Среди креативного сообщества Борислав Володин известен как руководитель Национального открытого чемпионата творческих компетенций ArtMasters — одного из главных образовательных проектов в сфере творческих индустрий.
Он также является членом экспертного совета национальной платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданной при поддержке Президентского фонда культурных инициатив.
Рады поделиться интервью с Бориславом Володиным! Поговорили о поиске талантливых креаторов, важности командной работы в творческой сфере, пользе нейросетей и креативной инфраструктуре в регионах.
Читайте материал здесь.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Он также является членом экспертного совета национальной платформы ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданной при поддержке Президентского фонда культурных инициатив.
Рады поделиться интервью с Бориславом Володиным! Поговорили о поиске талантливых креаторов, важности командной работы в творческой сфере, пользе нейросетей и креативной инфраструктуре в регионах.
Читайте материал здесь.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9👍5🔥3
Художник чаще всего ассоциируется с духом бунтарства и противостоянием системе. Однако встречаются и те, кто искренне любит свою страну, рисуя при этом далеко не самые патриотичные картины. Таким был советский художник, представитель так называемого «сурового стиля» — Гелий Михайлович Коржев.
Творить Гелий Коржев начал в послевоенное время. Одной из первых его картин стала «Эвакуация». Позже Коржев отошёл от полотен со множеством персонажей, но на поиски своей темы у него ушло много лет.
В годы поиска он работал над выставочными панно, рисовал открытки и иллюстрации для книг и даже устроился преподавать. Кстати, педагогическая карьера Коржева в итоге сложилась очень удачно, но сам себя он всю жизнь считал не профессором, а художником.
Нашел свою тему Коржев только в 1954 году, когда показал на Первой молодёжной выставке картину «В дни войны». Картину сочли настолько глубокой, что Коржева сразу же приняли в Московский союз художников. С этого момента основой творчества Коржева стало изображение советских людей такими, какими они были. Герои его картин не позируют во дворцах, они заняты своими делами и выглядят реалистично.
Найдя свою тему, Коржев получил всеобщее признание: ему дали звание народного художника СССР, удостоили ордена Ленина. Правда, ни одной личной выставки провести не дали.
Ближе к 1970-м годам в творчестве художника начали проскакивать ноты разочарования, а когда СССР развалился, Коржев и вовсе впал в настоящую депрессию. Он считал, что утрачивается ценность искусства и на смену ей приходит бездушная коммерция. Именно поэтому он так и не принял ни одной награды от нового правительства.
После распада СССР с картин Коржева пропали люди: их заменили деформированные создания, которых художник прозвал «тюрликами». По его версии, они захватили власть и заставили людей забыть о человечности, чести и совести взамен на материальные блага.
Произведение хранится частном собрании. Ознакомиться с эскизом к одноименной картине можно в Государственном музее искусств Узбекистана. В онлайн-формате с эскизом можно ознакомиться по ссылке.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Творить Гелий Коржев начал в послевоенное время. Одной из первых его картин стала «Эвакуация». Позже Коржев отошёл от полотен со множеством персонажей, но на поиски своей темы у него ушло много лет.
В годы поиска он работал над выставочными панно, рисовал открытки и иллюстрации для книг и даже устроился преподавать. Кстати, педагогическая карьера Коржева в итоге сложилась очень удачно, но сам себя он всю жизнь считал не профессором, а художником.
Нашел свою тему Коржев только в 1954 году, когда показал на Первой молодёжной выставке картину «В дни войны». Картину сочли настолько глубокой, что Коржева сразу же приняли в Московский союз художников. С этого момента основой творчества Коржева стало изображение советских людей такими, какими они были. Герои его картин не позируют во дворцах, они заняты своими делами и выглядят реалистично.
Найдя свою тему, Коржев получил всеобщее признание: ему дали звание народного художника СССР, удостоили ордена Ленина. Правда, ни одной личной выставки провести не дали.
Ближе к 1970-м годам в творчестве художника начали проскакивать ноты разочарования, а когда СССР развалился, Коржев и вовсе впал в настоящую депрессию. Он считал, что утрачивается ценность искусства и на смену ей приходит бездушная коммерция. Именно поэтому он так и не принял ни одной награды от нового правительства.
После распада СССР с картин Коржева пропали люди: их заменили деформированные создания, которых художник прозвал «тюрликами». По его версии, они захватили власть и заставили людей забыть о человечности, чести и совести взамен на материальные блага.
Произведение хранится частном собрании. Ознакомиться с эскизом к одноименной картине можно в Государственном музее искусств Узбекистана. В онлайн-формате с эскизом можно ознакомиться по ссылке.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤15👍6🥰4
В 1980-х годах в Русском музее в Петербурге (тогда еще Ленинграде) произошла загадочная история.
Оказалось, что в запасниках музея хранятся вовсе не оригиналы рисунков Филонова, а искусно выполненные копии. Оригиналы же находятся в Музее современного искусства Центра Жоржа Помпиду во Франции. При этом французский музей эти рисунки честно купил, не подозревая о том, что они краденые. СССР тогда решил не предавать эту историю огласке, поэтому уголовное дело было возбуждено только в 1990 году.
Рисунки Павла Филонова попали в Русский музей в 1977 году от его сестры, но поскольку авангард тогда был не в почёте, их убрали в запасники. Эти запасники и стали своего рода сундуком с сокровищами для аферистов. Любому сотруднику музея не составляло никакого труда достать картину из запасника, сделать копию, а потом поменять их местами, чтобы чуть позже продать оригинал куда-нибудь за границу.
Оперативники установили наблюдение за всеми сотрудниками и искусствоведами, которые имели к этим запасникам доступ или интересовались творчеством Филонова. Среди подозреваемых оказался Виктор Тимофеев — весьма известный человек в мире теневого искусства.
Вскоре спецслужбы зафиксировали встречу Тимофеева с Моисеем Поташинским — известным контрабандистом художественных ценностей, который как раз в 1989 году вышел из тюрьмы. Тут уже начали следить за самим Поташинским, и оказалось, что он тайно встречается с сотрудницей Русского музея Татьяной Кароль.
Выяснилось, что Тимофеев благодаря своим обширным связям искал покупателей среди зарубежных дипломатов, Кароль тайно выносила рисунки из музея, а Поташинский помогал переправлять всё это через границу. Поташинский считал, что на него вышли случайно. В одном из своих интервью того времени он рассказал, что продал рисунки некоему коллекционеру, а тот пошёл в Русский музей, чтобы выяснить, оригиналы у него или новодел. Тут-то и выяснилось, что оригиналы по-хорошему должны быть в музее, но никак не в руках коллекционера.
Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Оказалось, что в запасниках музея хранятся вовсе не оригиналы рисунков Филонова, а искусно выполненные копии. Оригиналы же находятся в Музее современного искусства Центра Жоржа Помпиду во Франции. При этом французский музей эти рисунки честно купил, не подозревая о том, что они краденые. СССР тогда решил не предавать эту историю огласке, поэтому уголовное дело было возбуждено только в 1990 году.
Рисунки Павла Филонова попали в Русский музей в 1977 году от его сестры, но поскольку авангард тогда был не в почёте, их убрали в запасники. Эти запасники и стали своего рода сундуком с сокровищами для аферистов. Любому сотруднику музея не составляло никакого труда достать картину из запасника, сделать копию, а потом поменять их местами, чтобы чуть позже продать оригинал куда-нибудь за границу.
Оперативники установили наблюдение за всеми сотрудниками и искусствоведами, которые имели к этим запасникам доступ или интересовались творчеством Филонова. Среди подозреваемых оказался Виктор Тимофеев — весьма известный человек в мире теневого искусства.
Вскоре спецслужбы зафиксировали встречу Тимофеева с Моисеем Поташинским — известным контрабандистом художественных ценностей, который как раз в 1989 году вышел из тюрьмы. Тут уже начали следить за самим Поташинским, и оказалось, что он тайно встречается с сотрудницей Русского музея Татьяной Кароль.
Выяснилось, что Тимофеев благодаря своим обширным связям искал покупателей среди зарубежных дипломатов, Кароль тайно выносила рисунки из музея, а Поташинский помогал переправлять всё это через границу. Поташинский считал, что на него вышли случайно. В одном из своих интервью того времени он рассказал, что продал рисунки некоему коллекционеру, а тот пошёл в Русский музей, чтобы выяснить, оригиналы у него или новодел. Тут-то и выяснилось, что оригиналы по-хорошему должны быть в музее, но никак не в руках коллекционера.
Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9👍6😱5🔥4
Что мы знаем о самых первых в мире художниках и их работах?
Что жили они в Восточной Индонезии на острове Сулавеси, относились к роду Homo sapiens, умели добывать огонь, мастерить оружие для охоты и кисти для рисования, а также добывать природные пигменты и создавать из них краску.
Один компонент этой краски – цветная глина – буквально лежал у них под ногами. За вторым – животным жиром – приходилось побегать по джунглям с копьём.
Как первобытные художники догадались, что красная глина, смешанная с растопленным животным жиром, превращается в податливую пластичную массу, которая легко наносится на стены пещеры и радует глаз своей долговечностью, доподлинно не известно.
Самая старая картинная галерея была обнаружена археологами в 2018 году в индонезийской пещере Леанг Карампуанг.
Возраст рисунков на стенах этой пещеры составляет 51 200 лет. По результатам исследований, проведенных в 2024 году, живопись Леанг Карампуанга является «древнейшим известным изображением повествования и самым ранним примером фигуративного искусства в истории человечества».
Сюжет первой в истории человечества картины прост: охота на бородавчатую свинью. При этом сама свинья изображена очень реалистично и с невероятной анатомической точностью. Охотники же, по словам исследователей, похожи на фигурки из палочек. Кроме того, они не вполне люди, скорее териантропы, то есть гибриды человека и животного. У одного из этих охотников ученые рассмотрели голову птицы, у другого — хвост циветты. И этот факт говорит о том, что у наших далеких предков было абстрактное мышление и развитое воображение — качества, совершенно необходимые для творчества.
Пещерная или наскальная живопись не такая уж редкость. Образцы первобытного искусства времён палеолита находят в пещерах по всему миру.
Творчески одарённые неандертальцы, денисовцы и Homo sapiens рисовали не только разноцветной глиной, но и древесными углем, мелом, разными минеральными пигментами. При этом они умели смешивать красители с разными вяжущими веществами: древесной смолой, растительным жиром и даже молоком.
В посте изображен петроглиф с острова Еловый. Ознакомиться с петроглифом можно на сайте музея-заповедника «Петроглифы Канозера».
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Что жили они в Восточной Индонезии на острове Сулавеси, относились к роду Homo sapiens, умели добывать огонь, мастерить оружие для охоты и кисти для рисования, а также добывать природные пигменты и создавать из них краску.
Один компонент этой краски – цветная глина – буквально лежал у них под ногами. За вторым – животным жиром – приходилось побегать по джунглям с копьём.
Как первобытные художники догадались, что красная глина, смешанная с растопленным животным жиром, превращается в податливую пластичную массу, которая легко наносится на стены пещеры и радует глаз своей долговечностью, доподлинно не известно.
Самая старая картинная галерея была обнаружена археологами в 2018 году в индонезийской пещере Леанг Карампуанг.
Возраст рисунков на стенах этой пещеры составляет 51 200 лет. По результатам исследований, проведенных в 2024 году, живопись Леанг Карампуанга является «древнейшим известным изображением повествования и самым ранним примером фигуративного искусства в истории человечества».
Сюжет первой в истории человечества картины прост: охота на бородавчатую свинью. При этом сама свинья изображена очень реалистично и с невероятной анатомической точностью. Охотники же, по словам исследователей, похожи на фигурки из палочек. Кроме того, они не вполне люди, скорее териантропы, то есть гибриды человека и животного. У одного из этих охотников ученые рассмотрели голову птицы, у другого — хвост циветты. И этот факт говорит о том, что у наших далеких предков было абстрактное мышление и развитое воображение — качества, совершенно необходимые для творчества.
Пещерная или наскальная живопись не такая уж редкость. Образцы первобытного искусства времён палеолита находят в пещерах по всему миру.
Творчески одарённые неандертальцы, денисовцы и Homo sapiens рисовали не только разноцветной глиной, но и древесными углем, мелом, разными минеральными пигментами. При этом они умели смешивать красители с разными вяжущими веществами: древесной смолой, растительным жиром и даже молоком.
В посте изображен петроглиф с острова Еловый. Ознакомиться с петроглифом можно на сайте музея-заповедника «Петроглифы Канозера».
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
👍10🔥6🥰3👏1
Дарья Котлярова: «Настоящий художник должен доверять самому себе»
Московская художница, член Российской академии художеств и резидент ASKERI GALLERY Дарья Котлярова представила свои работы на городском фестивале современного искусства «Перезагрузка 2.0» в Зарайске и провела мастер-класс на тему «“Среда обитания“ героя и внутренняя драматургия сюжета картины».
Национальный проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданный при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, побывал в мастерской художницы и пообщался с ней о работе с памятью, важности детских воспоминаний и привлекательности космоса.
