Laughing Clowns - Law of Nature
(1984, Hot)
punk-jazz / post-punk / free jazz influenced
Слушаем третий студийный альбом австралийской группы Laughing Сlowns. Нетипичный пост-панк с саксофонными пассажами и Эдом Кюппером из The Saints на вокале.
Laughing Сlowns были активны с конца 70-х до середины 80-х, если не считать недолго реюниона в 2000-х, в Сиднее. Это группа Эда Кюппера (Ed Kuepper), более известного по панк-группе The Saints. При этом Laughing Сlowns очень самобытная группа и относительно The Saints гораздо более экспериментальная. На момент выхода "Law Of Nature" в состав группы входили Эд Кюппер (Ed Kuepper) - вокал, гитара; Джеффри Вэйгенер (Jeffrey Wegener) - ударные; Льюис Эллиот (Louise Elliot) - саксофон; Крис Эбрахамс ( Chris Abrahams) - клавиши (его, кстати, наши подписчики могут помнить по группе The Necks, про которую мы как-то писали); и басист Питер Уэлш (Peter Walsh).
Музыка Laughing Сlowns в своё время ставила музыкальных журналистов в тупик. Она была не похожа ни на что и, едва вписавшись в рамки одного жанра, уже с неудержимой энергией разрывала их. Типично пост-панковые ритм-бас партии, в следующую минуту уже прерывались самозабвенным саксофонным соло в духе фри-джаза и на некоторых треках ты уже забываешь, что когда-то упоминал пост-панк. Некоторые музыкальные критики терялись и вешали ярлык "alternative", не желая разбираться в этом дальше. Дугие же говорят о музыке "смеющихся клоунов", как о панк-джазе.
Так или иначе Laughing Сlowns до сих пор впечатляют своим органичным сочетанием пост-панкового звучания и саксофона. Этот альбом получился гораздо более мелодичным, чем предыдущие релизы Laughing Сlowns (вроде "Mr Uddich-Schmuddich Goes To Town", 1982). Возьмите хотя бы "Eternally Yours", "Written In Exile" - одни из самых известных песен песен Laughing Сlowns с этого альбома. Свою роль здесь, конечно, играет и бархатистый и в каком-то смысле вялый вокал Кюппера на фоне такой энергичной и переливающейся музыки.
Один из лучших, по нашему мнению, альбомов группы, которая, просуществовав не так долго, оставила свой след в пост-панк музыке и уже стала своего рода "теневой" классикой.
(1984, Hot)
punk-jazz / post-punk / free jazz influenced
Слушаем третий студийный альбом австралийской группы Laughing Сlowns. Нетипичный пост-панк с саксофонными пассажами и Эдом Кюппером из The Saints на вокале.
Laughing Сlowns были активны с конца 70-х до середины 80-х, если не считать недолго реюниона в 2000-х, в Сиднее. Это группа Эда Кюппера (Ed Kuepper), более известного по панк-группе The Saints. При этом Laughing Сlowns очень самобытная группа и относительно The Saints гораздо более экспериментальная. На момент выхода "Law Of Nature" в состав группы входили Эд Кюппер (Ed Kuepper) - вокал, гитара; Джеффри Вэйгенер (Jeffrey Wegener) - ударные; Льюис Эллиот (Louise Elliot) - саксофон; Крис Эбрахамс ( Chris Abrahams) - клавиши (его, кстати, наши подписчики могут помнить по группе The Necks, про которую мы как-то писали); и басист Питер Уэлш (Peter Walsh).
Музыка Laughing Сlowns в своё время ставила музыкальных журналистов в тупик. Она была не похожа ни на что и, едва вписавшись в рамки одного жанра, уже с неудержимой энергией разрывала их. Типично пост-панковые ритм-бас партии, в следующую минуту уже прерывались самозабвенным саксофонным соло в духе фри-джаза и на некоторых треках ты уже забываешь, что когда-то упоминал пост-панк. Некоторые музыкальные критики терялись и вешали ярлык "alternative", не желая разбираться в этом дальше. Дугие же говорят о музыке "смеющихся клоунов", как о панк-джазе.
