Atmosphere - Overcast!
(1997, Rhymesayers Entertainment)
alternative hip-hop / backpack rap / indie rap
Сегодня обратимся к классике альтернативного рэпа в лице дуэта Atmosphere, и их дебютного альбома, который был выпущен на небезызвестном Rhymesayers Ent., сооснователями которого являются музыканты.
После бесчисленных рэперов, говоривших о себе, как о “поэтах”, лирика Slug’a заставляла тех рэперов выглядеть скорее как Доктор Зойс, и совсем не как Шекспир. Его внимание к деталям и умение находить странные, абсурдистские аспекты повседневной жизни сделали его будто бы одновременно рэпером и параноидальным блогером. А первые строчки, которые мы слышим на “Overcast!” после пугающих скрипок на треке “1597” звучат так:
“Henceforth, step within my psychoanalysis
Calluses upon my mind make me strain for my lines”
Слегка неординарное мировоззрение Slug’a просвечивается через классический для фанатов дуэта трек “Scapegoat”*. Клавишные Ant’а, выдающие тревожный медленный темп, совмещённый с нужным количеством перегруза, музыкально предвещают то, что затем станет одним из незабываемо правдивых описаний человеческого поведения, представленных в хип-хопе. Заслуживающее уважения перечисление всего, что мы виним в собственных проблемах рано или поздно задевают за живое.
Такой подход к содержанию творчества сильно выделял Slug’а из множества рэперов на изломе веков. Так и сейчас, он сидит в стороне, неоднократно исследовавший глубокие страсти и печали, что могут быть в человеческой жизни. И хотя группа порою попадала в категорию эмо-рэпа (нет, не того эмо-рэпа, что популярен сейчас - а скорее хип-хоп аналога мидвест-эмо тех лет), духовное и чувственное начало редко упоминаются в одном ряду c Atmosphere. Да и в любом случае мы же пониманием, что можно называть эту музыку эмо-рэпом, инди-рэпом и т.д., но сами альбомы Atmosphere до сих пор звучат аутентично и искренне - а именно это в конечном итоге и важно.
(1997, Rhymesayers Entertainment)
alternative hip-hop / backpack rap / indie rap
Сегодня обратимся к классике альтернативного рэпа в лице дуэта Atmosphere, и их дебютного альбома, который был выпущен на небезызвестном Rhymesayers Ent., сооснователями которого являются музыканты.
После бесчисленных рэперов, говоривших о себе, как о “поэтах”, лирика Slug’a заставляла тех рэперов выглядеть скорее как Доктор Зойс, и совсем не как Шекспир. Его внимание к деталям и умение находить странные, абсурдистские аспекты повседневной жизни сделали его будто бы одновременно рэпером и параноидальным блогером. А первые строчки, которые мы слышим на “Overcast!” после пугающих скрипок на треке “1597” звучат так:
“Henceforth, step within my psychoanalysis
Calluses upon my mind make me strain for my lines”
Слегка неординарное мировоззрение Slug’a просвечивается через классический для фанатов дуэта трек “Scapegoat”*. Клавишные Ant’а, выдающие тревожный медленный темп, совмещённый с нужным количеством перегруза, музыкально предвещают то, что затем станет одним из незабываемо правдивых описаний человеческого поведения, представленных в хип-хопе. Заслуживающее уважения перечисление всего, что мы виним в собственных проблемах рано или поздно задевают за живое.
Такой подход к содержанию творчества сильно выделял Slug’а из множества рэперов на изломе веков. Так и сейчас, он сидит в стороне, неоднократно исследовавший глубокие страсти и печали, что могут быть в человеческой жизни. И хотя группа порою попадала в категорию эмо-рэпа (нет, не того эмо-рэпа, что популярен сейчас - а скорее хип-хоп аналога мидвест-эмо тех лет), духовное и чувственное начало редко упоминаются в одном ряду c Atmosphere. Да и в любом случае мы же пониманием, что можно называть эту музыку эмо-рэпом, инди-рэпом и т.д., но сами альбомы Atmosphere до сих пор звучат аутентично и искренне - а именно это в конечном итоге и важно.