Прочесть интервью можно здесь.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Московская художница, член Российской академии художеств и резидент ASKERI GALLERY Дарья Котлярова представила свои работы на городском фестивале современного искусства «Перезагрузка 2.0» в Зарайске и провела мастер-класс на тему «“Среда обитания“ героя и внутренняя драматургия сюжета картины».
Национальный проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданный при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, побывал в мастерской художницы и пообщался с ней о работе с памятью, важности детских воспоминаний и привлекательности космоса.
Прочесть интервью можно здесь.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
🔥9❤6👏6👍2
Новые возможности нового сезона. Собрали предвесеннюю подборку опен-коллов, конкурсов и грантов.
🟢 Фестиваль A–S–H (IV)
Художников, перформеров, поэтов, музыкантов, архитекторов и представителей локального бизнеса приглашают принять участие в уникальном проекте, который поможет Москве проявить свой скрытый культурный ландшафт, незаметный в обычные дни.
В рамках фестиваля, который пройдёт с 22 по 25 мая, мастерские и квартиры художников, артист-ран-спейсы, самоорганизации, театральные студии, арт-резиденции, кафе, бары и многие другие локации откроют свои двери для гостей, чтобы представить их вниманию разнообразную и насыщенную программу художественных событий.
Организаторы будут рады видеть в проекте не только события формата студио-визит, но и неформальные и камерные встречи, ридинг-группы, экскурсии, выставки, чаепития, репетиции, поэтические чтения и любые другие виды коллективной деятельности, граничащие с искусством.
Дедлайн: 20 февраля
🟢 Резиденция «СФЕРА Х БУКСИР»
Творческой резиденции в «Паленках» (Липецкая область) ждет художников-исследователей, увлечённых историей, локальными традициями и архитектурой.
С 17 по 30 марта участники смогут не только присоединиться к насыщенной экскурсионной программе, но и пообщаться с выдающимися местными жителями, послушать тематические лекции практикующих художников и теоретиков в области современного искусства.
Завершится резиденция финальной выставкой работ участников в галерее «Буксир» в Липецке.
Дедлайн: 20 февраля
🟢 Международный фестиваль медиаискусства НУР
Медиахудожников, музыкантов и перформеров со всего мира приглашают принять участие в крупнейшем в России профильном фестивале, который пройдет в Казани с 22 по 25 мая.
Организаторы ждут коллективы и отдельных артистов в категориях «Инсталляции», «Маппинг», «Стейдж-дизайн ночи электронной музыки ТОН» и «AV-перформанс».
Дедлайн: 20 февраля
🟢 BLAZAR YOUNG ART FAIR 2025
Ярмарка молодого современного искусства, спутник Московской международной ярмарки современного искусства Cosmoscow, проводит свой традиционный конкурс.
Авторы из России и зарубежных стран могут предложить на рассмотрение экспертному совету любые предметы дизайна, в том числе тиражные. Приоритет отдаётся ранее не представленным предметам, уникальным разработкам (материал, технология, форма). От одного автора или коллектива принимается одна заявка, которая может включать до пяти предметов/концепций.
Дедлайн: 27 февраля
🟢 Грант «Замандаш»
Посольство Музея современного искусства ZAMAN принимает заявки на грантовую программу «Замандаш», предназначенную для кураторов, междисциплинарных художников и исследователей, родившихся или проживающих на территориях исследовательского интереса музея — в республиках Башкортостан, Татарстан, Чувашия, Удмуртия и Марий-Эл, Пермском крае, Самарской, Челябинской и Оренбургской областях.
В 2025 году «Замандаш» включает в себя две формы институциональной поддержки: грант на создание выставочного проекта для Посольства музея современного искусства ZAMAN в Уфе в размере 400 000 рублей и два гранта на художественные проекты, каждый из которых составляет 200 000 рублей.
Дедлайн: 28 февраля
#Open_call
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Художников, перформеров, поэтов, музыкантов, архитекторов и представителей локального бизнеса приглашают принять участие в уникальном проекте, который поможет Москве проявить свой скрытый культурный ландшафт, незаметный в обычные дни.
В рамках фестиваля, который пройдёт с 22 по 25 мая, мастерские и квартиры художников, артист-ран-спейсы, самоорганизации, театральные студии, арт-резиденции, кафе, бары и многие другие локации откроют свои двери для гостей, чтобы представить их вниманию разнообразную и насыщенную программу художественных событий.
Организаторы будут рады видеть в проекте не только события формата студио-визит, но и неформальные и камерные встречи, ридинг-группы, экскурсии, выставки, чаепития, репетиции, поэтические чтения и любые другие виды коллективной деятельности, граничащие с искусством.
Дедлайн: 20 февраля
Творческой резиденции в «Паленках» (Липецкая область) ждет художников-исследователей, увлечённых историей, локальными традициями и архитектурой.
С 17 по 30 марта участники смогут не только присоединиться к насыщенной экскурсионной программе, но и пообщаться с выдающимися местными жителями, послушать тематические лекции практикующих художников и теоретиков в области современного искусства.
Завершится резиденция финальной выставкой работ участников в галерее «Буксир» в Липецке.
Дедлайн: 20 февраля
Медиахудожников, музыкантов и перформеров со всего мира приглашают принять участие в крупнейшем в России профильном фестивале, который пройдет в Казани с 22 по 25 мая.
Организаторы ждут коллективы и отдельных артистов в категориях «Инсталляции», «Маппинг», «Стейдж-дизайн ночи электронной музыки ТОН» и «AV-перформанс».
Дедлайн: 20 февраля
Ярмарка молодого современного искусства, спутник Московской международной ярмарки современного искусства Cosmoscow, проводит свой традиционный конкурс.
Авторы из России и зарубежных стран могут предложить на рассмотрение экспертному совету любые предметы дизайна, в том числе тиражные. Приоритет отдаётся ранее не представленным предметам, уникальным разработкам (материал, технология, форма). От одного автора или коллектива принимается одна заявка, которая может включать до пяти предметов/концепций.
Дедлайн: 27 февраля
Посольство Музея современного искусства ZAMAN принимает заявки на грантовую программу «Замандаш», предназначенную для кураторов, междисциплинарных художников и исследователей, родившихся или проживающих на территориях исследовательского интереса музея — в республиках Башкортостан, Татарстан, Чувашия, Удмуртия и Марий-Эл, Пермском крае, Самарской, Челябинской и Оренбургской областях.