Так или иначе Laughing Сlowns до сих пор впечатляют своим органичным сочетанием пост-панкового звучания и саксофона. Этот альбом получился гораздо более мелодичным, чем предыдущие релизы Laughing Сlowns (вроде "Mr Uddich-Schmuddich Goes To Town", 1982). Возьмите хотя бы "Eternally Yours", "Written In Exile" - одни из самых известных песен песен Laughing Сlowns с этого альбома. Свою роль здесь, конечно, играет и бархатистый и в каком-то смысле вялый вокал Кюппера на фоне такой энергичной и переливающейся музыки.
Один из лучших, по нашему мнению, альбомов группы, которая, просуществовав не так долго, оставила свой след в пост-панк музыке и уже стала своего рода "теневой" классикой.
Hildur Guðnadóttir - Without Sinking
(2009, Touch)
modern classical / experimental / cello
Второй сольный альбом Хилдюр Гюднадоттир, исландской виолончелистки, игравшей и записывавшейся с Pan Sonic, Throbbing Gristle и Múm, а также известной по своему проекту Lost in Hildurness.
"Without Sinking" - релиз мрачный, но не обязательно грустный или удручающий. По крайней мере, не всегда. Скорее, он погружает слушателя чуть ли не в бесконечное музыкальное пространство, где возможности постепенно открываются, и музыка становится фантастическим миром. Открывающий трек альбома, "Elevation", начинает выстраивать этот мир cо сустейновыми звуками виолончели. Эта композиция нежно пульсирует, воссоздавая ощущение дыхания и вскоре приводя к чувству неотложности.
Зимняя тишина предшествует мерцанию клавесина. С этого мерцания начинается "Aether", композиция более всех других на альбоме напоминающая колыбельную. Предночный мотив - со звуком, словно исходящим из музыкальной шкатулки. И в то время как большая часть треков на альбоме музыкально молчит о смерти, "Aether" - обещание, что эта смерть будет безболезненной. Так что и небольшая доля оптимизма есть на "Without Sinking".
На "Unveiled" басовому ключу уделено больше времени, чем на любой другой композиции альбома. И становится приятно слышать, как высокие тона встречается в контрапункте с низкими. По мере того, как композиция развивается, все партии в ней "расширяются" и объединяются, чтобы затем остаться одной лишь виолончелью. На этом альбом завершается.
Хилдюр Гюднадоттир заслуживает похвалы за очень многие аспекты "Without Sinking". Она ставила себя в стороне от своих современников, используя медлительность музыки для создания различных звуковых интенсивностей, которые обычно имеют место в более быстрой музыке. Кроме того, и нам это кажется особенно интересным, треки в альбоме в высшей степени связаны между собой: словно ощущается непрерывный нарратив, несмотря на отсутствие текстов.
(2009, Touch)
modern classical / experimental / cello
Второй сольный альбом Хилдюр Гюднадоттир, исландской виолончелистки, игравшей и записывавшейся с Pan Sonic, Throbbing Gristle и Múm, а также известной по своему проекту Lost in Hildurness.
"Without Sinking" - релиз мрачный, но не обязательно грустный или удручающий. По крайней мере, не всегда. Скорее, он погружает слушателя чуть ли не в бесконечное музыкальное пространство, где возможности постепенно открываются, и музыка становится фантастическим миром. Открывающий трек альбома, "Elevation", начинает выстраивать этот мир cо сустейновыми звуками виолончели. Эта композиция нежно пульсирует, воссоздавая ощущение дыхания и вскоре приводя к чувству неотложности.
Зимняя тишина предшествует мерцанию клавесина. С этого мерцания начинается "Aether", композиция более всех других на альбоме напоминающая колыбельную. Предночный мотив - со звуком, словно исходящим из музыкальной шкатулки. И в то время как большая часть треков на альбоме музыкально молчит о смерти, "Aether" - обещание, что эта смерть будет безболезненной. Так что и небольшая доля оптимизма есть на "Without Sinking".
