Gong - You
(1974, Virgin)
progressive rock / psychedelic rock
Сегодня мы завершаем разговор о трилогии “Radio Gnome Invisible”, слушая заключительный в ней альбом “You”. Пластинка попала в топ-50 прог-роковых альбомов*, и вообще является одним из наиболее ярких релизов Gong.
С музыкальной точки зрения “You” стал логичным продолжением двух предыдущих релизов в трилогии. Альбом состоит преимущественно из длительных инструментальных джемов и коротких композиций, непосредственно рассказывающих саму историю трилогии, о которой ещё будет написано ниже. Нужно сказать, что в записи этого альбома особо важной стала роль гитариста группы Стивена Хиллэджа (Stephen Hillage), который на “You” стал центральным музыкантом. А вот для Дэвида Аллена этот альбом стал на долгое время последним, вплоть до его возвращения в группу в 1992-м году.
Что же представляет собой история, на которой строится трилогия “Radio Gnome Invisible” и вся мифология Gong в целом? Основным её персонаж является герой Зиро (Zero the Hero), с которым приключаются различные психоделические приключения. На первых двух альбомах трилогии основной сюжетной линией является то, как Зиро, начинающий видеть психоделические видения с космическими образами, с помощью кошки (которая оказывается ведьмой) в итоге попадает в открытый космос. Затем он отправляется на планету Гонг и проводит время с местной проституткой, которая знакомит его с богиней Луны - Селеной. Пожалуй, этих строк уже должно быть достаточно, чтобы вы смогли оценить уровень абсурда и психоделии в этой истории.
Во время своих космических странствий Зиро встретит самых разных персонажей - богов, инопланетян и так далее. Он также попадёт в Невидимый Храм Гонг (One Invisible Temple of Gong). Но полную историю лучше всё же заценить самому/самой, для полного погружения в оголтелую психоделию музыки Gong. Наконец, на этом альбоме Зиро в итоге попадает в навеянный буддизмом круговорот перерождений, из которого он не может выбраться. История оказывается одновременно угарной и жутковатой. Словом, то, что как раз и нужно для музыки Gong.
* По версии журнала Rolling Stone.
(1974, Virgin)
progressive rock / psychedelic rock
Сегодня мы завершаем разговор о трилогии “Radio Gnome Invisible”, слушая заключительный в ней альбом “You”. Пластинка попала в топ-50 прог-роковых альбомов*, и вообще является одним из наиболее ярких релизов Gong.
С музыкальной точки зрения “You” стал логичным продолжением двух предыдущих релизов в трилогии. Альбом состоит преимущественно из длительных инструментальных джемов и коротких композиций, непосредственно рассказывающих саму историю трилогии, о которой ещё будет написано ниже. Нужно сказать, что в записи этого альбома особо важной стала роль гитариста группы Стивена Хиллэджа (Stephen Hillage), который на “You” стал центральным музыкантом. А вот для Дэвида Аллена этот альбом стал на долгое время последним, вплоть до его возвращения в группу в 1992-м году.
Что же представляет собой история, на которой строится трилогия “Radio Gnome Invisible” и вся мифология Gong в целом? Основным её персонаж является герой Зиро (Zero the Hero), с которым приключаются различные психоделические приключения. На первых двух альбомах трилогии основной сюжетной линией является то, как Зиро, начинающий видеть психоделические видения с космическими образами, с помощью кошки (которая оказывается ведьмой) в итоге попадает в открытый космос. Затем он отправляется на планету Гонг и проводит время с местной проституткой, которая знакомит его с богиней Луны - Селеной. Пожалуй, этих строк уже должно быть достаточно, чтобы вы смогли оценить уровень абсурда и психоделии в этой истории.
Во время своих космических странствий Зиро встретит самых разных персонажей - богов, инопланетян и так далее. Он также попадёт в Невидимый Храм Гонг (One Invisible Temple of Gong). Но полную историю лучше всё же заценить самому/самой, для полного погружения в оголтелую психоделию музыки Gong. Наконец, на этом альбоме Зиро в итоге попадает в навеянный буддизмом круговорот перерождений, из которого он не может выбраться. История оказывается одновременно угарной и жутковатой. Словом, то, что как раз и нужно для музыки Gong.
