СТУДИЙНАЯ ДРАМАТУРГИЯ
В год тридцатилетия своего в анимации решил попробовать ввести в индустрию новый термин – студийная драматургия.
Где
Студийная драматургия - теория и искусство построения зрительского драматического произведения в связке с возможностями и технологиями производства, с учетом коммерческих задач.
Не затрагивает авторское кино.

12 ПРИНЦИПОВ СТУДИЙНОЙ ДРАМАТУРГИИ
1. Сценарист в произведении решает не только творческие, но и производственные, и коммерческие задачи.
2. История, диалоги, действие создаются с учетом психологического портрета целевой аудитории, ее возраста.
3. Сценарий отдельных серий анимационного сериала следует установленному сценарному движку сериала, кроме специальных серий.
4. Авторы серий развивают идею автора сериала, сохраняя целостность концепции.
5. Персонаж придумывается не только, как герой истории, но и как бренд.
6. Сценарист должен думать не только о конфликте или о нарративе, но и о зрелище.
7. Сценарий оформляется, подписывается и называется по студийному шаблону. Одна страница сценария = одна минута экранного времени.
8. Сценарий изначально пишется с учетом технологии анимации (кукольная, пластилиновая, 3d, 2d)
9. Работа сценариста не завершается сдачей сценария, сценарист на определенных студией этапах включен в работу до момента сдачи фильма.
10. В студийной документации, в титрах сохраняется и указывается авторство всех значимых соавторов креативного процесса, в т.ч. и не участвующих в создании контента позже.
11. Оформленная концепция, заявка, признается студией самостоятельным творческим продуктом (объектом авторского права). При условии наличия в ней ключевых креативных элементов (оригинальный логлайн, оригинальный мир, оригинальные персонажи, включая их оригинальные имена, оригинальный синопсис, движок серии, описание развития сериала в одном и более сезонах – для сериалов).
12. Сценарий создается сценаристом поэтапно (логлайн, синопсис, поэпизодник, сценарий) и поэтапно принимается студией.

(к размышлению и обсуждению, разумеется)

ТРЕТИЙ ЛИШНИЙ
Комедия – единственный жанр анимации, в котором критически важно ядро креативной команды. Те люди, что формируют идеи, расписывают их, расшучивают.
Вполне очевидно, что хорошо бы в креативной команде иметь эдаких шутников. Но я хочу обратить внимание вот на что – в комедийной группе не должно быть людей, не понимающих юмора. Ни одного.
Если ты пишешь исторический сериал – там в группе может быть человек без знания истории. Он ничем и никак особо повредить команде не может. Если ты пишешь образовательный сериал – в группе вполне может быть человек, плохо понимающий в теме образования. Если он чего-то не знает – другие могут компенсировать его незнание.
Но беда, если в комедийной группе есть кто-то, кто «просаживает» юмористические обсуждения. Кто не понимает шуток, переспрашивает, пытается шутки убрать или сократить. Комедия – единственный формат, где даже один человек внутри группы может убить всю комедийную атмосферу обсуждения сценария.
Но как понять, подходят люди для юмора или нет?
Очень просто (если у вас есть возможность принимать решение). Поучаствуйте в первых штурмах. Тот человек, кто не предлагает шутки, но кому их часто коллеги объясняют – тот лишнее звено в штурмах. Можно опросить участников штурмов, с кем им комфортно участвовать в штурмах, а с кем нет.
По итогам опроса сформируйте группу и работайте внутри нее.
Я много раз видел на разных студиях, как к сожалению коллеги весьма неудачно формировали такие команды. Все понимают, что риг персонажа может сделать не каждый. Но к юмору странное пренебрежительное непрофессиональное отношение – мол, давайте всех позовем, авось что-то нашутится. Как результат – может пройти несколько обсуждений, но юмора на выходе будет с гулькин нос.
В общем, шутить – это тоже профессия. А комедия все же остается одним из самых сложных жанров в кино. Не каждой творческой группе она покоряется.

НУЛЕВОЙ СЦЕНАРИЙ

Во время создания нового анимационного сериала у авторов есть сразу несколько проблем.
1. Проблема четкого видения мира. Креатив находится в самом начале и мир не полностью виден авторам. Не все локации ясны, не все конфликты заметны, не все характеры искрят. Мир сериала – словно бы недорисованная картина, на которой есть лишь несколько набросков.
2. Проблема синхронизации видения мира. До той поры, пока нет пилота, каждый член команды может видеть сериал чуть по-разному или сильно по-разному. Как синхронизировать их мысли и идеи?
3. На сценарном уровне не до конца сверен движок, провисающие моменты сюжета не видны, речь персонажей не кристаллизовалась.

Конечно, большинство вопросов закрывает пилотный сценарий. И таким путем обычно все и идут.
Что делают художники? Они начинают создавать эскизы, наброски, начинают поиск визуального решения. Но как быть текстовикам? У нас же нет набросков. Мы не набрасываем наброски диалогов, не набрасываем фрагменты сцен, погонь и финалов.
Хм…. Или надо делать такие наброски?