На "Unveiled" басовому ключу уделено больше времени, чем на любой другой композиции альбома. И становится приятно слышать, как высокие тона встречается в контрапункте с низкими. По мере того, как композиция развивается, все партии в ней "расширяются" и объединяются, чтобы затем остаться одной лишь виолончелью. На этом альбом завершается.
Хилдюр Гюднадоттир заслуживает похвалы за очень многие аспекты "Without Sinking". Она ставила себя в стороне от своих современников, используя медлительность музыки для создания различных звуковых интенсивностей, которые обычно имеют место в более быстрой музыке. Кроме того, и нам это кажется особенно интересным, треки в альбоме в высшей степени связаны между собой: словно ощущается непрерывный нарратив, несмотря на отсутствие текстов.
Valgeir Sigurðsson - Ekvílibríum
(2007, Bedroom Community)
electroacoustic / experimental / icelandic
И снова Исландия! Слушаем дебютный сольный альбом продюсера и композитора Вальгейра Сигурдссона, работавшего с самыми различными музыкантами - от Брайана Ино до The XX.
Вальгейр Сигурдссон уже давно стал известен за пределами родной Исландии. И больше его знают, конечно, в качестве продюсера. Он среди прочих работал с Björk, Sigur Rós, CocoRosie, Bonnie "Prince" Billy, Brian Eno, Feist, The XX. Список более чем внушительный, не столько по количеству, сколько по уровню музыкантов. Помимо этого и продюсировал саундтрек к "Быть Джоном Малковичем" Спайка Джонза. При этом сольных релизов у Сигурдсонна не так много: на данный момент их всего три. Все они, кстати, вышли на собственном лейбле Сигурдссона Bedroom Community, который он организовал вместе с музыкантами Нико Мьюли (Nico Muhly) и Беном Фростом (Ben Frost).
Первая работа Вальгейра Сигурдссона получилась очень разнообразной не только в плане звучания, но и по тому, кого композитор пригласил к сотрудничеству. На "Ekvílibríum" в качестве вокалистов выступают Бонни Принс Билли (к слову, с ним Сигурдссон сотрудничал очень много и плодотворно), Дон Маккарти (Dawn McCarthy) из психоделик-фолк группы Faun Fables и Джеймс Уолкер, более известный по сценическому псевдониму Machine Translations. Кроме них в записи принял участие уже упоминавшийся Нико Мьюли, сыгравший на различных клавишных инструментах и барабанщик Samuli Kosminen из исландской группы múm.
Получился альбом на стыке электроники, акустики, фолка, местами и эмбиента ("Equilibrium is Restored"). Всё это в сочетании звучит очень органично. И в этой органичности звучания, текстурности звуковых слоев и их превосходном сведении и видится уникальный продюсерский талант Сигурдссона. Треки с вокалом и без чередуются, как бы расширяя пространство альбома. Более того, на нём очень тонко передано чувство равновесия. "Equilibrium" - это ощущение оторванности от земли, первозданной грусти и вместе с тем красоты.
(2007, Bedroom Community)
electroacoustic / experimental / icelandic
И снова Исландия! Слушаем дебютный сольный альбом продюсера и композитора Вальгейра Сигурдссона, работавшего с самыми различными музыкантами - от Брайана Ино до The XX.
Вальгейр Сигурдссон уже давно стал известен за пределами родной Исландии. И больше его знают, конечно, в качестве продюсера. Он среди прочих работал с Björk, Sigur Rós, CocoRosie, Bonnie "Prince" Billy, Brian Eno, Feist, The XX. Список более чем внушительный, не столько по количеству, сколько по уровню музыкантов. Помимо этого и продюсировал саундтрек к "Быть Джоном Малковичем" Спайка Джонза. При этом сольных релизов у Сигурдсонна не так много: на данный момент их всего три. Все они, кстати, вышли на собственном лейбле Сигурдссона Bedroom Community, который он организовал вместе с музыкантами Нико Мьюли (Nico Muhly) и Беном Фростом (Ben Frost).
