Сегодня у меня #культурный_визит в музей Орсе. Я провела тут два часа и посмотрела пока только 1 этаж, и то довольно поверхностно. А их тут 4…
На данный момент моя копилка шедевров, которые я видела вживую, пополнилась следующими работами:
🌸 «Портрет Варвары Римской-Корсаковой», Винтерхальтер (фото 1). У Винтерхальтера все портреты просто великолепны! Но на этой картине у него получились какие-то особенно воздушные и «живые» волосы. Кажется, я ещё не встречала таких. И такое ощущение, что этот воздух и легкость отчетливо видны именно вживую. Про художника почти год назад писала тут.
🌸 «Олимпия» Мане (фото 3). Ну тут слова излишни) Одна из картин в музее, к которой очень сложно пробраться - вокруг постоянно толпа народу.
🌸 «Данте и Вергилий в аду» Бугро (фото 4). Боже, какая же это невероятная картина! Она огромная и по-настоящему мощная. Все эти мышцы, накал страстей, эти оттенки красного. В общем, тот самый случай, когда для полного впечатления 100% нужно видеть работу вживую! А я писала про нее тут.
🌸 «Рождение Венеры», Бугро (фото 6). Красиво, академично, невозможно оторваться! Хотя современники Бугро ругали его за эту Венеру. Мне нравятся такие работы своей понятной красотой в первую очередь. Это то, на что всегда приятно смотреть. А рассматривая, понимаешь, что и мастерство художника очень высокое! Чего только стоит кожа, волосы и фигура Венеры.
🌸 «Происхождение мира» Курбе (фото 7). С одной стороны, это ещё одна картина, о которой не нужно ничего говорить. С другой стороны, очень даже нужно. Народу вокруг нее тоже много, но почти половина ехидно хихикают. Реакция понятна, но в то же время 1) все ведь взрослые люди, а не 13-летние подростки; 2) дело то в метафоре, которая вполне себе естественна и спорить с ней сложно.
В общем, только один этаж, а эмоций и концентрация искусства уже выше всех пределов🤩
На данный момент моя копилка шедевров, которые я видела вживую, пополнилась следующими работами:
В общем, только один этаж, а эмоций и концентрация искусства уже выше всех пределов🤩
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
😍66🔥38❤30💯4😱2👍1
Каждый день в Париже я хожу мимо огромного здания, которое называется Гард-Мёбль или склад королевской мебели (фото 1). Представляете, у мебели французских королей был свой дворец. В 1791 году, после Революции, туда ещё перевезли все сокровища французской короны, которые стали принадлежать государству. По описи там хранилось больше 9500 алмазов, 506 жемчужин, 230 рубинов, 150 изумрудов и т.д.
И вот одному очень опытному вору пришла в голову идея: а почему бы не обнести этот прекрасный склад. На дворе революция, беспорядки, много проблем, под шумок можно попробовать. И вот этот вор собрал банду таких же опытных воров, которые вполне успешно по ночам выносили сокровища. И делали они это 4 раза! То есть никто даже не замечал кражи (или делал вид, что не замечает). После таких набегов осталось всего 2% от всех драгоценностей…
Почему так получилось? Очевидно, что охрана Гард-Мёбль в то время была не лучшего качества. Но ещё есть версии, что за этим ограблением стояли видные политические деятели, которые преследовали свои цели: начиная от монархистов (которые так хотели очернить новое правительство) и заканчивая партией жирондистов (которые якобы всем этим богатством подкупили прусскую армию, которая подступала в 1792 году к Парижу).
Как бы там ни было, Франция мало чего вернула из награбленного - многие драгоценности просто не нашли. Есть версия, что грабители просто все поделили, переплавили и переделали. В то же время нотариус при описи имущества герцога Брауншвейгского, который командовал той самой прусской армией, нашел у него некоторые драгоценности из Гард-Мёбль.
Один бриллиант, который удалось вернуть, увидела сегодня в Лувре. Это алмаз Регент - ни много, ни мало 140 карат (фото 2, камень в центре). При этом изначально он весил 400 карат🙈 Кстати, есть версия, что остатки после огранки выкупил наш Петр I. Ну а после того, как Франция нашла бриллиант, его вправили в эфес шпаги Наполеона. А потом камень перекочевал в диадему супруги Наполеона III.
