Что мы знаем о самых первых в мире художниках и их работах?

Что жили они в Восточной Индонезии на острове Сулавеси, относились к роду Homo sapiens, умели добывать огонь, мастерить оружие для охоты и кисти для рисования, а также добывать природные пигменты и создавать из них краску.

Один компонент этой краски – цветная глина – буквально лежал у них под ногами. За вторым – животным жиром – приходилось побегать по джунглям с копьём.

Как первобытные художники догадались, что красная глина, смешанная с растопленным животным жиром, превращается в податливую пластичную массу, которая легко наносится на стены пещеры и радует глаз своей долговечностью, доподлинно не известно.

Самая старая картинная галерея была обнаружена археологами в 2018 году в индонезийской пещере Леанг Карампуанг.

Возраст рисунков на стенах этой пещеры составляет 51 200 лет. По результатам исследований, проведенных в 2024 году, живопись Леанг Карампуанга является «древнейшим известным изображением повествования и самым ранним примером фигуративного искусства в истории человечества».

Сюжет первой в истории человечества картины прост: охота на бородавчатую свинью. При этом сама свинья изображена очень реалистично и с невероятной анатомической точностью. Охотники же, по словам исследователей, похожи на фигурки из палочек. Кроме того, они не вполне люди, скорее териантропы, то есть гибриды человека и животного. У одного из этих охотников ученые рассмотрели голову птицы, у другого — хвост циветты. И этот факт говорит о том, что у наших далеких предков было абстрактное мышление и развитое воображение — качества, совершенно необходимые для творчества.

Пещерная или наскальная живопись не такая уж редкость. Образцы первобытного искусства времён палеолита находят в пещерах по всему миру.

Творчески одарённые неандертальцы, денисовцы и Homo sapiens рисовали не только разноцветной глиной, но и древесными углем, мелом, разными минеральными пигментами. При этом они умели смешивать красители с разными вяжущими веществами: древесной смолой, растительным жиром и даже молоком.

В посте изображен петроглиф с острова Еловый. Ознакомиться с петроглифом можно на сайте музея-заповедника «Петроглифы Канозера».

#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Дарья Котлярова: «Настоящий художник должен доверять самому себе»

Московская художница, член Российской академии художеств и резидент ASKERI GALLERY Дарья Котлярова представила свои работы на городском фестивале современного искусства «Перезагрузка 2.0» в Зарайске и провела мастер-класс на тему «“Среда обитания“ героя и внутренняя драматургия сюжета картины».

Национальный проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданный при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, побывал в мастерской художницы и пообщался с ней о работе с памятью, важности детских воспоминаний и привлекательности космоса.

Прочесть интервью можно здесь.


#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Выходные — это прекрасная возможность для подведения итогов уходящей недели. Собрали небольшой обзор недавних событий в сфере культуры и искусства:

Парижский суд постановил вернуть владельцу 135 похищенных картин русского авангарда, оцениваемых в 200 млн евро. Картины были частью украденной коллекции семьи Хатиб. Всего в ней было около 1800 произведений искусства, среди которых работы художников Казимира Малевича, Василия Кандинского и Натальи Гончаровой. Кражу совершили в Германии в конце 2019 года, преступники вывезли картины из специального хранилища.

Художник из Крыма готовится открыть первую в России школу подводной живописи. Симферопольский художник Пётр Доценко рисует картины, погрузившись на десять метров в Чёрное море. Живописец уже стал местной знаменитостью и разработал собственную технику для подводного творчества. Свои картины художник не продаёт. В ближайших планах автора открытие школы подводной живописи.