Первая работа Вальгейра Сигурдссона получилась очень разнообразной не только в плане звучания, но и по тому, кого композитор пригласил к сотрудничеству. На "Ekvílibríum" в качестве вокалистов выступают Бонни Принс Билли (к слову, с ним Сигурдссон сотрудничал очень много и плодотворно), Дон Маккарти (Dawn McCarthy) из психоделик-фолк группы Faun Fables и Джеймс Уолкер, более известный по сценическому псевдониму Machine Translations. Кроме них в записи принял участие уже упоминавшийся Нико Мьюли, сыгравший на различных клавишных инструментах и барабанщик Samuli Kosminen из исландской группы múm.
Получился альбом на стыке электроники, акустики, фолка, местами и эмбиента ("Equilibrium is Restored"). Всё это в сочетании звучит очень органично. И в этой органичности звучания, текстурности звуковых слоев и их превосходном сведении и видится уникальный продюсерский талант Сигурдссона. Треки с вокалом и без чередуются, как бы расширяя пространство альбома. Более того, на нём очень тонко передано чувство равновесия. "Equilibrium" - это ощущение оторванности от земли, первозданной грусти и вместе с тем красоты.
Esperanza Spalding - Exposure
(2017, Concord Records)
contemporary jazz / improv / jazz performance
Слушаем прошлогодний релиз одной из лучших джазовых вокалисток и бас-гитаристок Эсперансы Сполдинг. Альбом, придуманный записанный за 77 часов студийного перформанса в Лос-Анджелесе.
"Exposure" - релиз, про который интересно рассказывать почти в той же степени, в какой интересно его слушать. Это в своём роде альбом-эксперимент, альбом-вызов Сполдинг самой себе. Для многих имя Эсперансы говорит само за себя: она стала эталоном хорошего современного джаза не только для ценителей, но и для широкой публики, о чём можно судить хотя бы по четырём выигранным Грэмми. Поэтому вдвойне интересно, когда музыканты такого уровня идут на эксперименты.
"Exposure" трудно назвать традиционным альбомом, однако именно в нём воплотился, пожалуй, один из важнейших для джаза элементов - импровизация. Это наполовину перфоманс, наполовину студийный марафон: весь альбом был придуман, записан, аранжирован за 77 часов непрерывной работы в студии, которая вдобавок ко всему стримилась в Facebook Live. В творческом процессе, помимо самой Сполдинг, участвовали также певица Лала Хатауэй (Lalah Hathaway), не нуждающийся в представлении Роберт Глеспер (Robert Glasper) за клавишами и скрипач и певец Эндрю Бёрд (Andrew Bird). Зрители трансляции могли проследить, как создавался этот альбом от начала до конца, включая перерывы на еду, отдых и даже на сон. "Когда ты понимаешь, что всё, что ты делаешь - это лайв, ты не можешь останавливаться. Это ощущение открывает новый, более глубокий источник творческой энергии, который недоступен, когда ты знаешь, что завтра можешь попытаться ещё раз", - так описала этот процесс сама Сполдинг.
Альбом включает два диска. "Exposure" - непосредственный плод 77-часовой работы. Прекрасные джазовые композиции, много клавишных, гитары, баса, скрипок и вокальных переливов (женских, мужских, а иногда и совместных, как, например, на диалогичной "The Ways You Got the Love"). И второй диск "Undeveloped" включает записи репетиций и всего того, что не вошло на основную пластинку. Это скорее документальная запись.
Конечно, такая предыстория подогревает интерес к альбому. Стоит ещё добавить, что альбом вышел тиражом 7777 копий, которые были полностью раскуплены еще до того, как закончился лайв-стрим. И вообще-то по задумке Сполдинг этот альбом никогда не должен был появиться в сети. В эпоху дигитализованной общедоступной музыки почти что бунтарский шаг. Бунтарский, но не самый реализуемый, учитывая, что сегодня мы с вами можем послушать "Exposure", несмотря на то, что мы не из 7777 счастливчиков с записью.