Laughing Clowns - Law of Nature
(1984, Hot)
punk-jazz / post-punk / free jazz influenced
Слушаем третий студийный альбом австралийской группы Laughing Сlowns. Нетипичный пост-панк с саксофонными пассажами и Эдом Кюппером из The Saints на вокале.
Laughing Сlowns были активны с конца 70-х до середины 80-х, если не считать недолго реюниона в 2000-х, в Сиднее. Это группа Эда Кюппера (Ed Kuepper), более известного по панк-группе The Saints. При этом Laughing Сlowns очень самобытная группа и относительно The Saints гораздо более экспериментальная. На момент выхода "Law Of Nature" в состав группы входили Эд Кюппер (Ed Kuepper) - вокал, гитара; Джеффри Вэйгенер (Jeffrey Wegener) - ударные; Льюис Эллиот (Louise Elliot) - саксофон; Крис Эбрахамс ( Chris Abrahams) - клавиши (его, кстати, наши подписчики могут помнить по группе The Necks, про которую мы как-то писали); и басист Питер Уэлш (Peter Walsh).
Музыка Laughing Сlowns в своё время ставила музыкальных журналистов в тупик. Она была не похожа ни на что и, едва вписавшись в рамки одного жанра, уже с неудержимой энергией разрывала их. Типично пост-панковые ритм-бас партии, в следующую минуту уже прерывались самозабвенным саксофонным соло в духе фри-джаза и на некоторых треках ты уже забываешь, что когда-то упоминал пост-панк. Некоторые музыкальные критики терялись и вешали ярлык "alternative", не желая разбираться в этом дальше. Дугие же говорят о музыке "смеющихся клоунов", как о панк-джазе.
Так или иначе Laughing Сlowns до сих пор впечатляют своим органичным сочетанием пост-панкового звучания и саксофона. Этот альбом получился гораздо более мелодичным, чем предыдущие релизы Laughing Сlowns (вроде "Mr Uddich-Schmuddich Goes To Town", 1982). Возьмите хотя бы "Eternally Yours", "Written In Exile" - одни из самых известных песен песен Laughing Сlowns с этого альбома. Свою роль здесь, конечно, играет и бархатистый и в каком-то смысле вялый вокал Кюппера на фоне такой энергичной и переливающейся музыки.
Один из лучших, по нашему мнению, альбомов группы, которая, просуществовав не так долго, оставила свой след в пост-панк музыке и уже стала своего рода "теневой" классикой.
(1984, Hot)
punk-jazz / post-punk / free jazz influenced
Слушаем третий студийный альбом австралийской группы Laughing Сlowns. Нетипичный пост-панк с саксофонными пассажами и Эдом Кюппером из The Saints на вокале.
Laughing Сlowns были активны с конца 70-х до середины 80-х, если не считать недолго реюниона в 2000-х, в Сиднее. Это группа Эда Кюппера (Ed Kuepper), более известного по панк-группе The Saints. При этом Laughing Сlowns очень самобытная группа и относительно The Saints гораздо более экспериментальная. На момент выхода "Law Of Nature" в состав группы входили Эд Кюппер (Ed Kuepper) - вокал, гитара; Джеффри Вэйгенер (Jeffrey Wegener) - ударные; Льюис Эллиот (Louise Elliot) - саксофон; Крис Эбрахамс ( Chris Abrahams) - клавиши (его, кстати, наши подписчики могут помнить по группе The Necks, про которую мы как-то писали); и басист Питер Уэлш (Peter Walsh).