И вот что я стал делать. В сложных ситуациях, когда мир богатый и неоднозначный, я иногда пишу «нулевой сценарий». Это по сути экскиз, только текстовый. Я прикидываю количество сцен, описываю действие, диалоги.
Внешне по оформлению сценарий. Но по сути – эскиз. Поле для разговора и штурма креативной команды, чтобы «примерить» движок, диалоги, героев.
Такой сценарий может стать основой сценария серии, а может и не стать.
В девелопменте сериалов такой подход не распространен. А вот в полнометражном кино, как ни странно, - сплошь и рядом. Фактически первая версия полнометражного сценария и есть такой «нулевой» сценарий, который частенько ого-го как переписывают потом.

Разумеется, этап «нулевого» сценария предполагает особенный подход к формированию креативной группы проекта, включающий в себя сценариста (или сценаристов) внутри стартовой команды.

ЭТАПНОСТЬ КОММЕНТИРОВАНИЯ АНИМАЦИОННОЙ СЕРИИ
Анимационное производство требует разбивать творческие процессы на этапы.
Этапы есть у создания сценария, у создания серии, у создания сериала.
Этапность помогает контролировать сроки производства и дисциплинирует и производящую и принимающую стороны.

Отсюда – тема сегодняшнего поста. Важно соблюдать этапность в комментировании сценария.

Если вы шлифуете сценарий и начинаете вдруг менять историю на уровне логлайна – это плохой звонок. Вы не соблюдаете этапность.

Мне могут возразить – но ведь творческие задачи иногда требуют вернуться назад. Верно. Но тогда возможность возвращаться назад должна быть заложена как этап производства. Например, вы закладываете на написание сценария месяц и закладываете еще месяц на переписывание сценария. И сценарист согласился на это на этот бюджет. И производство согласилось на это на эти сроки.

Примерная идеальная схема этапов.

ЛОГЛАЙН
Тут комментируем тему истории, конфликт, сюжет, главных героев.

СИНОПСИС
Тут комментируем историю, как развивается и решается конфликт.

ПОЭПИЗОДНИК
Тут комментируем хронометраж, темп повествования, локации, наличие и соотношение персонажей, движок.

СЦЕНАРИЙ
Тут комментируем реплики, действие, гэги, драматургию общую, характеры, нарратив, итоговый хронометраж.

АНИМАТИК
Тут комментируем хронометраж, черновую озвучку, реплики, розыгрыш, мизансцены, композицию в кадре, гэги, черновой монтаж, верность сокращений или дополнений при переводе текста в визуальное повествование.

ЛЭЙАУТ (для 3д)
Тут комментируем мизансцены, камеру, движение персонажей и объектов (без полноценной анимации), ключевые позы, пропсы (предметы и детали интерьера), опять монтаж.

АНИМАЦИЯ
Движение персонажей, эмоции, темп визуального повествования, физика движения, характеры героев.

ИТОГОВАЯ СБОРКА
Здесь уже надо комментировать все, но с точки зрения исполнения: звук, реплики, свет, цвет, анимация после рендера, эффекты, титры, переходы, заставка, проверка на технический брак (покадровый отсмотр материала).

Важно сказать, что в реальном производстве все делится на еще более мелкие этапы, но их часто принимает сам продакшен внутри себя, а со стороны заказчиков-студий отслеживают лиды и линейные продюсеры.

Конечно, на каждом из этапов может всплыть что-то, что не было замечено на более ранних этапах. Но любой продакшен может справедливо заметить – вы же приняли тот этап.

Вернемся к сценаристам – им бывает трудно отстаивать этапность в производстве. Их часто могут вернуть назад даже после читок и согласований. Если в ваших редакциях такое происходит часто – это плохой звонок. Скорее всего этапность комментирования не соблюдена.

ОТ «НЕ НРАВИТСЯ» К ДЕКОМПОЗИЦИИ И КОНКРЕТИКЕ
Продолжу тему комментариев. В анимации приходится комментировать много творческих объектов: сценарии, стихи, песни, серии, голоса актеров и т.д.
Есть соблазн комментировать только в формате «нравится - не нравится». Но такой тип комментирования, по счастью, устаревает и встречается все реже на студиях.
Основа современного подхода к постановке и комментированию творческих задач – декомпозиция. Этот прием позволяет разбить одну большую задачу на несколько малых, каждая из которых, хоть и является частью большей задачи, все же может быть выделена и решена самостоятельно. При декомпозиции задачи мы можем дать надежду исполнителю на то, что решить поставленную нами задачу все же реально. Да и нам самим контролировать исполнение задачи будет легче.

Итак, представим, что мы должны написать сценарий полнометражного фильма. Человек принес сценарий и у нас ощущение «не нравится». Декомпозируем задачу.
Смотрим, какие фрагменты сценария у сценариста удались.
Допустим, он нашел хорошие образы для трех персонажей. Отмечаем это. Но не удались у него еще три персонажа – сообщаем ему об этом и указываем направления, варианты, куда он может двинуться, чтобы поправить характеры. Приводим примеры.
Допустим, у сценариста хороший первый акт, провисает второй и чего-то не хватает в третьем. Отмечаем, что удалось, даем комментарии по второму и третьему акту.
Допустим мало гэгов – это указываем и указываем, в каких сценах особенно все провисает.
И так, «разбирая» сценарий на части, на диалоги гэги, драматургии по актам, характеры героев – мы можем увидеть, что допустим на 30% у автора все получилось. И мы точно указываем, где и что. На 40% не получилось, и мы точно указываем, где и что. А на 30% можно что-то дошлифовать – мы четко указываем, где и что и в каком направлении.