В 2025 году «Замандаш» включает в себя две формы институциональной поддержки: грант на создание выставочного проекта для Посольства музея современного искусства ZAMAN в Уфе в размере 400 000 рублей и два гранта на художественные проекты, каждый из которых составляет 200 000 рублей.
Дедлайн: 28 февраля
#Open_call
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
👍8🔥6🥰4❤1
Выходные — это прекрасная возможность для подведения итогов уходящей недели. Собрали небольшой обзор недавних событий в сфере культуры и искусства:
Парижский суд постановил вернуть владельцу 135 похищенных картин русского авангарда, оцениваемых в 200 млн евро. Картины были частью украденной коллекции семьи Хатиб. Всего в ней было около 1800 произведений искусства, среди которых работы художников Казимира Малевича, Василия Кандинского и Натальи Гончаровой. Кражу совершили в Германии в конце 2019 года, преступники вывезли картины из специального хранилища.
Художник из Крыма готовится открыть первую в России школу подводной живописи. Симферопольский художник Пётр Доценко рисует картины, погрузившись на десять метров в Чёрное море. Живописец уже стал местной знаменитостью и разработал собственную технику для подводного творчества. Свои картины художник не продаёт. В ближайших планах автора открытие школы подводной живописи.
В Казахстане советский кинотеатр стал современным культурным центром. Один из крупнейших в Центральной Азии кинотеатров «Целинный» пришёл в упадок в нулевые. В 2018 году при поддержке Музея современного искусства «Гараж» здесь открылся центр современной культуры. Московский музей стал партнером трехчастного проекта «Начало». Совместно также было проведено архитектурное исследование и выпущена книга «Алма-Ата: архитектура советского модернизма. 1955–1991. Справочник-путеводитель». Позднее было принято решение провести масштабную реконструкцию объекта. Но из-за ряда непредвиденных обстоятельств работы по реализации нового архитектурного проекта затянулись на несколько лет. Их удалось завершить только сейчас. 25 апреля «Целинный» вновь будет готов принять посетителей.
В Эрмитаже начали реставрацию «Вакха» Рубенса. Работа была создана в последние годы жизни художника, между 1638 и 1640 годами, и не предназначалась для продажи. К сегодняшнему дню авторская живопись «Вакха» была скрыта под слоями поздних поновлений и лаков, со временем сильно потемневших и пожелтевших. В ходе реставрационных работ планируется раскрыть картину от поздних лаков и реставрационных записей, чтобы вернуть живописи вид, максимально соответствующий авторскому замыслу. Завершение реставрации намечено на 2027 год, к 450-летию со дня рождения художника.
Новая Третьяковка готовится к реконструкции. В конце года планируется начать реконструкцию здания на Крымском Валу, в связи с чем объём выставок Новой Третьяковки станет постепенно сокращаться. Выставочная деятельность будет переноситься в новые залы музея на Кадашёвской набережной и в филиалы, что позволит сохранить запланированные мероприятия.
#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Парижский суд постановил вернуть владельцу 135 похищенных картин русского авангарда, оцениваемых в 200 млн евро. Картины были частью украденной коллекции семьи Хатиб. Всего в ней было около 1800 произведений искусства, среди которых работы художников Казимира Малевича, Василия Кандинского и Натальи Гончаровой. Кражу совершили в Германии в конце 2019 года, преступники вывезли картины из специального хранилища.
Художник из Крыма готовится открыть первую в России школу подводной живописи. Симферопольский художник Пётр Доценко рисует картины, погрузившись на десять метров в Чёрное море. Живописец уже стал местной знаменитостью и разработал собственную технику для подводного творчества. Свои картины художник не продаёт. В ближайших планах автора открытие школы подводной живописи.
В Казахстане советский кинотеатр стал современным культурным центром. Один из крупнейших в Центральной Азии кинотеатров «Целинный» пришёл в упадок в нулевые. В 2018 году при поддержке Музея современного искусства «Гараж» здесь открылся центр современной культуры. Московский музей стал партнером трехчастного проекта «Начало». Совместно также было проведено архитектурное исследование и выпущена книга «Алма-Ата: архитектура советского модернизма. 1955–1991. Справочник-путеводитель». Позднее было принято решение провести масштабную реконструкцию объекта. Но из-за ряда непредвиденных обстоятельств работы по реализации нового архитектурного проекта затянулись на несколько лет. Их удалось завершить только сейчас. 25 апреля «Целинный» вновь будет готов принять посетителей.
В Эрмитаже начали реставрацию «Вакха» Рубенса. Работа была создана в последние годы жизни художника, между 1638 и 1640 годами, и не предназначалась для продажи. К сегодняшнему дню авторская живопись «Вакха» была скрыта под слоями поздних поновлений и лаков, со временем сильно потемневших и пожелтевших. В ходе реставрационных работ планируется раскрыть картину от поздних лаков и реставрационных записей, чтобы вернуть живописи вид, максимально соответствующий авторскому замыслу. Завершение реставрации намечено на 2027 год, к 450-летию со дня рождения художника.
Новая Третьяковка готовится к реконструкции. В конце года планируется начать реконструкцию здания на Крымском Валу, в связи с чем объём выставок Новой Третьяковки станет постепенно сокращаться. Выставочная деятельность будет переноситься в новые залы музея на Кадашёвской набережной и в филиалы, что позволит сохранить запланированные мероприятия.
#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9🔥5👍3🙏1
Мало кто знает, но у камеры-обскуры была ещё и малоизвестная младшая сестра – камера-люцида.
Если камера-обскура – это тёмная комната, то камера-люцида – светлая. Сама камера представляла из себя оптический прибор с призмой, который помогал художникам переносить нужные мотивы на бумагу. А ещё она позволяла совместить художнику в одном поле зрения как холст, так и объект для рисования. Оставалось только перевернуть изображение и раскрасить его, прямо как в детской раскраске.
Камеру-люциду изобрел шпион Елизаветы I – Артур Грегори ещё в XVI веке. А потом её же изобрел уже в XVII веке немецкий математик Иоганн Кеплер. А затем английский химик Уильям Хайд Волластон в XIX веке. Так кто же на самом деле изобрел камеру?
Существуют доказательства, что Артур Грегори пользовался чем-то очень похожим на камеру-люциду, но никаких прямых доказательств нет.
Во-первых, шпион явно использовал некий похожий аппарат не для рисования, а во-вторых, учитывая специфику работы, научные достижения в этой профессии чаще всего бывают засекречены. К сожалению, патентовать свой гаджет шпион тоже не стал.
С Иоганном Кеплером история тоже не самая прозрачная. Он лишь описал принцип работы подобной оптики, но вот соорудил ли он саму камеру – никому не известно.