#история_из_истории
И вот одному очень опытному вору пришла в голову идея: а почему бы не обнести этот прекрасный склад. На дворе революция, беспорядки, много проблем, под шумок можно попробовать. И вот этот вор собрал банду таких же опытных воров, которые вполне успешно по ночам выносили сокровища. И делали они это 4 раза! То есть никто даже не замечал кражи (или делал вид, что не замечает). После таких набегов осталось всего 2% от всех драгоценностей…
Почему так получилось? Очевидно, что охрана Гард-Мёбль в то время была не лучшего качества. Но ещё есть версии, что за этим ограблением стояли видные политические деятели, которые преследовали свои цели: начиная от монархистов (которые так хотели очернить новое правительство) и заканчивая партией жирондистов (которые якобы всем этим богатством подкупили прусскую армию, которая подступала в 1792 году к Парижу).
Как бы там ни было, Франция мало чего вернула из награбленного - многие драгоценности просто не нашли. Есть версия, что грабители просто все поделили, переплавили и переделали. В то же время нотариус при описи имущества герцога Брауншвейгского, который командовал той самой прусской армией, нашел у него некоторые драгоценности из Гард-Мёбль.
Один бриллиант, который удалось вернуть, увидела сегодня в Лувре. Это алмаз Регент - ни много, ни мало 140 карат (фото 2, камень в центре). При этом изначально он весил 400 карат🙈 Кстати, есть версия, что остатки после огранки выкупил наш Петр I. Ну а после того, как Франция нашла бриллиант, его вправили в эфес шпаги Наполеона. А потом камень перекочевал в диадему супруги Наполеона III.
#история_из_истории
❤66🔥34😱12👍4
Что общего между Венерой Милосской и «Моной Лизой» да Винчи?
⚪️ Обе находятся в Лувре
⚪️ Ни к одной, ни к другой нельзя нормально подойти из-за гигантских толп туристов
⚪️ Обе считаются шедеврами
⚪️ И обе «сделали себе имя» с помощью маркетинга
Как восходила звезда Венеры?
В 1820 году один греческий фермер на острове Милосс вспахивал землю и наткнулся на эту самую статую. В это время в Греции стояли французские корабли, и Франции предложили выкупить находку (хотя французский консул сомневался, что стране нужно такое добро). Так Венера оказалась во Франции. Но ее как-то никто серьезно не воспринимал.
Потом Наполеон после своих завоеваний заполонил Францию предметами искусства из самых разных стран, и Венера Милосская, откровенно говоря, меркла перед ними. Но когда время Наполеона закончилось, все награбленное пришлось вернуть обратно. В итоге коллекция Лувра знатно так оскудела, а Венера Милосская и вовсе была единственной греческой статуей. И вот тут-то начинается мощная пиар-кампания Венеры: французская пресса, художники, критики начали воспевать эту статую, убеждая всех, что это венец творения, невероятная женская красота и мастерство.
Отчасти так и есть. Но лучше это видно с задней стороны статуи. Позвоночник, мышцы спины, складки подмышки и даже неровности на коже — все это просто великолепно сделано. Но все это сзади. А спереди Венера грубовата, с слишком мощным прессом и в неестественной позе. И главная проблема тут в том, что на спину Венеры никто не смотрит. Но это и плюс, потому что сзади к Венере можно вплотную подойти)
Как «Мона Лиза» стала такой популярной?
Ух, ну про эту картину и говорить нечего. Если на Венеру можно хоть как-то посмотреть вблизи, то к Джоконде не подобраться. При этом до 1911 года она висела в общем зале с остальными картинами итальянских мастеров и про нее знали только ценители искусства.
Но в 1911 году «Мона Лизу» крадет итальянец Винченцо Перуджа. И просто чтобы понятна была степень ее популярности в то время — пропажу обнаружили только на второй день. В то же время газеты очень активно начали освещать весь процесс поиска картины, выходили даже детективные истории, тогда же начали появляться всевозможные трактовки картины, а изображение «Мона Лизы» было на всех первых полосах. Перебить поток «Мона Лиз» смогла только трагедия «Титаника». Но когда картину нашли и вернули во Францию, весь ажиотаж пошел на второй круг. И к сегодняшнему дню он вырос просто до каких-то невероятных масштабов.
В данном случае жаль, что другие работы, того же Леонардо да Винчи, которые намного сильнее впечатляют и берут за душу, просто не замечают. Например, я со всех сторон спокойно рассматривала «Прекрасную Ферроньеру» и «Иоанна Крестителя» — и мурашки по коже были от этих работ! Но спасибо «Мона Лизе» за такую возможность)
#кто_это_нарисовал
Как восходила звезда Венеры?