(2017, Concord Records)
contemporary jazz / improv / jazz performance
Слушаем прошлогодний релиз одной из лучших джазовых вокалисток и бас-гитаристок Эсперансы Сполдинг. Альбом, придуманный записанный за 77 часов студийного перформанса в Лос-Анджелесе.
"Exposure" - релиз, про который интересно рассказывать почти в той же степени, в какой интересно его слушать. Это в своём роде альбом-эксперимент, альбом-вызов Сполдинг самой себе. Для многих имя Эсперансы говорит само за себя: она стала эталоном хорошего современного джаза не только для ценителей, но и для широкой публики, о чём можно судить хотя бы по четырём выигранным Грэмми. Поэтому вдвойне интересно, когда музыканты такого уровня идут на эксперименты.
"Exposure" трудно назвать традиционным альбомом, однако именно в нём воплотился, пожалуй, один из важнейших для джаза элементов - импровизация. Это наполовину перфоманс, наполовину студийный марафон: весь альбом был придуман, записан, аранжирован за 77 часов непрерывной работы в студии, которая вдобавок ко всему стримилась в Facebook Live. В творческом процессе, помимо самой Сполдинг, участвовали также певица Лала Хатауэй (Lalah Hathaway), не нуждающийся в представлении Роберт Глеспер (Robert Glasper) за клавишами и скрипач и певец Эндрю Бёрд (Andrew Bird). Зрители трансляции могли проследить, как создавался этот альбом от начала до конца, включая перерывы на еду, отдых и даже на сон. "Когда ты понимаешь, что всё, что ты делаешь - это лайв, ты не можешь останавливаться. Это ощущение открывает новый, более глубокий источник творческой энергии, который недоступен, когда ты знаешь, что завтра можешь попытаться ещё раз", - так описала этот процесс сама Сполдинг.
Альбом включает два диска. "Exposure" - непосредственный плод 77-часовой работы. Прекрасные джазовые композиции, много клавишных, гитары, баса, скрипок и вокальных переливов (женских, мужских, а иногда и совместных, как, например, на диалогичной "The Ways You Got the Love"). И второй диск "Undeveloped" включает записи репетиций и всего того, что не вошло на основную пластинку. Это скорее документальная запись.
Конечно, такая предыстория подогревает интерес к альбому. Стоит ещё добавить, что альбом вышел тиражом 7777 копий, которые были полностью раскуплены еще до того, как закончился лайв-стрим. И вообще-то по задумке Сполдинг этот альбом никогда не должен был появиться в сети. В эпоху дигитализованной общедоступной музыки почти что бунтарский шаг. Бунтарский, но не самый реализуемый, учитывая, что сегодня мы с вами можем послушать "Exposure", несмотря на то, что мы не из 7777 счастливчиков с записью.
C-Schulz & Hajsch - C-Schulz & Hajsch
(2000, Sonig)
ambient / field recordings / soundscape
Сегодня слушаем результаты того самого кёльнского экспериментирования, которым этот немецкий город славится среди многих любителей нетривиальной и авангардной музыки.
Карстен Шульц и Ганс-Юрген Шунк - одни из ключевых фигур на кёльнской сцене, которая для тех, кто непосредственно с ней не знаком, обычно сконцентрирована на A-Musik. Они старались держаться в тени и назвать их преуспевающими можно с трудом, но их влияние настолько велико, что имена музыкантов знакомы даже тем, кто не слышал их музыку. Оба играли в культовой кёльнской импровизационной группе Kontakta, вместе с Моникой Вестфаль, которая также приняла участие в записи этого релиза. Возможно более известные по участию в ремикс-альбоме "Reprovisers" группы Microstoria они прежде не делали совместных альбомов, но у обоих есть сольные пластинки на лейблах Entenpfuhl, Extreme и Quiet Artwork, соответственно.
