🤓 Люблю добавлять в лекции не только «положительные» примеры, но и проекты, к которым я отношусь критически. В сегодняшнюю лекцию о российском предметном дизайне для образовательной программы «Русская культура» добавила вот такой озадачивший меня проект.
🤔На сайте «Мастерский и массовый: русский дизайн. Конкурс-исследование предметного дизайна, вдохновлённого русской культурой во всех её проявлениях»
второе место и 60 голосов набрал проект стула Security Chair. По мнению авторки созданные ей «принты в стиле Степановой отражают дух авангарда».
📰 Прилагаю слайды из своей презентации, разбирающие визуальные источники автора.
📍Рисунок для ситца «5-тилетку за 4 года» это характерный образец агитационного текстиля.
📍Фланель «конькобежцы» в общем тоже, только с более выраженным влиянием арт-деко. Авторы обеих тканей - известны.
📍Рисунки со стульчиками, это вообще поп-арт 60-х (переделанный в духе модной компьютерной графики 90-х)…
😢Как историка дизайна, меня, конечно, расстраивает тот факт, что 60 человек, в след за автором не задали себе вопрос: «А какое отношение это всё имеет к наследию Варвары Степановой?!». Кроме того, что в Пушкинском была юбилейная выставка и имя сейчас на слуху…
🔲 Осознанно бросив живопись, и вызвавшись, под влиянием идей производственного искусства, разрабатывать рисунки для тканей. Степанова и Попова сохраняли верность принципам конструктивизма - только геометрия, только абстракция (ну это если упрощенно, конечно). Агит-текстиль был им вообще не близок. Исключение - 1 маленький эскиз Поповой с серпом и молотом. Но на этом - всё!
🚜 Можно, конечно, сказать что базовые пропедевтические курсы ВХУТЕМАСа повлияли на учившихся там художниц агит-текстиля, добровольно добавивших к усвоенному им языку абстрактных форм - новое социалистическое содержание. Но пропедевтику там вела Попова, а Степанова работала на текстильном отделении очень не долго.
⁉️И выбранные автором примеры ткани напрямую даже к ВХУТЕМАСу не относятся. Кажется, что просто любая геометрия или вообще яркая графика на ткани для неё - авангард?!
🙈 Само качество графических стилизаций - тоже низкое, но это в данном случае, кажется, уже меньшей проблемой.
💺 И вторая концептуальная проблема этого проекта. Авторка буквально ставит равно между дизайном и украшательством. Ах, какой невзрачный стульчик, сейчас мы его разрисуем и будет красивенько!
Нет, не будет. Это всё тот же страшный стульчик, только теперь ещё и страшно разрисованный 🤦♀️
🥔 Это как в легендарной советской байке про то, как американский производитель ножей для чистки картофеля захотел увеличить продажи. Позвал художника и тот расписал рукоятку узорами. Пара ножей продалась на подарки и продажи снова встали. Тогда он позвал дизайнера. Дизайнер покрасил ручку картофелечистки в цвет очисток. И продажи выросли, тк люди стали случайно выкидывать ножи вместе с мусором.
👩💻Дизайнер работает не только с общим художественным образом и цветом, но и с формой, с материалом, с эргономикой, с задачами заказчика. Тут есть попытка улучшить материал и технологию, это уже хорошо.
UPD. Меня поправили что речь про охранников вообще - недопонимание возникло из-за подводки «нового русского», но всё равно, не очевидный выбор принтов…
🪑Стулья смотрителей это реальная боль музеев - всем нужна не дорогая, но прочная и удобная мебель для сидения (т.к. персоналу должно быть удобно, но много платить за это никто не будет) и главное, эта мебель должна быть максимально нейтральной, не спорить с содержанием любой выставки, не бросаться в глаза посетителям. Быть буквально не видимой и прозрачной (экспозиционным дизайнерам и так хватает боли с огнетушителями в экспозиции, но тут хотя бы вопрос безопасности).
😝 Можно сказать, что это просто концептуальный проект стула с узором из стульев. Но опять же, зачем для этого брать не красивый стул, и главное, поминать Степанову в суе?! Российский дизайн заслуживает более уважительного отношения к своему наследию… А охранники - доступной и удобной мебели, от которой не рябит в глазах.