Музыка Laughing Сlowns в своё время ставила музыкальных журналистов в тупик. Она была не похожа ни на что и, едва вписавшись в рамки одного жанра, уже с неудержимой энергией разрывала их. Типично пост-панковые ритм-бас партии, в следующую минуту уже прерывались самозабвенным саксофонным соло в духе фри-джаза и на некоторых треках ты уже забываешь, что когда-то упоминал пост-панк. Некоторые музыкальные критики терялись и вешали ярлык "alternative", не желая разбираться в этом дальше. Дугие же говорят о музыке "смеющихся клоунов", как о панк-джазе.
Так или иначе Laughing Сlowns до сих пор впечатляют своим органичным сочетанием пост-панкового звучания и саксофона. Этот альбом получился гораздо более мелодичным, чем предыдущие релизы Laughing Сlowns (вроде "Mr Uddich-Schmuddich Goes To Town", 1982). Возьмите хотя бы "Eternally Yours", "Written In Exile" - одни из самых известных песен песен Laughing Сlowns с этого альбома. Свою роль здесь, конечно, играет и бархатистый и в каком-то смысле вялый вокал Кюппера на фоне такой энергичной и переливающейся музыки.
Один из лучших, по нашему мнению, альбомов группы, которая, просуществовав не так долго, оставила свой след в пост-панк музыке и уже стала своего рода "теневой" классикой.
Hildur Guðnadóttir - Without Sinking
(2009, Touch)
modern classical / experimental / cello
Второй сольный альбом Хилдюр Гюднадоттир, исландской виолончелистки, игравшей и записывавшейся с Pan Sonic, Throbbing Gristle и Múm, а также известной по своему проекту Lost in Hildurness.
"Without Sinking" - релиз мрачный, но не обязательно грустный или удручающий. По крайней мере, не всегда. Скорее, он погружает слушателя чуть ли не в бесконечное музыкальное пространство, где возможности постепенно открываются, и музыка становится фантастическим миром. Открывающий трек альбома, "Elevation", начинает выстраивать этот мир cо сустейновыми звуками виолончели. Эта композиция нежно пульсирует, воссоздавая ощущение дыхания и вскоре приводя к чувству неотложности.
Зимняя тишина предшествует мерцанию клавесина. С этого мерцания начинается "Aether", композиция более всех других на альбоме напоминающая колыбельную. Предночный мотив - со звуком, словно исходящим из музыкальной шкатулки. И в то время как большая часть треков на альбоме музыкально молчит о смерти, "Aether" - обещание, что эта смерть будет безболезненной. Так что и небольшая доля оптимизма есть на "Without Sinking".
На "Unveiled" басовому ключу уделено больше времени, чем на любой другой композиции альбома. И становится приятно слышать, как высокие тона встречается в контрапункте с низкими. По мере того, как композиция развивается, все партии в ней "расширяются" и объединяются, чтобы затем остаться одной лишь виолончелью. На этом альбом завершается.
Хилдюр Гюднадоттир заслуживает похвалы за очень многие аспекты "Without Sinking". Она ставила себя в стороне от своих современников, используя медлительность музыки для создания различных звуковых интенсивностей, которые обычно имеют место в более быстрой музыке. Кроме того, и нам это кажется особенно интересным, треки в альбоме в высшей степени связаны между собой: словно ощущается непрерывный нарратив, несмотря на отсутствие текстов.
(2009, Touch)
modern classical / experimental / cello
Второй сольный альбом Хилдюр Гюднадоттир, исландской виолончелистки, игравшей и записывавшейся с Pan Sonic, Throbbing Gristle и Múm, а также известной по своему проекту Lost in Hildurness.
"Without Sinking" - релиз мрачный, но не обязательно грустный или удручающий. По крайней мере, не всегда. Скорее, он погружает слушателя чуть ли не в бесконечное музыкальное пространство, где возможности постепенно открываются, и музыка становится фантастическим миром. Открывающий трек альбома, "Elevation", начинает выстраивать этот мир cо сустейновыми звуками виолончели. Эта композиция нежно пульсирует, воссоздавая ощущение дыхания и вскоре приводя к чувству неотложности.
