Что общего между Венерой Милосской и «Моной Лизой» да Винчи?
⚪️ Обе находятся в Лувре
⚪️ Ни к одной, ни к другой нельзя нормально подойти из-за гигантских толп туристов
⚪️ Обе считаются шедеврами
⚪️ И обе «сделали себе имя» с помощью маркетинга
Как восходила звезда Венеры?
В 1820 году один греческий фермер на острове Милосс вспахивал землю и наткнулся на эту самую статую. В это время в Греции стояли французские корабли, и Франции предложили выкупить находку (хотя французский консул сомневался, что стране нужно такое добро). Так Венера оказалась во Франции. Но ее как-то никто серьезно не воспринимал.
Потом Наполеон после своих завоеваний заполонил Францию предметами искусства из самых разных стран, и Венера Милосская, откровенно говоря, меркла перед ними. Но когда время Наполеона закончилось, все награбленное пришлось вернуть обратно. В итоге коллекция Лувра знатно так оскудела, а Венера Милосская и вовсе была единственной греческой статуей. И вот тут-то начинается мощная пиар-кампания Венеры: французская пресса, художники, критики начали воспевать эту статую, убеждая всех, что это венец творения, невероятная женская красота и мастерство.
Отчасти так и есть. Но лучше это видно с задней стороны статуи. Позвоночник, мышцы спины, складки подмышки и даже неровности на коже — все это просто великолепно сделано. Но все это сзади. А спереди Венера грубовата, с слишком мощным прессом и в неестественной позе. И главная проблема тут в том, что на спину Венеры никто не смотрит. Но это и плюс, потому что сзади к Венере можно вплотную подойти)
Как «Мона Лиза» стала такой популярной?
Ух, ну про эту картину и говорить нечего. Если на Венеру можно хоть как-то посмотреть вблизи, то к Джоконде не подобраться. При этом до 1911 года она висела в общем зале с остальными картинами итальянских мастеров и про нее знали только ценители искусства.
Но в 1911 году «Мона Лизу» крадет итальянец Винченцо Перуджа. И просто чтобы понятна была степень ее популярности в то время — пропажу обнаружили только на второй день. В то же время газеты очень активно начали освещать весь процесс поиска картины, выходили даже детективные истории, тогда же начали появляться всевозможные трактовки картины, а изображение «Мона Лизы» было на всех первых полосах. Перебить поток «Мона Лиз» смогла только трагедия «Титаника». Но когда картину нашли и вернули во Францию, весь ажиотаж пошел на второй круг. И к сегодняшнему дню он вырос просто до каких-то невероятных масштабов.
В данном случае жаль, что другие работы, того же Леонардо да Винчи, которые намного сильнее впечатляют и берут за душу, просто не замечают. Например, я со всех сторон спокойно рассматривала «Прекрасную Ферроньеру» и «Иоанна Крестителя» — и мурашки по коже были от этих работ! Но спасибо «Мона Лизе» за такую возможность)
#кто_это_нарисовал
Как восходила звезда Венеры?
В 1820 году один греческий фермер на острове Милосс вспахивал землю и наткнулся на эту самую статую. В это время в Греции стояли французские корабли, и Франции предложили выкупить находку (хотя французский консул сомневался, что стране нужно такое добро). Так Венера оказалась во Франции. Но ее как-то никто серьезно не воспринимал.
Потом Наполеон после своих завоеваний заполонил Францию предметами искусства из самых разных стран, и Венера Милосская, откровенно говоря, меркла перед ними. Но когда время Наполеона закончилось, все награбленное пришлось вернуть обратно. В итоге коллекция Лувра знатно так оскудела, а Венера Милосская и вовсе была единственной греческой статуей. И вот тут-то начинается мощная пиар-кампания Венеры: французская пресса, художники, критики начали воспевать эту статую, убеждая всех, что это венец творения, невероятная женская красота и мастерство.
Отчасти так и есть. Но лучше это видно с задней стороны статуи. Позвоночник, мышцы спины, складки подмышки и даже неровности на коже — все это просто великолепно сделано. Но все это сзади. А спереди Венера грубовата, с слишком мощным прессом и в неестественной позе. И главная проблема тут в том, что на спину Венеры никто не смотрит. Но это и плюс, потому что сзади к Венере можно вплотную подойти)
Как «Мона Лиза» стала такой популярной?