В Казахстане советский кинотеатр стал современным культурным центром. Один из крупнейших в Центральной Азии кинотеатров «Целинный» пришёл в упадок в нулевые. В 2018 году при поддержке Музея современного искусства «Гараж» здесь открылся центр современной культуры. Московский музей стал партнером трехчастного проекта «Начало». Совместно также было проведено архитектурное исследование и выпущена книга «Алма-Ата: архитектура советского модернизма. 1955–1991. Справочник-путеводитель». Позднее было принято решение провести масштабную реконструкцию объекта. Но из-за ряда непредвиденных обстоятельств работы по реализации нового архитектурного проекта затянулись на несколько лет. Их удалось завершить только сейчас. 25 апреля «Целинный» вновь будет готов принять посетителей.

В Эрмитаже начали реставрацию «Вакха» Рубенса. Работа была создана в последние годы жизни художника, между 1638 и 1640 годами, и не предназначалась для продажи. К сегодняшнему дню авторская живопись «Вакха» была скрыта под слоями поздних поновлений и лаков, со временем сильно потемневших и пожелтевших. В ходе реставрационных работ планируется раскрыть картину от поздних лаков и реставрационных записей, чтобы вернуть живописи вид, максимально соответствующий авторскому замыслу. Завершение реставрации намечено на 2027 год, к 450-летию со дня рождения художника.

Новая Третьяковка готовится к реконструкции. В конце года планируется начать реконструкцию здания на Крымском Валу, в связи с чем объём выставок Новой Третьяковки станет постепенно сокращаться. Выставочная деятельность будет переноситься в новые залы музея на Кадашёвской набережной и в филиалы, что позволит сохранить запланированные мероприятия.


#Дайджест
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Мало кто знает, но у камеры-обскуры была ещё и малоизвестная младшая сестра – камера-люцида.

Если камера-обскура – это тёмная комната, то камера-люцида – светлая. Сама камера представляла из себя оптический прибор с призмой, который помогал художникам переносить нужные мотивы на бумагу. А ещё она позволяла совместить художнику в одном поле зрения как холст, так и объект для рисования. Оставалось только перевернуть изображение и раскрасить его, прямо как в детской раскраске.

Камеру-люциду изобрел шпион Елизаветы I – Артур Грегори ещё в XVI веке. А потом её же изобрел уже в XVII веке немецкий математик Иоганн Кеплер. А затем английский химик Уильям Хайд Волластон в XIX веке. Так кто же на самом деле изобрел камеру?

Существуют доказательства, что Артур Грегори пользовался чем-то очень похожим на камеру-люциду, но никаких прямых доказательств нет.

Во-первых, шпион явно использовал некий похожий аппарат не для рисования, а во-вторых, учитывая специфику работы, научные достижения в этой профессии чаще всего бывают засекречены. К сожалению, патентовать свой гаджет шпион тоже не стал.

С Иоганном Кеплером история тоже не самая прозрачная. Он лишь описал принцип работы подобной оптики, но вот соорудил ли он саму камеру – никому не известно.

К моменту, когда Уильям Волластон запатентовал свое изобретение, работа Кеплера была уже совсем забыта, поэтому изобретение никто и не оспаривал.

Существует теория, что камеру-люциду на самом деле изобрели ещё в начале XV века. Она обоснована тем фактом, что многие искусствоведы замечают резкие изменения в работах мастеров того времени. Как будто у них разом появился некий прибор, который мог бы проецировать реальные изображения. При этом изменения напоминают аналогичные в работах более поздних художников, которые точно могли пользоваться камерой. Среди них Жан-Огюст-Доминик Энгр, Ян ван Эйк и Микеланджело Меризи да Караваджо.


#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Услышав фамилию Морзе, мы сразу представляем себе автора морзянки, а вовсе не выдающегося художника. И очень зря, ведь Морзе сначала прославился своими картинами и вкладом в искусство, а уже потом созданием кода.

Сэмюэл Морзе с детства любил рисовать. Еще учась в школе, рисовал портреты своих одноклассников и учителей, причем на заказ и за деньги. Эти работы увидел однажды известный художник Вашингтон Олстон и уговорил родителей Морзе отправить сына обучаться живописи в Лондон.