#DesignReview #AwantGarde #Textile #RussianDesign
🤔На сайте «Мастерский и массовый: русский дизайн. Конкурс-исследование предметного дизайна, вдохновлённого русской культурой во всех её проявлениях»
второе место и 60 голосов набрал проект стула Security Chair. По мнению авторки созданные ей «принты в стиле Степановой отражают дух авангарда».
📰 Прилагаю слайды из своей презентации, разбирающие визуальные источники автора.
📍Рисунок для ситца «5-тилетку за 4 года» это характерный образец агитационного текстиля.
📍Фланель «конькобежцы» в общем тоже, только с более выраженным влиянием арт-деко. Авторы обеих тканей - известны.
📍Рисунки со стульчиками, это вообще поп-арт 60-х (переделанный в духе модной компьютерной графики 90-х)…
😢Как историка дизайна, меня, конечно, расстраивает тот факт, что 60 человек, в след за автором не задали себе вопрос: «А какое отношение это всё имеет к наследию Варвары Степановой?!». Кроме того, что в Пушкинском была юбилейная выставка и имя сейчас на слуху…
🔲 Осознанно бросив живопись, и вызвавшись, под влиянием идей производственного искусства, разрабатывать рисунки для тканей. Степанова и Попова сохраняли верность принципам конструктивизма - только геометрия, только абстракция (ну это если упрощенно, конечно). Агит-текстиль был им вообще не близок. Исключение - 1 маленький эскиз Поповой с серпом и молотом. Но на этом - всё!
🚜 Можно, конечно, сказать что базовые пропедевтические курсы ВХУТЕМАСа повлияли на учившихся там художниц агит-текстиля, добровольно добавивших к усвоенному им языку абстрактных форм - новое социалистическое содержание. Но пропедевтику там вела Попова, а Степанова работала на текстильном отделении очень не долго.
⁉️И выбранные автором примеры ткани напрямую даже к ВХУТЕМАСу не относятся. Кажется, что просто любая геометрия или вообще яркая графика на ткани для неё - авангард?!
🙈 Само качество графических стилизаций - тоже низкое, но это в данном случае, кажется, уже меньшей проблемой.
💺 И вторая концептуальная проблема этого проекта. Авторка буквально ставит равно между дизайном и украшательством. Ах, какой невзрачный стульчик, сейчас мы его разрисуем и будет красивенько!
Нет, не будет. Это всё тот же страшный стульчик, только теперь ещё и страшно разрисованный 🤦♀️
🥔 Это как в легендарной советской байке про то, как американский производитель ножей для чистки картофеля захотел увеличить продажи. Позвал художника и тот расписал рукоятку узорами. Пара ножей продалась на подарки и продажи снова встали. Тогда он позвал дизайнера. Дизайнер покрасил ручку картофелечистки в цвет очисток. И продажи выросли, тк люди стали случайно выкидывать ножи вместе с мусором.
👩💻Дизайнер работает не только с общим художественным образом и цветом, но и с формой, с материалом, с эргономикой, с задачами заказчика. Тут есть попытка улучшить материал и технологию, это уже хорошо.
UPD. Меня поправили что речь про охранников вообще - недопонимание возникло из-за подводки «нового русского», но всё равно, не очевидный выбор принтов…
🪑Стулья смотрителей это реальная боль музеев - всем нужна не дорогая, но прочная и удобная мебель для сидения (т.к. персоналу должно быть удобно, но много платить за это никто не будет) и главное, эта мебель должна быть максимально нейтральной, не спорить с содержанием любой выставки, не бросаться в глаза посетителям. Быть буквально не видимой и прозрачной (экспозиционным дизайнерам и так хватает боли с огнетушителями в экспозиции, но тут хотя бы вопрос безопасности).
😝 Можно сказать, что это просто концептуальный проект стула с узором из стульев. Но опять же, зачем для этого брать не красивый стул, и главное, поминать Степанову в суе?! Российский дизайн заслуживает более уважительного отношения к своему наследию… А охранники - доступной и удобной мебели, от которой не рябит в глазах.