Ух, ну про эту картину и говорить нечего. Если на Венеру можно хоть как-то посмотреть вблизи, то к Джоконде не подобраться. При этом до 1911 года она висела в общем зале с остальными картинами итальянских мастеров и про нее знали только ценители искусства.
Но в 1911 году «Мона Лизу» крадет итальянец Винченцо Перуджа. И просто чтобы понятна была степень ее популярности в то время — пропажу обнаружили только на второй день. В то же время газеты очень активно начали освещать весь процесс поиска картины, выходили даже детективные истории, тогда же начали появляться всевозможные трактовки картины, а изображение «Мона Лизы» было на всех первых полосах. Перебить поток «Мона Лиз» смогла только трагедия «Титаника». Но когда картину нашли и вернули во Францию, весь ажиотаж пошел на второй круг. И к сегодняшнему дню он вырос просто до каких-то невероятных масштабов.
В данном случае жаль, что другие работы, того же Леонардо да Винчи, которые намного сильнее впечатляют и берут за душу, просто не замечают. Например, я со всех сторон спокойно рассматривала «Прекрасную Ферроньеру» и «Иоанна Крестителя» — и мурашки по коже были от этих работ! Но спасибо «Мона Лизе» за такую возможность)
#кто_это_нарисовал
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
Please open Telegram to view this post
VIEW IN TELEGRAM
1❤84💯32🔥17👍3😁1💘1
В моем путешествии по Франции меня сопровождал Набоков: я дочитывала «Лолиту» и для подготовки лекции об авторе читала автобиографию писателя «Другие берега». Первую книгу мы обсуждаем в книжном клубе, а про вторую очень хочется рассказать тут.
«Другие берега» — это аристократичный, прекрасно непростой и заставляющий думать и представлять язык, детские воспоминания о семейных поездках, сожаления об упущенном наслаждении моментами и их ценности. Набоков писал эту книгу в 50-е годы, когда он уже жил в США. И в книгу уместились почти 40 лет жизни писателя буквально на другом берегу Атлантики и на другом полушарии — в России и в Европе. Но бОльшая часть посвящена все же России, проведенному в ней детству, любимой семье и горькому чувству потери родины.
Когда я читала воспоминания Набокова о родителях и беззаботном детстве, меня просто обволакивало теплом! Настолько это написано с любовью, с трепетом, с нежностью. Но больше всего мне в душу запали вот эти строки-воспоминание о лете в загородном имении Набоковых:
Через весь текст видно, как писатель любил своих родителей и как те любили своих детей. Это, кстати, передалось и самому Набокову. Первым годам жизни его сына Дмитрия посвящена отдельная глава. И она тоже полна любви, но уже другой, отеческой.
Еще в книге можно познакомиться с непривычным для нас Набоковым — не писателем, а страстным энтомологом, бойким боксером, искусным шахматистом и отверженным вратарем. А еще, будем откровенны, снобом и беспощадным критиком со своим мнением по очень многим вещам. Но это не отталкивает, а наоборот притягивает. Возможно, потому, что одновременно с ним есть маленький мальчик, который вспоминает игры с матерью, розыгрыши учителей и многочисленные первые любови навек.
В общем, мне книга очень понравилась. Я уверена, что её можно читать, как отдельное художественное произведение. Но если сначала ознакомитесь с биографией Набокова, то, мне кажется, эффект от чтения будет более полным.
И ещё одно предупреждение: после прочтение книги может захотеться узнать свою родословную, позвонить своим близким и провести с ними время, погулять по родному городу, своим местам и понять, что счастье — оно не где-то там, оно прям здесь и сейчас.
#время_на_книги
«Другие берега» — это аристократичный, прекрасно непростой и заставляющий думать и представлять язык, детские воспоминания о семейных поездках, сожаления об упущенном наслаждении моментами и их ценности. Набоков писал эту книгу в 50-е годы, когда он уже жил в США. И в книгу уместились почти 40 лет жизни писателя буквально на другом берегу Атлантики и на другом полушарии — в России и в Европе. Но бОльшая часть посвящена все же России, проведенному в ней детству, любимой семье и горькому чувству потери родины.