Зимняя тишина предшествует мерцанию клавесина. С этого мерцания начинается "Aether", композиция более всех других на альбоме напоминающая колыбельную. Предночный мотив - со звуком, словно исходящим из музыкальной шкатулки. И в то время как большая часть треков на альбоме музыкально молчит о смерти, "Aether" - обещание, что эта смерть будет безболезненной. Так что и небольшая доля оптимизма есть на "Without Sinking".
На "Unveiled" басовому ключу уделено больше времени, чем на любой другой композиции альбома. И становится приятно слышать, как высокие тона встречается в контрапункте с низкими. По мере того, как композиция развивается, все партии в ней "расширяются" и объединяются, чтобы затем остаться одной лишь виолончелью. На этом альбом завершается.
Хилдюр Гюднадоттир заслуживает похвалы за очень многие аспекты "Without Sinking". Она ставила себя в стороне от своих современников, используя медлительность музыки для создания различных звуковых интенсивностей, которые обычно имеют место в более быстрой музыке. Кроме того, и нам это кажется особенно интересным, треки в альбоме в высшей степени связаны между собой: словно ощущается непрерывный нарратив, несмотря на отсутствие текстов.
Valgeir Sigurðsson - Ekvílibríum
(2007, Bedroom Community)
electroacoustic / experimental / icelandic
И снова Исландия! Слушаем дебютный сольный альбом продюсера и композитора Вальгейра Сигурдссона, работавшего с самыми различными музыкантами - от Брайана Ино до The XX.
Вальгейр Сигурдссон уже давно стал известен за пределами родной Исландии. И больше его знают, конечно, в качестве продюсера. Он среди прочих работал с Björk, Sigur Rós, CocoRosie, Bonnie "Prince" Billy, Brian Eno, Feist, The XX. Список более чем внушительный, не столько по количеству, сколько по уровню музыкантов. Помимо этого и продюсировал саундтрек к "Быть Джоном Малковичем" Спайка Джонза. При этом сольных релизов у Сигурдсонна не так много: на данный момент их всего три. Все они, кстати, вышли на собственном лейбле Сигурдссона Bedroom Community, который он организовал вместе с музыкантами Нико Мьюли (Nico Muhly) и Беном Фростом (Ben Frost).
Первая работа Вальгейра Сигурдссона получилась очень разнообразной не только в плане звучания, но и по тому, кого композитор пригласил к сотрудничеству. На "Ekvílibríum" в качестве вокалистов выступают Бонни Принс Билли (к слову, с ним Сигурдссон сотрудничал очень много и плодотворно), Дон Маккарти (Dawn McCarthy) из психоделик-фолк группы Faun Fables и Джеймс Уолкер, более известный по сценическому псевдониму Machine Translations. Кроме них в записи принял участие уже упоминавшийся Нико Мьюли, сыгравший на различных клавишных инструментах и барабанщик Samuli Kosminen из исландской группы múm.
Получился альбом на стыке электроники, акустики, фолка, местами и эмбиента ("Equilibrium is Restored"). Всё это в сочетании звучит очень органично. И в этой органичности звучания, текстурности звуковых слоев и их превосходном сведении и видится уникальный продюсерский талант Сигурдссона. Треки с вокалом и без чередуются, как бы расширяя пространство альбома. Более того, на нём очень тонко передано чувство равновесия. "Equilibrium" - это ощущение оторванности от земли, первозданной грусти и вместе с тем красоты.
(2007, Bedroom Community)
electroacoustic / experimental / icelandic
И снова Исландия! Слушаем дебютный сольный альбом продюсера и композитора Вальгейра Сигурдссона, работавшего с самыми различными музыкантами - от Брайана Ино до The XX.