#DesignReview #AwantGarde #Textile #RussianDesign
💯3❤1👍1
Небольшое дополнение к нашему флэш-мобу про искусство в интерьере. Пока мы обсуждали развеску картин на стенах, я не могла не вспомнить о некоторых художниках и дизайнерах, которые предлагали рисовать прямо на них. 😅
🔴🟡🔵1. Александр Родченко. Триптих «Гладкий цвет». Выставка «5х5=25». 1921. Комментируя эти картины, Родченко писал, о том, что комнаты с обоями и висящими поверх них картинами в рамах - визуально перегружены и безнадёжно устарели, следующим шагом - станет исключительно работа с цветом стен. «Все вы так будете существовать, как существуют сейчас эти беспредметные формы, тон, вес и
Композиция» 😄
🔳 2. Конечно, ранее о подобном размышлял и адепт супрематизма Казимир Малевич, масштабируя свою систему в пространстве не только квартиры и города, но и вселенной. “Принцип росписи стены, плоскости или всей комнаты, или целой квартиры по системе супрематизма (Смерть обоям)”. 1919-20
🎲 3. В руках архитекторов группы Де Стиль - сами дома становились трёхмерными картинами. Классический пример - Геррит Ритвельд. Дом Трюс Шрёдер-Шрэдер (Truus Schröder-Schräder). 1924. Подробно отсняли его для нашего фильма в 2013 году.
Но такой чистый цвет на стенах, конечно, не всем был по вкусу. Про хулиганские муралы Ле Корбьюзье я вот тут уже писала)).
💈4-5. Немецкий художник-экспрессионист Венцель Хаблик (Wenzel Hablik). В своё время меня очень удивила его картина "Große bunte utopische Bauten" (Большие цветные утопические постройки), 1922. Но ещё больше я удивилась, узнав, что можно записаться на осмотр восстановленной росписи его дома, сделанной в 1924 году и долгое время скрывавшейся под слоем обоев.
Про Соню Делоне тут уже не влезает. Но могу отдельный пост сделать. Ставьте ✍️, если хотите!
👁🗨 6-7. Со второй половины 1960-х художники и дизайнеры начинают использовать оптическую графику для того, чтобы визуально «сломать» и «оживить» скучную геометрию пустых модернистских пространств и объёмов. Оп-арт переходит из художественных галерей на страницы модных журналов, заполняет собой рекламные плакаты, тротуары улиц и фасады домов.
Среди моих любимых художниц этого периода, работавших с интерьером - Бриджит Райли. Фото в окружении своих работ. 1963. / Госпиталь Королевского университета Ливерпуля, настенная роспись ‘Bolt of Colour’. 1983
🧩 🎨 8. В 1974 году канадский графический дизайнер Тед Батлер выпустил популярную серию наборов Supergraphic System Kit — трафаретов и инструкций для самостоятельной росписи стен разноцветными графическими полосами. Так оп-арт прочно поселился в модных жилых интерьерах. Сейчас эта тема снова становится популярной.
🍭9. Современных авторов много. Приведу один пример. Мне очень нравится, как она работает с цветом и с историческими источниками, не уходя в прямое копирование.
Дарья Зиноватная. Проект интерьера Utopia. 2017
#ArtInInteriour #VoprosOtvet #InteriourDesign #Art #Color
🔴🟡🔵1. Александр Родченко. Триптих «Гладкий цвет». Выставка «5х5=25». 1921. Комментируя эти картины, Родченко писал, о том, что комнаты с обоями и висящими поверх них картинами в рамах - визуально перегружены и безнадёжно устарели, следующим шагом - станет исключительно работа с цветом стен. «Все вы так будете существовать, как существуют сейчас эти беспредметные формы, тон, вес и
Композиция» 😄
🔳 2. Конечно, ранее о подобном размышлял и адепт супрематизма Казимир Малевич, масштабируя свою систему в пространстве не только квартиры и города, но и вселенной. “Принцип росписи стены, плоскости или всей комнаты, или целой квартиры по системе супрематизма (Смерть обоям)”. 1919-20
🎲 3. В руках архитекторов группы Де Стиль - сами дома становились трёхмерными картинами. Классический пример - Геррит Ритвельд. Дом Трюс Шрёдер-Шрэдер (Truus Schröder-Schräder). 1924. Подробно отсняли его для нашего фильма в 2013 году.
Но такой чистый цвет на стенах, конечно, не всем был по вкусу. Про хулиганские муралы Ле Корбьюзье я вот тут уже писала)).