Когда я читала воспоминания Набокова о родителях и беззаботном детстве, меня просто обволакивало теплом! Настолько это написано с любовью, с трепетом, с нежностью. Но больше всего мне в душу запали вот эти строки-воспоминание о лете в загородном имении Набоковых:
Ощущение предельной беззаботности, благоденствия, густого летнего тепла затопляет память и образует такую сверкающую действительность, что по сравнению с нею паркерово перо в моей руке и самая рука с глянцем на уже веснущатой коже кажутся мне довольно аляповатым обманом. Зеркало насыщено июльским днем. Лиственная тень играет по белой с голубыми мельницами печке. Влетевший шмель, как шар на резинке, ударяется во все лепные углы потолка и удачно отскакивает обратно в окно. Все так, как должно быть, ничто никогда не изменится, никто никогда не умрет.
Через весь текст видно, как писатель любил своих родителей и как те любили своих детей. Это, кстати, передалось и самому Набокову. Первым годам жизни его сына Дмитрия посвящена отдельная глава. И она тоже полна любви, но уже другой, отеческой.
Еще в книге можно познакомиться с непривычным для нас Набоковым — не писателем, а страстным энтомологом, бойким боксером, искусным шахматистом и отверженным вратарем. А еще, будем откровенны, снобом и беспощадным критиком со своим мнением по очень многим вещам. Но это не отталкивает, а наоборот притягивает. Возможно, потому, что одновременно с ним есть маленький мальчик, который вспоминает игры с матерью, розыгрыши учителей и многочисленные первые любови навек.
В общем, мне книга очень понравилась. Я уверена, что её можно читать, как отдельное художественное произведение. Но если сначала ознакомитесь с биографией Набокова, то, мне кажется, эффект от чтения будет более полным.
И ещё одно предупреждение: после прочтение книги может захотеться узнать свою родословную, позвонить своим близким и провести с ними время, погулять по родному городу, своим местам и понять, что счастье — оно не где-то там, оно прям здесь и сейчас.
#время_на_книги
❤67🔥17💔11👍7
Начинаем утро с порции красоты💫
Сегодня расскажу про #культурный_визит на выставку костюмов Поля Пуаре, которая идет сейчас в Музее декоративно-прикладного искусства в Париже (буквально соседнее здание от Лувра).
Её название, «Мода — это праздник», говорит само за себя. Пуаре использовал яркие ткани и восточные узоры, делал не утилитарную одежду, а произведение искусства. Но самое важное его достижение — он отказался от корсетов в женской одежде.
С самого юношества он работал в сфере моды, а в 24 года уже основал свой модный дом! Пуаре дружил с современными ему художниками, делал вместе с фовистами модные коллаборации и заказывал у лучших мастеров по керамике уникальные пуговицы для своих изделий. А Бакст, Дюфи и Эрте рисовали для модных журналов девушек в нарядах Поля Пуаре.
Его наряды носили светские дамы, актрисы, балерины и певицы. Танцоры «Русских сезонов» Дягилева выступали у Пуаре во время модных показов, а актрисы становились лицами его бренда. Кстати, была приятно удивлена, увидев на выставке довольно много мифических акварелей Леона Бакста, которые он писал для «Русских сезонов».
Такой круг общения не мог не привести к новым творческим проявлениям Пуаре: после успеха русского балета«Шахерезада» в Париже он устроил свою костюмированную вечеринку в стиле «Тысячи и одной ночи», куда пригласил больше 300 гостей. Все костюмы для них Пуаре придумал сам. Потом были и другие вечеринки, которые в итоге привели к тому, что у дизайнера появился свой театр в саду его дома.
На этом творческие проявления Пуаре не закончились. Он стал первым кутюрье, который сделал свои духи. При этом все производство было в рамках его модного дома, никакого аутсорса. Потом он занялся декоративно-прикладным искусством, издал книгу рецептов, сам выступал в театре и продавал картины своего авторства. Но за всеми этими увлечениями стоит вполне себе житейская нужда — денег на фантазии дизайнера, которые он хотел воплощать в одежде и в своей жизни, просто не хватало. Да и сменившаяся эпоха после Первой Мировой войны уже не принимала такую одежду, какую делал Пуаре. В 1927 году дизайнеру пришлось закрыть свой дом моды.
Мне эта выставка показалась красивым воспоминанием бурной эпохи Пуаре. Кроме костюмов его дизайна там есть много фотографий, которые проносят посетителей по жизни дизайнера. Но главная звезда этих фото — это жена Пуаре (фото 8). Кажется, будто она лучше всех моделей могла показать наряды своего мужа, обыграть их и сделать из обычного прямого платья шикарный образ.