Вальгейр Сигурдссон уже давно стал известен за пределами родной Исландии. И больше его знают, конечно, в качестве продюсера. Он среди прочих работал с Björk, Sigur Rós, CocoRosie, Bonnie "Prince" Billy, Brian Eno, Feist, The XX. Список более чем внушительный, не столько по количеству, сколько по уровню музыкантов. Помимо этого и продюсировал саундтрек к "Быть Джоном Малковичем" Спайка Джонза. При этом сольных релизов у Сигурдсонна не так много: на данный момент их всего три. Все они, кстати, вышли на собственном лейбле Сигурдссона Bedroom Community, который он организовал вместе с музыкантами Нико Мьюли (Nico Muhly) и Беном Фростом (Ben Frost).
Первая работа Вальгейра Сигурдссона получилась очень разнообразной не только в плане звучания, но и по тому, кого композитор пригласил к сотрудничеству. На "Ekvílibríum" в качестве вокалистов выступают Бонни Принс Билли (к слову, с ним Сигурдссон сотрудничал очень много и плодотворно), Дон Маккарти (Dawn McCarthy) из психоделик-фолк группы Faun Fables и Джеймс Уолкер, более известный по сценическому псевдониму Machine Translations. Кроме них в записи принял участие уже упоминавшийся Нико Мьюли, сыгравший на различных клавишных инструментах и барабанщик Samuli Kosminen из исландской группы múm.
Получился альбом на стыке электроники, акустики, фолка, местами и эмбиента ("Equilibrium is Restored"). Всё это в сочетании звучит очень органично. И в этой органичности звучания, текстурности звуковых слоев и их превосходном сведении и видится уникальный продюсерский талант Сигурдссона. Треки с вокалом и без чередуются, как бы расширяя пространство альбома. Более того, на нём очень тонко передано чувство равновесия. "Equilibrium" - это ощущение оторванности от земли, первозданной грусти и вместе с тем красоты.
Esperanza Spalding - Exposure
(2017, Concord Records)
contemporary jazz / improv / jazz performance
Слушаем прошлогодний релиз одной из лучших джазовых вокалисток и бас-гитаристок Эсперансы Сполдинг. Альбом, придуманный записанный за 77 часов студийного перформанса в Лос-Анджелесе.
"Exposure" - релиз, про который интересно рассказывать почти в той же степени, в какой интересно его слушать. Это в своём роде альбом-эксперимент, альбом-вызов Сполдинг самой себе. Для многих имя Эсперансы говорит само за себя: она стала эталоном хорошего современного джаза не только для ценителей, но и для широкой публики, о чём можно судить хотя бы по четырём выигранным Грэмми. Поэтому вдвойне интересно, когда музыканты такого уровня идут на эксперименты.
"Exposure" трудно назвать традиционным альбомом, однако именно в нём воплотился, пожалуй, один из важнейших для джаза элементов - импровизация. Это наполовину перфоманс, наполовину студийный марафон: весь альбом был придуман, записан, аранжирован за 77 часов непрерывной работы в студии, которая вдобавок ко всему стримилась в Facebook Live. В творческом процессе, помимо самой Сполдинг, участвовали также певица Лала Хатауэй (Lalah Hathaway), не нуждающийся в представлении Роберт Глеспер (Robert Glasper) за клавишами и скрипач и певец Эндрю Бёрд (Andrew Bird). Зрители трансляции могли проследить, как создавался этот альбом от начала до конца, включая перерывы на еду, отдых и даже на сон. "Когда ты понимаешь, что всё, что ты делаешь - это лайв, ты не можешь останавливаться. Это ощущение открывает новый, более глубокий источник творческой энергии, который недоступен, когда ты знаешь, что завтра можешь попытаться ещё раз", - так описала этот процесс сама Сполдинг.
Альбом включает два диска. "Exposure" - непосредственный плод 77-часовой работы. Прекрасные джазовые композиции, много клавишных, гитары, баса, скрипок и вокальных переливов (женских, мужских, а иногда и совместных, как, например, на диалогичной "The Ways You Got the Love"). И второй диск "Undeveloped" включает записи репетиций и всего того, что не вошло на основную пластинку. Это скорее документальная запись.