* По версии журнала Rolling Stone.
Humcrush - Rest At Worlds End
(2008, Rune Grammofon)
free jazz / future jazz / abstract
Слушаем третий альбом норвежского дуэта Humcrush, на котором музыканты исследуют возможности скрещивания джаза и электроники и погружаются в разнообразие звуковых ландшафтов.
Humcrush - это перкуссионист и электронщик Томас Стрёнен (Thomas Strønen) и клавишник Столе Сторлёккен (Ståle Storløkken). Они довольно известны в мире джазовой музыки, по крайней мере на норвежской сцене. Ståle Storløkken кто-то может знать по его участию в группах Supersilent, BigBang или Elephant9, а Томаса по проектам Food и внушительному списку коллобараций. Вместе они с 2004 года создают музыку на стыке джаза и электроники, которую, откровенно говоря, нельзя считать ни тем, ни другим. Домашним лейблом дуэта считается Rune Grammofon, норвежский лейбл для экспериментальной электронной музыки и джаза, на котором, кстати, выходили некоторые альбомы Biosphere, Susanna and the Magical Orchestra, Arve Henriksen и Jenny Hval.
Да, музыку Humcrush можно считать своего рода футуристическим джазом, где перкуссия смешивается с электроникой, местами переходит в нойз, кое-где уступает место мелодии. Получается одновременно очень современно, но вместе с тем оригинально. Большинство композиций на “Rest At Worlds End” представляют собой музыкальные миниатюры, которые, несмотря на свою импровизационную природу, сочетаются друг с другом очень гармонично, если не логично. Все треки на “Rest At Worlds End” были записаны вживую на нескольких европейских концертах Humcrush. В это сложно поверить из-за очень хорошего, чистого звука на записи и нетипичной для концертной атмосферы тишины.
“Rest At Worlds End” получился абстрактным, относительно нойзовым и звучит по-хорошему грубовато. О жанрах в случае с Humcrush говорить трудно. По-джазовому импровизационный по своей природе альбом может биться в конвульсиях абстрактного нойза или опускаться в недра эмбиента, а местами напоминать даже глитч-техно. При всём этом альбом остаётся уникальным и самобытным, по-северному мрачноватым и экспериментальным.
(2008, Rune Grammofon)
free jazz / future jazz / abstract
Слушаем третий альбом норвежского дуэта Humcrush, на котором музыканты исследуют возможности скрещивания джаза и электроники и погружаются в разнообразие звуковых ландшафтов.
Humcrush - это перкуссионист и электронщик Томас Стрёнен (Thomas Strønen) и клавишник Столе Сторлёккен (Ståle Storløkken). Они довольно известны в мире джазовой музыки, по крайней мере на норвежской сцене. Ståle Storløkken кто-то может знать по его участию в группах Supersilent, BigBang или Elephant9, а Томаса по проектам Food и внушительному списку коллобараций. Вместе они с 2004 года создают музыку на стыке джаза и электроники, которую, откровенно говоря, нельзя считать ни тем, ни другим. Домашним лейблом дуэта считается Rune Grammofon, норвежский лейбл для экспериментальной электронной музыки и джаза, на котором, кстати, выходили некоторые альбомы Biosphere, Susanna and the Magical Orchestra, Arve Henriksen и Jenny Hval.
Да, музыку Humcrush можно считать своего рода футуристическим джазом, где перкуссия смешивается с электроникой, местами переходит в нойз, кое-где уступает место мелодии. Получается одновременно очень современно, но вместе с тем оригинально. Большинство композиций на “Rest At Worlds End” представляют собой музыкальные миниатюры, которые, несмотря на свою импровизационную природу, сочетаются друг с другом очень гармонично, если не логично. Все треки на “Rest At Worlds End” были записаны вживую на нескольких европейских концертах Humcrush. В это сложно поверить из-за очень хорошего, чистого звука на записи и нетипичной для концертной атмосферы тишины.