Так же со стихотворением.
Нам нравится припев. Но не нравится первый куплет. А в третьем куплете хорошая находка, которую хорошо бы развить на протяжении всего стихотворения к песне.
Декомпозируем на припевы, куплеты, отдельные слова и фразы и указываем, что получилось, а что нет.
И в итоге поэту надо не все с нуля переписывать, а лишь 40% стихов и при этом поэт четко понимает, в каком направлении нужно редактировать текст.
Аналогично с песней.
Здесь декомпозируем на припевы, куплеты, вступление, финал, на ударные моменты, на музыкальные стили, на ритм, на примененные в аранжировке инструменты. И тогда композитору будет легче понять, в каком направлении двигаться.

Декомпозиция помогает сократить время решения творческих задач на анимационных проектах, экономит средства студии и нервы исполнителям.

Впрочем, такому комментированию нужно учиться. Наверное, полезно на студии создавать что-то вроде шаблонов для комментариев, чтобы все этим навыком владели хорошо.

РЕЖИССЕРСКИЙ СТОРИ ПИТЧ (ПИТЧ ИСТОРИИ)
Традиционный путь сценария в анимацию следующий. Есть утвержденный сценарий – он передается режиссеру серии или режиссеру аниматика – выпускающий режиссер добрифовывает режиссера серии или режиссера аниматика – выдается аниматик.
То есть для группы проекта по сути стадии даже две – сперва есть утвержденный сценарий, затем они видят аниматик серии.
Но иногда в сериалах есть дополнительный этап. И он мне кажется интересным. Называется этап – режиссерский стори питч. Такой этап есть на одном из моих проектов. Это комедийный сериал. И режиссерский стори питч нам очень помогает.
Что происходит на этом этапе?
Режиссер читает сценарий, анализирует сильные и слабые стороны. И затем презентует творческой группе короткий питч своего режиссерского видения на серию. Объясняется, как будут решены сложные и важные сцены. Обозначаются проблемные стороны сценария и как режиссер предлагает их решить. Затем высказываются предложения по сокращению-добавлению каких-то фрагментов или замене неудачных реплик. Предложения по локациям.
Занимает режиссерский стори-питч где-то полчаса. И выглядит как свободный рассказ с несколькими (не больше 8 на весь сценарий) кадрами-скетчами ключевых сцен. Плюс затем быстрый проход по тексту сценария с предлагаемыми помеченными в нем изменениями.
На мой взгляд для комедийного сериала такой формат, такой этап – идеальная история для случаев работы с хорошими комедийными режиссерами, которые конечно же стараются переосмыслить в лучшую сторону предоставляемый им сценарный текст. Благодаря этому этапу еще до аниматика можно прояснить спорные моменты, можно с чем-то с режиссером не согласиться, можно что-то предложить. Что работает в плюс на историю, на сериал.
На мой взгляд такой стори-питч этап полезен для комедийных сериалов, для приключенческих, фантастики и фэнтези. Как для анимации, так и для игрового кино.

ВОЗРАСТНЫЕ ОСОБЕННОСТИ АУДИТОРИИ. ОРИЕНТИР ДЛЯ СЦЕНАРИСТА

0-3 года
В этом возрасте дети познают предметный мир, изучают окружающее пространство. В центре их мира пока что только близкие родственники – папа, мама, брат, сестренка.
Эмоции здесь идут можно сказать не как реакция, а как процесс того, что происходит на экране. На экране улыбаются – ребенок улыбается. На экране грустные – ребенок грустный.
Сюжеты тут нужны очень простые и направлены прежде всего на познание мира, прежде всего предметного. Вот стол, вот стул, вот тут красное, вот тут желтое. Вот кузнечик, он радостный. Вот гусеница, она грустная.
На экране минимум персонажей, драматургия простейшая, смена локаций минимальная, монтаж спокойный.
Сериалы вертикальные.
Качество историй достигается через умение подхватить внимание маленького зрителя, играть с ним, помогать ему осваивать мир в позитивном настроении. Высока роль музыки и песен, вплетенных в сюжет.

4-7 лет
Здесь уже важны взаимоотношения людей, эмоции, чувства. Зритель в возрасте активного исследования и окружающего мира, и людей, и первые вопросы о как и почему. Мышление становится образным, появляется логика в мышлении.
Окружение – друзья и знакомые во дворе, в детском садике. Те, кто живет в том пространстве, которое осваивает ребенок.
Зритель уже воспринимает притчи, сказки, фэнтези, фантастику, более сложные сюжеты. Хорошо понимает юмор. Воспринимает истории, которые происходят не здесь и сейчас, а была завязка в начале, и развязка в финале. Хорошо вовлекается в ролевые игры. Зритель пробует себя то капитаном, то поваром, то супергероем, то спасателем, то драконом, то волком. Понимает, что такое коллективная работа, кооперация, команда. Начинает выбирать для себя желаемое будущее. Впервые задается и экзистенциальными вопросами (что такое жизнь и смерть).
Начинают выделяться гендерные предпочтения.
Дети активно исследуют разные жанры кино. Важно активное действие. Зрители хорошо принимают уже активный монтаж, нормально воспринимают наличие довольно большого числа персонажей (5-12). Понимают нарратив и ценят его, если он качественно подан. Возможны параллельные сюжетные линии. Уже начинают восприниматься и горизонтальные сериалы.
Оптимальное сочетание диалогов и действия 50 на 50.