Конечно, такая предыстория подогревает интерес к альбому. Стоит ещё добавить, что альбом вышел тиражом 7777 копий, которые были полностью раскуплены еще до того, как закончился лайв-стрим. И вообще-то по задумке Сполдинг этот альбом никогда не должен был появиться в сети. В эпоху дигитализованной общедоступной музыки почти что бунтарский шаг. Бунтарский, но не самый реализуемый, учитывая, что сегодня мы с вами можем послушать "Exposure", несмотря на то, что мы не из 7777 счастливчиков с записью.
(2017, Concord Records)
contemporary jazz / improv / jazz performance
Слушаем прошлогодний релиз одной из лучших джазовых вокалисток и бас-гитаристок Эсперансы Сполдинг. Альбом, придуманный записанный за 77 часов студийного перформанса в Лос-Анджелесе.
"Exposure" - релиз, про который интересно рассказывать почти в той же степени, в какой интересно его слушать. Это в своём роде альбом-эксперимент, альбом-вызов Сполдинг самой себе. Для многих имя Эсперансы говорит само за себя: она стала эталоном хорошего современного джаза не только для ценителей, но и для широкой публики, о чём можно судить хотя бы по четырём выигранным Грэмми. Поэтому вдвойне интересно, когда музыканты такого уровня идут на эксперименты.
"Exposure" трудно назвать традиционным альбомом, однако именно в нём воплотился, пожалуй, один из важнейших для джаза элементов - импровизация. Это наполовину перфоманс, наполовину студийный марафон: весь альбом был придуман, записан, аранжирован за 77 часов непрерывной работы в студии, которая вдобавок ко всему стримилась в Facebook Live. В творческом процессе, помимо самой Сполдинг, участвовали также певица Лала Хатауэй (Lalah Hathaway), не нуждающийся в представлении Роберт Глеспер (Robert Glasper) за клавишами и скрипач и певец Эндрю Бёрд (Andrew Bird). Зрители трансляции могли проследить, как создавался этот альбом от начала до конца, включая перерывы на еду, отдых и даже на сон. "Когда ты понимаешь, что всё, что ты делаешь - это лайв, ты не можешь останавливаться. Это ощущение открывает новый, более глубокий источник творческой энергии, который недоступен, когда ты знаешь, что завтра можешь попытаться ещё раз", - так описала этот процесс сама Сполдинг.
Альбом включает два диска. "Exposure" - непосредственный плод 77-часовой работы. Прекрасные джазовые композиции, много клавишных, гитары, баса, скрипок и вокальных переливов (женских, мужских, а иногда и совместных, как, например, на диалогичной "The Ways You Got the Love"). И второй диск "Undeveloped" включает записи репетиций и всего того, что не вошло на основную пластинку. Это скорее документальная запись.
Конечно, такая предыстория подогревает интерес к альбому. Стоит ещё добавить, что альбом вышел тиражом 7777 копий, которые были полностью раскуплены еще до того, как закончился лайв-стрим. И вообще-то по задумке Сполдинг этот альбом никогда не должен был появиться в сети. В эпоху дигитализованной общедоступной музыки почти что бунтарский шаг. Бунтарский, но не самый реализуемый, учитывая, что сегодня мы с вами можем послушать "Exposure", несмотря на то, что мы не из 7777 счастливчиков с записью.
C-Schulz & Hajsch - C-Schulz & Hajsch
(2000, Sonig)
ambient / field recordings / soundscape
Сегодня слушаем результаты того самого кёльнского экспериментирования, которым этот немецкий город славится среди многих любителей нетривиальной и авангардной музыки.