В столице Морзе получил знания и мастерство, но не заказчиков. И тогда Морзе решил зарабатывать тем, что умел лучше всего: он отправился в путешествие по Америке и начал рисовать портреты на заказ. Получалось по 3-4 в неделю, и это был очень хороший заработок, ведь на один портрет можно было купить шесть коров и ещё пару овец на сдачу.

В 1826 году Морзе основал Национальную академию дизайна, главной целью которой было «продвижение изящных искусств в Америке через обучение и выставки». Именно для этого он и поехал в 1829 году в Париж — перенять опыт европейских школ живописи и познакомить американцев с шедеврами Лувра.

Но как познакомить? Отснять картины на камеру? Так нет ещё ни камер, ни мобильников. Фоточки не привезёшь, разве что дагерротипы, но это очень сложный процесс. И принтеров ещё нет, интернета — тем более. А Лувр свои картины напрокат давать не хочет.

И тогда Морзе решил... перерисовать шедевры! Так родилась гениальная картина Сэмюэла Морзе «Галерея Лувра». На полотне размером 2х3 м художник изобразил 38 великих картин и посетителей этой воображаемой галереи. В роли посетителей выступили сам Морзе, его дочь и его покойная жена, художник Ричард Хабершем, скульптор Горацио Грим и (внезапно) писатель Фенимор Купер с супругой и дочкой.

Проект Морзе, к сожалению, провалился. В виде открыток, как путеводитель по Лувру (по 1 центу за штуку), она тоже никого не заинтересовала. А тут еще и фотоаппарат изобрели.

Расстроенный Морзе решил поставить в искусстве точку. А потом добавил рядом тире и окончательно ушёл в науку.

Картина находится в Terra Museum of Arts, Чикаго, Иллинойс.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Про Филонова говорили разное: гений, сумасшедший, гипнотизёр. Возможно, слухи о том, что Филонов гипнотизёр, возникли не на пустом месте. Доподлинно неизвестно, обладал художник экстрасенсорными способностями или нет, но вот зрение у него действительно было феноменальным. Филонов мог, например, достаточно долго не мигая смотреть на солнце. И глаза у него были совершенно удивительного цвета — вишнёвого.

Ознакомиться с произведениями Павла Филонова можно на виртуальном портале Русского музея.

#Этюды
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Слово Pantone известно во всем мире. Палитра цветов, разработанная этой компанией, — настольная книга дизайнеров, модельеров, полиграфистов и текстильщиков. Но и люди, далёкие от мира моды и дизайна, прекрасно знают, что такое «эталонные цвета по версии Pantone».

А начиналась история сегодняшнего законодателя модных цветовых трендов с маленькой семейной типографии, которую в середине ХХ века основали в Нью-Джерси братья Мервин и Джесси Левайны.

Компания M&J Levine Advertising выполняла полиграфические заказы, а ещё производила цветные пигменты для лёгкой промышленности.

И всё вроде бы шло хорошо, но время от времени у главного химика компании Лоуренса Герберта возникали проблемы с клиентами. Их ожидания относительно того или иного цвета не совпадали с результатом. Да и не могли совпасть! Ведь у каждого человека свои представления о том, каким должен быть, например, «серо-буро-малиновый» цвет. Они зависят от очень многих факторов, начиная от жизненного опыта и заканчивая настроением.

И тогда Герберт решил раз и навсегда покончить с цветовой путаницей, создав палитру с пронумерованными образцами цветов. Cначала это были обычные карточки. Первый каталог Ларри Герберт выпустил в 1962 году, когда выкупил у братьев Левайнов типографию и переименовал её в Pantone.

В первой палитре от Pantone было около 40 цветов. Сегодня каталог «повелителей цвета» состоит из шести библиотек, разработанных для применения в различных отраслях и при различных условиях. Есть своя система цвета для полиграфии, для текстиля, для пластика и другие.