8-12 лет
Развитие личности. Все активнее проявляется абстрактное мышление. Появляются личные увлечения, хобби, тяга к научным знаниям, к творчеству. Дети начинают ходить в кружки, секции согласно своим увлечениям. Расширяется круг друзей и знакомых.
Возрастает роль наставников, примеров, героев. Дети начинают воспринимать от ролевых моделей не только их внешние поступки или манеру одеваться, но и их нравственные установки, ценности.
Начинают выделяться культурные предпочтения. Ребенок начинает воспринимать себя как часть той или иной культуры (не обязательно следует этим предпочтениям – тут многое зависит от страны, семьи, окружения).
В этом возрасте дети уже идут в школу, так что они уже активнее начинают оценивать мир взрослых и свое место в мире. Ищут публичного признания, похвалы уже не только от близких, но от окружающих. Появляется первая состязательность, т.к. человек начинает жить в мире оценок (школа, секции, кружки).
Попытка разобраться, любят ли его. И любовь связана с достижениями или по умолчанию, за то, каков он есть.
Еще большее исследование жанров в кино. Первые влюбленности. Первое подражание старшим по возрасту.
Сюжеты для этой аудитории могут затрагивать уже и более глубокие вопросы и большее жанровое разнообразие. Может возрастать хронометраж серий. Хорошо воспринимаются горизонтальные сюжеты. И даже они выходят на первый план. Дети учатся самостоятельно преодолевать первые барьеры в своей жизни, связанные с чьим-то плохим отношением, несправедливостью. Темы преодоления преград становятся важными в сюжетах.
В этом возрасте уже может быть давление от сверстников по теме «все еще смотришь мультики?». Истории должны быть достаточно хороши, чтобы смотрение сериала выглядело «круто» в глазах сверстников.

13-16 лет
Сложный подростковый возраст. Первые бунты. Попытка понять свое место в мире. Недоверие к родителям, учителям – часть процесса переоценки себя. Более сильное столкновение со сверстниками. Возрастание неуверенности. Самокопание. «Никто меня не понимает».
Активный поиск точки опоры в кумирах, в тех, кто понимает. Героем становится не тот, кто сильнее, а тот, кто понимает, или тот, кто такой же как я.
Герои-неудачники обретают ценность, т.к. через них проговариваются проблемы, с которыми сталкивается подросток.
Рост романтических интересов. Хорошо воспринимаются сюжеты про взаимоотношения. Важны диалоги, монологи, мысли героев. По-прежнему важно, как персонажи выглядят, но еще более важно теперь, что они чувствуют.
Люди или почти люди становятся главными героями сюжетов. У них могут быть драконы, кони, животные-помощники, но все же важнее становятся именно люди.
Эмоции выкручены на максимум. Если гнев – то ярость, если юмор, то так что персонаж падает на пол от смеха.
Вновь становится важна музыка. Музыка как как красивый фон, песни как выражение эмоции.
Начинается коллекционирование. Важны аксессуары, значки, фразочки, стикеры, даже то, что ест главный герой. Сюжетное наполнение мира фишечками, которые зритель захочет себе забрать потом в материальном или цифровом виде, как идентификацию себя к данному фан-сообществу. Кстати, активное вовлечение в фан-сообщества. Поиск единомышленников по внешнему виду, по образу жизни, по ценностям.
Сценаристы для этой аудитории должны думать о чувствах, эмоциях, качестве речи и характеров. За одну короткую сцену герои могут испытать одновременно и страх, и смех, и гнев.
Важны имена героев, важен мир, вселенная. Здесь особую ценность приобретает именно создание качественных продуманных интересных миров. Таких, частью которых зритель может себя почувствовать.

О ПОЛЬЗЕ ШАБЛОНА СЦЕНАРИЯ ДЛЯ НЕКОТОРЫХ ВЕРТИКАЛЬНЫХ СЕРИАЛОВ
Часть вертикальных сериалов жестко структурированы, согласованы реплики персонажей, есть повторяющиеся элементы. При этом производится много серий, к которым подключают иногда новых сценаристов.
В таком случае я бы рекомендовал создавать шаблоны сценариев серий. Что это такое?
Представим готовый сценарий серии. В нем есть несколько эпизодов. Есть фирменные фразы героев, которые повторяются ими из раза в раз. Есть одно и то же действие героев (танец, переодевание в волшебную одежду, сбор команды на помощь). Есть почти одинаковый подход к завязке и почти одинаковый финал.
Берем такой сценарий и убираем все, что внутри эпизодов, оставляя только общее описание:
- здесь к героям приходит новый гость
- здесь герои сражаются с антагонистом
И т.д.
И при этом оставляем в сценарии то, что у нас повторяется каждый раз, включая ключевые фразы героев.
В реальности сценаристы серий конечно используют предыдущие свои сценарии в помощь для более быстрого оформления нового сценария. Если бы такие шаблоны выдавались креативным продюсером, шоураннером, редактором, ведущим сценаристом – всем было бы работать легче.
Расцветить шаблон для хорошего сценариста не будет проблемой. А вот уследить за тем, назвали ли персонажи друг друга по именам, произнесли ли все фразы, совершили ли структурное повторяющееся действие – вот это иногда можно случайно и упустить. Шаблоны тут сильно всем помогают + экономят время всех сторон сценарного процесса.