Карстен Шульц и Ганс-Юрген Шунк - одни из ключевых фигур на кёльнской сцене, которая для тех, кто непосредственно с ней не знаком, обычно сконцентрирована на A-Musik. Они старались держаться в тени и назвать их преуспевающими можно с трудом, но их влияние настолько велико, что имена музыкантов знакомы даже тем, кто не слышал их музыку. Оба играли в культовой кёльнской импровизационной группе Kontakta, вместе с Моникой Вестфаль, которая также приняла участие в записи этого релиза. Возможно более известные по участию в ремикс-альбоме "Reprovisers" группы Microstoria они прежде не делали совместных альбомов, но у обоих есть сольные пластинки на лейблах Entenpfuhl, Extreme и Quiet Artwork, соответственно.
На первый взгляд, треки на 'C-Schulz & Hajsch' - лишь коллажи, составленные из полевых записей, не-музыкальных звуков и акустических инструментов: преимущественно фисгармония и орган, но также и рог, флейта, кларнет, а иногда даже и гитара с фортепиано. Такой вот редуцированный набор музыкальных параметров. Оказывается, инструменты в итоге становятся довольно узнаваемыми. И мы не видим явных попыток скрыть различные источники звука. Вам может показаться, что ничего особенного, однако прислушайтесь. "C-Schulz and Hajsch" действует как нечто вроде компаса самих музыкантов. Компас, в соответствии с правилами его создателей, проводит слушателя через звуковой ландшафт, который сперва кажется знакомым... Но затем на каждом шагу раскрывает удивительную морфологию альбома.
И по мере того как завершается последний трек, он оставляет слушателя и после концовки настроенным на атмосферу альбома. А также позволяет своего рода внешней коде возникнуть из окружающей "тишины": ветер, бьющийся об окна, голоса людей из соседней комнаты и т.д. Вслушайтесь.
(2000, Sonig)
ambient / field recordings / soundscape
Сегодня слушаем результаты того самого кёльнского экспериментирования, которым этот немецкий город славится среди многих любителей нетривиальной и авангардной музыки.
Карстен Шульц и Ганс-Юрген Шунк - одни из ключевых фигур на кёльнской сцене, которая для тех, кто непосредственно с ней не знаком, обычно сконцентрирована на A-Musik. Они старались держаться в тени и назвать их преуспевающими можно с трудом, но их влияние настолько велико, что имена музыкантов знакомы даже тем, кто не слышал их музыку. Оба играли в культовой кёльнской импровизационной группе Kontakta, вместе с Моникой Вестфаль, которая также приняла участие в записи этого релиза. Возможно более известные по участию в ремикс-альбоме "Reprovisers" группы Microstoria они прежде не делали совместных альбомов, но у обоих есть сольные пластинки на лейблах Entenpfuhl, Extreme и Quiet Artwork, соответственно.
На первый взгляд, треки на 'C-Schulz & Hajsch' - лишь коллажи, составленные из полевых записей, не-музыкальных звуков и акустических инструментов: преимущественно фисгармония и орган, но также и рог, флейта, кларнет, а иногда даже и гитара с фортепиано. Такой вот редуцированный набор музыкальных параметров. Оказывается, инструменты в итоге становятся довольно узнаваемыми. И мы не видим явных попыток скрыть различные источники звука. Вам может показаться, что ничего особенного, однако прислушайтесь. "C-Schulz and Hajsch" действует как нечто вроде компаса самих музыкантов. Компас, в соответствии с правилами его создателей, проводит слушателя через звуковой ландшафт, который сперва кажется знакомым... Но затем на каждом шагу раскрывает удивительную морфологию альбома.
И по мере того как завершается последний трек, он оставляет слушателя и после концовки настроенным на атмосферу альбома. А также позволяет своего рода внешней коде возникнуть из окружающей "тишины": ветер, бьющийся об окна, голоса людей из соседней комнаты и т.д. Вслушайтесь.
The West Coast Pop Art Experimental Band - Part One
(1967, Reprise)
psychedelic rock / 60s
Первая полноценная пластинка группы психоделических безумцев из Калифорнии, группы с весьма необычной историей, группы почему-то не сыскавшей крупного успеха в своё время.