На первый взгляд, треки на 'C-Schulz & Hajsch' - лишь коллажи, составленные из полевых записей, не-музыкальных звуков и акустических инструментов: преимущественно фисгармония и орган, но также и рог, флейта, кларнет, а иногда даже и гитара с фортепиано. Такой вот редуцированный набор музыкальных параметров. Оказывается, инструменты в итоге становятся довольно узнаваемыми. И мы не видим явных попыток скрыть различные источники звука. Вам может показаться, что ничего особенного, однако прислушайтесь. "C-Schulz and Hajsch" действует как нечто вроде компаса самих музыкантов. Компас, в соответствии с правилами его создателей, проводит слушателя через звуковой ландшафт, который сперва кажется знакомым... Но затем на каждом шагу раскрывает удивительную морфологию альбома.
И по мере того как завершается последний трек, он оставляет слушателя и после концовки настроенным на атмосферу альбома. А также позволяет своего рода внешней коде возникнуть из окружающей "тишины": ветер, бьющийся об окна, голоса людей из соседней комнаты и т.д. Вслушайтесь.
(2000, Sonig)
ambient / field recordings / soundscape
Сегодня слушаем результаты того самого кёльнского экспериментирования, которым этот немецкий город славится среди многих любителей нетривиальной и авангардной музыки.
Карстен Шульц и Ганс-Юрген Шунк - одни из ключевых фигур на кёльнской сцене, которая для тех, кто непосредственно с ней не знаком, обычно сконцентрирована на A-Musik. Они старались держаться в тени и назвать их преуспевающими можно с трудом, но их влияние настолько велико, что имена музыкантов знакомы даже тем, кто не слышал их музыку. Оба играли в культовой кёльнской импровизационной группе Kontakta, вместе с Моникой Вестфаль, которая также приняла участие в записи этого релиза. Возможно более известные по участию в ремикс-альбоме "Reprovisers" группы Microstoria они прежде не делали совместных альбомов, но у обоих есть сольные пластинки на лейблах Entenpfuhl, Extreme и Quiet Artwork, соответственно.
На первый взгляд, треки на 'C-Schulz & Hajsch' - лишь коллажи, составленные из полевых записей, не-музыкальных звуков и акустических инструментов: преимущественно фисгармония и орган, но также и рог, флейта, кларнет, а иногда даже и гитара с фортепиано. Такой вот редуцированный набор музыкальных параметров. Оказывается, инструменты в итоге становятся довольно узнаваемыми. И мы не видим явных попыток скрыть различные источники звука. Вам может показаться, что ничего особенного, однако прислушайтесь. "C-Schulz and Hajsch" действует как нечто вроде компаса самих музыкантов. Компас, в соответствии с правилами его создателей, проводит слушателя через звуковой ландшафт, который сперва кажется знакомым... Но затем на каждом шагу раскрывает удивительную морфологию альбома.
И по мере того как завершается последний трек, он оставляет слушателя и после концовки настроенным на атмосферу альбома. А также позволяет своего рода внешней коде возникнуть из окружающей "тишины": ветер, бьющийся об окна, голоса людей из соседней комнаты и т.д. Вслушайтесь.
The West Coast Pop Art Experimental Band - Part One
(1967, Reprise)
psychedelic rock / 60s
Первая полноценная пластинка группы психоделических безумцев из Калифорнии, группы с весьма необычной историей, группы почему-то не сыскавшей крупного успеха в своё время.
"Part One", будучи первым релизом группы на лейбле "Reprise", многими считается квинтэссенцией их творчества. Виной тому во многом является тот факт, что альбом был самым песенно-ориентированным во всей дискографии коллектива. И в то же самое время он был чрезвычайно странным - почти что на уровне "стилистической шизофрении". Однако когда ты углубляешься в его прослушивание, большая часть пластинки на проверку оказывается вполне привязчивыми поп-песнями длительностью 2-3 минуты. В те времена WCPAEB звучали довольно обычно - вполне талантливые и похожие на Byrds фолк-рокеры ("Transparent Day" и "Here's Where You Belong"). Или в некоторых моментах, как гаражная группа, близкая по звучанию к Kinks ("If You Want This Love"). А иногда даже можно услышать что-то ("Will You Walk With Me") близкое к барокко-попу. К слову, финальную песню ("High Coin") альбома сочинил и вовсе Ван Дайк Паркс.