В 1820 году один греческий фермер на острове Милосс вспахивал землю и наткнулся на эту самую статую. В это время в Греции стояли французские корабли, и Франции предложили выкупить находку (хотя французский консул сомневался, что стране нужно такое добро). Так Венера оказалась во Франции. Но ее как-то никто серьезно не воспринимал.
Потом Наполеон после своих завоеваний заполонил Францию предметами искусства из самых разных стран, и Венера Милосская, откровенно говоря, меркла перед ними. Но когда время Наполеона закончилось, все награбленное пришлось вернуть обратно. В итоге коллекция Лувра знатно так оскудела, а Венера Милосская и вовсе была единственной греческой статуей. И вот тут-то начинается мощная пиар-кампания Венеры: французская пресса, художники, критики начали воспевать эту статую, убеждая всех, что это венец творения, невероятная женская красота и мастерство.
Отчасти так и есть. Но лучше это видно с задней стороны статуи. Позвоночник, мышцы спины, складки подмышки и даже неровности на коже — все это просто великолепно сделано. Но все это сзади. А спереди Венера грубовата, с слишком мощным прессом и в неестественной позе. И главная проблема тут в том, что на спину Венеры никто не смотрит. Но это и плюс, потому что сзади к Венере можно вплотную подойти)
Как «Мона Лиза» стала такой популярной?
Ух, ну про эту картину и говорить нечего. Если на Венеру можно хоть как-то посмотреть вблизи, то к Джоконде не подобраться. При этом до 1911 года она висела в общем зале с остальными картинами итальянских мастеров и про нее знали только ценители искусства.
Но в 1911 году «Мона Лизу» крадет итальянец Винченцо Перуджа. И просто чтобы понятна была степень ее популярности в то время — пропажу обнаружили только на второй день. В то же время газеты очень активно начали освещать весь процесс поиска картины, выходили даже детективные истории, тогда же начали появляться всевозможные трактовки картины, а изображение «Мона Лизы» было на всех первых полосах. Перебить поток «Мона Лиз» смогла только трагедия «Титаника». Но когда картину нашли и вернули во Францию, весь ажиотаж пошел на второй круг. И к сегодняшнему дню он вырос просто до каких-то невероятных масштабов.
В данном случае жаль, что другие работы, того же Леонардо да Винчи, которые намного сильнее впечатляют и берут за душу, просто не замечают. Например, я со всех сторон спокойно рассматривала «Прекрасную Ферроньеру» и «Иоанна Крестителя» — и мурашки по коже были от этих работ! Но спасибо «Мона Лизе» за такую возможность)
#кто_это_нарисовал
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
1❤84💯32🔥17👍3😁1💘1
В моем путешествии по Франции меня сопровождал Набоков: я дочитывала «Лолиту» и для подготовки лекции об авторе читала автобиографию писателя «Другие берега». Первую книгу мы обсуждаем в книжном клубе, а про вторую очень хочется рассказать тут.
«Другие берега» — это аристократичный, прекрасно непростой и заставляющий думать и представлять язык, детские воспоминания о семейных поездках, сожаления об упущенном наслаждении моментами и их ценности. Набоков писал эту книгу в 50-е годы, когда он уже жил в США. И в книгу уместились почти 40 лет жизни писателя буквально на другом берегу Атлантики и на другом полушарии — в России и в Европе. Но бОльшая часть посвящена все же России, проведенному в ней детству, любимой семье и горькому чувству потери родины.
Когда я читала воспоминания Набокова о родителях и беззаботном детстве, меня просто обволакивало теплом! Настолько это написано с любовью, с трепетом, с нежностью. Но больше всего мне в душу запали вот эти строки-воспоминание о лете в загородном имении Набоковых:
Через весь текст видно, как писатель любил своих родителей и как те любили своих детей. Это, кстати, передалось и самому Набокову. Первым годам жизни его сына Дмитрия посвящена отдельная глава. И она тоже полна любви, но уже другой, отеческой.
Еще в книге можно познакомиться с непривычным для нас Набоковым — не писателем, а страстным энтомологом, бойким боксером, искусным шахматистом и отверженным вратарем. А еще, будем откровенны, снобом и беспощадным критиком со своим мнением по очень многим вещам. Но это не отталкивает, а наоборот притягивает. Возможно, потому, что одновременно с ним есть маленький мальчик, который вспоминает игры с матерью, розыгрыши учителей и многочисленные первые любови навек.