К моменту, когда Уильям Волластон запатентовал свое изобретение, работа Кеплера была уже совсем забыта, поэтому изобретение никто и не оспаривал.
Существует теория, что камеру-люциду на самом деле изобрели ещё в начале XV века. Она обоснована тем фактом, что многие искусствоведы замечают резкие изменения в работах мастеров того времени. Как будто у них разом появился некий прибор, который мог бы проецировать реальные изображения. При этом изменения напоминают аналогичные в работах более поздних художников, которые точно могли пользоваться камерой. Среди них Жан-Огюст-Доминик Энгр, Ян ван Эйк и Микеланджело Меризи да Караваджо.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Если камера-обскура – это тёмная комната, то камера-люцида – светлая. Сама камера представляла из себя оптический прибор с призмой, который помогал художникам переносить нужные мотивы на бумагу. А ещё она позволяла совместить художнику в одном поле зрения как холст, так и объект для рисования. Оставалось только перевернуть изображение и раскрасить его, прямо как в детской раскраске.
Камеру-люциду изобрел шпион Елизаветы I – Артур Грегори ещё в XVI веке. А потом её же изобрел уже в XVII веке немецкий математик Иоганн Кеплер. А затем английский химик Уильям Хайд Волластон в XIX веке. Так кто же на самом деле изобрел камеру?
Существуют доказательства, что Артур Грегори пользовался чем-то очень похожим на камеру-люциду, но никаких прямых доказательств нет.
Во-первых, шпион явно использовал некий похожий аппарат не для рисования, а во-вторых, учитывая специфику работы, научные достижения в этой профессии чаще всего бывают засекречены. К сожалению, патентовать свой гаджет шпион тоже не стал.
С Иоганном Кеплером история тоже не самая прозрачная. Он лишь описал принцип работы подобной оптики, но вот соорудил ли он саму камеру – никому не известно.
К моменту, когда Уильям Волластон запатентовал свое изобретение, работа Кеплера была уже совсем забыта, поэтому изобретение никто и не оспаривал.
Существует теория, что камеру-люциду на самом деле изобрели ещё в начале XV века. Она обоснована тем фактом, что многие искусствоведы замечают резкие изменения в работах мастеров того времени. Как будто у них разом появился некий прибор, который мог бы проецировать реальные изображения. При этом изменения напоминают аналогичные в работах более поздних художников, которые точно могли пользоваться камерой. Среди них Жан-Огюст-Доминик Энгр, Ян ван Эйк и Микеланджело Меризи да Караваджо.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
🔥9👍7❤4🥰2
Услышав фамилию Морзе, мы сразу представляем себе автора морзянки, а вовсе не выдающегося художника. И очень зря, ведь Морзе сначала прославился своими картинами и вкладом в искусство, а уже потом созданием кода.
Сэмюэл Морзе с детства любил рисовать. Еще учась в школе, рисовал портреты своих одноклассников и учителей, причем на заказ и за деньги. Эти работы увидел однажды известный художник Вашингтон Олстон и уговорил родителей Морзе отправить сына обучаться живописи в Лондон.
В столице Морзе получил знания и мастерство, но не заказчиков. И тогда Морзе решил зарабатывать тем, что умел лучше всего: он отправился в путешествие по Америке и начал рисовать портреты на заказ. Получалось по 3-4 в неделю, и это был очень хороший заработок, ведь на один портрет можно было купить шесть коров и ещё пару овец на сдачу.
В 1826 году Морзе основал Национальную академию дизайна, главной целью которой было «продвижение изящных искусств в Америке через обучение и выставки». Именно для этого он и поехал в 1829 году в Париж — перенять опыт европейских школ живописи и познакомить американцев с шедеврами Лувра.
Но как познакомить? Отснять картины на камеру? Так нет ещё ни камер, ни мобильников. Фоточки не привезёшь, разве что дагерротипы, но это очень сложный процесс. И принтеров ещё нет, интернета — тем более. А Лувр свои картины напрокат давать не хочет.
И тогда Морзе решил... перерисовать шедевры! Так родилась гениальная картина Сэмюэла Морзе «Галерея Лувра». На полотне размером 2х3 м художник изобразил 38 великих картин и посетителей этой воображаемой галереи. В роли посетителей выступили сам Морзе, его дочь и его покойная жена, художник Ричард Хабершем, скульптор Горацио Грим и (внезапно) писатель Фенимор Купер с супругой и дочкой.
Проект Морзе, к сожалению, провалился. В виде открыток, как путеводитель по Лувру (по 1 центу за штуку), она тоже никого не заинтересовала. А тут еще и фотоаппарат изобрели.
Расстроенный Морзе решил поставить в искусстве точку. А потом добавил рядом тире и окончательно ушёл в науку.
Картина находится в Terra Museum of Arts, Чикаго, Иллинойс.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Сэмюэл Морзе с детства любил рисовать. Еще учась в школе, рисовал портреты своих одноклассников и учителей, причем на заказ и за деньги. Эти работы увидел однажды известный художник Вашингтон Олстон и уговорил родителей Морзе отправить сына обучаться живописи в Лондон.
В столице Морзе получил знания и мастерство, но не заказчиков. И тогда Морзе решил зарабатывать тем, что умел лучше всего: он отправился в путешествие по Америке и начал рисовать портреты на заказ. Получалось по 3-4 в неделю, и это был очень хороший заработок, ведь на один портрет можно было купить шесть коров и ещё пару овец на сдачу.
В 1826 году Морзе основал Национальную академию дизайна, главной целью которой было «продвижение изящных искусств в Америке через обучение и выставки». Именно для этого он и поехал в 1829 году в Париж — перенять опыт европейских школ живописи и познакомить американцев с шедеврами Лувра.
Но как познакомить? Отснять картины на камеру? Так нет ещё ни камер, ни мобильников. Фоточки не привезёшь, разве что дагерротипы, но это очень сложный процесс. И принтеров ещё нет, интернета — тем более. А Лувр свои картины напрокат давать не хочет.
И тогда Морзе решил... перерисовать шедевры! Так родилась гениальная картина Сэмюэла Морзе «Галерея Лувра». На полотне размером 2х3 м художник изобразил 38 великих картин и посетителей этой воображаемой галереи. В роли посетителей выступили сам Морзе, его дочь и его покойная жена, художник Ричард Хабершем, скульптор Горацио Грим и (внезапно) писатель Фенимор Купер с супругой и дочкой.
Проект Морзе, к сожалению, провалился. В виде открыток, как путеводитель по Лувру (по 1 центу за штуку), она тоже никого не заинтересовала. А тут еще и фотоаппарат изобрели.