Конечно, на альбоме не обходится без странной тревожности, а иногда и паранойи, хотя и место эта тревожность находит себе в приятных мелодиях. Как, например, на "Shifting Sands" с шипящими перегруженными гитарами; или на "I Won't Hurt You" с её басом-сердцебиением и отдалённым вокалом; и, наконец, "Leiyla", где в юношеский гаражный рок внезапно вторгается диалог, взятый откуда-то вроде вампирского фильма категории Б.
Завершить наш небольшой обзор мы хотим, акцентировав внимание на кавере на Фрэнка Заппу ("Help, I'm a Rock"), который всё-таки говорит о доле прикольной фриковости в музыке группы. А продолжает эту линию "1906", которая смахивает на саундтрек к кислотному бэд-трипу, с повторяющимся рефреном "I don't feel well". В общем, WCPAEB - однозначный must-listen для любителей психоделии. "Утерянная классика" психоделического рока.
(1967, Reprise)
psychedelic rock / 60s
Первая полноценная пластинка группы психоделических безумцев из Калифорнии, группы с весьма необычной историей, группы почему-то не сыскавшей крупного успеха в своё время.
"Part One", будучи первым релизом группы на лейбле "Reprise", многими считается квинтэссенцией их творчества. Виной тому во многом является тот факт, что альбом был самым песенно-ориентированным во всей дискографии коллектива. И в то же самое время он был чрезвычайно странным - почти что на уровне "стилистической шизофрении". Однако когда ты углубляешься в его прослушивание, большая часть пластинки на проверку оказывается вполне привязчивыми поп-песнями длительностью 2-3 минуты. В те времена WCPAEB звучали довольно обычно - вполне талантливые и похожие на Byrds фолк-рокеры ("Transparent Day" и "Here's Where You Belong"). Или в некоторых моментах, как гаражная группа, близкая по звучанию к Kinks ("If You Want This Love"). А иногда даже можно услышать что-то ("Will You Walk With Me") близкое к барокко-попу. К слову, финальную песню ("High Coin") альбома сочинил и вовсе Ван Дайк Паркс.
Конечно, на альбоме не обходится без странной тревожности, а иногда и паранойи, хотя и место эта тревожность находит себе в приятных мелодиях. Как, например, на "Shifting Sands" с шипящими перегруженными гитарами; или на "I Won't Hurt You" с её басом-сердцебиением и отдалённым вокалом; и, наконец, "Leiyla", где в юношеский гаражный рок внезапно вторгается диалог, взятый откуда-то вроде вампирского фильма категории Б.
Завершить наш небольшой обзор мы хотим, акцентировав внимание на кавере на Фрэнка Заппу ("Help, I'm a Rock"), который всё-таки говорит о доле прикольной фриковости в музыке группы. А продолжает эту линию "1906", которая смахивает на саундтрек к кислотному бэд-трипу, с повторяющимся рефреном "I don't feel well". В общем, WCPAEB - однозначный must-listen для любителей психоделии. "Утерянная классика" психоделического рока.
Richard Youngs - The Rest Is Scenery
(2016, Glass Redux)
experimental rock / folktronica / experimental folk
Сегодня слушаем один из многочисленных альбомов британского мультижанрового мультиинструменталиста Ричарда Янгса. Разберёмся, как из примитивного аккорда Em сделать концептуальный альбом.
О Ричарде Янгсе определенно стоит сказать несколько слов. Начавший играть на пианино ещё в раннем детстве, он постепенно отходил от классической музыки, привитой ему родительскими вкусами, и искал себя. Pink Floyd, Public Image Ltd., Cabaret Voltaire, Van Der Graaf Generator... Вдохновляясь этими музыкантами, Янгс начал записывать свою музыку. Он никогда особо не играл в группах, большинство его совместных альбомов - это дуэты, и редко когда выступал даже в родном Глазго, потому что все эти выступления были для него мучительно нервирующими. В его дискографии можно найти самые разные альбомы, от чистого экспериментала, фолка, прог-рока до акустики и а-капелла. В общем, складывается впечатление, что Янгс попробовал себя практически во всём.