“Rest At Worlds End” получился абстрактным, относительно нойзовым и звучит по-хорошему грубовато. О жанрах в случае с Humcrush говорить трудно. По-джазовому импровизационный по своей природе альбом может биться в конвульсиях абстрактного нойза или опускаться в недра эмбиента, а местами напоминать даже глитч-техно. При всём этом альбом остаётся уникальным и самобытным, по-северному мрачноватым и экспериментальным.
Milford Graves - Meditation Among Us
(1977, Kitty)
free jazz / avant-jazz
Сегодня послушаем одну из интереснейших фри-джазовых пластинок 70-х годов. Альбом 1977-го года авангардного джазмена Милфорда Грейвса, который кажется нам наиболее интересным в его дискографии.
Милфорд Грейвс - американский джазовый барабанщик и перкуссионист, известный во многом из-за своего вклада в развитие авангардного джаза в 60-х, когда он играл с квартетом New York Art Quartet. Более того, иногда Грейвса даже считают одним из пионеров фри-джаза благодаря тому, что он освободил джазовую перкуссию от её ритмической функции. Грейвс также известен игрой и сотрудничеством с такими мэтрами джаза, как Pharoah Sanders, Albert Ayler, Kenny Clarke и многими другими, включая, например, Джона Зорна. Помимо этого, Грейвс известен своей преподавательской деятельностью и исследованиями того, как музыка влияет на человеческий организм.
Пластинка “Meditation Among Us” стала результатом совместной работы Милфорда Грейвса с японским джазовым квартетом, который включал в себя трубача Тошинори Кондо (Toshinori Kondo), саксофониста Каору Абе (Kaoru Abe), барабанщика и пианиста Тоши Тсучитори (Toshi Tsuchitori) и басиста Мотохару Йошизава (Motoharu Yoshizawa). На альбоме всего два (зато каких) трека; авторство принадлежит Грейвсу. Хотя, судя по звучанию треков, они представляют собой самые настоящие фри-джазовые импровизации.
Постоянная интенсивность подачи - за это мы особенно любим “Meditation Among Us”. Но не только за это. Тональная импровизация, высокая скорость игры и неожиданные музыкальные решения - здесь есть всё это. И, несмотря на то, что на альбоме уместилось всего два трека, на каждом из них музыкантам удивительным образом удалось продемонстрировать, насколько разным может быть фри-джаз в рамках одной пластики.
(1977, Kitty)
free jazz / avant-jazz
Сегодня послушаем одну из интереснейших фри-джазовых пластинок 70-х годов. Альбом 1977-го года авангардного джазмена Милфорда Грейвса, который кажется нам наиболее интересным в его дискографии.
Милфорд Грейвс - американский джазовый барабанщик и перкуссионист, известный во многом из-за своего вклада в развитие авангардного джаза в 60-х, когда он играл с квартетом New York Art Quartet. Более того, иногда Грейвса даже считают одним из пионеров фри-джаза благодаря тому, что он освободил джазовую перкуссию от её ритмической функции. Грейвс также известен игрой и сотрудничеством с такими мэтрами джаза, как Pharoah Sanders, Albert Ayler, Kenny Clarke и многими другими, включая, например, Джона Зорна. Помимо этого, Грейвс известен своей преподавательской деятельностью и исследованиями того, как музыка влияет на человеческий организм.
Пластинка “Meditation Among Us” стала результатом совместной работы Милфорда Грейвса с японским джазовым квартетом, который включал в себя трубача Тошинори Кондо (Toshinori Kondo), саксофониста Каору Абе (Kaoru Abe), барабанщика и пианиста Тоши Тсучитори (Toshi Tsuchitori) и басиста Мотохару Йошизава (Motoharu Yoshizawa). На альбоме всего два (зато каких) трека; авторство принадлежит Грейвсу. Хотя, судя по звучанию треков, они представляют собой самые настоящие фри-джазовые импровизации.