Расстроенный Морзе решил поставить в искусстве точку. А потом добавил рядом тире и окончательно ушёл в науку.
Картина находится в Terra Museum of Arts, Чикаго, Иллинойс.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9👍8🙏4🔥2
В конце прошлого года Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, заключила соглашение о сотрудничестве с Творческим союзом художников России (ТСХР). Председатель Союза Константин Худяков рассказал о законах, по которым живёт современное искусство, о сотрудничестве с искусственным интеллектом и о технике создания стерео-лайт-панелей, которые сейчас представлены на выставке «Метафизические зеркала Худякова» в Центре современного искусства М'АРС.
Читайте материал по ссылке.
Читайте материал по ссылке.
👍11❤6🔥6👏1
Forwarded from ГлавУпДК при МИД России
10 февраля – в профессиональный праздник российских дипломатов – День дипломатического работника ГлавУпДК при МИД России объявляет IV Открытый творческий конкурс «Архитектура дипломатии»
🖼 В этом году конкурс впервые пройдет в международном формате. К участию приглашаются юные и молодые художники от 12 до 35 лет со всего мира: профессиональные художники и любители, студенты, учащиеся колледжей, творческих курсов и школ.
🌐 Тема конкурса этого года «Дипломатия сквозь века». Участникам предстоит средствами живописи представить собственное видение дипломатической службы, деятельности внешнеполитических ведомств, результаты деятельности и успехи дипломатов разных стран.
Специально для участников конкурса и всех интересующихся историей дипломатии в марте пройдет серия онлайн-встреч с профессорско-преподавательским составом Дипломатической академии МИД России.
В год празднования 80-летия Победы в Великой Отечественной войне приветствуется использование в качестве источника творческого поиска:
🟠 событий Великой Отечественной войны и роли дипломатии в послевоенном устройстве в Европе и мире;
🟠 исторических фактов и исторических фигур;
🟠 художественных и других символов, ассоциирующихся с дипломатией и внешней политикой;
🟠 других тем, связанных с идеей конкурса, на усмотрение участников.
⤵ Подробнее на сайте 🌐
Специально для участников конкурса и всех интересующихся историей дипломатии в марте пройдет серия онлайн-встреч с профессорско-преподавательским составом Дипломатической академии МИД России.
В год празднования 80-летия Победы в Великой Отечественной войне приветствуется использование в качестве источника творческого поиска:
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
❤6🔥4🥰4
Про Филонова говорили разное: гений, сумасшедший, гипнотизёр. Возможно, слухи о том, что Филонов гипнотизёр, возникли не на пустом месте. Доподлинно неизвестно, обладал художник экстрасенсорными способностями или нет, но вот зрение у него действительно было феноменальным. Филонов мог, например, достаточно долго не мигая смотреть на солнце. И глаза у него были совершенно удивительного цвета — вишнёвого.
Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.
#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤9🔥4👍3😱3
Слово Pantone известно во всем мире. Палитра цветов, разработанная этой компанией, — настольная книга дизайнеров, модельеров, полиграфистов и текстильщиков. Но и люди, далёкие от мира моды и дизайна, прекрасно знают, что такое «эталонные цвета по версии Pantone».
А начиналась история сегодняшнего законодателя модных цветовых трендов с маленькой семейной типографии, которую в середине ХХ века основали в Нью-Джерси братья Мервин и Джесси Левайны.
Компания M&J Levine Advertising выполняла полиграфические заказы, а ещё производила цветные пигменты для лёгкой промышленности.
И всё вроде бы шло хорошо, но время от времени у главного химика компании Лоуренса Герберта возникали проблемы с клиентами. Их ожидания относительно того или иного цвета не совпадали с результатом. Да и не могли совпасть! Ведь у каждого человека свои представления о том, каким должен быть, например, «серо-буро-малиновый» цвет. Они зависят от очень многих факторов, начиная от жизненного опыта и заканчивая настроением.
И тогда Герберт решил раз и навсегда покончить с цветовой путаницей, создав палитру с пронумерованными образцами цветов. Cначала это были обычные карточки. Первый каталог Ларри Герберт выпустил в 1962 году, когда выкупил у братьев Левайнов типографию и переименовал её в Pantone.
В первой палитре от Pantone было около 40 цветов. Сегодня каталог «повелителей цвета» состоит из шести библиотек, разработанных для применения в различных отраслях и при различных условиях. Есть своя система цвета для полиграфии, для текстиля, для пластика и другие.
В общей сложности все библиотеки Pantone содержат 3026 смесевых цветов. Каждому цвету присвоен не только идентификационный номер и специальный код, но и оригинальное название. Например, «Цвет яиц странствующего дрозда» (#1FCECB), «Лягушка в обмороке» (#7B917B), «Влюбленная жаба» (#3CAA3C), «Цвет блошиного брюшка» (#4E1609).
Лоуренс Герберт однажды пошутил:
На наш взгляд, мир по версии Pantone получился очень красивым.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
А начиналась история сегодняшнего законодателя модных цветовых трендов с маленькой семейной типографии, которую в середине ХХ века основали в Нью-Джерси братья Мервин и Джесси Левайны.
Компания M&J Levine Advertising выполняла полиграфические заказы, а ещё производила цветные пигменты для лёгкой промышленности.
И всё вроде бы шло хорошо, но время от времени у главного химика компании Лоуренса Герберта возникали проблемы с клиентами. Их ожидания относительно того или иного цвета не совпадали с результатом. Да и не могли совпасть! Ведь у каждого человека свои представления о том, каким должен быть, например, «серо-буро-малиновый» цвет. Они зависят от очень многих факторов, начиная от жизненного опыта и заканчивая настроением.
И тогда Герберт решил раз и навсегда покончить с цветовой путаницей, создав палитру с пронумерованными образцами цветов. Cначала это были обычные карточки. Первый каталог Ларри Герберт выпустил в 1962 году, когда выкупил у братьев Левайнов типографию и переименовал её в Pantone.
В первой палитре от Pantone было около 40 цветов. Сегодня каталог «повелителей цвета» состоит из шести библиотек, разработанных для применения в различных отраслях и при различных условиях. Есть своя система цвета для полиграфии, для текстиля, для пластика и другие.
В общей сложности все библиотеки Pantone содержат 3026 смесевых цветов. Каждому цвету присвоен не только идентификационный номер и специальный код, но и оригинальное название. Например, «Цвет яиц странствующего дрозда» (#1FCECB), «Лягушка в обмороке» (#7B917B), «Влюбленная жаба» (#3CAA3C), «Цвет блошиного брюшка» (#4E1609).