В общей сложности все библиотеки Pantone содержат 3026 смесевых цветов. Каждому цвету присвоен не только идентификационный номер и специальный код, но и оригинальное название. Например, «Цвет яиц странствующего дрозда» (#1FCECB), «Лягушка в обмороке» (#7B917B), «Влюбленная жаба» (#3CAA3C), «Цвет блошиного брюшка» (#4E1609).

Лоуренс Герберт однажды пошутил:

Бог создал мир за семь дней. А на восьмой он попросил Pantone сделать его цветным.

На наш взгляд, мир по версии Pantone получился очень красивым.

#Палитра_ARTISTS
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Анри Руссо по прозвищу «Таможенник» никогда не получал художественного образования. А работал он налоговым инспектором в акцизном управлении Парижа, отсюда и прозвище.

Поскольку никаких основ живописи Руссо не знал, ему приходилось придумывать свои собственные приёмы. Благодаря этому новаторству, кстати, он и приобрёл известность. Особенно завораживали его пейзажи далёких джунглей с экзотической фауной и разнообразной флорой. Однако если внимательно изучить джунгли Руссо, можно заметить, что с флорой что-то не так, да и фауна какая-то странная. Творческая ли это адаптация или нехватка мастерства у художника-самоучки? Ответ гораздо проще: Анри Руссо никогда не был в джунглях и не видел диких зверей. В основном он вдохновлялся рассказами о путешествиях по Индии матери его приятеля художника Роберта Делоне. А ещё Руссо часто бывал в зоопарке и Ботаническом саду Парижа, поэтому большая часть растений на его картинах — это увеличенные и немного изменённые копии тех растений, что можно встретить во Франции.

Взять, например, картину «Проголодавшийся лев». Она была выставлена в Осенней галерее в Париже и сопровождалась надписью: «Проголодавшийся лев набрасывается на антилопу и пожирает её; пантера с нетерпением ждёт, когда и ей перепадёт лакомый кусочек. Стервятники вырвали кусок плоти из несчастного животного, проливающего слёзы! Солнце заходит». Все хорошо, вот только лев, несмотря на своё почетное звание «Короля джунглей», в джунглях совсем не живет.

Тем не менее, невзирая на отсутствие художественного образования и опыта реальных путешествий, Руссо стал самым настоящим новатором, который предвосхитил своим творчеством сюрреализм и абстракционизм! Он принёс в Париж джунгли и диких зверей лишь благодаря своей бурной фантазии и своему собственному уникальному стилю.

Произведение находится в Фонде Бейелера.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Самым важным инструментом для любого художника, несомненно, является кисть. При этом совершенно не важно, к какой эпохе относится художник.

Считается, что первые кисти появились в Древнем Китае, но не для живописи, а для написания иероглифов. Это правда лишь отчасти. Использовать пучки шерсти и перьев для рисования люди научились гораздо раньше, ещё в позднем палеолите.

Многие исследователи склоняются к тому, что древние люди верили в успешность предстоящей охоты, если животное нарисовано реалистично. А пальцами, похоже, выходило не слишком реалистично, поэтому они начали изготавливать кисти. В полую кость с одной стороны заливалась смесь охры и растопленного жира, с другой прикреплялся пучок. Таким образом пучок постоянно подпитывался краской и можно было творить.

Древние египтяне тоже активно пользовались кисточками. Для росписи своих дворцов, храмов и гробниц они брали пучки, связанные из волокна и веток. С одной стороны, получалась твердая ручка, а с другой — некое подобие кисти.

Кстати, профессия мастера по изготовлению кистей появилась только в XVIII веке. До этого художники были вынуждены делать себе кисти самостоятельно или заказывать их у какого-нибудь умельца.

В это же время случилась настоящая революция в изготовлении кистей. Была изобретена металлическая обойма — часть, скрепляющая саму кисть с рукояткой. До этого кисти были преимущественно круглыми, а теперь можно было заказать себе кисточку любых форм и размеров. Новые плоские кисти позволили намного точнее проводить линии и наносить мазки.