Разбираться в дискографии Ричарда Янгса - не самое благодарное дело. Ну, скажем, "The Rest Is Scenery" - четвёртый альбом Янгса за 2016 год. Сам Янгс отшучивался в одном из интервью, что было бы странно столкнуться с человеком, который послушал все его записи. За свою творческую жизнь, а начал он в начале 90-ых, он выпустил такое количество сольных альбомов, EP, компиляций, что когда ты впервые открываешь его дискографию, испытываешь закономерное чувство замешательства. С какого из них начать? Без понятия. Но послушать предлагаем именно замечательный "The Rest Is Scenery".
Этот альбом сам Янгс назвал не особо техничным, зато очень концептуальным ("It’s high concept, low technique"). По идее Янгса, весь альбом строится на аккорде Em в разных его вариациях. Даже если это другие аккорды, то Янгс апеллирует к тому, что использует каподастр и пальцы у него всё равно стоят в той же позиции, в какой и на Em. И так композиционно альбом закольцовывается, тональность постепенно повышается от Em и снова возвращается к нему же на последней композиции. На словах это звучит примитивно, но включите альбом и вы поймете, насколько нетривиально и интересно можно развернуть такую, казалось бы, ограничивающую концепцию. Дополнительные инструменты, приглашённые вокалисты (Madeleine Hynes, Frances McKee, Sorley Youngs) - всё это очень оживляет альбом и делает его удивительно мелодичным.
(2016, Glass Redux)
experimental rock / folktronica / experimental folk
Сегодня слушаем один из многочисленных альбомов британского мультижанрового мультиинструменталиста Ричарда Янгса. Разберёмся, как из примитивного аккорда Em сделать концептуальный альбом.
О Ричарде Янгсе определенно стоит сказать несколько слов. Начавший играть на пианино ещё в раннем детстве, он постепенно отходил от классической музыки, привитой ему родительскими вкусами, и искал себя. Pink Floyd, Public Image Ltd., Cabaret Voltaire, Van Der Graaf Generator... Вдохновляясь этими музыкантами, Янгс начал записывать свою музыку. Он никогда особо не играл в группах, большинство его совместных альбомов - это дуэты, и редко когда выступал даже в родном Глазго, потому что все эти выступления были для него мучительно нервирующими. В его дискографии можно найти самые разные альбомы, от чистого экспериментала, фолка, прог-рока до акустики и а-капелла. В общем, складывается впечатление, что Янгс попробовал себя практически во всём.
Разбираться в дискографии Ричарда Янгса - не самое благодарное дело. Ну, скажем, "The Rest Is Scenery" - четвёртый альбом Янгса за 2016 год. Сам Янгс отшучивался в одном из интервью, что было бы странно столкнуться с человеком, который послушал все его записи. За свою творческую жизнь, а начал он в начале 90-ых, он выпустил такое количество сольных альбомов, EP, компиляций, что когда ты впервые открываешь его дискографию, испытываешь закономерное чувство замешательства. С какого из них начать? Без понятия. Но послушать предлагаем именно замечательный "The Rest Is Scenery".
Этот альбом сам Янгс назвал не особо техничным, зато очень концептуальным ("It’s high concept, low technique"). По идее Янгса, весь альбом строится на аккорде Em в разных его вариациях. Даже если это другие аккорды, то Янгс апеллирует к тому, что использует каподастр и пальцы у него всё равно стоят в той же позиции, в какой и на Em. И так композиционно альбом закольцовывается, тональность постепенно повышается от Em и снова возвращается к нему же на последней композиции. На словах это звучит примитивно, но включите альбом и вы поймете, насколько нетривиально и интересно можно развернуть такую, казалось бы, ограничивающую концепцию. Дополнительные инструменты, приглашённые вокалисты (Madeleine Hynes, Frances McKee, Sorley Youngs) - всё это очень оживляет альбом и делает его удивительно мелодичным.