Лоуренс Герберт однажды пошутил:
Бог создал мир за семь дней. А на восьмой он попросил Pantone сделать его цветным.
На наш взгляд, мир по версии Pantone получился очень красивым.
#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
🔥13👍9🥰3
Анри Руссо по прозвищу «Таможенник» никогда не получал художественного образования. А работал он налоговым инспектором в акцизном управлении Парижа, отсюда и прозвище.
Поскольку никаких основ живописи Руссо не знал, ему приходилось придумывать свои собственные приёмы. Благодаря этому новаторству, кстати, он и приобрёл известность. Особенно завораживали его пейзажи далёких джунглей с экзотической фауной и разнообразной флорой. Однако если внимательно изучить джунгли Руссо, можно заметить, что с флорой что-то не так, да и фауна какая-то странная. Творческая ли это адаптация или нехватка мастерства у художника-самоучки? Ответ гораздо проще: Анри Руссо никогда не был в джунглях и не видел диких зверей. В основном он вдохновлялся рассказами о путешествиях по Индии матери его приятеля художника Роберта Делоне. А ещё Руссо часто бывал в зоопарке и Ботаническом саду Парижа, поэтому большая часть растений на его картинах — это увеличенные и немного изменённые копии тех растений, что можно встретить во Франции.
Взять, например, картину «Проголодавшийся лев». Она была выставлена в Осенней галерее в Париже и сопровождалась надписью: «Проголодавшийся лев набрасывается на антилопу и пожирает её; пантера с нетерпением ждёт, когда и ей перепадёт лакомый кусочек. Стервятники вырвали кусок плоти из несчастного животного, проливающего слёзы! Солнце заходит». Все хорошо, вот только лев, несмотря на своё почетное звание «Короля джунглей», в джунглях совсем не живет.
Тем не менее, невзирая на отсутствие художественного образования и опыта реальных путешествий, Руссо стал самым настоящим новатором, который предвосхитил своим творчеством сюрреализм и абстракционизм! Он принёс в Париж джунгли и диких зверей лишь благодаря своей бурной фантазии и своему собственному уникальному стилю.
Произведение находится в Фонде Бейелера.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Поскольку никаких основ живописи Руссо не знал, ему приходилось придумывать свои собственные приёмы. Благодаря этому новаторству, кстати, он и приобрёл известность. Особенно завораживали его пейзажи далёких джунглей с экзотической фауной и разнообразной флорой. Однако если внимательно изучить джунгли Руссо, можно заметить, что с флорой что-то не так, да и фауна какая-то странная. Творческая ли это адаптация или нехватка мастерства у художника-самоучки? Ответ гораздо проще: Анри Руссо никогда не был в джунглях и не видел диких зверей. В основном он вдохновлялся рассказами о путешествиях по Индии матери его приятеля художника Роберта Делоне. А ещё Руссо часто бывал в зоопарке и Ботаническом саду Парижа, поэтому большая часть растений на его картинах — это увеличенные и немного изменённые копии тех растений, что можно встретить во Франции.
Взять, например, картину «Проголодавшийся лев». Она была выставлена в Осенней галерее в Париже и сопровождалась надписью: «Проголодавшийся лев набрасывается на антилопу и пожирает её; пантера с нетерпением ждёт, когда и ей перепадёт лакомый кусочек. Стервятники вырвали кусок плоти из несчастного животного, проливающего слёзы! Солнце заходит». Все хорошо, вот только лев, несмотря на своё почетное звание «Короля джунглей», в джунглях совсем не живет.
Тем не менее, невзирая на отсутствие художественного образования и опыта реальных путешествий, Руссо стал самым настоящим новатором, который предвосхитил своим творчеством сюрреализм и абстракционизм! Он принёс в Париж джунгли и диких зверей лишь благодаря своей бурной фантазии и своему собственному уникальному стилю.
Произведение находится в Фонде Бейелера.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤8👍4👀4🔥2
Самым важным инструментом для любого художника, несомненно, является кисть. При этом совершенно не важно, к какой эпохе относится художник.
Считается, что первые кисти появились в Древнем Китае, но не для живописи, а для написания иероглифов. Это правда лишь отчасти. Использовать пучки шерсти и перьев для рисования люди научились гораздо раньше, ещё в позднем палеолите.
Многие исследователи склоняются к тому, что древние люди верили в успешность предстоящей охоты, если животное нарисовано реалистично. А пальцами, похоже, выходило не слишком реалистично, поэтому они начали изготавливать кисти. В полую кость с одной стороны заливалась смесь охры и растопленного жира, с другой прикреплялся пучок. Таким образом пучок постоянно подпитывался краской и можно было творить.
Древние египтяне тоже активно пользовались кисточками. Для росписи своих дворцов, храмов и гробниц они брали пучки, связанные из волокна и веток. С одной стороны, получалась твердая ручка, а с другой — некое подобие кисти.
Кстати, профессия мастера по изготовлению кистей появилась только в XVIII веке. До этого художники были вынуждены делать себе кисти самостоятельно или заказывать их у какого-нибудь умельца.
В это же время случилась настоящая революция в изготовлении кистей. Была изобретена металлическая обойма — часть, скрепляющая саму кисть с рукояткой. До этого кисти были преимущественно круглыми, а теперь можно было заказать себе кисточку любых форм и размеров. Новые плоские кисти позволили намного точнее проводить линии и наносить мазки.
Ещё одна важная часть кисти — это материал, из которого она изготовлена. От него зависит твердость или мягкость. Чаще всего бралась щетина обычной свиньи, но если на картине нужны были какие-то мелкие детали, то лучше всего подходил куний волос.
На самом деле за всю свою историю человечество перепробовало для создания кисточек шерсть практически всех животных, а к ХХ веку добралось до синтетики. Синтетические кисти, конечно, прочнее и долговечнее, но соболей и белок они заменить так и не смогли.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Считается, что первые кисти появились в Древнем Китае, но не для живописи, а для написания иероглифов. Это правда лишь отчасти. Использовать пучки шерсти и перьев для рисования люди научились гораздо раньше, ещё в позднем палеолите.
Многие исследователи склоняются к тому, что древние люди верили в успешность предстоящей охоты, если животное нарисовано реалистично. А пальцами, похоже, выходило не слишком реалистично, поэтому они начали изготавливать кисти. В полую кость с одной стороны заливалась смесь охры и растопленного жира, с другой прикреплялся пучок. Таким образом пучок постоянно подпитывался краской и можно было творить.