И хоть самого бренда давно нет, «голос» Пуаре слышен до сих пор. На выставке кроме костюмов начала 20-го века есть и уже более современные наряды-оммажи на творчество дизайнера: тут и Dior времен Джона Гальяно, и Schiaparelli 2000-х, и многие другие.
Выставка идет до 11 января 2026 года. Если будете в тех краях и любите моду, то обязательно сходите!
Сегодня расскажу про #культурный_визит на выставку костюмов Поля Пуаре, которая идет сейчас в Музее декоративно-прикладного искусства в Париже (буквально соседнее здание от Лувра).
Её название, «Мода — это праздник», говорит само за себя. Пуаре использовал яркие ткани и восточные узоры, делал не утилитарную одежду, а произведение искусства. Но самое важное его достижение — он отказался от корсетов в женской одежде.
С самого юношества он работал в сфере моды, а в 24 года уже основал свой модный дом! Пуаре дружил с современными ему художниками, делал вместе с фовистами модные коллаборации и заказывал у лучших мастеров по керамике уникальные пуговицы для своих изделий. А Бакст, Дюфи и Эрте рисовали для модных журналов девушек в нарядах Поля Пуаре.
Его наряды носили светские дамы, актрисы, балерины и певицы. Танцоры «Русских сезонов» Дягилева выступали у Пуаре во время модных показов, а актрисы становились лицами его бренда. Кстати, была приятно удивлена, увидев на выставке довольно много мифических акварелей Леона Бакста, которые он писал для «Русских сезонов».
Такой круг общения не мог не привести к новым творческим проявлениям Пуаре: после успеха русского балета«Шахерезада» в Париже он устроил свою костюмированную вечеринку в стиле «Тысячи и одной ночи», куда пригласил больше 300 гостей. Все костюмы для них Пуаре придумал сам. Потом были и другие вечеринки, которые в итоге привели к тому, что у дизайнера появился свой театр в саду его дома.
На этом творческие проявления Пуаре не закончились. Он стал первым кутюрье, который сделал свои духи. При этом все производство было в рамках его модного дома, никакого аутсорса. Потом он занялся декоративно-прикладным искусством, издал книгу рецептов, сам выступал в театре и продавал картины своего авторства. Но за всеми этими увлечениями стоит вполне себе житейская нужда — денег на фантазии дизайнера, которые он хотел воплощать в одежде и в своей жизни, просто не хватало. Да и сменившаяся эпоха после Первой Мировой войны уже не принимала такую одежду, какую делал Пуаре. В 1927 году дизайнеру пришлось закрыть свой дом моды.
Мне эта выставка показалась красивым воспоминанием бурной эпохи Пуаре. Кроме костюмов его дизайна там есть много фотографий, которые проносят посетителей по жизни дизайнера. Но главная звезда этих фото — это жена Пуаре (фото 8). Кажется, будто она лучше всех моделей могла показать наряды своего мужа, обыграть их и сделать из обычного прямого платья шикарный образ.
И хоть самого бренда давно нет, «голос» Пуаре слышен до сих пор. На выставке кроме костюмов начала 20-го века есть и уже более современные наряды-оммажи на творчество дизайнера: тут и Dior времен Джона Гальяно, и Schiaparelli 2000-х, и многие другие.
Выставка идет до 11 января 2026 года. Если будете в тех краях и любите моду, то обязательно сходите!
1❤77🔥17😍10💘1
Перед вами самая большая картина Лувра (в ширину почти 10 метров), которую не могут поделить Италия и Франция. Это «Брак в Кане» Паоло Веронезе (1562).
Сначала немного о сюжете картины. Веронезе изобразил больше 130 человек, которые находятся якобы на свадебном пиру. Но среди гостей у нас Иисус Христос, Дева Мария и Апостолы (фото 2), и прямо сейчас мы наблюдаем чудо превращения воды в вино. Среди других гостей Веронезе нарисовал Султана Сулеймана Великолепного (того самого из сериала), Императора Священной Римской Империи Карла V, короля Франции Франциска I и королеву Англии Марию I (фото 4). Ну то есть guest-list похлеще, чем на свадьбе у Безоса.