💈4-5. Немецкий художник-экспрессионист Венцель Хаблик (Wenzel Hablik). В своё время меня очень удивила его картина "Große bunte utopische Bauten" (Большие цветные утопические постройки), 1922. Но ещё больше я удивилась, узнав, что можно записаться на осмотр восстановленной росписи его дома, сделанной в 1924 году и долгое время скрывавшейся под слоем обоев.
Про Соню Делоне тут уже не влезает. Но могу отдельный пост сделать. Ставьте ✍️, если хотите!
👁🗨 6-7. Со второй половины 1960-х художники и дизайнеры начинают использовать оптическую графику для того, чтобы визуально «сломать» и «оживить» скучную геометрию пустых модернистских пространств и объёмов. Оп-арт переходит из художественных галерей на страницы модных журналов, заполняет собой рекламные плакаты, тротуары улиц и фасады домов.
Среди моих любимых художниц этого периода, работавших с интерьером - Бриджит Райли. Фото в окружении своих работ. 1963. / Госпиталь Королевского университета Ливерпуля, настенная роспись ‘Bolt of Colour’. 1983
🧩 🎨 8. В 1974 году канадский графический дизайнер Тед Батлер выпустил популярную серию наборов Supergraphic System Kit — трафаретов и инструкций для самостоятельной росписи стен разноцветными графическими полосами. Так оп-арт прочно поселился в модных жилых интерьерах. Сейчас эта тема снова становится популярной.
🍭9. Современных авторов много. Приведу один пример. Мне очень нравится, как она работает с цветом и с историческими источниками, не уходя в прямое копирование.
Дарья Зиноватная. Проект интерьера Utopia. 2017
#ArtInInteriour #VoprosOtvet #InteriourDesign #Art #Color
❤6👍3
👩🎤Про Соню Делоне, напишу завтра, а сегодня хочу рассказать о еще одной небольшой студии, которая участвовала в голландской неделе дизайна. В рамках нашей беседы об искусстве в интерьере они могут быть интересны как пример синтеза 2D-графики и 3D-объектов. Кроме того, это набирающий популярность подход, когда дизайнеры сами предлагают идеи по дополнению интерьера со своей мебелью.
👩🎨👨🎨Голландцы Лотти Линдеман и Ваутер Шойблин с 2006 года работали в одной студии, а с 2015 объединили усилия и стали творить вместе под названием Scheublin & Lindeman. Они выполняют заказы клиентов и параллельно развивают собственный бренд Haave.
📐🖍Для которого они создают минималистичную деревянную мебель, оригинальные керамические и текстильные светильники, а также текстиль и аксессуары для дома. В их работах заметно внимание к сложным цветовым сочетаниям, любовь к геометрии и забота об окружающей среде.
🛋 🖼 Помимо мебели, они делают ковры, акустические панно из текстильных обрезков, оставшихся от производства, а также бумажные коллажи и графику... Здесь, конечно, не идет речь о высоком искусстве, а о промежуточном пространстве «интерьерной графики». К этому явлению можно относиться очень по-разному (и об этом еще будут посты от других дизайн-админов), но игнорировать такие работы как часть современной культуры невозможно.
Больше фото - в комментариях.
#DutchDesignWeek #ArtInInterior #VoprosOtvet #Textile #InteriorDesign #Art #Color
👩🎨👨🎨Голландцы Лотти Линдеман и Ваутер Шойблин с 2006 года работали в одной студии, а с 2015 объединили усилия и стали творить вместе под названием Scheublin & Lindeman. Они выполняют заказы клиентов и параллельно развивают собственный бренд Haave.
📐🖍Для которого они создают минималистичную деревянную мебель, оригинальные керамические и текстильные светильники, а также текстиль и аксессуары для дома. В их работах заметно внимание к сложным цветовым сочетаниям, любовь к геометрии и забота об окружающей среде.
🛋 🖼 Помимо мебели, они делают ковры, акустические панно из текстильных обрезков, оставшихся от производства, а также бумажные коллажи и графику... Здесь, конечно, не идет речь о высоком искусстве, а о промежуточном пространстве «интерьерной графики». К этому явлению можно относиться очень по-разному (и об этом еще будут посты от других дизайн-админов), но игнорировать такие работы как часть современной культуры невозможно.
Больше фото - в комментариях.