ХОРОША ЛИ ЛОКАЦИЯ? ЛЕГО-ТЕСТ

Продолжаю делиться своими фишечками в создании сериалов.

В какой-то момент я придумал простой тест проверки, хороши ли локации персонажей в сериале. Я назвал его «Лего-тест».

Тест простейший. Смотрим на локацию и задаем себе вопрос – можно ли сделать из нее лего-набор? Если да – локация хорошая. Если нет – нет.

Каковы особенности лего-наборов?

- есть очень характерная локация, которая отличается от других формой, цветом, функционалом
- она связана с каким-то героем (или героями)
- у нее есть своя история
- в ней присутствуют детальки, аксессуары, транспорт и прочие мелочи, обогащающие ее и дающие ей уникальные характеристики
- в ней можно играть и создавать истории

Проверяйте локации! (и не забывайте посещать магазины игрушек и конструкторских наборов – вы не представляете, насколько много там можно увидеть трендов)

КАКИЕ ТЕМЫ ВАМ ИНТЕРЕСНЫ В КНИГЕ ДЛЯ СЦЕНАРИСТОВ?
Блог был в перерыве – был в отпуске и работал над книгой для сценаристов анимации.
Очень надеюсь ее скоро завершить.
Но до завершения хотел с вами посоветоваться и задать вопрос – какие темы вам были бы интересны в такой книге? У меня еще есть возможность внести правки.
На данный момент план книги охватывает вопросы анимационной драматургии:
- гэги
- персонажи
- локации
- жанры
- сюжеты
- структура повествования

Базовые знания:
- формат сценария
- хронометраж
- техники анимации
- форматы анимации (сериал, короткий метр, полнометражное кино, прикладная анимация)

Вопросы анимационного девелопмента:
- заявки сериалов и полнометражного кино
- создание концепции анимационного сериала
- работа над полнометражным кино
- работа над короткометражным фильмом
- библия анимационного сериала
- заставка сериала
- особенности анимации для разной целевой аудитории
- стихи и песни в анимации, клипы внутри серий
- особенности девелопмента сериалов и фильмов в разных жанрах
- допконтент
- анимационные вселенные
- адаптация (книги, игры – в анимацию и подобные вопросы)

Вопросы студийной работы:
- базовые анимационные профессии
- сценарный пул профессий: сценарист, редактор, поэт, гэгмен, сценарный доктор, ведущий сценарист, креативный продюсер, шоураннер
- анимационная студия (+ вопросы взаимодействия отделов студии с креативным департаментом)
- пайплайн анимационного производства
- фриланс, удаленная работа
- организация креативного девеломента, виды структуры креативного девелопмента и редакции, плюсы и минусы разных подходов
- оформление титров
- оформление договоров
- личный тайм-менеджмент сценариста

Прикладная анимация:
- реклама
- клипы
- промо ролики
- игры
- анонсы сериалов и серий
- видео для соцсетей
- обучающее видео
- промышленная анимация
- комиксы

Рядом с анимацией:
- развитие вселенных за рамками анимации (комиксы, спектакли и т.д.)

Собственно план книги еще в движении. Хочу отдельно написать про докторинг полнометражного кино, еще ряд тем. Но это уже как влезет.

Есть какие-то темы, которые вам будут интересны?

PS
В это воскресение 25 августа буду на Слете аниматоров в Москве. В 10 утра проведу мастер-класс «Гэг – краеугольный камень анимационного сознания». Приходите, а также смотрите трансляцию.

Повторный анонс, т.к. не так часто оффлайн выступаю.
Завтра, 25 августа в Москве выступаю на Слете аниматоров. В 10 утра проведу мастер-класс по анимационным гэгам. Обобщу свой тридцатилетний опыт и, открою тайну, впервые представлю некоторые авторские методики создания гэгов.

СКАЗКА ЭТОГО МЕСТА
Недавно был в отпуске и хочу поделиться одним из личных методов тренировки креативных мышц.
Если мы придумываем концепцию сериала, создаем полнометражный фильм – нам нужно решить очень много задач. Одна из них – создание достоверного мира, в котором органичным образом мог бы случиться наш сюжет, наша история.
Так вот – самый простой способ тренировки своего чутья по созданию мира – это поездки, путешествия, отпуска. Представим, вы попали в какую-то новую местность. Это может быть деревня, может быть другой город, может быть турбаза, может быть национальная республика, или страна. Вот он – новый мир, в котором могли бы случиться какие-то истории.
Зайдите в книжный. Посмотрите, какие есть местные легенды и сказки. Посмотрите на местную архитектуру. Даже если это развалины или избушки. Обратите внимание на то, какие тут озера, какие берега. Болотистые ли, каменные ли, с соснами ли, с ивами ли. Зайдите в сувенирные лавочки, послушайте местные народные песни. Присмотритесь к тому, какие тут птицы летают, какие животные обитают. Вслушайтесь в звуки ночи и дня в этих местах. Обратите внимание на речь местных жителей. На то, как устроен тут быт, как они едят, как радуются, как проводят время.
И попробуйте придумать историю, сказку для этого места. Я почти после каждого путешествия записываю себе хотя бы наброски сказок. Сказок, которые подходят месту, где я был. Они не всегда основаны на местных легендах и сказках, но всегда могли бы этому месту подойти, даже если я все выдумал из своей головы.
Так что вот он простой способ придумывать и насыщать выдуманные миры – попробуйте насытить сказкой миры и локации, которые уже есть у вас перед глазами!