Ещё одна важная часть кисти — это материал, из которого она изготовлена. От него зависит твердость или мягкость. Чаще всего бралась щетина обычной свиньи, но если на картине нужны были какие-то мелкие детали, то лучше всего подходил куний волос.

На самом деле за всю свою историю человечество перепробовало для создания кисточек шерсть практически всех животных, а к ХХ веку добралось до синтетики. Синтетические кисти, конечно, прочнее и долговечнее, но соболей и белок они заменить так и не смогли.

#Творческаяконвергенция
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Иногда даже великие мастера сознательно делают подделки. Но не ради выгоды, а чтобы доказать свое профессиональное мастерство.

Существует две версии, почему Микеланджело создал мраморную скульптуру «Спящий купидон», которая выглядела так, будто она пришла прямиком из Античности. По одной из версий, он получил на это заказ, чтобы обладатель потом мог продать скульптуру подороже. По другой версии, Микеланджело хотел посоперничать с мастерами Античности.

Кому предназначалась скульптура, тоже доподлинно неизвестно. Согласно одной версии, она предназначалась для Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи, и, по словам Джорджо Вазари, искусствоведа и автора «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих», Пьерфранческо лично посоветовал Микеланджело закопать купидона на некоторое время, чтобы придать ему античный вид.

По другой же версии, которой придерживался итальянский ученый-гуманист Паоло Джовио, Микеланджело продал свою скульптуру самостоятельно торговцу антиквариатом Бальдассаре дель Миланзе. Тот перепродал её кардиналу Рафаэлю Риарио, который уже и заподозрил подвох.

Кардинал был настолько впечатлён «Спящим купидоном», что решил не устраивать скандал, а пригласить молодого Микеланджело в Рим. Впрочем, это не помешало ему вернуть купидона торговцу и получить деньги назад.

Считается, что Микеланджело тоже хотел выкупить скульптуру обратно, но Бальдассаре дель Миланзе отказался её отдавать.

Позднее купидон оказался у макграфини Мантуанской Изабеллы д’Эсте, а после разграбления Мантуи попал в руки Карла I и был вывезен в его резиденцию в Лондоне, где благополучно сгорел во время пожара в 1698 году.

По итогу в выигрыше остался лишь Микеланджело, который смог не только заработать денег, но и доказать себе, что он ничуть не хуже античных мастеров. По крайней мере, в глазах торговцев антиквариатом.

На фото изображена бронзовая статуя спящего Купидона (III-II век до н.э.), которой мог вдодхновиться Микеланджело. Статуя хранится в Метрополитан Музее в Нью Йорке.

#Факт_о_контрафакте
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Семен Кожин: «Творческий кризис — то же банкротство, из которого нужно выбраться»

Национальная платформа ARTISTS/ХУДОЖНИКИ, созданная при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, продолжает беседовать с ведущими представителями отечественного арт-рынка.

Своим видением того, как выстраивается работа с российскими и зарубежными галереями, умении составлять бизнес-план и выходить из тупика, поделился рос­сий­ский ху­дожник, член Меж­дународ­ного худо­же­ственного фонда Семён Кожин.

Полотна Кожина хранятся во многих частных собраниях по всему миру, в крупнейших российских компаниях и музеях разных стран. А картина «Берёзки» даже попала в собрание королевы Елизаветы II.

Сегодня, если ты не хочешь «писать в стол», нужно учиться составлять бизнес-планы, просчитывать риски, продумывать стратегию переговоров с музейщиками, меценатами, спонсорами. Это очень важно. Многим трудно преодолеть психологический барьер

— отмечает художник.

Подробнее читайте по ссылке.

#Отпервоголица
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Иногда вдохновение приходит к художнику в самое неожиданное время, и он начинает заниматься вещами, которыми до этого никогда в жизни не занимался.