Постоянная интенсивность подачи - за это мы особенно любим “Meditation Among Us”. Но не только за это. Тональная импровизация, высокая скорость игры и неожиданные музыкальные решения - здесь есть всё это. И, несмотря на то, что на альбоме уместилось всего два трека, на каждом из них музыкантам удивительным образом удалось продемонстрировать, насколько разным может быть фри-джаз в рамках одной пластики.
Solefald - Neonism
(1999, Avantgarde Music)
avant-garde metal / post-black metal
Мы не так часто выкладываем тяжёлую музыку, но мимо такой группы пройти не смогли. Слушаем второй альбом норвежской авангардной блэк-группы Solefald, на котором этот стиль обрёл совершенно новое звучание.
Название у группы очень поэтичное, если разобраться, что к чему. Спойлер: в норвежском словаре вы такого слова не найдёте, оно взято из старонорвежского языка и дословно переводится как "падение солнца". А вообще название отсылает к картинам "Soleglad" и "Solefald" норвежского художника Теодора Киттельсена (Theodor Kittelsen), который писал отчуждённые северные пейзажи, где из дремучих лесов то и дело показывались всякие мифические существа. Его картины вообще очень нравятся блэк-металистам, у Варга и группы Carpathian Forest, например, есть несколько альбомов с обложками - картинами Киттельсена.
"Падение солнца" отражает закольцованность бытия, а эта идея хорошо подходит нашей группе", - говорил в одном интервью Lazare Nedland, вокалист, клавишник и барабанщик группы. С ним играет Cornelius Jakhelln, вокалист, гитарист и басист дуэта. Музыканты начали в середине 90-ых, и уже с выходом первого демо заявили о себе как о группе, которая готова ломать каноны привычного блэк-метала. Лучше всего, пожалуй, им это удалось на втором студийном альбоме "Neonism", который одновременно окрестили позором для блэк-метала или прорывом для него же.
И справедливости ради, замешательство тех, кто услышал эту пластинку в 1999 вполне можно понять. Чем больше слушаешь её, тем больше сомневаешься: "А это точно блэк-метал?" Электронные биты время от времени, эмоциональный споукен-ворд на политические/социальные темы (особое внимание уделяется современной массовой культуре), иногда даже напоминающий рэп, шёпот, скрим. Две вокальные линии Корнелиуса и Ларса, очень эффектно дополняющие друг друга и смешение английского и французского языков добавляют ещё больше нестандартности альбому.
Звучит всё это очень необычно, и определенно впечатляет. В итоге у музыкантов получилось "выдающееся нечто" из смешения типичных для блэк-метала вокальных пассажей, карданной зубодробилки, чистого экспериментализма и нетривиальной лирики.
(1999, Avantgarde Music)
avant-garde metal / post-black metal
Мы не так часто выкладываем тяжёлую музыку, но мимо такой группы пройти не смогли. Слушаем второй альбом норвежской авангардной блэк-группы Solefald, на котором этот стиль обрёл совершенно новое звучание.
Название у группы очень поэтичное, если разобраться, что к чему. Спойлер: в норвежском словаре вы такого слова не найдёте, оно взято из старонорвежского языка и дословно переводится как "падение солнца". А вообще название отсылает к картинам "Soleglad" и "Solefald" норвежского художника Теодора Киттельсена (Theodor Kittelsen), который писал отчуждённые северные пейзажи, где из дремучих лесов то и дело показывались всякие мифические существа. Его картины вообще очень нравятся блэк-металистам, у Варга и группы Carpathian Forest, например, есть несколько альбомов с обложками - картинами Киттельсена.
"Падение солнца" отражает закольцованность бытия, а эта идея хорошо подходит нашей группе", - говорил в одном интервью Lazare Nedland, вокалист, клавишник и барабанщик группы. С ним играет Cornelius Jakhelln, вокалист, гитарист и басист дуэта. Музыканты начали в середине 90-ых, и уже с выходом первого демо заявили о себе как о группе, которая готова ломать каноны привычного блэк-метала. Лучше всего, пожалуй, им это удалось на втором студийном альбоме "Neonism", который одновременно окрестили позором для блэк-метала или прорывом для него же.