ЧТО ВЫ ХОТИТЕ СКАЗАТЬ МИРУ?

Итак, сценарист умеет
- писать историю,
- создавать арки персонажей,
- его мир, реальный он или фантастический, выглядит достоверно
- диалоги хороши, характеры героев видны
- и даже есть гэги

В этой точке начинается самое интересное – у зрителя появляется возможность услышать голос автора.

Есть авторы, которые за все время своего творчества поднимают одну и ту же тему. Есть авторы, которые в каждом новом произведении говорят о новом. Но у всех сильных авторов совершенно точно есть мысль, высказывание, которое красной нитью проходит через все произведение. Через диалоги (и монологи), через действия, через образы.

В какой-то момент автору важно ясно и с силой показывать свои убеждения, взгляды на добро и зло, на социальные проблемы мира, на вопросы становления личности, на темы силы и слабости, на темы отвергнутых и признанных, на темы власти, на темы войны и мира, темы живой природы и человека, темы настоящего и будущего, темы истории, на темы ненависти и любви. При этом важно и то, каким образом ведется повествование. Не уходить в шаблоны, в штампы, в агитки. В конечном итоге зрителя задевает лишь то, что интересно, что живо, что достоверно, что отзывается внутри.

У зрителя появляется возможность полюбить вас, как автора. Почувствовать ваш индивидуальный творческий почерк. Начать узнавать его и выделять из десятков других. Искать именно ваши фильмы.

Кино очень долго живет. Даже самое посредственное. Гораздо дольше, чем комиксы, игры, тв-шоу, сериалы. Так что этот ваш авторский голос еще и вклад в память о вас, в ваше наследие.

Наверное, поделюсь немного личным. У меня есть темы, которые я вновь и вновь стараюсь поднимать в своих произведениях. Они разные, но часть из них повторяются чуть чаще.

Я верю в силу юмора, в его способность лечить раны, делать друзей ближе, делать мир лучше.

Я верю в зрелость детей, в их способность понимать куда больше, чем взрослые иногда думают, в то, что бывают вещи, которые дети видят лучше, и даже в то, что взрослые бывают неправы, а дети – правы.

Я верю в добро, в то, что все же все в этом мире однозначно. Что есть свет и тьма и что свет лучше. При этом и во тьме есть много тех, кто хотел бы выйти на свет.

Я люблю науку и считаю, что она куда интереснее, чем о ней иногда думают.

Мне нравятся странности, парадоксы, отвергнутое и непонятое. В тайных уголках, отвергнутых мейнстримом, лежит много сокровищ.

Обожаю музыку, пение, танцы. Это универсальный язык общения культур.

Может не все вспомнил из того, что меня волнует, но даже в обычных простых сериалах я стараюсь хотя бы в отдельных сериях говорить о том, что является для меня важным.

КАК СЦЕНАРИСТУ ВЫЖИВАТЬ В ХАОСЕ ДРАМАТУРГИЧЕСКИХ СХЕМ?

Кое-что шепну на ушко только сценаристам, пока не слышат преподаватели курсов драматургии, авторы книг по драматургии, редактора и продюсеры.

Грустная правда сценаристов состоит в том, что не важно, как он написал свою историю. Важно, как он ее сдаст (ну можно сказать и продаст).

Итак, у вас на руках хороший текст. Вы им гордитесь. Все там стройно и хорошо. Вы приносите текст и вам задают странные вопросы. Кристаллы героев, пути героев, семиактная или десятиактная у вас структура, по параболе у вас сюжет или по гипотенузе, где у вас макгафин, а где перчик, по той вы книге писали историю, или по другой и читали ли вы только что вышедшее что-то по драматургии и прошли ли вы курс такого-то светилы драматургии.

Я не буду иронизировать над студиями – им поступает много текстов на оценку и они стараются так или иначе выбрать хотя бы какие-то критерии оценки. НО! Но хорошая студия должна заранее вас предупредить о своих критериях оценки, о своих форматах работы со сценарием.

Потому что правда схем драматургии такова – схем может быть много. Единых стандартов в индустрии нет и быть не может, т.к. драматургия описывает жизнь, да еще и жизнь выдуманную.

Но схемы действительно помогают сценаристам в написании. Каждый драматург выбирает что-то близкое для себя и опирается, как на фундамент своей истории.

Если вернуться к описанному мною примеру сдачи сценария – у сценариста нет иного выхода, кроме как знать множество драматургических схем и уметь перестраивать свой сценарий под запрос заказчика – чтобы он отвечал на те вопросы, что заказчик считает важными.

В любом случае во всех случаях все заказчики смотрят примерно на одно и то же.
Хороши ли герои, обладают ли индивидуальным и интересным характером. Как они меняются и из-за чего.
Хороши ли приключения, конфликты.
Есть ли развитие истории, интересно ли зрителю следить за сюжетом.
Хороши ли диалоги, есть ли интересные цепляющие фразочки.
Укладывается ли сценарий в хронометраж, а происходящее там в бюджет, и в целевую аудиторию, в жанр.
Есть ли потенциал развития этой истории во франшизу.