Но на самом деле такой свадьбы, конечно же, не было. Это, скорее, картина-аллегория. С одной стороны, это социальный и политический портрет Венеции 16-го века. С другой стороны, это большая иллюстрация бренности жизни. В центре, на самых почетных местах — Иисус и Дева Мария, а не жених с невестой. Они сидят с края стола слева. И пока музыканты играют, а вино льется рекой, стремительно свой бег продолжает время — прозрачные песочные часы тоже расположены прямо в центре, возле музыкантов (которые кстати художники на самом деле: среди них есть и сам Веронезе, в белой одежде, и, например, Тициан).
Эту картину Веронезе заказали монахи-бенедиктинцы. И особенно они попросили использовать побольше ультрамарина, который в то время стоил баснословных денег. Но монахи этого ордена могли себе позволить такую роскошь. И два века картина провисела в столовой монастыря Сан-Джорджо в Венеции. При этом её нижний край касался пола, и создавалось впечатление, будто картина продолжает комнату, и вы тоже присутствуете на этом пиршестве.
Но в 1797 году в Италию вторгается Наполеон, который, судя по количеству вывезенного из разных стран искусства, был страстным любителем прекрасного. Так, «Брак в Кане» переезжает во Францию. Правда, приехала картина не в лучшем состоянии: по пути ее погрызли мыши, и в целом все полотно нуждалось в реставрации.
Французы реставрировали картину, и не раз. И вот в начале 19-го века Италия начала требовать вернуть работу Веронезе. Франция сумела убедить итальянцев, что картина очень хрупкая, и перевозить её нельзя (считается, что можно на самом деле). И вместо «Брака в Кане» Лувр отдал Италии одну из картин Шарля Лебрена (тоже по-своему хороший мастер, но во Франции куча его работ, поэтому французы ничего и не потеряли). Этот обмен и то, что Веронезе остается а Лувре, закрепили договором.
Но Италия не успокоилась, и до сих пор требует от Франции вернуть картину. В 2010 году местные активисты даже обращались к первой леди, Карле Бруни, итальянке, чтобы она повлияла на Лувр. Но учитывая, что «воз и ныне там», повлиять, видимо, не удалось)
Сейчас самая большая картина Лувра висит прямо напротив самой популярной картины музея. Но музей борется за Веронезе с не меньшей пылкостью, чем, думаю, боролся бы за Джоконду.
#кто_это_нарисовал
Сначала немного о сюжете картины. Веронезе изобразил больше 130 человек, которые находятся якобы на свадебном пиру. Но среди гостей у нас Иисус Христос, Дева Мария и Апостолы (фото 2), и прямо сейчас мы наблюдаем чудо превращения воды в вино. Среди других гостей Веронезе нарисовал Султана Сулеймана Великолепного (того самого из сериала), Императора Священной Римской Империи Карла V, короля Франции Франциска I и королеву Англии Марию I (фото 4). Ну то есть guest-list похлеще, чем на свадьбе у Безоса.
Но на самом деле такой свадьбы, конечно же, не было. Это, скорее, картина-аллегория. С одной стороны, это социальный и политический портрет Венеции 16-го века. С другой стороны, это большая иллюстрация бренности жизни. В центре, на самых почетных местах — Иисус и Дева Мария, а не жених с невестой. Они сидят с края стола слева. И пока музыканты играют, а вино льется рекой, стремительно свой бег продолжает время — прозрачные песочные часы тоже расположены прямо в центре, возле музыкантов (которые кстати художники на самом деле: среди них есть и сам Веронезе, в белой одежде, и, например, Тициан).
Эту картину Веронезе заказали монахи-бенедиктинцы. И особенно они попросили использовать побольше ультрамарина, который в то время стоил баснословных денег. Но монахи этого ордена могли себе позволить такую роскошь. И два века картина провисела в столовой монастыря Сан-Джорджо в Венеции. При этом её нижний край касался пола, и создавалось впечатление, будто картина продолжает комнату, и вы тоже присутствуете на этом пиршестве.
Но в 1797 году в Италию вторгается Наполеон, который, судя по количеству вывезенного из разных стран искусства, был страстным любителем прекрасного. Так, «Брак в Кане» переезжает во Францию. Правда, приехала картина не в лучшем состоянии: по пути ее погрызли мыши, и в целом все полотно нуждалось в реставрации.
