенно подходит к концу, уступая место долгожданной новогодней неделе. Это дайджест самых запомнившихся событий прошедших недель.

«Портрет “Персидки”» Ильи Репина выставили на аукцион за 60 млн руб. Картина стала топ-лотом главных торгов года, которые традиционно проводит Московский аукционный дом.
Сам портрет является этюдом к одной из самых узнаваемых работ Репина «Садко в подводном царстве», написанной по заказу императора Александра III. Подлинность картины подтверждена экспертным заключением, автографом автора и дарственной надписью.

В Суздальском кремле открылась выставка Алёны Долецкой «Я есть цвет». Концепция, по замыслу автора, выстроена вокруг образа цветка и погружает зрителя в символический мир «вечных ценностей». На выставке представлены более 30 экспонатов – от XII века до наших дней. Это предметы религиозного и светского искусства, в каждом из которых есть свой скрытый смысл.

В Государственной Третьяковской галерее снова можно увидеть шедевр Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». В 2018 году полотно подверглось нападению вандалов и с этого времени находилось на реставрации. Около двух лет отреставрированная картина ждала завершения работ по изготовлению антивандальной капсулы с датчиками и климат-контролем. Предполагается, что капсула позволит обеспечить максимальную сохранность полотна.

Владимиро-Суздальский музей-заповедник представил уникальное полотно Антиведуто Грамматика «Христос и грешница». Автора работы не могли установить в течение ста лет. Картина поступила в фонд музея еще в 1920-х годах. Благодаря современным технологиям и экспертизе специалистов Государственного музея изобразительных искусств было установлено, что автор произведения – ученик Караваджо, представитель эпохи барокко Антиведуто Грамматика. Он творил в период с конца XVI по начало XVII века.


В 2024 году рынок зарубежных художественных аукционов не смог достигнуть качественного роста по сравнению с показателями прошлых лет. Совокупная стоимость десяти крупнейших лотов, проданных на аукционах в текущем году, составила 512,6 миллиона долларов. Это на 22,3% меньше, чем в 2023 году (660 миллионов долларов), и на 53% меньше, чем в 2022 году (1,1 миллиарда долларов). Согласно недавнему отчету лондонской аналитической компании ArtTactic, в 2024 году объем публичных продаж на аукционах Sotheby's, Christie's и Phillips во всех ключевых категориях составил 4,1 миллиарда долларов: это на 29% меньше, чем в 2023 году, и на 47,9% меньше, чем в 2022 году.



#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Мы живем в разноцветном мире. Цвет несет информацию об окружающих нас предметах, влияет на наше настроение, может менять ощущение пространства.

Светочувствительные клетки сетчатки наших глаз (колбочки) реагируют на три основных первичных цвета – красный, желтый и синий. Все остальные цвета мозг воспринимает как комбинацию этих трех основных. В общей сложности мы можем различать примерно 150 000 разных оттенков.

Основы теории цвета были заложены еще Ломоносовым и окончательно сформулированы в конце XIX века швейцарским психологом Карлом Густавом Юнгом и немецким физиком и врачом Лювигом фон Гельмгольцем.

Научные открытия в области теории, физики и психологии цвета и цветовосприятия настолько увлекли французского художника Жоржа Сёра. чтон решил отказаться от классической техники смешивания базовых цветов на палитре или холсте и предоставить зрителям самим использовать естественную способность наших глаз создавать всю гамму цветовых оттенков. Для этих целей Сёра изобрел собственную уникальную манеру письма, при которой краска наносится на холст не мазками, а крошечными точками чистого цвета. Художник назвал эту технику «пуантилизм», от французского слова point – точка.

Над своей первой картиной в новой технике Сёра работал два года. «Купальщицы в Аньере» были представлены публике в 1884 году.

Сразу же после премьеры Сёра приступил к созданию полотна «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт». Но огромное полотно размером два на три метра поначалу никакого фурора не произвело, потому что у зрителей не было возможности разглядывать его на расстоянии. Кроме того, в зале было недостаточно света и картина казалась посетителям просто... грязной. Сегодня «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» считается самой известной работой художника. А также одним из программных живописных полотен XIX века, открывшего новую страницу в истории изобразительного искусства.


#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Если художник ставит во главу угла деньги, то он не совсем художник,

— отмечает яркий представитель современной стрит-арт-культуры Дмитрий Аске в разговоре с арт-директором и вдохновителем платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероникой Коржевской.

Дмитрий специализируется на масштабных росписях, панно и скульптурах: его работы можно увидеть в Москве, Туле, Нижнем Новгороде и даже Владивостоке. Художник также участвовал в групповых выставках за рубежом, например в Мексике и США.

Интервью Вероники Коржевской с Дмитрием Аске получилось многоплановым. Творцы поговорили о роли художника в современном мире, значимости авторского права, поддержке представителей творческих профессий со стороны государства и многом другом.
Смотрите интервью по ссылке.


#События
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Каждый день ровно в 12 часов, когда в Петропавловской крепости ударяла пушка, на крышу дома, где жил Архип Куинджи, слетались тысячи птиц со всего Санкт-Петербурга. Голуби, вороны, галки, воробьи без всякой опаски брали корм из рук художника, садились ему на плечи.

Ежемесячно Куинджи закупал для своей птичьей столовой 60 французских булок, 6 кулей овса и 10 кг мяса для ворон. При этом на самих себя Архип Иванович и его жена Вера Леонтьевна Кетчерджи тратили всего лишь 50 копеек в день.