В общем, мне книга очень понравилась. Я уверена, что её можно читать, как отдельное художественное произведение. Но если сначала ознакомитесь с биографией Набокова, то, мне кажется, эффект от чтения будет более полным.
И ещё одно предупреждение: после прочтение книги может захотеться узнать свою родословную, позвонить своим близким и провести с ними время, погулять по родному городу, своим местам и понять, что счастье — оно не где-то там, оно прям здесь и сейчас.
#время_на_книги
«Другие берега» — это аристократичный, прекрасно непростой и заставляющий думать и представлять язык, детские воспоминания о семейных поездках, сожаления об упущенном наслаждении моментами и их ценности. Набоков писал эту книгу в 50-е годы, когда он уже жил в США. И в книгу уместились почти 40 лет жизни писателя буквально на другом берегу Атлантики и на другом полушарии — в России и в Европе. Но бОльшая часть посвящена все же России, проведенному в ней детству, любимой семье и горькому чувству потери родины.
Когда я читала воспоминания Набокова о родителях и беззаботном детстве, меня просто обволакивало теплом! Настолько это написано с любовью, с трепетом, с нежностью. Но больше всего мне в душу запали вот эти строки-воспоминание о лете в загородном имении Набоковых:
Ощущение предельной беззаботности, благоденствия, густого летнего тепла затопляет память и образует такую сверкающую действительность, что по сравнению с нею паркерово перо в моей руке и самая рука с глянцем на уже веснущатой коже кажутся мне довольно аляповатым обманом. Зеркало насыщено июльским днем. Лиственная тень играет по белой с голубыми мельницами печке. Влетевший шмель, как шар на резинке, ударяется во все лепные углы потолка и удачно отскакивает обратно в окно. Все так, как должно быть, ничто никогда не изменится, никто никогда не умрет.
Через весь текст видно, как писатель любил своих родителей и как те любили своих детей. Это, кстати, передалось и самому Набокову. Первым годам жизни его сына Дмитрия посвящена отдельная глава. И она тоже полна любви, но уже другой, отеческой.
Еще в книге можно познакомиться с непривычным для нас Набоковым — не писателем, а страстным энтомологом, бойким боксером, искусным шахматистом и отверженным вратарем. А еще, будем откровенны, снобом и беспощадным критиком со своим мнением по очень многим вещам. Но это не отталкивает, а наоборот притягивает. Возможно, потому, что одновременно с ним есть маленький мальчик, который вспоминает игры с матерью, розыгрыши учителей и многочисленные первые любови навек.
В общем, мне книга очень понравилась. Я уверена, что её можно читать, как отдельное художественное произведение. Но если сначала ознакомитесь с биографией Набокова, то, мне кажется, эффект от чтения будет более полным.
И ещё одно предупреждение: после прочтение книги может захотеться узнать свою родословную, позвонить своим близким и провести с ними время, погулять по родному городу, своим местам и понять, что счастье — оно не где-то там, оно прям здесь и сейчас.
#время_на_книги
❤67🔥17💔11👍7
Начинаем утро с порции красоты💫
Сегодня расскажу про #культурный_визит на выставку костюмов Поля Пуаре, которая идет сейчас в Музее декоративно-прикладного искусства в Париже (буквально соседнее здание от Лувра).
Её название, «Мода — это праздник», говорит само за себя. Пуаре использовал яркие ткани и восточные узоры, делал не утилитарную одежду, а произведение искусства. Но самое важное его достижение — он отказался от корсетов в женской одежде.
С самого юношества он работал в сфере моды, а в 24 года уже основал свой модный дом! Пуаре дружил с современными ему художниками, делал вместе с фовистами модные коллаборации и заказывал у лучших мастеров по керамике уникальные пуговицы для своих изделий. А Бакст, Дюфи и Эрте рисовали для модных журналов девушек в нарядах Поля Пуаре.
Его наряды носили светские дамы, актрисы, балерины и певицы. Танцоры «Русских сезонов» Дягилева выступали у Пуаре во время модных показов, а актрисы становились лицами его бренда. Кстати, была приятно удивлена, увидев на выставке довольно много мифических акварелей Леона Бакста, которые он писал для «Русских сезонов».
Такой круг общения не мог не привести к новым творческим проявлениям Пуаре: после успеха русского балета«Шахерезада» в Париже он устроил свою костюмированную вечеринку в стиле «Тысячи и одной ночи», куда пригласил больше 300 гостей. Все костюмы для них Пуаре придумал сам. Потом были и другие вечеринки, которые в итоге привели к тому, что у дизайнера появился свой театр в саду его дома.