Если есть положительные ответы на все эти вопросы – перестроить сценарий под запрашиваемую драматургическую схему не так и трудно.

Как вы заметили, репосты из других каналов я делаю почти никогда. Но есть исключительные случаи, мимо которых пройти нельзя. Коллега Денис Шканов сделал важный труд и перевел-собрал в единую табличку подход многих драматургов к трехактному произведению.
Огромный труд, за который можно только поблагодарить

ШКОЛА ГЭГА. НЕОЖИДАННАЯ ПОДМЕНА

Все понятно с физическими гэгами. Деформируй персонажа, меняй его цвета и делай из него хоть наковальню. Но не во всех сериалах есть возможность применять физические гэги, а поюморить хочется.

Вот типы гэгов, которые можно делать хоть в перекладке, хоть в кукольной анимации, хоть в движке Unreal.

НЕОЖИДАННАЯ ПОДМЕНА
Персонаж заходит за объект в локации с одним, а выходит с чем-то неожиданно другим.

Пример:
Официант с подносом несет яблоко. Заходит за персонажа. Выходит тут же из-за него и на подносе уже огрызок.

Герой бежит за кем-то с сачком в руке. Забегает за дерево – выбегает - в руке уже ветка с белкой.

Герой танцует с одним персонажем. Заходит за колонну – выходит и танцует уже с другим персонажем.

Парадоксальная и быстрая подмена обычно и легко реализуема в любой технике и в комедии смотрится хорошо.

#гэги

КАК ПРОДВИГАТЬ СВОЙ ФИЛЬМ/СЕРИАЛ
Большая вы студия или маленькая, автор-индивидуалист, или работаете в команде – все мы хотим, чтобы о нашем сериале, фильме знали зрители.
Вот на мой взгляд список необходимых шагов для продвижения фильма/сериала. Перечислю то, что может сделать и маленькая команда без денег.
1. Создайте аккаунты проекта в каждой из ключевых соцсетей.
Выделите внутри компании кого-то, кто хочет и может вести соцсети. Можно дублировать новости, если у вас мало людей для ведения соцсетей. Если у вас есть деньги – то тогда уже можно нанять SMM-специалиста или даже компанию, которая будет вести ваши блоги.
Но помните – только вы знаете вашу аудиторию и ваш продукт, так что сммщники предлагают, но вы определяете курс.
Отдельный вопрос – надо ли делать для каждого проекта свою группу аккаунтов. На мой взгляд, если у вас проекты для разных целевых аудиторий, то да – лучше делать разные аккаунты. Но инди-студиям может быть достаточно аккаунтов их студий.
2. Создайте сайт.
Начну с болезненного. На мой субъективный взгляд в России на данный момент нет ни одного хорошего сайта анимационной студии или сериала.
Не встретишь ни полное описание проекта, ни самих серий хотя бы ссылок, ни когда и где смотреть, ни посерийного описания команды, ни наград фестивалей, ни истории проекта. А если сериал завершен, например, то его могут и выкинуть с сайта со всем архивом информации о нем. В общем, беда.
Если денег на создание сайта мало – спросите у сотрудников – кто-то наверняка делал сайты хотя бы из конструкторов сайтов. Но помните – если вы сразу не заложите рубрикацию верную на сайте – скорее всего потом переделать сайт будет очень тяжело. Даже крупные студии ошибаются на этой стадии и создают откровенно никакие сайты.
Важный момент – лента новостей о проекте и информация о проекте. Жизненно важно, чтобы у вас была эта страничка. Т.к. поисковики, интернет-энциклопедии – они обожают инфо с официальных источников (а сайт студии или проекта именно таков!). И вас будет легче проиндексировать поисковикам. Ваш зритель будет пастись у вас на сайте, а не на сайтах информагентств. Кроме того, у журналистов будет доступ к корректной информации и вам не придется тратить время на обзвон СМИ и исправление неточностей.
Хорошо бы иметь там же небольшой пресс-кит. Набор картинок, фото, кадров из проекта, которые СМИ и блогеры могут легально использовать (с указанием источника – вашего же сайта). Так вы будете контролировать, чтобы в СМИ были актуальные изображения ваших персонажей, а не первый драфт из зарубленного пилота.
3. Сами пишите новости о проекте.
Это самое простое – все же вести инфо о проекте. Не пишут обычно потому, что писать должен только пиарщик. А на пиарщика денег нет. Или чуть иная ситуация пиарщик большой студии пишет о всяком таком большом, а вам внутри вашего проекта надо написать о чем-то маленьком, но важном для вас. Тут на мой взгляд поможет делегирование или создание неофициальных страничек проекта.
Больше всего в СМИ проседают новости о команде. Такие новости лучше передавать в ведение самим командам проекта.
4. Шортсы
Нарезайте вертикалочки из проекта активно. У вертикальных видео большая аудитория и она может неплохо приводить на ваш канал новых читателей. Есть проекты, где вертикальные видео – основной драйв притока новых подписчиков.
Обратите внимание на музыкальные клип. Когда у авторов выходит новый клип – они могут выпустить аж до вертикальных видеоотрывков из клипа. В надежде, что какой-то их них залетит в тренды и приведет зрителей на основное видео. Так и у нас аниматоров должно быть. Есть серия – делай из нее 10 вертикалочек. Из них два – гэги, два видео – шутки, два видео странности и приколы с трендовой музыкой не из вашего фильма, два видео под настроение и мемы, два видео только музыкальные (это я к примеру перечислил). И не выкладывайте их в один день, разумеется.
5. Фестивали, конкурсы
Подавайтесь на фестивали.
6. Профили в ключевых сервисах
Проверьте и обновите все свои странички на Кинопоиске, в Вики, на Яндекс.Музыке и т.д.