Так, всепоглощающее увлечение великого русского живописца Михаила Врубеля керамикой началось с печального события — со смерти его друга Андрея Мамонтова. Врубель тогда отправился в Абрамцево, чтобы проститься с товарищем, в итоге там и остался.
Изначально он просто переносил свои рисунки на майолику, затем занялся изготовлением панно, а позже пришел и к печным изразцам. Кстати, вскоре после переезда Врубель хвастался своей сестре Анне, что уже руководит «заводом изразцовых и терракотовых декораций».

Сюжеты для своих произведений Врубель находил в эпосе, мифах и легендах, литературе и театре. Отличительной особенностью его керамики в стиле модерн была яркость цветов и реалистичность персонажей.

Самой известной керамической работой Врубеля стало большое панно в технике майолики «Принцесса Грёза» — авторская копия монументального полотна, написанного для Всероссийской художественно-промышленной выставки в Нижнем Новгороде. На его создание художника вдохновила пьеса французского драматурга Эдмона Ростана. Эта майолика и сегодня украшает главный фасад гостиницы «Метрополь».

Первые печные изразцы «кисти» Врубеля украсили камин в Абрамцево. Камин получился настолько красивым, что Савва Мамонтов, который весьма скептически относился к переезду Врубеля в Абрамцево и его новым увлечениям, заказал изразцы для еще одного камина.

Работа вышла просто невероятная, художник окрестил её «Микула Селянинович и Вольга». Два былинных героя будто бы встречаются прямо на камине. Богатырь выглядит яростно и надменно, а пахарь же спокоен, словно скала.

В дальнейшем копии этой мозаики делали и для других каминов. Изготавливал их как сам Михаил Врубель, так и другие художники-керамисты из абрамцевской мастерской.

Камин «Микула Селянинович и Вольга» находится в собрании Третьяковской галереи.

#Хобби
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Именно так воспринимал Николая Ге Лев Николаевич Толстой, считая его «одним из самых великих художников, не то что России, но всего мира». Над «Евангельским циклом» Ге работал в течение десяти лет, до самой свей кончины в 1894 году. Он сознательно пошел на нарушение существовавших тогда канонов изображения Христа как красивого, сильного, гармоничного человека, чтобы потрясти пресыщенную публику зрелищем страданий Спасителя. В 1879 году Ге создал картину «Милосердие» («Не Христос ли это?»): измученный, погруженный в мрачные думы путник проходит мимо прекрасной девушки в светлом платье, глядящей ему вслед с немым вопросом во взоре. В следующем году полотно было представлено на выставке Товарищества передвижников. Ни критике, ни публике картина не понравилась – слишком сильна была привычка видеть Сына Божьего в свете силы и мудрости, а здесь Он предстал обычным человеком в состоянии разочарования, граничащим с холодным отчаянием.

Тяжело переживая свое поражение, Николай Николаевич решил использовать холст повторно. «Милосердие» осталось только на фотографии, сделанной во время выставки. Поверх него в 1890 году написано одно из самых известных и самых скандальных полотен художника – «Что есть истина?» («Суд Пилата»). У стены в таинственном полумраке стоит тщедушный, изможденный человек, не желающий склониться перед блеском и величием своего собеседника, задающего вопрос, на который ему ничей ответ не нужен. Однако судьба распорядилась так, что Христос «Милосердия» не исчез бесследно – чуть выше головы прокуратора отчетливо проступают очертания записанного лика.

В том же году Николай Ге отдал картину на очередную выставку передвижников. Публика была шокирована, критика возмущена, даже собратья-художники не поддержали живописца. Наконец вмешался Священный Синод и по его распоряжению полотно из экспозиции убрали. Лев Толстой, многие годы друживший с Николаем Николаевичем, успел увидеть картину, и буквально на следующий день написал Павлу Михайловичу Третьякову, с которым его тоже связывали дружеские отношения, выразив недоумение, почему тот не приобрел полотно, в глазах писателя ставшее «эпохой в христианском искусстве».