"Part One", будучи первым релизом группы на лейбле "Reprise", многими считается квинтэссенцией их творчества. Виной тому во многом является тот факт, что альбом был самым песенно-ориентированным во всей дискографии коллектива. И в то же самое время он был чрезвычайно странным - почти что на уровне "стилистической шизофрении". Однако когда ты углубляешься в его прослушивание, большая часть пластинки на проверку оказывается вполне привязчивыми поп-песнями длительностью 2-3 минуты. В те времена WCPAEB звучали довольно обычно - вполне талантливые и похожие на Byrds фолк-рокеры ("Transparent Day" и "Here's Where You Belong"). Или в некоторых моментах, как гаражная группа, близкая по звучанию к Kinks ("If You Want This Love"). А иногда даже можно услышать что-то ("Will You Walk With Me") близкое к барокко-попу. К слову, финальную песню ("High Coin") альбома сочинил и вовсе Ван Дайк Паркс.
Конечно, на альбоме не обходится без странной тревожности, а иногда и паранойи, хотя и место эта тревожность находит себе в приятных мелодиях. Как, например, на "Shifting Sands" с шипящими перегруженными гитарами; или на "I Won't Hurt You" с её басом-сердцебиением и отдалённым вокалом; и, наконец, "Leiyla", где в юношеский гаражный рок внезапно вторгается диалог, взятый откуда-то вроде вампирского фильма категории Б.
Завершить наш небольшой обзор мы хотим, акцентировав внимание на кавере на Фрэнка Заппу ("Help, I'm a Rock"), который всё-таки говорит о доле прикольной фриковости в музыке группы. А продолжает эту линию "1906", которая смахивает на саундтрек к кислотному бэд-трипу, с повторяющимся рефреном "I don't feel well". В общем, WCPAEB - однозначный must-listen для любителей психоделии. "Утерянная классика" психоделического рока.
(1967, Reprise)
psychedelic rock / 60s
Первая полноценная пластинка группы психоделических безумцев из Калифорнии, группы с весьма необычной историей, группы почему-то не сыскавшей крупного успеха в своё время.
"Part One", будучи первым релизом группы на лейбле "Reprise", многими считается квинтэссенцией их творчества. Виной тому во многом является тот факт, что альбом был самым песенно-ориентированным во всей дискографии коллектива. И в то же самое время он был чрезвычайно странным - почти что на уровне "стилистической шизофрении". Однако когда ты углубляешься в его прослушивание, большая часть пластинки на проверку оказывается вполне привязчивыми поп-песнями длительностью 2-3 минуты. В те времена WCPAEB звучали довольно обычно - вполне талантливые и похожие на Byrds фолк-рокеры ("Transparent Day" и "Here's Where You Belong"). Или в некоторых моментах, как гаражная группа, близкая по звучанию к Kinks ("If You Want This Love"). А иногда даже можно услышать что-то ("Will You Walk With Me") близкое к барокко-попу. К слову, финальную песню ("High Coin") альбома сочинил и вовсе Ван Дайк Паркс.
Конечно, на альбоме не обходится без странной тревожности, а иногда и паранойи, хотя и место эта тревожность находит себе в приятных мелодиях. Как, например, на "Shifting Sands" с шипящими перегруженными гитарами; или на "I Won't Hurt You" с её басом-сердцебиением и отдалённым вокалом; и, наконец, "Leiyla", где в юношеский гаражный рок внезапно вторгается диалог, взятый откуда-то вроде вампирского фильма категории Б.
Завершить наш небольшой обзор мы хотим, акцентировав внимание на кавере на Фрэнка Заппу ("Help, I'm a Rock"), который всё-таки говорит о доле прикольной фриковости в музыке группы. А продолжает эту линию "1906", которая смахивает на саундтрек к кислотному бэд-трипу, с повторяющимся рефреном "I don't feel well". В общем, WCPAEB - однозначный must-listen для любителей психоделии. "Утерянная классика" психоделического рока.