Почти везде можно добавлять ссылок на другие свои аккаунты. Например у вас есть музыка в фильме. Добавьте ее в Яндекс-музыку (можно использовать музсервисы дистрибьюторов, добавляющие музыку сразу на много потоковых площадок), проследите, чтобы у вас был доступ к профилю. Добавьте туда аккаунты свои в ВК. На ютьюбчике и т.д.
Это и с индексацией поможет и поможет аудитории музыкальной найти вас в других форматах. Хорошо бы, кстати, попадать в рекомендации Яндекса. Для этого не забудьте полностью заполнить профиль своего проекта на сервисе, включая аватарку.
Не стесняйтесь предлагать треки редакторам для редакционных подборок.
7. Ну и конечно сами пишите о своем проекте.
Проект, у которого есть хорошие авторы, всегда имеет шансы собрать хотя бы стартовую аудиторию.
8. Не забывайте, что вы – звезда
Меня удивляет, что аниматоры не относятся к себе, как к звездам.
Посмотрите на анонсы сериалов, кинофильмов – красивые фото, упоминание режиссера, сценариста, актеров, оператора, композитора. Даже если их никто не знает!
Посмотрите на анонсы анимационных проектов. Редко встретишь анонс в стиле «от создателей ….», «от автора …., … и ….».
А у нас такие звезды есть! И художники-постановщики, и сценаристы, и режиссеры, и продюсеры, и композиторы, и в общем даже гэгмены.
Я написал про необходимый минимум, доступный даже маленьким командам без огромных бюджетов. Парадоксально, но этот минимум далеко не все используют на полную.

КОЛЫБЕЛЬНЫЕ

Колыбельные песни и серии/фильмы колыбельные – особый жанр детского анимационного контента. Поддается он не всем.

Только подумайте. Это единственный тип анимационного контента, где важнейшая задача автора - сделать так, чтобы зритель уснул до окончания вашего фильма! Буквально! Ваш контент в каком-то смысле неудачный, если ребенок досмотрит его до финала. И наоборот – он удачный, если уснет к третьему куплету.

Помним, что колыбельные все же ставит ребенку обычно мама. Так что колыбельная должна нравиться и ребенку и маме. (Разумеется, пап сюда тоже включаем, но в плане колыбельных папы и мамы довольно близки).

Давайте рассмотрим элементы колыбельных поближе.

СЮЖЕТ

Лучше, если колыбельная будет без сюжета. Иначе зрителю будет хотеться узнать, чем все закончится.
Таким образом, в колыбельных лучше если история не развивается таким образом, чтобы завершиться в третьем куплете (исходим из того, что в среднем в детских песнях сегодня три куплета три припева, но может быть и меньше).

Лучший формат для колыбельных – тема. Речка плывет и вдоль берегов что-то происходит. Облачко летит и о чем-то думает. Мама укладывает малышей. Подушка прибежала и легла поспать. Тихо шумит лес. Колокольчики на лугу поют баю-бай малышам шмелям.
В общем, тема, внутри которой кусочками отдельные образы. Словно обрывки сна, в который и должен погрузиться малыш.

Конечно, есть сюжетные колыбельные тоже, но сюжет там преимущественно такой спокойный, что не обязательно дослушивать, чем все закончилось.

ВИЗУАЛ

Все в кадре происходит спокойно. Медленная смена кадров, плавные переходы. Нет активного действия. Все плавное, еле шевелящееся. Цвета не кислотные по возможности (если только головной проект не кислотный, конечно).
Не должно быть надписей и подписей, т.к. читать = нагружать мозг. Аудитория конечно малышковая обычно, но все же.


ТЕКСТ

Важно постараться уйти от повторяющихся везде сюжетов счета овечек и подушек-одеял. Иначе если вам придется написать две колыбельных – мгновенно начнутся проблемы с повтором.

Слова должны подходить формату вашего сериала, фильма. Текст может быть от лица каких-то героев вашего проекта.

В целом в колыбельных хорошо работают повторы, спокойные слова, знакомые ребенку. Сюда не добавляем обычно познавательные вещи и сложные термины, не загружаем мозг.
Активно работаем с образами, с поэтическими красивыми оборотами, укутывающими ребенка.

Не забываем стараться и не увлекаться простыми глагольными рифмами. Колыбельная на мой взгляд – высшая форма песенной поэзии для детей. Здесь каждое слово слышно и важно. Плохие рифмы тут не уместны.


МУЗЫКА

Музыка спокойная, убаюкивающая, дающая расслышать слова. В колыбельных хорошо работают живые инструменты, в том числе народные.
Можно добавлять умиротворяющие звуки природы.

К финалу песня завершается так, словно после этого мама или папа выключит музыку и оставит дитя в тишине спать.

#стихи #дошкольники