На этом творческие проявления Пуаре не закончились. Он стал первым кутюрье, который сделал свои духи. При этом все производство было в рамках его модного дома, никакого аутсорса. Потом он занялся декоративно-прикладным искусством, издал книгу рецептов, сам выступал в театре и продавал картины своего авторства. Но за всеми этими увлечениями стоит вполне себе житейская нужда — денег на фантазии дизайнера, которые он хотел воплощать в одежде и в своей жизни, просто не хватало. Да и сменившаяся эпоха после Первой Мировой войны уже не принимала такую одежду, какую делал Пуаре. В 1927 году дизайнеру пришлось закрыть свой дом моды.
Мне эта выставка показалась красивым воспоминанием бурной эпохи Пуаре. Кроме костюмов его дизайна там есть много фотографий, которые проносят посетителей по жизни дизайнера. Но главная звезда этих фото — это жена Пуаре (фото 8). Кажется, будто она лучше всех моделей могла показать наряды своего мужа, обыграть их и сделать из обычного прямого платья шикарный образ.
И хоть самого бренда давно нет, «голос» Пуаре слышен до сих пор. На выставке кроме костюмов начала 20-го века есть и уже более современные наряды-оммажи на творчество дизайнера: тут и Dior времен Джона Гальяно, и Schiaparelli 2000-х, и многие другие.
Выставка идет до 11 января 2026 года. Если будете в тех краях и любите моду, то обязательно сходите!
Сегодня расскажу про #культурный_визит на выставку костюмов Поля Пуаре, которая идет сейчас в Музее декоративно-прикладного искусства в Париже (буквально соседнее здание от Лувра).
Её название, «Мода — это праздник», говорит само за себя. Пуаре использовал яркие ткани и восточные узоры, делал не утилитарную одежду, а произведение искусства. Но самое важное его достижение — он отказался от корсетов в женской одежде.
С самого юношества он работал в сфере моды, а в 24 года уже основал свой модный дом! Пуаре дружил с современными ему художниками, делал вместе с фовистами модные коллаборации и заказывал у лучших мастеров по керамике уникальные пуговицы для своих изделий. А Бакст, Дюфи и Эрте рисовали для модных журналов девушек в нарядах Поля Пуаре.
Его наряды носили светские дамы, актрисы, балерины и певицы. Танцоры «Русских сезонов» Дягилева выступали у Пуаре во время модных показов, а актрисы становились лицами его бренда. Кстати, была приятно удивлена, увидев на выставке довольно много мифических акварелей Леона Бакста, которые он писал для «Русских сезонов».
Такой круг общения не мог не привести к новым творческим проявлениям Пуаре: после успеха русского балета«Шахерезада» в Париже он устроил свою костюмированную вечеринку в стиле «Тысячи и одной ночи», куда пригласил больше 300 гостей. Все костюмы для них Пуаре придумал сам. Потом были и другие вечеринки, которые в итоге привели к тому, что у дизайнера появился свой театр в саду его дома.
На этом творческие проявления Пуаре не закончились. Он стал первым кутюрье, который сделал свои духи. При этом все производство было в рамках его модного дома, никакого аутсорса. Потом он занялся декоративно-прикладным искусством, издал книгу рецептов, сам выступал в театре и продавал картины своего авторства. Но за всеми этими увлечениями стоит вполне себе житейская нужда — денег на фантазии дизайнера, которые он хотел воплощать в одежде и в своей жизни, просто не хватало. Да и сменившаяся эпоха после Первой Мировой войны уже не принимала такую одежду, какую делал Пуаре. В 1927 году дизайнеру пришлось закрыть свой дом моды.
Мне эта выставка показалась красивым воспоминанием бурной эпохи Пуаре. Кроме костюмов его дизайна там есть много фотографий, которые проносят посетителей по жизни дизайнера. Но главная звезда этих фото — это жена Пуаре (фото 8). Кажется, будто она лучше всех моделей могла показать наряды своего мужа, обыграть их и сделать из обычного прямого платья шикарный образ.
И хоть самого бренда давно нет, «голос» Пуаре слышен до сих пор. На выставке кроме костюмов начала 20-го века есть и уже более современные наряды-оммажи на творчество дизайнера: тут и Dior времен Джона Гальяно, и Schiaparelli 2000-х, и многие другие.
Выставка идет до 11 января 2026 года. Если будете в тех краях и любите моду, то обязательно сходите!
1❤77🔥17😍10💘1