В Третьяков ответил, что картину не понял, хотя признает, что в ней, как и во в сем, что делает Ге, виден недюжинный талант. Работы художника уже были в галерее – к примеру, «В Гефсиманском саду», тоже не принятая публикой и приобретенная лишь через 20 лет после создания. С новым творением Ге ситуация была куда серьезней. Запрет Синода ставил его «вне закона» и, будучи выставленным в галерее, могло навлечь и на сам музей, и на его владельца серьезные неприятности, вплоть до постоянного надзора как за покупкой новых картин, так и за самой экспозицией. Этого Павел Михайлович допустить не мог. На его средства полотно было показано в Европе и Америке, но и там не нашло признания.

Но Лев Николаевич не оставил надежд убедить Третьякова приобрести произведение. Хотя Павел Михайлович не изменил своего отношения к картине, его семейству и друзьям оно тоже было не по душе. Он даже специально расспрашивал служителей о том, как реагируют на нее посетители и ничего утешительного в ответ не слышал. Тех, кто принял послание Ге, оказалось общим счетом пять человек. При этом другие его работы, выставленные в галерее, у многих находили отклик.

Когда художника не стало, Толстой писал Третьякову:

Ге же главная сила в искренности, значительном и самом ясном, доступном всем содержании. Говорят, что его техника слаба, но это неправда. В содержательной картине всегда техника кажется плохой, для тех особенно, которые не понимают содержания. А с Ге это постоянно происходило. Рядовая публика требует Христа иконы, на которую ей бы молиться, а он дает ей Христа живого человека, и происходит разочарование и неудовлетворение, вроде того, как если бы человек готовился бы выпить вина, а ему влили в рот воды, человек с отвращением выплюнет воду, хотя вода здоровее и лучше вина.

Произведение «Что есть истина?» хранится в Третьяковской галерее.

#Прочтение_живописи
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд

Год назад национальный проект ARTISTS/ХУДОЖНИКИ получил поддержку Президентского фонда культурных инициатив.

За это время была проделана масштабная работа по созданию уникальной цифровой платформы, связывающей арт-институции, художественные образовательные учреждения, сообщества художников, галереи, кураторов, коллекционеров, ценителей и любителей искусства. На данный момент платформа осуществляет работу в тестовом режиме.

И совсем скоро состоится её официальная презентация – будет положено начало принципиально новому этапу развития национальной сферы изобразительного искусства.

ARTISTS/ХУДОЖНИКИ станет первым в России современным инфраструктурным решением для сферы изобразительного искусства, открывающим перед художниками лёгкий и понятный доступ к новым возможностям для популяризации, монетизации и грамотной защиты своего творчества, поиска партнёров, обмена опытом и общения.

Уже сегодня проект объединил вокруг себя большое число единомышленников из более чем 40 регионов России. Москва, Санкт-Петербург, Екатеринбург, Краснодар, Новосибирск, Саратов, Чебоксары, Уфа, Астрахань, Донецк, Магадан, Липецк, Тамбов, Ялта – это лишь самая малая часть городов, где живут и работают художники – участники проекта.

В Экспертный совет ARTISTS/ХУДОЖНИКИ вошло 28 признанных деятелей искусства и культуры, лидеров креативных индустрий и сферы интеллектуальной собственности.

Заключено шесть соглашений о партнёрстве с крупнейшими профильными институциями.

Каждый из участников, экспертов и партнёров вносит значительный вклад в развитие проекта, делая его не просто актуальным, но способным ответить на самые важные запросы и ожидания творческого сообщества.

И это только начало!

Сегодня у всех желающих есть возможность стать частью национального проекта ARTISTS/ХУДОЖНИКИ и заявить о себе, познакомить со своим творчеством профессиональное сообщество, ценителей и любителей искусства, найти партнёров и новые возможности для развития.

Присоединяйтесь к ARTISTS/ХУДОЖНИКИ! Вдохновляйте и вдохновляйтесь вместе с нами!

#ЖизньArtists
#ПлатформаХУДОЖНИКИ
#Фондкультурныхинициатив
#Грантдлякреативныхкоманд