Древние египтяне тоже активно пользовались кисточками. Для росписи своих дворцов, храмов и гробниц они брали пучки, связанные из волокна и веток. С одной стороны, получалась твердая ручка, а с другой — некое подобие кисти.
Кстати, профессия мастера по изготовлению кистей появилась только в XVIII веке. До этого художники были вынуждены делать себе кисти самостоятельно или заказывать их у какого-нибудь умельца.
В это же время случилась настоящая революция в изготовлении кистей. Была изобретена металлическая обойма — часть, скрепляющая саму кисть с рукояткой. До этого кисти были преимущественно круглыми, а теперь можно было заказать себе кисточку любых форм и размеров. Новые плоские кисти позволили намного точнее проводить линии и наносить мазки.
Ещё одна важная часть кисти — это материал, из которого она изготовлена. От него зависит твердость или мягкость. Чаще всего бралась щетина обычной свиньи, но если на картине нужны были какие-то мелкие детали, то лучше всего подходил куний волос.
На самом деле за всю свою историю человечество перепробовало для создания кисточек шерсть практически всех животных, а к ХХ веку добралось до синтетики. Синтетические кисти, конечно, прочнее и долговечнее, но соболей и белок они заменить так и не смогли.
#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
🔥9❤7👍6👏2
Иногда даже великие мастера сознательно делают подделки. Но не ради выгоды, а чтобы доказать свое профессиональное мастерство.
Существует две версии, почему Микеланджело создал мраморную скульптуру «Спящий купидон», которая выглядела так, будто она пришла прямиком из Античности. По одной из версий, он получил на это заказ, чтобы обладатель потом мог продать скульптуру подороже. По другой версии, Микеланджело хотел посоперничать с мастерами Античности.
Кому предназначалась скульптура, тоже доподлинно неизвестно. Согласно одной версии, она предназначалась для Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, и, по словам Джорджо Вазари, искусствоведа и автора «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», Пьерфранческо лично посоветовал Микеланджело закопать купидона на некоторое время, чтобы придать ему античный вид.
По другой же версии, которой придерживался итальянский ученый-гуманист Паоло Джовио, Микеланджело продал свою скульптуру самостоятельно торговцу антиквариатом Бальдассаре дель Миланзе. Тот перепродал её кардиналу Рафаэлю Риарио, который уже и заподозрил подвох.
Кардинал был настолько впечатлён «Спящим купидоном», что решил не устраивать скандал, а пригласить молодого Микеланджело в Рим. Впрочем, это не помешало ему вернуть купидона торговцу и получить деньги назад.
Считается, что Микеланджело тоже хотел выкупить скульптуру обратно, но Бальдассаре дель Миланзе отказался её отдавать.
Позднее купидон оказался у макграфини Мантуанской Изабеллы д’Эсте, а после разграбления Мантуи попал в руки Карла I и был вывезен в его резиденцию в Лондоне, где благополучно сгорел во время пожара в 1698 году.
По итогу в выигрыше остался лишь Микеланджело, который смог не только заработать денег, но и доказать себе, что он ничуть не хуже античных мастеров. По крайней мере, в глазах торговцев антиквариатом.
На фото изображена бронзовая статуя спящего Купидона (III-II век до н.э.), которой мог вдодхновиться Микеланджело. Статуя хранится в Метрополитан Музее в Нью Йорке.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Существует две версии, почему Микеланджело создал мраморную скульптуру «Спящий купидон», которая выглядела так, будто она пришла прямиком из Античности. По одной из версий, он получил на это заказ, чтобы обладатель потом мог продать скульптуру подороже. По другой версии, Микеланджело хотел посоперничать с мастерами Античности.
Кому предназначалась скульптура, тоже доподлинно неизвестно. Согласно одной версии, она предназначалась для Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, и, по словам Джорджо Вазари, искусствоведа и автора «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», Пьерфранческо лично посоветовал Микеланджело закопать купидона на некоторое время, чтобы придать ему античный вид.
По другой же версии, которой придерживался итальянский ученый-гуманист Паоло Джовио, Микеланджело продал свою скульптуру самостоятельно торговцу антиквариатом Бальдассаре дель Миланзе. Тот перепродал её кардиналу Рафаэлю Риарио, который уже и заподозрил подвох.
Кардинал был настолько впечатлён «Спящим купидоном», что решил не устраивать скандал, а пригласить молодого Микеланджело в Рим. Впрочем, это не помешало ему вернуть купидона торговцу и получить деньги назад.
Считается, что Микеланджело тоже хотел выкупить скульптуру обратно, но Бальдассаре дель Миланзе отказался её отдавать.
Позднее купидон оказался у макграфини Мантуанской Изабеллы д’Эсте, а после разграбления Мантуи попал в руки Карла I и был вывезен в его резиденцию в Лондоне, где благополучно сгорел во время пожара в 1698 году.
По итогу в выигрыше остался лишь Микеланджело, который смог не только заработать денег, но и доказать себе, что он ничуть не хуже античных мастеров. По крайней мере, в глазах торговцев антиквариатом.
На фото изображена бронзовая статуя спящего Купидона (III-II век до н.э.), которой мог вдодхновиться Микеланджело. Статуя хранится в Метрополитан Музее в Нью Йорке.
#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
🔥9👍7👏6❤2🤔1😱1
Семен Кожин: «Творческий кризис — то же банкротство, из которого нужно выбраться»
Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, продолжает беседовать с ведущими представителями отечественного арт-рынка.
Своим видением того, как выстраивается работа с российскими и зарубежными галереями, умении составлять бизнес-план и выходить из тупика, поделился российский художник, член Международного художественного фонда Семён Кожин.
Полотна Кожина хранятся во многих частных собраниях по всему миру, в крупнейших российских компаниях и музеях разных стран. А картина «Берёзки» даже попала в собрание королевы Елизаветы II.
— отмечает художник.
Подробнее читайте по ссылке.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, продолжает беседовать с ведущими представителями отечественного арт-рынка.
Своим видением того, как выстраивается работа с российскими и зарубежными галереями, умении составлять бизнес-план и выходить из тупика, поделился российский художник, член Международного художественного фонда Семён Кожин.
Полотна Кожина хранятся во многих частных собраниях по всему миру, в крупнейших российских компаниях и музеях разных стран. А картина «Берёзки» даже попала в собрание королевы Елизаветы II.
Сегодня, если ты не хочешь «писать в стол», нужно учиться составлять бизнес-планы, просчитывать риски, продумывать стратегию переговоров с музейщиками, меценатами, спонсорами. Это очень важно. Многим трудно преодолеть психологический барьер
— отмечает художник.
Подробнее читайте по ссылке.
#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд
❤10👍6🥰5👏1