И справедливости ради, замешательство тех, кто услышал эту пластинку в 1999 вполне можно понять. Чем больше слушаешь её, тем больше сомневаешься: "А это точно блэк-метал?" Электронные биты время от времени, эмоциональный споукен-ворд на политические/социальные темы (особое внимание уделяется современной массовой культуре), иногда даже напоминающий рэп, шёпот, скрим. Две вокальные линии Корнелиуса и Ларса, очень эффектно дополняющие друг друга и смешение английского и французского языков добавляют ещё больше нестандартности альбому.
Звучит всё это очень необычно, и определенно впечатляет. В итоге у музыкантов получилось "выдающееся нечто" из смешения типичных для блэк-метала вокальных пассажей, карданной зубодробилки, чистого экспериментализма и нетривиальной лирики.
Svitlana Nianio - Lisova Kolekciya
(2017, Skire)
avant-folk / minimal
Сегодня слушаем альбом украинской авант-фолкерши Світланы Няньо, записанный в 1995 году, и изданный тиражом в 300 кассет, а спустя 22 года переизданный британским независимым лейблом Skire.
Расцвет творческой деятельности Светланы Охрименко (Світлана Охріменко) пришёлся на 90-ые годы. В это время, в украинской и польской, андеграундных сценах, она стала известна в первую очередь как вокалистка и клавишница авангардной группы Цукор біла смерть. Чтобы пояснить, что это была за группа, в данном контексте достаточно будет сказать, что на них одновременно повлияла этническая музыка, неоготический дарквейв, эксперименты Сергея Курёхина и движение Rock In Opposition. Но, помимо участия в группе, в этот период Светлана принимала участие в различных сайд-проектах и записывала музыку сольно. А в 1999 году вышел её opus magnum, альбом “Kytytsi” на польском лейбле Koka Records.
“Лесная коллекция”, альбом, который мы слушаем сейчас, был записан Светланой в скромных условиях, в простой домашней студии в 1995 году в Киеве, совместно с Александром Юрченко и Константином Назаренко. В меньшей степени фолковый, чем “Kytytsi”, альбом опирается одновременно на современную экспериментальную композицию и традиционную славянскую музыку.
На этом альбоме в каком-то смысле всё до ужаса просто. И тем интереснее и удивительнее становится опыт его прослушивания, чем больше ты это понимаешь. Среди инструментов, использованных при записи, - клавиши Casio, какая-то электроника и, разумеется, голос, гипнотический и влекущий за собой. Кавер для “Лесной коллекции” Светлана создавала сама. Вот так и рождаются поистине увлекательные релизы, чтобы совсем не скоро, спустя более чем 20 лет, стать доступными мировой публике.
(2017, Skire)
avant-folk / minimal
Сегодня слушаем альбом украинской авант-фолкерши Світланы Няньо, записанный в 1995 году, и изданный тиражом в 300 кассет, а спустя 22 года переизданный британским независимым лейблом Skire.
Расцвет творческой деятельности Светланы Охрименко (Світлана Охріменко) пришёлся на 90-ые годы. В это время, в украинской и польской, андеграундных сценах, она стала известна в первую очередь как вокалистка и клавишница авангардной группы Цукор біла смерть. Чтобы пояснить, что это была за группа, в данном контексте достаточно будет сказать, что на них одновременно повлияла этническая музыка, неоготический дарквейв, эксперименты Сергея Курёхина и движение Rock In Opposition. Но, помимо участия в группе, в этот период Светлана принимала участие в различных сайд-проектах и записывала музыку сольно. А в 1999 году вышел её opus magnum, альбом “Kytytsi” на польском лейбле Koka Records.
“Лесная коллекция”, альбом, который мы слушаем сейчас, был записан Светланой в скромных условиях, в простой домашней студии в 1995 году в Киеве, совместно с Александром Юрченко и Константином Назаренко. В меньшей степени фолковый, чем “Kytytsi”, альбом опирается одновременно на современную экспериментальную композицию и традиционную славянскую музыку.