Архипа Куинджи называли «волшебником света» и считали непревзойденным мастером пейзажей. А сам себя он называл «птичьим избранником» и уверял, что птицы питают к нему особую любовь и понимают его речь.

Но художник не только беседовал с птицами и кормил их, он еще лечил больных и раненых. Если было необходимо – забирал домой и выхаживал. Однажды ему пришлось прооперировать голубя, у которого возникли проблемы с горлом – художник сделал ему трахеотомию, чем, к слову говоря, очень гордился. Был у «птичьего доктора» и опыт лечения бабочки: он заклеил ей порванное крыло рыбьим клеем.

Можно ли назвать увлечение Архипа Куинджи птицами простым хобби? Нет, конечно. Это был, скорее, его образ жизни. Дорога, которую он выбрал для себя еще в раннем детстве. Художник говорил: «С детства привык, что я сильнее и помогать должен». И он действительно помогал: защищал слабых от обидчиков, спасал котят и щенков от мальчишек-хулиганов.

Картины приносили Куинджи хороший доход. Однако большую часть средств он тратил на благотворительность. Безвозмездно давал деньги друзьям, студентам, коллегам по цеху, вовсе незнакомым людям. Никогда никому не отказывал.

Но птицы были самой большой его любовью. Вера Леонтьевна подтрунивала над мужем, говорила, что его легко выманить из дома, сказав, что на улице лежит больная ворона.

Говорят, что, когда Куинджи хоронили, к его дому слетелись все птицы Петербурга и кружили, осиротевшие, над крышей.


#Нехудожественные_увлечения
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Молодым российским художникам всегда есть чему поучиться у старшего поколения. Примером деятельного служения искусству для многих стал Константин Худяков – президент Творческого союза художников России.

Он начинал карьеру в Центральном музее В.И. Ленина, а в конце 1980-х создал одну из первых частных галерей в России – ныне Центр современного искусства М`АРС.

Что представляет из себя искусство России в XXI веке? Что привносят в творчество художника цифровые технологии, на какое место в арт-индустрии сегодня претендует ИИ – об этом и не только в нашем декабрьском интервью с Константином Худяковым.

P.S. Платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ подписала соглашение о сотрудничестве с Творческим союзом художников России. Мы вместе будем популяризировать отечественное искусство и укреплять связи внутри профессионального сообщества.


#События
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Каждый художник желает знать…

— Успех художника никогда невозможно просчитать на 100%, — уверена основательница ASKERI GALLERY и онлайн-площадки ARTONLINE24.RU Полина Аскери. — Но одно могу сказать наверняка: успешность художника зависит от его диалога со зрителем.

Действительно, помимо непосредственно художественного таланта креатору необходимо уметь доносить свои идеи до зрителя, привлекать его собственной историей. Со временем это позволит выйти на всероссийский арт-рынок.

Полина Аскери стала героиней нового большого интервью нашего проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, осуществляемого при поддержке Президентского фонда культурных инициатив (ПФКИ).

Мы поговорили о том, как креатору попасть в зону внимания галереи, принципах монетизации творчества, основных чертах современного коллекционера и о многом другом.
Интервью доступно здесь.

#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Пауль Клее – немецко-швейцарский художник, который открыл для себя цвет после того, как много лет был заперт в черно-белой графике.

Первые художественные эксперименты Клее начал в 1903 году. Он работал тогда над циклом из 11 офортов Inventionen и изобрел собственную «стеклянную» технику, которая делала акцент на контрасте между темным и светлым. Техника была довольно проста: Клее рисовал иглой на зачерненном стекле.

В этом стиле за два года было выполнено 57 работ, после чего Клее перешел к экспериментам с цветом. При этом Клее было не важно, что изображено на картине – натюрморт или пейзаж, – ему важно просто включить в свои работы цвет, поначалу только самые темные тона. Художник-экспериментатор также сочетал в своих работах графику и живопись, используя уголь и акварель. Таким образом, в 1907 году была создана картина «В карьере Остермундинген, два журавля».

Позднее уже в своих живописных работах Клее начал накладывать один слой краски на другой, чтобы добиться определенных тонов.

Рисунок черным маслом – еще одна техника, разработанная Клее. С помощью листа бумаги, покрытого черной масляной краской, он переносил рисунок на другой лист бумаги, из-за чего линии обводки выглядели размытыми. Давление, оказываемое при обводке, создавало смазанные пятна, к которым художник добавлял акварель. Клее использовал эту технику в картине «Канатоходец», написанной в 1923 году.

Художественный стиль Клее не был обусловлен какой-то одной техникой, как это часто бывает. Его стилем была комбинация разных техник, сочетание разных приемов и композиционных принципов.

Клее провел множество экспериментов в течение своей жизни и был признан одним из самых новаторских художников ХХ века. Результатом его творчества стало несколько тысяч (!) рисунков, картин и графических работ.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

В преддверии Нового года представители арт-сообщества, близкие друзья идейного вдохновителя платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ Вероники Коржевской рассказали о том, что ждёт российское изобразительное искусство в наступающем году, дали рекомендации на что следует обратить внимание, и конечно же, поделились самыми тёплыми пожеланиями всем, кто посвятил свою жизнь творчеству.

Приятного просмотра 🎥👇🏻