#DutchDesignWeek #ArtInInterior #VoprosOtvet #Textile #InteriorDesign #Art #Color
❤3👍1🔥1
😍 Соня Делоне (Sonia Delaunay, 1885 – 1979) — невероятная личность с долгой и яркой творческой жизнью! О ней можно рассказывать бесконечно, рассматривая её вклад в искусство, моду, графический и предметный дизайн, театральный и экспозиционный дизайн и даже экспозиции. Завершая наш флэш-моб, я хочу сосредоточиться на том, как её работы влияли на тему искусства в интерьере.
👩🎨 Соня Делоне родилась в еврейской семье в Одессе (под именем Сара Штерн). После смерти родителей она была воспитана родственниками в Санкт-Петербурге (как Соня Терк). Они заметили её художественный талант и поддержали его. Соня училась в Карлсруэ, а затем в Париже, где провела большую часть своей жизни.
👁 Знаете ли вы, что она стала первой женщиной-художником, чья персональная выставка прошла в Лувре в 1964 году? Вместе с мужем Робертом Делоне она разработала живописное направление — симультанизм (simultanéisme), которое они определяли как «движением цвета в свете». Симультанизм основывался на исследованиях визуального восприятия цветовых оттенков и влияющих на них факторов, а также на идеях синтеза искусств.
🛋 🖼 Соня Делоне создавала целые миры, объединяющие живопись, мебель, текстиль и моду. Она игнорировала границы между изящным и прикладным искусством, преуспев в обоих направлениях.
🪢 Своим первым полностью абстрактным произведением она считала лоскутное одеяло, сшитое для новорожденного сына в 1911 году. Симультанное платье 1913 года должно было превратить её саму в искусство. Открытие симультанного ателье с тканями, моделями одежды и интерьерными аксессуарами (1924 – 1931) и участие в парижской выставке 1925 года сделали её ведущей фигурой арт-деко.
🔳🔲 Интересную параллель можно провести между отзывами на прикладные работы Сони Делоне (1924 и далее), и отзывами на московские выставки артели «Вербовка» под руководством Натальи Давыдовой и Александры Экстер (1915 –
17), впервые представивших декоративные вещи по эскизам авангардных художников Российской Империи, в том числе супрематистов. В обоих случаях писали, что даже критики абстрактной живописи охотно приобретали аналогичные работы в виде сумочек, шарфов и подушек….
#SoniaDelone #ArtInInterior #VoprosOtvet #Textile #InteriorDesign #Furniture #Art #Color
👩🎨 Соня Делоне родилась в еврейской семье в Одессе (под именем Сара Штерн). После смерти родителей она была воспитана родственниками в Санкт-Петербурге (как Соня Терк). Они заметили её художественный талант и поддержали его. Соня училась в Карлсруэ, а затем в Париже, где провела большую часть своей жизни.
👁 Знаете ли вы, что она стала первой женщиной-художником, чья персональная выставка прошла в Лувре в 1964 году? Вместе с мужем Робертом Делоне она разработала живописное направление — симультанизм (simultanéisme), которое они определяли как «движением цвета в свете». Симультанизм основывался на исследованиях визуального восприятия цветовых оттенков и влияющих на них факторов, а также на идеях синтеза искусств.
🛋 🖼 Соня Делоне создавала целые миры, объединяющие живопись, мебель, текстиль и моду. Она игнорировала границы между изящным и прикладным искусством, преуспев в обоих направлениях.
🪢 Своим первым полностью абстрактным произведением она считала лоскутное одеяло, сшитое для новорожденного сына в 1911 году. Симультанное платье 1913 года должно было превратить её саму в искусство. Открытие симультанного ателье с тканями, моделями одежды и интерьерными аксессуарами (1924 – 1931) и участие в парижской выставке 1925 года сделали её ведущей фигурой арт-деко.
🔳🔲 Интересную параллель можно провести между отзывами на прикладные работы Сони Делоне (1924 и далее), и отзывами на московские выставки артели «Вербовка» под руководством Натальи Давыдовой и Александры Экстер (1915 –
17), впервые представивших декоративные вещи по эскизам авангардных художников Российской Империи, в том числе супрематистов. В обоих случаях писали, что даже критики абстрактной живописи охотно приобретали аналогичные работы в виде сумочек, шарфов и подушек….
#SoniaDelone #ArtInInterior #VoprosOtvet #Textile #InteriorDesign #Furniture #Art #Color
🔥4❤3