На этом альбоме в каком-то смысле всё до ужаса просто. И тем интереснее и удивительнее становится опыт его прослушивания, чем больше ты это понимаешь. Среди инструментов, использованных при записи, - клавиши Casio, какая-то электроника и, разумеется, голос, гипнотический и влекущий за собой. Кавер для “Лесной коллекции” Светлана создавала сама. Вот так и рождаются поистине увлекательные релизы, чтобы совсем не скоро, спустя более чем 20 лет, стать доступными мировой публике.
Ought - Room Inside The World
(2018, Merge)
indie rock / art rock / post-punk
Мы не смогли пройти мимо нового альбома Ought, про предыдущий релиз которых не так давно писали. На наш взгляд, получилось более мрачно и менее динамично, но тем не менее весьма круто.
Если вам интересно узнать про участников группы и про то, как вообще у Ought всё начиналось, мы оставим внизу ссылку на пост, где писали про их предыдущий альбом "Sun Coming Down". А если вы вдруг его не слушали, очень советуем. На "Room Inside the World" группа работала с продюсером Николя Верне (Nicolas Vernhes), который известен по сотрудничеству, например, с Animal Collective, Deerhunter, Wild Nothing и Silver Jews.
Абстрактная обложка пастельных тонов очень хорошо отражает текстуру звучания "Room Inside the World". Этот альбом получился более размеренным и рассеянным и гораздо менее резким и напористым. Однако никаких кардинальных изменений на "Room Inside The World" вы не услышите. Ought остались верны намеченному прежде пути, но расширили звуковую палитру и качественнее проработали звук. Теперь их пост-панк стал звучать ещё более нетипично. Здесь появилось место для вибрафона, саксофона, кларнета, хора или длинных дроуновых проигрышей как, например, в "Alice" (которая, кстати, посвящена не кому-нибудь, а Элис Колтрейн). Благодаря всем этом преображениям альбом звучит более приглушённо и при этом более выразительно.
Ought всегда выделялись на фоне других инди и пост-панк групп благодаря очень поэтичной и образной лирике Тима Дарси. На "Room Inside The World" в ней появилось больше социального подтекста, а от этого она стала чуть более мрачной. Вроде "Well here's some liberation, you can order it online / Disaffection is holy / It makes me feel alive" (Disaffection) или на "Pieces Wasted" и "Disgraced in America". Конечно, никуда не ушли из лирики Дарси мотивы одиночества и образ человека пытающегося как-то удержаться в этом нестабильном мире.
(2018, Merge)
indie rock / art rock / post-punk
Мы не смогли пройти мимо нового альбома Ought, про предыдущий релиз которых не так давно писали. На наш взгляд, получилось более мрачно и менее динамично, но тем не менее весьма круто.
Если вам интересно узнать про участников группы и про то, как вообще у Ought всё начиналось, мы оставим внизу ссылку на пост, где писали про их предыдущий альбом "Sun Coming Down". А если вы вдруг его не слушали, очень советуем. На "Room Inside the World" группа работала с продюсером Николя Верне (Nicolas Vernhes), который известен по сотрудничеству, например, с Animal Collective, Deerhunter, Wild Nothing и Silver Jews.
Абстрактная обложка пастельных тонов очень хорошо отражает текстуру звучания "Room Inside the World". Этот альбом получился более размеренным и рассеянным и гораздо менее резким и напористым. Однако никаких кардинальных изменений на "Room Inside The World" вы не услышите. Ought остались верны намеченному прежде пути, но расширили звуковую палитру и качественнее проработали звук. Теперь их пост-панк стал звучать ещё более нетипично. Здесь появилось место для вибрафона, саксофона, кларнета, хора или длинных дроуновых проигрышей как, например, в "Alice" (которая, кстати, посвящена не кому-нибудь, а Элис Колтрейн). Благодаря всем этом преображениям альбом звучит более приглушённо и при этом более выразительно.