Французы реставрировали картину, и не раз. И вот в начале 19-го века Италия начала требовать вернуть работу Веронезе. Франция сумела убедить итальянцев, что картина очень хрупкая, и перевозить её нельзя (считается, что можно на самом деле). И вместо «Брака в Кане» Лувр отдал Италии одну из картин Шарля Лебрена (тоже по-своему хороший мастер, но во Франции куча его работ, поэтому французы ничего и не потеряли). Этот обмен и то, что Веронезе остается а Лувре, закрепили договором.
Но Италия не успокоилась, и до сих пор требует от Франции вернуть картину. В 2010 году местные активисты даже обращались к первой леди, Карле Бруни, итальянке, чтобы она повлияла на Лувр. Но учитывая, что «воз и ныне там», повлиять, видимо, не удалось)
Сейчас самая большая картина Лувра висит прямо напротив самой популярной картины музея. Но музей борется за Веронезе с не меньшей пылкостью, чем, думаю, боролся бы за Джоконду.
#кто_это_нарисовал
1❤75🔥37👍24
Сегодня мы встречались с девушками из книжного клуба для обсуждения «Лолиты» Набокова. Я ожидала, что обсуждения будут жаркими, но чтобы настолько — 6 часов размышлений, высказываний разных точек зрения, разборов тех или иных ситуаций под разными углами. Наш абсолютный рекорд за все время!
Мы так и не пришли к единому мнению, для каждой книга отозвалась по-своему. Но мне кажется, что это и есть самое важное в работе автора — зацепить в каждом что-то свое, раскрыть книгу для каждого по-своему. Набоков справился с этим идеально.
Но все же кое в чем мы сошлись. Во время обсуждений мы примерили на себя роли присяжных, к которым все время обращается главный герой книги, Гумберт. И все его осудили. Но каждый за разные вещи: почти все за растление малолетней, кто-то ещё и за убийство (а кто-то наоборот оправдал его за это), другие за неспособность бороться со своими желаниями и страстями, но многие освободили его от ответственности за его психическое нездоровье.
Еще одна вещь, в которой все сошлись: «Лолита» — это не просто роман о растлении маленькой девочки. Эта книга про разрушенное детство, про важность доверительных отношений в семье, про то, что никогда нельзя судить по внешней оболочке, про постепенное опускание человека к чему-то животному и про большую потребность в любви и в её выражении, которая есть в каждом из нас. Но которая, к сожалению, не всегда находит правильное применение. Эта книга про сильную личность, про сломанную личность, это психологический портрет маньяка, изобличение педофилии или наоборот ее романтизация (тут уже каждый остался при своем мнении).
И я очень рада, что мы смогли рассмотреть эти разные грани «Лолиты» и отойти от общепринятого мнения, что это пошлая и грязная порнография. Да, там есть мерзкие описания, но они только усиливают понимание, что это трагическая, а не эротическая книга.
#книжный_клуб@discultnotes
Мы так и не пришли к единому мнению, для каждой книга отозвалась по-своему. Но мне кажется, что это и есть самое важное в работе автора — зацепить в каждом что-то свое, раскрыть книгу для каждого по-своему. Набоков справился с этим идеально.
Но все же кое в чем мы сошлись. Во время обсуждений мы примерили на себя роли присяжных, к которым все время обращается главный герой книги, Гумберт. И все его осудили. Но каждый за разные вещи: почти все за растление малолетней, кто-то ещё и за убийство (а кто-то наоборот оправдал его за это), другие за неспособность бороться со своими желаниями и страстями, но многие освободили его от ответственности за его психическое нездоровье.
Еще одна вещь, в которой все сошлись: «Лолита» — это не просто роман о растлении маленькой девочки. Эта книга про разрушенное детство, про важность доверительных отношений в семье, про то, что никогда нельзя судить по внешней оболочке, про постепенное опускание человека к чему-то животному и про большую потребность в любви и в её выражении, которая есть в каждом из нас. Но которая, к сожалению, не всегда находит правильное применение. Эта книга про сильную личность, про сломанную личность, это психологический портрет маньяка, изобличение педофилии или наоборот ее романтизация (тут уже каждый остался при своем мнении).
И я очень рада, что мы смогли рассмотреть эти разные грани «Лолиты» и отойти от общепринятого мнения, что это пошлая и грязная порнография. Да, там есть мерзкие описания, но они только усиливают понимание, что это трагическая, а не эротическая книга.
#книжный_клуб@discultnotes
❤70👍23🔥15💯1