Ought всегда выделялись на фоне других инди и пост-панк групп благодаря очень поэтичной и образной лирике Тима Дарси. На "Room Inside The World" в ней появилось больше социального подтекста, а от этого она стала чуть более мрачной. Вроде "Well here's some liberation, you can order it online / Disaffection is holy / It makes me feel alive" (Disaffection) или на "Pieces Wasted" и "Disgraced in America". Конечно, никуда не ушли из лирики Дарси мотивы одиночества и образ человека пытающегося как-то удержаться в этом нестабильном мире.
The Black Dog - Spanners
(1995, Warp)
idm / experimental electronic
Сегодня слушаем третий альбом британского электронного проекта The Black Dog, из которого в своё время вышел известный электронный дуэт Plaid. Альбом стал вторым релизом для группы на лейбле Warp.
Изначально группа The Black Dog состояла из трёх человек - Кена Дауни (Ken Downie), а также Эда Хэндли (Ed Handley) и Энди Тёрнера (Andy Turner), впоследствие создавших Plaid. В 1989 году музыканты основали собственный лейбл Black Dog Productions для выпуска виниловых пластинок. Затем, выпустив несколько EP и альбом на лейбле General Production Recordings, группа пришла к сотрудничеству с Warp, на котором было выпущено 2 альбома - “Bytes” и, собственно, “Spanners”. На этом история оригинального состава The Black Dog, можно сказать, завершилась. В 1995 году Хэндли и Тёрнер покинули проект, чтобы сфокусироваться на Plaid, а Дауни спустя какое-то время собрал новый состав, но это уже несколько другая история.
Выход альбома “Spanners” пришёлся на самый расцвет IDM-электроники. Aphex Twin, Autechre, LFO и µ-ziq - к середине 90-х все они уже были вполне известны, и в это же время на Warp были выпущены многие замечательные релизы вышеупомянутых музыкантов. Что ж, “Spanners” вполне может составить им компанию.
И пусть музыка The Black Dog не стала такой известной, как всевозможные проекты Ричарда Д. Джеймса, или такой же одновременно мозговыносящей и тонкой, как музыка Autechre; “Spanners” увлекает слушателя немного иным подходом. Как нам кажется, относительно конвенционального IDM (если так вообще можно сказать об этой музыке), этот альбом получился относительно скромным, в то же время он определённо очаровывает своей атмосферностью и продуманностью.
(1995, Warp)
idm / experimental electronic
Сегодня слушаем третий альбом британского электронного проекта The Black Dog, из которого в своё время вышел известный электронный дуэт Plaid. Альбом стал вторым релизом для группы на лейбле Warp.
Изначально группа The Black Dog состояла из трёх человек - Кена Дауни (Ken Downie), а также Эда Хэндли (Ed Handley) и Энди Тёрнера (Andy Turner), впоследствие создавших Plaid. В 1989 году музыканты основали собственный лейбл Black Dog Productions для выпуска виниловых пластинок. Затем, выпустив несколько EP и альбом на лейбле General Production Recordings, группа пришла к сотрудничеству с Warp, на котором было выпущено 2 альбома - “Bytes” и, собственно, “Spanners”. На этом история оригинального состава The Black Dog, можно сказать, завершилась. В 1995 году Хэндли и Тёрнер покинули проект, чтобы сфокусироваться на Plaid, а Дауни спустя какое-то время собрал новый состав, но это уже несколько другая история.
Выход альбома “Spanners” пришёлся на самый расцвет IDM-электроники. Aphex Twin, Autechre, LFO и µ-ziq - к середине 90-х все они уже были вполне известны, и в это же время на Warp были выпущены многие замечательные релизы вышеупомянутых музыкантов. Что ж, “Spanners” вполне может составить им компанию.
И пусть музыка The Black Dog не стала такой известной, как всевозможные проекты Ричарда Д. Джеймса, или такой же одновременно мозговыносящей и тонкой, как музыка Autechre; “Spanners” увлекает слушателя немного иным подходом. Как нам кажется, относительно конвенционального IDM (если так вообще можно сказать об этой музыке), этот альбом получился относительно скромным, в то же время он определённо очаровывает своей атмосферностью и продуманностью.